BAT FOR LASHES – LOST GIRLS
La música de Bat For Lashes siempre ha encontrado complejidades en gran medida, a su enorme fuerza visionaria que más de una reproducción hay que brindarle, sin embargo para su quinto trabajo, la artista se muestra mucho más abierta a sí misma, indagando de manera frontal con un universo musical totalmente renovador a sus propios deseos. Lo personal entrega una carta de amor abierta hacia los sonidos futuristas de los 80’s, con una alta carga de Synth-Pop o New Wave a cargo de un motor Sci-Fi profundo, alienado y sobre todo, repleto de geniales composiciones. En Lost Girls abundan las vibras sintéticas, al pulso enajenado de un montón de propuestas vibrantes y lamentos nostálgicos, cada uno de estos tan revelador como intrigante. Una continua banda sonora de matrices góticas y oscuras, en donde los demonios de «The Hunger» o «Kids in the Dark» dan un paseo junto a los toques movidos de «Feel for you» o la épica instrumental de «Vampires», con un saxo tan simbólico como despiadado. Un homenaje con sabor a victoria.
EARTHGANG – MIRRORLAND
La cuna de riqueza musical y cultural de la comunidad Afroamericana que viste Atlanta hasta la fecha, sirve sin dudas para que el dúo EarthGang (Olu y WowGr8) desenfunde un número no menor de proezas en donde la diversidad sonora, atraviesa cada rincón del álbum, encontrando en sí misma una mina de oro para el Rap de aquellos lados. Mirrorland muestra una fuerte influencia por la versión ‘negra’ de El Mago de Oz de los 70’s -con Quincy Jones, Michael Jackson y Diana Ross a cargo-, generando una oleada de irrefutables beats cargados de líricas extrovertidas que no hacen más que celebrar la herencia Afro, junto al papel fundamental de la historia repleta de injusticias, racismo y abusos. Las celebraciones confrontan un lado salvaje, a la par de temas que ofrecen una dinámica de géneros tan ambiciosa como coherente, gestando un álbum que respira hondo y nos echa una bocanada de aire fresco digna de cualquier clásico de la zona.
FRANKIE COSMOS – CLOSE IT QUIETLY
Las reflexiones de una adolescente atormentada por el peso de su edad en su temprano éxito Indie, adquieren latitudes totalmente frescas y maduras, pero existenciales y hasta nihilistas en sus corte mejores logrados en Close it Quietly. Abanderada con una fuerte posición de autogestión compositora, Frankie Cosmos aborda la difícil tarea de mirar hacia atrás, hacía adelante, hacía el mismo lugar en el que se encuentra, y dar un testimonio abundante de elocuencia sobre los tumultos y heridas personales y con su entorno, liberando un sentir mucho más audaz, crudo pero igual de certero que en sus primeros trabajos. La obra adquiere sentido junto al contexto que traspone Greta en sus líricas, abiertas a escupir y amar como una moneda constante que puede caer por ambas caras, sin oxigenar demasiado lo ambiguo, apostando por una cosecha directa y en ciertos momentos, sanadora.
IGGY POP – FREE 
Durante toda su carrera, Iggy Pop ha danzado principalmente con el Punk salvaje, el Pop distorsionado y un fuerte sentido de la experimentación guitarrera dentro de los límites convencionales de su obra; sin embargo el carácter más íntimo y cercano al Jazz ha desvelado un papel totalmente complementario, a pesar de sus potenciales distanciamientos consigo mismo. Free parece dar una vuelca de tuercas, siendo la faceta más enérgica algo agotado en su propio genio artístico, siendo momento de encontrarse con la inspiración misma de una obra que recorre los ambientes más escamosos y liberadores en un reflexivo cúmulo de ideas que sacan de quicio a cualquiera. Así nos hayamos con un álbum poco entendido, pero de gran coraje, tan necesario como una pausa para hablarnos desde el interior. Leron Thomas es el compañero ideal en el saxo para que Iggy cultive su faceta más docta y hasta personal.
IDK – IS HE REAL?
IDK nos deja la gran interrogante que debemos resolver por nosotros mismos sobre si su álbum debut ‘Is He Real?’ es o no uno de los grandes aciertos de esta temporada, o más bien es un caos en todos los sentidos. Ambas aseveraciones parecen resultar ciertas puesto que el Rapero de Maryland nos ofrece un concepto sobre religión y pensamiento, en el que aparecen ideas bastante poderosas, así como diálogos inscritos con pasión y entrega sobre diversos temas que si bien insisten en la idea de revelarnos cosas, no terminan por cuajar nada en la sustancia misma del disco. Es quizás este desorden y poca claridad, que termina por opacar un trabajo que en sus principios nos dice mucho pero que a las finales, sucumbe ante su propio peso.
GHOSTFACE KILLAH – GHOSTFACE KILLAHS
Es innegable el legado de Ghostface Killah en el mundo del Rap. Álbumes como Ironman (1996) o Supreme Clientele (2000) han hecho del miembro del Wu-Tang uno de los más inspirados y rompedores en el ámbito solista. Sin embargo y más allá de notorios proyectos colaboradores, este regreso a las pistas con ‘Ghostface Killahs’ parece poco aportar a su leyenda. Si bien encontramos canciones dignas de su mejor repertorio como la incendiaria «Me Denny & Darryl» o «New World», hay demasiados puntos bajos en este disco, siendo demasiado poco enérgico, algo cómodo y carente de sentido. Punto aparte son algunas de las líricas de carácter homofóbico que más allá de gestar algo, terminan por restarle relevancia e importancia, como si de un niño mimado se tratase.
MAHALIA – LOVE AND COMPROMISE
Love and Compromise ve la luz con un hype innegable. 8 años tardamos para escuchar al fin el disco debut de Mahalia, la cual nos muestra una intensa y personal muestra de su eterno cariño por la composición e interpretación, mostrándose natural, apasionada y bastante crítica con ciertos temas. La cantante Inglesa aporta una visión mucho más propia del R&B, exponiendo cómo el amor se ha ido moviendo entre sus líricas, sonando impactante, radical pero amablemente confortante. Un álbum que si bien no ha sacado a relucir el enorme potencial de ella, ya nos va desvelando los pasajes auspicioso que provocan sus canciones, con una carga emotiva y melosa digna de las más grandes.
EL INTI – LA FUERZA
Existen un montón de elementos a destacar en la música de El Inti, proyecto liderado por Alexis Maureira, capaz de transmutar un sinfín de elementos con tintes folclóricos, de raíz y tierra, con la astucia de un sentir programado dispuesto a observar y recrear ambientes al filo de la electrónica. La Fuerza cuenta con 8 canciones en donde la fusión adquiere relevancia magnética, a través de cortes extensos en ideas y temáticas, al borde de la mística tras producciones directas, las cuales se van acoplando a los tremendos detalles que se logran percibir en joyitas como «Turquesa», «Lapislazuli», entre otras. Este trabajo está pensado para ser escuchado con paciencia, pues así es más fácil sentir los pulsos de la tierra a través de la magia misma de El Inti.
OCULTUM – RESIDUE
Los Jam eternos a los que Ocultum nos tiene el agrado de invitar, cuajan en tan solo 4 canciones de extra duración (9 a 15 minutos) capaces de hacerte volar la cabeza con una mezcla profana e intensa de Doom, Sludge, Metal y Stoner, en una visión que arrastra la psicodelia a los paisajes devastados y oscuros de ‘Residue’. Con tan solo unos minutos, vamos girando por entre tonalidades que premian la oreja más Rock, en base a un viaje épico de características ruines y bestiales, en ácido, dispuesto a tragarse al mundo con sus inagotables gritos y cánticos guturales. Suena bien, suena potente y pausadamente fuerte; imaginen escucharlos en vivo canciones que nacieron precisamente para esto, aprovechando las bondades del estudio a la hora de exprimir la mente más trabajadora de una banda con harto que decir.
THE POWER OF THE PUDÚ – EL VIAJE DEL PUDÚ
Hoy les traemos El viaje del Pudú, un EP capaz de fortalecer aspectos clásicos del Power Metal en base a un viaje sonoro por las tierras del legendario Pudú, animal que ve en este trabajo, un homenaje innovador en donde la paleta de virtuosismo propia de la banda, se muestra abierta al himno y el cántico más épico de todos. The Power of the Pudú es sin dudas una de las apuestas más comprometidas con la evolución del género en Chile, forjando un carácter bastante bien producido donde las batallas y las marchas de caballeros, son remplazadas por nuestros propios exponente, entablando un dialogo con el Folk y las raíces de Latinoamérica de muy buena forma. Si, canciones como «El La llama altiplaneta» o «El vals de la hermandad» son temazos, sin embargo cada corte refleja un todo desde su concepción, siendo el clímax esa bestialidad llamada «El tango de la lluvia».
CARLOS GONZÁLEZ – CANCIONES DE PLÁSTICO
Existen ciertos cantautores que exponen sus experiencias y reflexiones como cantos alados que viajan de un lado a otro, por cada emoción latente en el cristal de sus líricas y está el caso de aquellos que van un poco más dentro de si mismos, reflejando el acontecer más certero y real de cualquier autor en apuros inspiracionales. «Canciones de Plástico» formula un tejido de canciones simples, grabadas en solitario por Carlos González, las cuales acogen claroscuros en el dinamismo de sus sonidos, capaces de expresarlo todo en tan solo unos cuantos minutos. Son 7 temas pulidos desde la gracia misma de un músico abierto a su corazón, con armas tan efectivas como la voz y la guitarra, dispuesto a hacer de sí mismo, un cancionero autentico y elevado.
DIMITRI ORLOFF – AMPARO · EP
La tecnología al amparo de los más hambrientos buscadores de sonidos como el Chileno-Ruso Dimitri Orloff quien expone sus credenciales dentro de la música sintética, como un torbellino de fuerza y coherencia encapsulada en solo dos cortes, cada uno más revelador que el otro. Un trance propagado por «Defensa» y «Concilio», dos títulos que exprimen la fugacidad de sí mismas, en pos de un producto dispuesto a conservarse fresco por las rítmicas constantes y los vaivenes de secuencias expuestos en él. Amparo es un trabajo que deberías escuchar si te gusta que la electrónica sea un desafío mas que un baile; una experiencia por sobre todas las cosas.
DENIGRANTE – ABISMO
Chile es una cuna inagotable de bandas que exponen lo mejor de sí, en base a sonidos directos, rápidos, cercanos al Hardcore y el Crust, aunque muchas veces el resultado termine siendo uno más del montón. El caso de Abismo, trabajo lanzado por Denigrante posee todos los ingredientes para transformarse rápidamente en un clásico de culto en la escena y las tocatas. Sus letras avanzan como una flecha que rápidamente apunta su rabia contra el mundo que vivimos, con todas sus injusticias y farsas; un testimonio más impactante que cualquier molotov. ‘Abismo’ está cargado de canciones inmediatas, con cierto enfoque en la forma de expresar la música cercana a grupos como Los Crudos, aunque lo de Denigrante es aplaudible por sí mismo. No necesita comparación, más que la acción de propulsar un enfoque necesario e incendiario.
LOS RÍOS SÓNICOS – RESPLANDECETODO
La gesta que significaría lanzar Resplandecetodo pareciera ser titánica. Desde una crónica escrita por Vik LancorÉ se narra los diversos obstáculos que debieron sortear los miembros de esta extinta banda que no podía dejar pasar la oportunidad de dejar evidencia del excelente trabajo como banda de Los Ríos Sónicos. Las 10 canciones que componen el álbum, nos hablan de todo desde experiencias hasta temáticas más cercanas a los gustos de sus miembros, siendo el Rock y las guitarras el hilo conductor por el cual se van abriendo paso por diversas formas de manifestación musical capaces de transmitir demasiadas cosas. Esta obra se siente como una victoria luego del fin, todo lo cosechado al fin tuvo sus frutos y los miembros encargados de esta placa no pueden estar más que orgullosos de lo entregado.
NUNCA SEREMOS DICHOSOS – KOLLONG
Las cosas para Nunca Seremos Dichosos empezaron a lucir de manera particular al viralizarse –de cierta forma– su canción «Mawiza Ñi Piwke» como la primera pieza de metal escrita en su totalidad en mapudungún. No sólo eso, sino que tanto sus fans de antaño como aquellos que quedaron enganchados con el concepto, percibieron expresamente la evolución en el sonido que en dicho sencillo se encontraba a muchísimos pasos por delante del metalcore –bien único por cierto– de su anterior placa, «Tierra» (2017).
No es como si no se haya percibido el potencial de «Kollong» en los singles lanzados con anterioridad, pero para ser honestos, nadie vio venir la verdadera hecatombe musical que significaría el segundo elepé de los chilenos. En lo estrictamente musical, esto puede ser perfectamente retratado como uno de los grandes pináculos del metal extremo en Chile, y porqué no, a nivel internacional. Digo, «Kollong» es una quimera furiosa que condensa con estricto detalle distintas aristas del metal extremo, tales como el death metal técnico al más puro estilo de Gojira, el particular thrash de Sepultura, así como también permanece la herencia de sus inicios más ligados al metalcore.
Pero por supuesto, lo que sucede en «Kollong» no es por ningún motivo copiar y pegar. Hay una permanente sensación de trascendencia en la que narrativa combativa, rabiosa y urgente surge como una respuesta fulminante ante siglos de represión y saqueos a los pueblos indígenas, que termina por elevar la esencia propia de la banda en lo que decanta en una elaboración única de metal extremo.
Todo suma, todo tiene un propósito, todo se entrelaza en una compleja encrucijada de lo más fascinante con la sobrenatural habilidad de despertar los ávidos deseos de recuperar lo quitado, lo que nos corresponde. Los arreglos complejos que fluyen como un río desbordándose, los detalles de instrumentos autóctonos, las líricas en mapudungún y español, las estructuras rítmicas con clara influencia del folclor nacional.
Nunca Seremos Dichosos engendró su obra maestra, una que dejará marca en la historia del género a nivel nacional –urge que el mundo entero conozca de este álbum–, y que, por las vicisitudes de la vida, se convierte en el soundtrack diario para mucha gente que está luchando desde sus distintos frentes en el presente estallido social en Chile.
MUNA – SAVES THE WORLD
Con mayor conciencia sobre la personalidad y el amor propio, MUNA inyecta con nuevas vibras su música que en este «Saves The World» reviste de un pop vívido ligado al ala más sintética del género, luciendo en demasía la maduración en términos de producción, logrando melodías cálidas y joviales, bajos rimbombantes y unos beats de esos que resuenan en el cuerpo.
Hay más fuerza, más atrevimiento y más ganas de tomar el mundo por las manos aún con la fragilidad del ser tan presente en los pensamientos de la banda. El cómo contrastan el synth-pop con la electrónica, difuminando sus fronteras teóricas y permaneciendo como uno solo a causa de la presente identidad alternativa de gente que dejó atrás de una buena vez por todas la timidez.
POST MALONE – HOLLYWOOD’S BLEEDING
Las diversas influencias de Post Malone relucen con lucidez –y uno que otro ápice de ansiedad– en este tercer álbum que no sólo se involucra con la ya exitosa –aunque bastante predecible– fórmula de trap y pop de parte de Posty, sino que ahora se mete en la fórmula de manera agresiva el rock.
Así las cosas, «Hollywood’s Bleeding» nos muestra al rapero mucho más libre y juguetón con sus propósitos. Sus letras siguen sudando esa esencia triste y emo, pero en lo musical, definitivamente vemos como Malone se lo está pasando de lo más bien. La subida de estatus en el mainstream no sólo le ha significado hacer lo que le plazca –de ahí a que gracias a Post Malone se haya visto lo poco de rock en presentaciones como la última ceremonia de los Grammy a la fecha–, sino que definitivamente hizo uso de la envergadura de su red de contactos en este momentos, teniendo invitados como Future, Young Thug, SZA y Halsey. Es decir, sólo Post Malone ha sido capaz de tener a Travis Scott y al mismísimo Ozzy Osbourne en una misma canción. Todo un niño en una dulcería.
Por otro lado, sí es cierto que los vicios estructurales en términos de predictibilidad persisten, así como también los desperfectos en sus letras. Dicho sea de paso, «Hollywood’s Bleeding» es un álbum polémico por su coqueteo con el rock, lo que para muchos ha significado que el rapero ha perdido el foco –y puede que algo de eso sea cierto–, pues se percibe cierta apuración y ansiedad en las ideas pero al mismo tiempo acaba de expandir significativamente su campo de acción a futuro. A ver como la hace.
OGRE YOU ASSHOLE – ATARASHII HITO
OGRE YOU ASSHOLE en este nuevo LP se toman las cosas con particular relajo y cierto desapego ante el aspecto más accesible de su propuesta. Así, la manifestación de sus habilidades obedece ciertas directrices psicodélicas de muy pausada ejecución como una amable pincelada en un lienzo de arte abstracto. Sí, y es que los nipones parecieran que aprovecharon esta oportunidad de hacer las cosas de manera algo más distinta, obrando en manera opuesta ante muchos canones de la música, al menos, en lo que a visión respecta.
Puede que en ocasiones hayan exacerbado innecesariamente el minimalismo, pero al mismo tiempo –y de inmediato hacemos la advertencia– este no es un álbum que se escuche de manera casual. Al menos no de manera tan ligera y desprevenida. Hay que mentalizarse, puesto que los páramos sonoros dispuestos toman lo conocido y lo llevan a aspectos lejanos.
MIZMOR – CAIRN
Como una de las entidades más enigmáticas del black metal, Mizmor toma todo a su paso para hacer de «Cairn» una experiencia única que enhebra fino entre cualquier concepto previo del género, así como de la música en general. Este nuevo esfuerzo discográfico es uno que realmente hace de la tristeza y la desesperación verdaderas fuentes de infinitud creativa haciendo su propia acepción de lo cinematográfico, en clave blacker claro está.
Pero intentemos describir esto. En lo específico, tenemos un black que si bien se decanta por las disonancias, no teme en absoluto a ser melódico, así como también todo el peso anímico y sentido del doom que se entrelaza una y otra vez con el drone. De ahí que esta obra tenga cierto carácter abstracto, puesto que todo tiene un significado que se ajusta al momento en que se escucha. El caos mismo. La pureza del silencio. Los gritos agudos, desgarrados y desesperados. Todo tiene un papel en este entramado fascinante que viene a confirmar el carácter experimental de la música –y que en esta ocasión goza de un minimalismo delicado, a pesar de lo tremendamente estruendoso que puede llegar a ser–.
DEATH CAB FOR CUTIE – THE BLUE · EP
Puede que Ben Gibbard y compañía hayan percibido cierto estancamiento en su capacidad compositiva que quedó más que en evidencia en «Thank You For Today» (2018), con canciones que pregonaban buenas ideas pero nunca terminaban por despegar.
En este «The Blue» pareciera que al fin se decidieron a hacer algo al respecto, llevándose a sí mismos a un regreso a esos sonidos que manufacturaron en el pasado y que les significaron la grandeza. Así, finalmente volvió cierto dinamismo en sus composiciones, lo que trajo de vuelta los matices y las sorpresas.
Ahora, no está la misma vitalidad de antes. Más que un riesgo, se percibe como una movida a la segura, pero más allá de lo que eso pudiese significar puntualmente, también es real que este EP puede ser ese paso precavido que necesitaban para agarrar confianza y ser más bravos con sus próximas aventuras discográficas. A ver qué sale.
KOUTEI CAMERA GIRL DREI – BE THERE · EP
Las niponas en este breve EP –de sólo dos canciones– siguen trabajando com ímpetu su propuesta que contrasta tan enérgicamente la electrónica, el pop y el rap. Así, «Be There» al parecer jugará un papel fundamental a futuro ya que el trío al parecer dio en el clavo para entablar una propuesta mucho más homogénea y cohesiva.
Hablamos de que, usando las proposiciones rítmicas en materia de beats del rap y ritmos urbanos, aprovechan las bondades en materia de producción de la electrónica para matizar y fortalecer el aspecto popero de todo esto. Si bien son sólo dos canciones y no tiene mucho sentido decir que es un lanzamiento ordenado, esto con claridad se va a traducir a futuro en el ADN de Koutei Camera Girl Drei, y eso no es nada más que grandiosas noticias, puesto que desde una base más que sólida presentada acá, todo lo que deseen añadir a modo de arreglos, detalles, plot twists sonoros, será para un producto aún mejor.
CATTLE – SWEET DREAM, TENDER LIGHT AND YOUR MEMORY
Ya lo hemos dicho. La escena shoegaze en Japón es cosa seria, y este ansiado primer larga duración de Cattle viene a aportar con su granito de arena y enriquecer dichos sonidos por las tierras del sol naciente.
«Sweet Dream, Tender Light And Your Memory» desprende dulzura, gentileza y una incalculable humanidad en cada nota tocada, cada melodía desprendida y cada palabra cantada. Los nipones, de cierta forma, elaboran una forma vívida y uplifting del género, sacándolo un poco de su faceta clásica que destaca por su seriedad, intensidad y melancolía. Es por eso que, con ciertas bondades del garage y el indie rock, el shoegaze y sus bellos muros de sonidos toman un aura mucho más distinta, materializándose en un catalizador en el que todas las emociones son bienvenidas.
PEOPLE IN THE BOX – TABULA RASA
«Tabula Rasa» es una verdadera oda a la pasión por la música, el cómo esta se gesta y como los músicos ponen toda su pasión en arreglos que hacen de sus canciones vívidas, sorprendentes y aventureras. Ciertamente es difícil entablar este nuevo LP de People In The Box en algún género en específico. Hay indie, algo de art pop, folk, chamber pop, así como una fuerte herencia teórica del jazz en sus composiciones, lo que lleva a dinamizar de manera excitante la estructura y sus arreglos. El piano utilizado en gran parte, no sólo obedece una directriz melódica y armónica, sino que en el proceso toma cierto papel protagónico en la rítmica.
Así, People In The Box nos entrega un verdadero abanico de sonidos que fluyen, se retroalimentan y crecen juntamente mientras el timing de «Tabula Rasa» corre. Por eso que jamás se aburrirán escuchando esto, porque cada canción tiene una historia particular y una forma única y polimorfa de contarlas.
FTISLAND – ZAPPING · EP
«ZAPPING» representa la última movida de estudio de FTISLAND, puesto que Hongki, uno de sus miembros, entrará al servicio militar obligatorio surcoreano, significando la entrada en hiatus de parte de la boy band. El cómo se expresan y desenvuelven en este nuevo esfuerzo discográfico, es por lo menos, con escándalo.
Sí, antes de cualquier alago, es importante dejar en claro que persiste una estructura predecible, así como el uso cliché de los arreglos orquestales y el formato balada. Pero, aún con ello sobre la mesa, no pareciera importar, porque existe una real expresión del alma en las interpretaciones vocales de cada uno de los integrantes, desviviéndose en sus labores y dejando en lo más alto sus pasos luego de dejar en pausa sus carreras por un tiempo. Nada más que desearles lo mejor.
FOR TRACY HYDE – NEW YOUNG CITY
En este mismo compilado veíamos como Cattle hacía de los suyas con un shoegaze vívido, uplifting y minimalista. Dentro de esa misma arista en entablar formas de dicho género más motivadas y rápidas –manteniendo la candidez por sobre todas las cosas– es que aparece «New Young City», el tercer álbum de estudio de For Tracy Hyde.
Aquí existe cierta novedad y proposición. La banda nipona unifican en un propio sonido el shoegaze con la faceta más evolucionada del j-pop, logrando un sonido realmente único y exquisito que revierte el minimalismo del shoegaze con el dinamismo incesante de los arreglos y detalles que propone el otro género, permitiendo un flujo abundante de sonidos que logran entrometerse en esos propósitos. De ahí que no es para extrañarse bajo ningún motivo que aparezcan vestigios de jangle pop, indie o incluso algo de post-punk.
La paleta de colores jamás dejará el espíritu juvenil, como niñas y niños que conocen por primera vez la ciudad, y la curiosidad y alegría es contagiosa. Este es un álbum para levantar el corazón, y que de paso, permite evolucionar al género con entereza.
SONATA ARCTICA – TALVIYÖ
La situación de Sonata Arctica es una de las que más duele a los fanáticos del power metal. No sólo está el estancado y decadente estado del género, sin atisbos reales de evolucionar y retomar su gloria con inteligencia, sino que en este caso en específico, con este «Talviyö» la fanaticada termina por perder casi toda esperanza de que uno de los nombres que más alto dejó al género a fines de los ’90 e inicios de los ’00, recupere su estatus y gloria.
Quizás coincide que con la salida de Jani Liimatainen allá por el 2007 el declive compositivo fue notorio, pasándose a una tímida versión progresiva de su sonido sin riesgos reales. Quizás sea producto de la arrogancia de Tony Kakko, pero aún con estos cambios se percibe un estado de dejo y complacencia en sus composiciones. Si se busca evolución o tomar nuevos rumbos, el riesgo debe ser completo, pero en Sonata Arctica no se mojan el trasero.
Así, puntualmente «Talviyö» es sin duda el peor álbum de los finlandeses. Cliché, poco trabajado y una producción correcta. Personalmente, jamás pedí otro «Ecliptica» o «Silence», pues lo que venían desarrollando en «Unia» y «Winterheart’s Guild» era de lo más interesante y hasta que presentaba la clave para la permanencia saludable del género con el paso del tiempo, pero la historia fue distinta. Quizás sea muy tarde, después de todo, ya ha sido toda una década así y la palabra de los fans ha sido clara. Cada vez tocan en recintos más pequeños, y más temprano en los festivales. Una lástima.
SLEEPING WITH SIRENS – HOW IT FEELS TO BE LOST
Seré breve. «How It Feels To Be Lost» presenta una proporción indirecta entre el tremendo éxito que tiene Sleeping With Sirens al crear éxitos que de seguro resonarán con braveza en arenas y estadios –después de todo, están evidentemente formuladas como tal–, pero esta versión de pop rock de herencia emo carece de toda naturaleza propositiva a la hora de intentar hacer evolucionar un género que hace rato que ya no entrega dividendos a la escena.
¿Sumamente comerciable? Sí. Pero sin proyecciones a la trascedencia bajo ningún aspecto. Digo. No es porque tengan que hacerlo, pero sí se puede tomar riesgos reales y hacer plata en el camino. Pregúntenle a Linkin Park, Bring Me The Horizon, o a Dance Gavin Dance.
Escritas por:
Felipe: Desde Bat For Lashes hasta Los Ríos Sónicos.
Jota: Desde Nunca Seremos Dichosos hasta Sleeping With Sirens.
