CHELSEA WOLFE – BIRTH OF VIOLENCE
Si hay una artista sumamente subvalorada es Chelsea Wolfe. Hablamos de alguien que se ha empecinado en una búsqueda constante de sonidos en esta década ha sido la cantautora. Experimental como ninguna, ha ido por un sinfín de sonidos como el darkwave, doom, sludge, industrial, folk, post-metal, gothic, dream pop, noise, y cuanto sonido más se les ocurra, entremezclándolos entre sí a su antojo que es palabra divina. Cada lanzamiento es un mundo único en su especie, y distinto en la carrera de la estadounidense.
«Birth Of Violence» no es la excepción. Wolfe se propuso un álbum predominante acústico, reivindicando el folk y la figura de la cantautora en estos tiempos, y eso, definitivamente jugó con el hype, ya que es un cambio drástico dentro de lo históricamente propuesto. Atención sí, la oscuridad retratada goza de la misma profundidad e impacto y con un añadido de personalidad en relación a la feminidad y sus vertientes –y de paso, deconstruyendo el concepto atrasado de lo gótico–.
Por si fuera poco, esto no es un mero álbum acústico. Hablamos de Chelsea Wolfe después de todo. En su ominosidad, el ambient juega un rol fundamental, añadiendo muros de sonidos que tenues como apesadumbrados logran una compleja masa de sonidos que calan hondo, más los detalles y arreglos de producción que enaltecen el trabajo en niveles. Que más decir, Wolfe la hizo otra vez, y nos brindó uno de los trabajos más únicos de folk del año.
CHARLI XCX – CHARLI
Charli XCX al fin ha logrado manufacturar su obra cumbre, y logrado su trascendencia con ímpetu dentro del pop. «Charli», un trabajo de autodescubrimiento repleto de libertad y goce, se termina por alzar como una de las obras más representativas de dicha faceta más fluorescente y azucarada del pop, pero la cosa no es tan sencillo de describir. Si Robyn con su «Body Talk» logró la obra más grande de la década en cuanto al pop más sintético, Charli XCX acaba de instaurar un hito a seguir en cuanto a bubblegum pop –como algunos catalogan–, que ve su tremenda fuerza en lo desafiante ante los canones del género.
Este último punto es uno interesante de tratar, considerando que Charli utiliza todas las bondades del pop en general, aprovechando sin escatimar esfuerzos sus conexiones con su ala más alternativa e indie así como sus conexiones con los ritmos urbanos. De ahí, ante tanta abundancia, la inglesa encontró la clave en la experimentación en la producción. Conectó todo de forma sublime al jugar con la producción de maneras deliberadamente antojadizas que es digno de productores dementes de la electrónica. Entonces, al tener la demencia que profesan canciones como «Click» y «February 2017«, también tiene el encanto irresistible de sólida génesis de canciones como «Blame It On Your Love» y «1999».
Por otro lado, y aunque no haya sido la intención, Charli XCX se establece como el punto de convergencia entre el lado mainstream del pop con su lado más alternativo. De ahí que la lista de features sea tan grande y con grandes nombres como Lizzo, Christine and The Queens, Troye Sivan, Clairo, Yaeji, Kim Petras, Pabllo Vittar, etc. Discazo.
KENSHI YONEZU – UMA TO SHIKA · EP
Si hay un artista que surgió en Japón esta década de manera explosiva, ese fue Kenshi Yonezu. El producto y multiinstumentista en este breve EP se toma un relajo en cuanto a complejidad en sus composiciones, pero sin mermar el impacto de sus piezas, lo que determina a este «Uma To Shika» como un puñado de canciones sentidas, emotivas y con un carácter ceremonioso –y aún así tan casual– que sólo el nipón pudiese lograr.
En el pasado he hablado como en Japón existe cierta tendencia por los arreglos orquestales, lo que en muchas ocasiones carece de la naturalidad o del elemento sorpresa. Eso no pasa con Kenshi, considerando que en su rol de productor, sabe como depositar detalladamente cada arreglo, contrastando con elegancia con los elementos electrónicos más sintéticos, así como con los orgánicos. Hace falta un álbum de estudio luego.
KORN – THE NOTHING
En 2016, Korn recuperó –al fin– el momentum en sus composiciones con el fresco y furioso «The Serenity Of Suffering». Con dicho antecedente, más el hecho de la muerte de la esposa de Jonathan Davis, hacían prever un álbum de alto contenido emocional y melancólico, y existía cierto hype al ver como iban a condensar y tratar tanta carga anímica, más el lugar en el que están ahora en sus carreras.
La respuesta llega con «The Nothing», un trabajo sentido que si bien en lo estructural sigue siendo el clásico Korn, las composiciones gozan de una soberbia que termina por confirmar el renacer de la banda progenitora del nü metal. Riffs estridentes con un exquisito y rabioso sentido del groove, una sección rítmica incandescente, y un Davis inspiradísimo en la interpretación, llevándonos tal montaña rusa por un torbellino de emociones que sencillamente no afloja.
Sí, este álbum es sumamente fresco, y goza de un sentido de la melodía y de la pesadez tan fluido, compenetrado, y sincronizado que no queda nada más que dejarse llevar. Así, Korn se suma a la selecta lista de regresos estelares que sí recibieron la gloria en este 2019, junto a bandas como Slipknot, Rammstein, y Tool.
(SANDY) ALEX G – HOUSE OF SUGAR
«House Of Sugar» simplemente termina de elevar al pináculo de la relevancia a Giannascoli como uno de los pocos que realmente hacen algo interesante, experimental y evolucionado con el country. Sacándolo del nicho por completo, no sólo existe una lúcida y determinada predilección por el ala más alternativa del género –desarrollada tan a cabalidad en esta década por otros nombres como Orville Peck–, sino que existe cierto añadido de demencia tan natural en términos de producción, al jugar con elementos de la electrónica y tergiversar a gusto con los cánones y directrices dispuestos del género.
¿Qué podría salir de eso? Pues, un álbum de aquellos que uno no se espera. Poco y nada queda del country –al menos el concepto que tenemos internalizado, casi como arquetipo–, sino que un álbum sumamente histriónico –con niveles experimentales a la Radiohead–, pero con una fluidez que encanta y termina por calar hondo. Pedazo de disco, nada más que decir.
THE LUMINEERS – III
The Lumineers cometió un error garrafal previa al lanzamiento de su tercer álbum de estudio, puesto que lanzaron diversos EP’s que ya contenían las canciones del disco en cuestión. Eso, por una parte, puede ser una estrategia comercial en recordarle al público que The Lumineers es una de las bandas de indie folk más famosas y que están de regreso. El tema es que, el tiro se les salió por la culata, considerando que «III» es un LP que estandariza –de manera algo complaciente– el concepto que la banda manufacturó entre sus primeros dos discos –que por cierto gozaban de una frescura única, aún considerando su evidente carácter comercial–.
Es por eso que, este tercer lanzamiento no juega desde la misma vereda que sus predecesores. No existe el elemento sorpresa, y al parecer los británicos no quieren aflojar en soltar la fórmula que les valió la fama. Esperemos que sea sólo un obstáculo en su carrera, y quién sabe, quizás a futuro se manden una evolución a la Ben Howard –como con su disco del año pasado–. Pero por ahora, «III» no emociona con el mismo vigor de antaño.
JENNY HVAL – THE PRACTICE OF LOVE
En el séptimo álbum de la noruega, Jenny se da un momento de entablarse en un aspecto más íntimo pero sin bajar el nivel de impacto y ominosidad por nada del mundo. Al más puro estilo Björk, «The Practice Of Love» juega con la vanguardia del pop entablando melodías exquisitas que contrasta muy bien con el aspecto más experimental, logrando un espectro de sonidos que perfectamente puede ser el producto de una colisión singular del espectro de colores con una escala de grises.
Sí, este álbum goza de espíritu propio, invitando al oyente a sumergirse en los paisajes retratados que distan bastante de la realidad común, pero que de alguna manera, entiende la complejidad del amor en la vida de las personas, y en ese sentido Jenny Hval da en el clavo de manera tan excepcional, que la conexión es inmediata y «The Practice of Love» se convierte en el manifiesto moderno de lo que el amor con todas sus vicisitudes comprende para la humanidad.
ALEX CAMERON – MIAMI MEMORY
Con una interpretación evaluada minuciosamente entre la diversidad de personas y entidades que personifica Alex Cameron en este «Miami Memory», el cantautor nos lleva a través de un atípico humor lírico que se materializa en un rock popero que colinda de cerca con el new wave, pero con una peculiar narrativa sonora que se encarga de acrecentar aún más el elemento de personalidad dentro de cada canción, según la perspectiva humana que haya adoptado Cameron.
Existe una variedad retratada principalmente en los matices propiciados por lo dicho anteriormente, lo que se entromete de lleno con nuestra curiosidad y atención a ver como el artista se hace con distintas caras que uno puede ver en esta sociedad, y nos entrega su comprensión. Bizarro, sí. Disfrutable, también. Buen álbum.
SEVENTEEN – AN ODE
SEVENTEEN finalmente da en el clavo con la formulación de una propuesta homogénea y rica en matices que fluyen como vaivenes emocionales dispuestos a llevar al oyente desde el más vibrante de las fiestas, hasta la más íntima de las reflexiones. Pero, ¿cuál fue la clave? Eso es sencillamente que la boy band finalmente encontró el lugar donde cultivar sus talentos, y crecer desde ahí. Así las cosas, el electropop se manifiesta como el secreto –ante sus narices– en el que las diversas personalidades de la banda encuentran un lugar donde brillar, y complementarse entre sí mismo.
Si tienen que ser agresivos y con actitud, lo harán. Si tienen que ser melosos y pausados, lo harán. El asunto es que SEVENTEEN finalmente logró un trabajo ordenado y cohesivo que corresponde al estatus que ostentan. Faltan riesgos sí, pero esto está bueno después de todo.
MEN I TRUST – ONCLE JAZZ
El asunto en este tercer disco de la banda canadiense, es que han hecho hincapié en la manufacturación prolija de detalles de producción que vienen a embellecer y entregar una narrativa abstracta y artística a este indie pop bien sofisticado, que contrasta con ligereza con el minimalismo emotivo-lírico.
Men I Trust es una agrupación que merece más atención mediática –y de paso, dense una oportunidad de escucharlos–. Definitivamente se ajustará a aquellos momentos de tranquilidad que requieren de cierta actitud fluida únicamente con un groove irresistible. Aquí convergen vestigios del R&B alternativo con toques de indie pop saborizado con tintes bien dreamy. Nuestra atención esta puesta encima, pues vaticinamos –fácil– un salto a la consolidación en la próxima década.
SAM FENDER – HYPERSONIC MISSILES
Curioso es, como bajo el radar se ha concentrado poco a poco una seguidilla de artistas que vienen a recobrar el legado del pop rock setentero británico, al más puro estilo de nombres como Rod Stewart, Elton John y Phil Collins. En este caso en específico, Sam Fender viene a dar una fresca revisión del asunto añadiendo a los filamentos genéticos del género ciertas directrices de la lógica de autor actual. Algo más indie y alternativo, que se acerque con braveza al imaginario juvenil.
«Hypersonic Missiles» sabe lo que hace. Entabla canciones memorables, que si bien es tímido en riesgos, profesa una soberbia escritura y composición sobre sus piezas, lo que es más que suficiente para un fenómeno que recién se está gestando. El futuro es prometedor.
JPEGMAFIA – ALL MY HEROES ARE CORNBALLS
En esta era donde la ansiedad, la sobrecarga de información del internet y la inquietud que eso conlleva, JPEGMAFIA se establece como un receptor de dichas vicisitudes, dando en el clavo en ese torbellino de ideas y sensaciones provocados por la cultura del ciberespacio.
Como buen millennial, la experimentación dentro del amplio campo de acción del rapero, representa de cierta manera esa intranquilidad, esbozando también como un fino hilo conductor elaborado de melodías benevolentes, que en el contraste muestran ese aspecto álgido entre lo tosco y denso representado en extrañas métricas, una producción estrambótica en la que las bases industriales juegan un papel fundamental, patentando así, la marca registrada de JPEGMAFIA.
«All My Heroes Are Cornballs» sigue en esta acelerada senda del rapero en el que empuja límites una, y otra, y otra vez, viendo en este aspecto nerd, como sumamente volátil y apasionado un vendaval del rap que representa de manera transversal. Olvídense de todo, el rap experimental es un hecho y está avanzando a paso firme al mainstream.
PIXIES – BENEATH THE EYRIE
Algo de oxigeno le hacía falta a Frank Black para gritarnos al fin desde su estela mejor plasmada al sonido «Pixies» que tantos y variados devotos dejó a lo largo y ancho del planeta. Canciones simples pero complejas, secuenciadas por un conjunto rítmico de otro planeta. Algo de eso hay en ‘Beneath the Eyrie, el que perfectamente podría pasar como el álbum regreso de la banda -sin contar sus dos anteriores placas-, porque precisamente así se siente. Atemporal, Indie fuera de foco, esta nueva aventura de los Pixies posee encanto y garra como el mejor regalo a estas alturas, dejando dos verdaderos himnos a sus extensos set como «Catfish Kate» o «Los Surfers Muertos». Sin innovar del todo, el grupo de Boston apunta a seguir agregando nuevos sabores a su potente cancionero, siendo esta una buena oportunidad para que tanto la banda como los fanáticos se encontrasen nuevamente con la importancia de llamarse Pixies.
LLUVIA ACIDA – EL CAMINO DE LA MEMORIA
Sobre la raíz inmutable de su esencia y cercanía con las raíces étnicas, Lluvia Acida nos convoca en un viaje ambiental repleto de detalles y paisajes fuertemente influidos por la tragedia de una perdida, en manos del terrorismo de estado. El camino de la memoria precisamente relata a través de un documental, un recorrido por aquellos horribles lugares en donde la dictadura de Pinochet detuviese y torturase a personas en la zona Austral del país, siendo el sentir de paz y deseo de justicia que emana del sentido sintético de la música misma, lugar desde donde Héctor Aguilar y Rafael Cheuquelaf dejan este testimonio sonoro lleno de raíz y corazón. Un excelente soundtrack para otro gran documental chileno lanzado en 2014, que ve en esta puesta de sol una esperanza silenciada por años, y que hoy reclama verdad y justicia.
MIKE PATTON & JEAN-CLAUDE VANNIER – CORPSE FLOWER
Para abordar los variados proyectos de Mike Patton, es necesario quitarse cualquier pre concepción y afrontar lo que pueda entregarnos el cantante, siendo desde luego un nuevo disco de Cueca a la Italiana o la mejor versión Trap Latino de calle junto a Pablo Chill-E. Corpse Flower representa un terreno que le viene como anillo al dedo al creador en una faceta que aborda géneros cercanos a la primera mitad de siglo XX e incluso antes, siendo una colaboración junto a Jean-Claude Vannier elevada al tono Pop Frances más radical y encantador. De la misma escuela de Serge Gainsbourg, emana una más de las tantas facetas a las cuales puede conquistar la versatilidad vocal de artista, teñida por un color cinematográfico o hasta de musical.
CONEJO ESQUIZOIDE – NIMIO
La genética molecular que componen la visión abiertamente internacional del aspecto Math técnico y detallista de este Conejo Esquizoide, aflora desde el viaje musical que significa abordar Nimio, con tantos caminos por tomar y varias direcciones donde profundizar. La composición de este primer Ep viene además acompañado del aporte vocal de Veroferk, jugando un rol importante capaz de aportar en tantas tonalidades, siendo ambas partes beneficiadas por este enorme esbozo de maestría artística llamada Nimio. Un EP de grandes momentos y sobre todo, demasiado potencial que perfectamente puede llevarlos a grandes hazañas.
METRONOMY – METRONOMY FOREVER
En Metronomy Forever aparece la palabra autor por cada rincón por donde salten los bits salteados ligeramente al ritmo holográfico que nos expone el genio creativo de Joseph Mount. Tal vez tomase prestada su experiencia al co-producir lo que fue Honey de Robyn hace un año, para encumbrar su propio camino por todos los enfoques musicales que el sonido de Metronomy haya surfeado en su carrera, mostrando canciones tan monumentales como «Lately», revelando sofisticación Pop en «Walking in the Dark», incluso bombardeano hits en «Salted Caramel Ice Cream», argumentando casi por capricho el mejor esfuerzo creativo de la banda en años. Bienvenidas nuevas temas al cancionero de la eterna Rave contemporanea que nos ofrece este Metronomny Forever.
TRAVIS MORENO – HOLOGRAMA
Bienvenidos a Holograma, uno de esos clásicos instantáneos de la memoria musical nacional que logra cohesionar de una manera vibrante con una experiencia de mucha voz y rítmicas abundantes en historias por contar; temáticas que tratar. En este álbum vive el espíritu primordial del sonido Travis Moreno, una institución que encanta por su parada visual en la música misma, la que de seguro adquiere otro caracter dentro de los logros que emana desde la propuesta movediza y catártica estampada en el nombre mismo de la obra. Escuchen el disco, y mejor aun si pueden ir a ver algún show puesto que el grupo está haciendo cosas importantes.
DEVENDRA BANHART – MA
MA es en sí, una obra que habla de raíces desde el aspecto acogedor de sus canciones hasta los limites musicales/visuales a los que apunte. En una lucidez de autor, Devendra Banhart nos lleva por una narración repleta de todos los aspectos magnéticos y esotéricos de su música, focalizando las direcciones a las que tempranamente apunto y que pareciera haber familiarizado a su vocablo sonoro. Una muestra tras otra del encanto Pop universal de Banhart, a la hora de transmitir sus composiciones, sacando el aire en reiteradas ocasiones, ahogando lamentos en otras. Desde luego pueden in anotando sus favoritas, si el encanto Nipón de «Kantori Ongaku» no basta, pueden sucumbir ante «Memorial» o incluso «Taking A Page», aquí pueden encontrar a un autor más cercano y equilibrado, reflexionando sobre el hecho de que a sus 38 años nunca podría convertirse en padre. Consejo, siempre se puede adoptar.
MANO HUMANA – NECRÓPOLIS
El enfoque del Heavy Metal más clásico y obrero de Mano Humana culmina en un álbum que acoge la potencia de manera dinámica y totalmente directa. Necrópolis retumba en cada aspecto de la realidad sonora a quienes aborden sus tremendas canciones, que bombardean una tras otra canción, una condición de sabiduría sobre el como se compone metal en la actualidad, mostrando originalidad y un sonidos equilibradamente demoledor. «Malattia», «Ley de Cerdos» o «Superavit», tantos son los temas que aporta Mano Humana a la escena que ven un verdadero himno de lucha como en «No Vomite La Materia», siendo parte de las tantas cosas que como banda son capaces de contarnos. Pónganlo al máximo!
SAMPA THE GREAT – THE RETURN
Al escuchar el debut de Sampa, The Great nos encontramos frente a una Rapera que aborda sin miedo, sus pensamientos de vida, testimonios, críticas y visiones sobre sí misma y para con su entorno. Una declaración de principios repleta de tonalidades y sonidos que exploran el R&B más inspirado y el Hip-Hop en su época dorada, adquiriendo una densidad magnética capaz de traspasar el posible camino musical a futuros y contemporáneos, forjando con carácter y una densidad de autor bastante potente. The Return marca una pequeña sacudida a la evolución del género, siendo a estas alturas equiparable en aporte a nombres como Rapsody o Little Simz. El aspecto universal de «Mwana» o la catarsis de «The Return» en sus 9 minutos, desafían las bases del genero, exponiéndolas a niveles peligrosos de pomposidad y personalidad, siendo «OMG» un lugar de encuentro para salir a montar la Rave callejera más intimidante de tu barrio.
SILVERTOWN – SPACE MIST
Hay una mezcolanza intrigante de ideas en lo que hace Silvertown en su música, siendo curadores de una versión tan propia del Rock como explorativa en alcances más cercanos a la experiencia misma narrada por las armonías y puentes que un grupo pueda ofrecer. Así nos lo hace saber la gran opertura en «Enemies», contagiando una aura atrapante y soñadora que encuentra refuerzos en otro numero importante de canciones que cohesionan la esencia misma de la banda, Apuntando a una melancolía luminosa en otros cortes como «Another Way to Die», Space Mist se ve fortalecido gracias a la labor como obra que aporte para el grupo. Silvertown casi de manera inmediata queda guardada en la memoria colectiva imperante de la escena, aportando un viaje dinámico y mágico.
MAX HARDY – OSCURIDAD · EP
Bienvenidos a Oscuridad, un EP que captura fácilmente la sutileza artística dentro de un imaginario en donde tranzar idas a la Blondie con lamentos personales, en medio de un bucle anímico tan oscuro como fiestero. Con referencias a Backstreet Boys y texturas cercanas al Nu-Disco y el Future Funk, Max Hardy funciona como un receptor innegable de grandes ideas bien expuestas, adquiriendo tonalidades e intensidades Pop entre luces artificiales e himnos de ciudad, siendo el aporte vocal de Victoria Mus esencial para plasmar las ideas de un productor totalmente renovador.
Escritas por:
Jota: Desde Chelsea Wolfe hasta JPEGMAFIA.
Felipe: Desde Pixies hasta Max Hardy.
