Por Juan Pablo Ossandón
Sofiane Pamart es un prolífico pianista francés que, en ya 8 años de carrera, tiene bajo su brazo tiene 10 álbumes de estudio –colaborativos y solistas–, en donde ha mostrado su entendimiento laxo de la música clásica moderna. Y es que, aún si tiene formación clásica de conservatorio en su instrumento, el artista ha buscado abordar la interpretación y composición sin limitaciones teóricas. De allí que haya una parte de su público que le conozca como un «pianista rebelde».
Recientemente, Sofiane publicó el que es, fácil, el trabajo más ambicioso de su vida. ‘MOVIE’, un álbum que construyó como si fuese una película como tal. No un soundtrack, sino una película –lo más cercano que pueda hacer desde lo musical–. Y para eso, como el director de este disco, Pamart se hizo con un «casting» numeroso de cantantes, entre los cuales está Nelly Furtado, J Balvin, Wyclef Jean, Christine and the Queens, Sia, FKJ, Celeste, Loreen y otros más.
En Expectador conversamos con el francés acerca de la aproximación cinematográfica del disco, y las diversas implicancias que eso sostuvo en la creación de este álbum, así como otros detalles del mismo.
Sofiane, enhorabuena por tu nuevo disco. Es un trabajo realmente conmovedor.
Sí, le he dedicado unos dos años y medio. Ha sido, hasta ahora, el proyecto más ambicioso que he llevado a cabo en mi vida. Así que me alegro de que, por fin, todo el mundo pueda escucharlo. Y me siento aliviado.
Bueno, este álbum es una película en sí mismo. Lo has hecho como si fuera una película. Una película musical. ¿Escribiste algún tipo de guion mientras desarrollabas este proyecto? ¿O cuál sería el equivalente a un guion que hayas creado aquí?
Sí, lo hice. Pero, obviamente, era un guion que iba evolucionando con mi vida, con los encuentros que iba teniendo. Es como rodar una película, pero de repente te cruzas con alguien por la calle y resulta ser el actor perfecto para esa película. Así que haces que el guion evolucione en función de las personas. Y yo, que estaba en contacto con muchas estrellas de todo el mundo, paso a paso iba reinventando y ajustando un poco el guion que tenía en mente.
Mantenía la misma dirección artística. Sabía que sería con orquesta, con coro y con piano, obviamente. Pero hacía que los temas de la película evolucionaran un poco para adaptarse al artista al que tenía el honor de contar en mi álbum.
Le sugerí (a J Balvin) que se mostrara un poco más vulnerable para expresarse de una forma única.
Trabajar así, me imagino que te resultó muy estimulante. Al igual que cualquier gran película, este álbum cuenta con un reparto repleto de estrellas, como Nelly Furtado, J Balvin, Christine and the Queens y muchos más. Suponiendo que asumieras el papel de director de esta película, ¿dirigiste a estos artistas? ¿Cómo fue la experiencia de dirigirlos?
Todas estas sesiones se desarrollaron en el estudio. Ya sabes, no hice nada a distancia porque necesitaba sentir su emoción y crear algo especialmente para ellos. Así que dirigía la sesión, pero como lo haría un director con un actor de primer nivel.
Si tienes a un DiCaprio delante de la cámara, por supuesto que le vas a pedir cosas específicas que sirvan al proyecto, que sirvan a la película. Pero aun así vas a tener que adaptarte porque tienes a alguien tan increíble delante de la cámara que representa muchas cosas. Es lo que ocurre con los artistas con los que estuve en el estudio.
Así que, claro, ya sabes, como cuando conocí a J Balvin, se convirtió en un amigo íntimo, pero sabía que conoce su arte como nadie. Sin embargo, le sugerí que se mostrara un poco más vulnerable para expresarse de una forma única. Y esto es algo que no había hecho antes y que le hizo mucha ilusión hacerlo conmigo.
En ese caso concreto, fue muy bonito ver a J Balvin en ese tipo de escenario; como latino que soy, escuchar a J Balvin cantar con su voz real en una canción totalmente diferente fue como: «¡Vaya, eso sí que es algo!».
Sí, eso sí que es algo. Y puso todo su amor, su alma, y la letra es preciosa. Ya sabes, esa sesión fue mágica. Se me puso la piel de gallina durante toda la sesión.
La orquesta fue una parte muy, muy importante de la renovación de mi lenguaje musical.
Y, en general, ¿cómo fue el proceso creativo? ¿Qué nuevas posibilidades creativas te abrió el hecho de tratar este álbum como si fuera una película en sí misma?
En primer lugar, ya sabes, hice la trilogía de álbumes de piano solo antes de ‘Planet’, ‘Later’, ‘Noche’. De hecho, ‘Noche’ fue el que estaba grabando en Sudamérica. Estaba de gira por Sudamérica. Toqué en Lima. Toqué en Ecuador. Toqué en Colombia. Tocaba y componía al mismo tiempo. Así que era el final de la trilogía de canciones para piano solo.
Y el nuevo proceso creativo requería nuevos ingredientes, porque quería hacer música con nuevos matices. Así que, en primer lugar, fue la orquesta. La orquesta fue una parte muy, muy importante de la renovación de mi lenguaje musical.
Y hablando de películas, a la hora de ver, disfrutar y apreciar una película, ¿qué es lo que más te llama la atención?
Me gusta la luz, cómo se utiliza la luz en una película. Para mí, es importante. El vestuario. Me encanta cuando hay buen vestuario. Me encanta cuando se nota el sello personal del director. Me encanta la autenticidad.
Ya sabes, entre mis directores favoritos está Almodóvar. También me encanta (Takeshi) Kitano, el director japonés. Wong Kar-wai, el director chino. Ya sabes, me gustan las películas de todo el mundo que tienen un toque de elegancia y autenticidad.
Es como una película indie, pero con un reparto de superproducción.
Ese tipo de elementos añaden cierta profundidad al significado de una película. Por ejemplo, está el encuadre, la corrección de color. Y otros elementos por el estilo, que pueden desempeñar un papel significativo en la narrativa de una película. Hablando de este disco, ¿en qué aspectos dirías que podemos ver eso aquí?
La corrección de color es evidente en el álbum. Hay una forma de mezclar, una forma de masterizar el álbum que te hace sentir que se trata del mismo piano. Todos los artistas venían a la misma sala y se marchaban de la misma sala.
Y ese es el arte de la corrección de color. Cuando trabajas en muchas escenas diferentes, si aún así quieres que tu película tenga un sello propio, la corrección de color es muy importante. Y para mí, la corrección de color en la música es la mezcla.
Si mezclas todas las pistas con el mismo sentido de la elegancia, en algún momento consigues crear un universo realmente coherente.
Volviendo a las colaboraciones, bueno, se trata de un reparto repleto de estrellas. ¿Cómo surgieron estas colaboraciones?
Es curioso, porque me di cuenta de que había reunido un reparto de superproducción, pero para una película de autor. Es como una película indie, pero con un reparto de superproducción. Así que la mezcla es muy interesante porque todas estas superestrellas, acostumbradas a las producciones más grandes, aceptaron participar en una película que contaba una historia sin ritmo, más íntima, más introspectiva.
Así que creo que la paradoja de estos dos elementos, que se unen para formar uno solo, fue una de las cosas más interesantes que viví en este álbum.
Y se podría decir que, en el mundo del cine actual, ese es el tipo de películas que, en cierto modo, están marcando tendencia. Bueno, tomemos, por ejemplo, el caso más evidente: el estudio A24, con películas como… Bueno, son películas independientes, pero algunas de las que se hacen hoy en día, como tú dices, cuentan con muchas estrellas en ese tipo de películas. Y hay quien dice que, bueno, ir al cine está un poco pasado de moda por culpa del streaming y esas cosas. Pero creo que se trata más bien de un fracaso de los grandes estudios, más que de las películas independientes. Las películas independientes, bueno, no paran de crecer y crecer. Y es agradable ver que historias originales como esas asuman ese papel protagonista. Y en tu caso, escuchar un disco así, porque no es que todo el mundo trate sus discos como si fueran una película.
Estoy totalmente de acuerdo con lo que acabas de decir. Y realmente creo que la gente necesita, sobre todo en nuestra época, necesita significados. Necesita una dirección que sea auténtica, que surja del alma.
Así que creo que, obviamente, vivimos en un mundo que va a toda velocidad y que sigue exigiendo mucha fuerza para construir cosas porque hay demasiado ruido. Por eso es difícil hacer que se escuche una voz auténtica. Pero, aun así, la gente sigue buscándola.
Ese es el éxito de A24. Es un ejemplo muy bueno porque demuestra que la gente necesita eso más que las grandes producciones. Me refiero a las grandes superproducciones sin fondo, que se han repetido durante años y años y años y años. Necesitamos significados
Sí, y también riesgos. Aunque quizá no tengan mucho éxito en taquilla, ver una película arriesgada podría, no sé, quizá en el futuro convertirse en una película de culto o algo por el estilo. Pero bueno, cambiando de tema, la gente dice que eres un pianista rebelde. ¿Aparece ese pianista «rebelde» en este disco?
Sí, se trata de situar el piano en un contexto en el que no estaba pensado para ser, ya sabes, el protagonista. Así que el disco es una buena demostración de eso. No es habitual que el protagonista sea el piano, y al poner al piano como protagonista, no en un contexto exclusivamente clásico, sino en uno en el que, ya sabes, utilizo el piano como protagonista.
No utilizo el piano como música de fondo. Y creo que hay que ser un poco rebelde para poder lograrlo.
Sí, es muy interesante lo que dices y, bueno, también se aprecia al escuchar el disco. Bueno, como sabes, soy de Chile, así que tengo que preguntarte: ¿hay alguna posibilidad de verte aquí en Chile con este disco?
Me encantaría. Ya sabes, también vine a Chile hace unos años. Y fue increíble. Y ya estamos hablando de dónde y cómo vamos a organizar nuestra próxima gira por Sudamérica. Aunque todavía no tengo las fechas, lo tenemos en mente.
Sí, sería increíble.
El público en Chile y el público en Sudamérica en general, pero en Chile me dieron una bienvenida muy cálida. Así que para mí es importante volver.
