ANGEL OLSEN – ALL MIRRORS
La cantautora sí que se ha destacado por crear álbumes influyentes y representativos de los géneros que llegaron a puntos bastantes altos en la década. «Burn Your Fire For No Witness» (2014) nos entregó un compendio de canciones de guitarras afiladas asiduas a ese garage irreverente –en el que también se involucró otra grande, Courtney Barnett– más una pizca de folk. «My Woman» (2016) se convirtió en uno de los estandartes más altos de la música folk –a la vena–. ¿Qué nos viene a ofrecer «All Mirrors? Pues bien, un ambicioso despliegue desde la arista más íntima, oscura y creativa de Olsen al alero del chamber pop y el art pop.
El cuarto elepé nos sorprende de sobremanera, considerando su contenido alto en confesiones manejadas desde la intimidad más cruda y a corazón abierto. Quizás sea la experiencia, quizás sea que se haya en ese punto donde ya no importada nada, pero a decir verdad, Angel Olsen con sus relatos hipnóticos conjura nuevas formas de atracción a su obra –incluso hasta seductor–.
Por lo demás, este «All Mirrors» nos trae a la artista a un terreno musicalmente completamente nuevo, pero claro, las experiencias folk persisten en su gen creativo y ciertamente nutren y formulan los exoesqueletos de las canciones, para instaurar el plato principal hecho con los ingredientes más excelsos. Sintetizadores de texturas, arreglos atrapantes, y elegantes detalles que se entrelazan entre sí por la versatilidad, la sorpresa, el flujo de la emoción y las ansias de conocer a que nos llevará la siguiente sección musical, que por si fuera poco, contiene a la voz e interpretación de Angel Olsen en su prime por los colores, texturas y distintas técnicas y entonaciones que utiliza. Qué más decir, discazo.
CHROMATICS – CLOSER TO GREY
Comenzando con una bella remodelación de aquella icónica pieza de Simon & Garfunkel «The Sound Of Silence«, Chromatics finalmente está de regreso con un larga duración –el primero desde 2012– que nos trae las mejores ofrendas de un dream pop minuciosamente articulado en texturas venideras de la gama más alta del synth-pop.
Sí, «Closer To Grey», un álbum que apareció por sorpresa en una inusitada fecha, ignorando la vieja promesa de «Dear Tommy» que en esta ocasión queda más que obsoleta, para instaurar una forma, o mejor dicho, establecer el punto de partida, el esquema principal, el ejemplo hecho por Ruth Radelet –la matea de la clase– de una música texturizada que ignora convenciones con una ligereza y suavidad envidiable, como si fusionar géneros fuese así de fácil.
Voces suspiradas, beats con un groove exquisito, y unos sintetizadores ominosos –y aún así tan cercanos– que de seguro endulzaran hasta tus más amargos días. «Closer To Grey» es sin duda, la más hermosa de las sorpresas.
SABRINA CLAUDIO – TRUTH IS
«Truth Is» de cierta manera viene a establecer una –mejor– carta de presentación respecto de los principios, anhelos, y por supuesto, los colores musicales de Sabrina. Dicho eso, estas sentidas confesiones de desamor y sus respectivas etapas, son dirigidas por una sopesada visión de R&B alternativo que se entremezcla muy bien con la nueva escuela de pop algo más oscura y honesta, permitiendo así recrear con mayor precisión nuevas formas de neo-soul que suenan más sintéticas así como con una cierta predilección por arreglos de producción –muy a lo Billie Eilish–.
Si bien hay una –mínima– falta de impacto (más que nada por las estructuras propuestas), «Truth Is» es la antesala a puras buenas cosas para Sabrina Claudio, y por supuesto, al género.
BORIS – LφVE & EVφL
Si bien este nuevo LP no representa avances significativos para la acostumbrada postura rompe esquemas de la banda nipona, sí es plausible que Boris de cierta manera elabora cierto estándar –quizás a modo de resumen de sus propias carreras– en la que se conjugan todos aquellos elementos que hacen de esta agrupación única –y este disco también, si para que estamos con cosas, aún sin mucho esfuerzo la hacen igual–.
De amor y evolución, del post-rock y del drone, del histriónico noise hasta el pesado sludge, en Boris no escatiman esfuerzos en revisar cada segmento de su amplio ADN creativo, cautivando aún por la falta de convenciones, y extrapolando tonificaciones bien oscuras e incluso terroríficas con suaves melodías oníricas. Simplemente no existen limitaciones humanas para los nipones.
WILCO – ODE TO JOY
En un corte más desafiante que lo acostumbrado por la discografía de Wilco, Jeff Tweedy y cía. se proponen una tarea que más allá de los designios propiamente musicales –que de por sí tienen la solidez necesaria para llevar el trabajo de por sí–, entabla una discusión desde la poesía del observador residente de un lugar en el que las vicisitudes de la vida moderna han llevado a la disociación de los objetivos y metas de vida, signo de la constante presión puesta por los ineficientes sistemas políticos, el consumismo y la sinergia misma de toda una vida de negación de sí mismos, como una forma de sumisión en torno a esta relación de dominación instaurada por el sistema.
Sí, Wilco viene a instaurar un disco que si bien se aleja de la ironía hilarante y ácida de nombres como Father John Misty, en este «Ode To Joy» de cierta manera, y en clave bleatlesca, busca dar inicio real a la discusión para llegar a vivir como se debe, aún cuando el miedo y la incertidumbre sean ingredientes de ello.
GIANLUCA – YIN YANG
El chico triste del trap ya no está tan triste y al mismo tiempo está posando su mirada más allá de los límites de los ritmos puramente urbanos que en este primer elepé suenan con una vitalidad no apreciada antes en su incipiente discografía, y eso es porque Gianluca ha crecido, madurado y aprendido, lo que por cierto entabló cierta ambición en sus horizontes artísticos.
«Yin Yang» nos muestra al trapero con una libertad desapegada, con ciertos aires de chico emo cool que de alguna manera en este desinterés encontró la esperanza para tirar para arriba. De ahí que Gianluca manufacturara con mayor detalle su trap alternativo, y por supuesto, se entrometiera con plena seguridad en muestras de reggaetón e incluso indie pop –a propósito de su colaboración con Javiera Mena–.
La narrativa sonora toma cierta altura al llegar al noveno track, dando cierta respuesta y resignificando «Yin Yang» no sólo con el folclor chileno, sino de cierto romanticismo de la trova que de alguna manera viene a insertar en su imaginario mayores esperanza, y al mismo tiempo, encontrando la tan anhelada comunión con su propia tierra.
WOS – CARAVANA
La escena urbana transandina de seguro ha cobrado un montón de dividendos y atención mediática, en parte gracias a las andanzas de Paulo Londra. Pero por supuesto, mejores cosas aparecen cuando uno ahonda un poco más allá, y aparecen nombres con mucho que decir como la queridísima Cazzu, o en este caso que nos convoca, el carismático WOS.
Ay Wosito, a veces desearíamos que nombres –ya no tan vigentes– como Eminem aprendiesen de tu propuesta. Nosotros hemos dicho en repetidas ocasiones que lo pop no es bajo ningún aspecto algo malo, no estamos para falacias acá. «CARAVANA» es sin duda la demostración y prueba más fidedigna que el gusto por el gancho puede generar verdaderas obras maestras como en este despliegue de callejeros y reaccionarios versos acompañados de una producción en su punto perfecto, trayendo una y otra vez beats, melodías y arreglos de lo más encantadores, pegajosos y sorpresivos que generan chispas con el explosivo flow del argentino.
SUPERM – SUPERM · EP
Hay dos cosas que tratar respecto a este hito único en el k-pop. En primer lugar, es evidente la estrategia de SM Entertainment en –explotar– reunir a las caras más icónicas de sus boy bands para crear esta versión –en sus propias palabras– de los Vengadores del género.
Lo anterior de cierta manera, si bien está a la vista el punto negativo, pudo haber tenido ciertos beneficios –por así decirlo– en caso de haber hecho un trabajo de altura. El caso es que no es así. Digo, es un trabajo mejor que el promedio del género, sí, pero el tema va más allá. Las estructuras están algo estandarizadas y pareciera ser copiar y pegar, aún cuando se sacaron buenos hits y todo ese asunto con la versión más explosiva y carismática del sonido.
En lo personal, es una lástima que miembros insignes de SHINee, EXO, NCT 127 y WayV sean usados casi como «un cajero automático», porque para que estamos con cosas, el concepto vende. Pero ahí queda. La empresa está muy mal enfocada, pero de una u otra manera, nos quedamos con el precedente que SuperM establece aquí.
DIIV – DECEIVER
Para estos paladines de la versión más alternativa y orgánica del dream pop y el shoegaze –a propósito de sus estructuras prestadas del post-punk–, en algún momento les vendría el estallido creativo más explosivo a costas de devoto amor por Nirvana.
Sí, en DIIV son unos devotos de Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl, y ciertamente gran parte de ese gen bien garage, crudo y desinteresadamente explosivo bañó en acidez y oscuridad las texturas melódicas de DIIV, que en este «Deceiver» encuentra un punto de convergencia único de todos los sonidos conjugados formulando una forma que viene a entregarle uno de esos hitos particulares de rock que tan necesitados están por estos tiempos.
Olvidando convenciones de cualquier tipo, los muros de sonidos y la suspirada voz de Zachary Cole Smith se renuevan en las ansiedades expelidas por guitarras afiladas, y disonantes arpegios. La agrupación neoyorquina, sin siquiera proponérselo, acaba de expandir un mundo de posibilidades para su carrera y para el rock alternativo en general. Quizás la década próxima a comenzar sea el momento en que el cuarteto cobre su merecido título de grandes del género.
CARLA DAL FORNO – LOOK UP SHARP
Encumbrado en el ethereal wave, el dream pop de Carla Dal Forno ha dado un paso delante en esta declaración firmada como «Look Up Sharp». El segundo LP de la australiana es una señal de profesionalización que elabora una producción minuciosa y de alto calibre que en la ejecución se aleja de lo DIY, pero al mismo tiempo, permanece el tono inculcado bajo muros de sonidos que toman distintas formas, así como vienen de distintas fuentes como los sintetizadores o la voz de Dal Forno, que sin duda en este corte cobra muchísimo mayor protagonismo.
Así, «Look Up Sharp» suena muchísimo más meticuloso –de ahí la gran labor palpable en materia de arreglos de producción y detalles electrónicos que enaltecen el carácter más artístico–, pero lo que más resalta al final, es la formulación muchísimo más homogénea y cohesionada de un dream pop atípico que de seguro dará que hablar a futuro como se debe.
INSOMNIUM – HEART LIKE A GRAVE
En definitiva Insomnium es la banda más subvalorada del death metal melódico. Argumentos sobran para hacer la justicia debida a los finlandeses, y es que este «Heart Like A Grave» tiene un carácter primodialmente más crudo de lo normal, más oscuro de lo acostumbrado, y más ominoso de lo que esperábamos.
Siempre ha existido un carácter artístico dentro de los melódicos riffs de Insomnium. Quizás sea la aproximación dirigida a un lado distinto de lo que apuntan otras bandas hermanas como At The Gates y Amon Amarth. Aquí existe cierto carácter primordial que cobra sus credenciales con su hermandad cercana con el progresivo, generando una visión sólida que llega a un punto altísimo en este nuevo LP. De hecho, aún con la agresividad absoluta de «Heart Like A Grave» es más comparable a Amorphis que a Children of Bodom y Arch Enemy. Sin lugar a dudas. Discazo.
WE LOST THE SEA – TRIUMPH & DISASTER
Un trabajo de post-metal más oscuro de lo acostumbrado. We Lost The Sea despacha todo lo que es un vendaval furioso de sonidos melosos y estridencias ominosas ligadas al aspecto más fundamental del flujo de emociones y sensaciones: abstraerse. ¿Cuál es el propósito de dicho género sino tal? «Triumph & Disaster» concede ciertas directrices más escabrosas y sin tantas esperanzas de un mundo realmente post-apocalíptico listo para desaparecer, como la banda sonora del Armagedón mismo.
No obstante, persiste en los aires un carácter crudo reminiscente de memorias arquetípicas de tiempos que quisiéramos olvidar, lo que termina elaborando el más fiel de los retratos en un óleo espeso, grisáceo, pero por sobre todo, real.
MAVI – LET THE SUN TALK
Con certeza, nos atrevemos a decir que MAVI será uno de los estandartes del rap de la nueva década como uno de los representantes más excelso de lo que se conoce como el movimiento sLUms, trayendo de vuelta al rap a la calle, al lugar que siempre ha pertenecido pero que tanto los 2000’s como los 2010’s elevaron a la cima de los charts y de la industria.
Este regreso a la calle, al underground no es bajo ningún motivo un retroceso. Así como St. Vincent recuperó la escuela del art pop de Talking Heads y Bowie, o así como Ghost renovó la herencia blues y de The Beatles en el heavy metal, MAVI recupera ese aspecto marginal relator de crudas realidades del rap. Pero claro, siempre con una mira en el futuro, que en sus esperanzas, conecta lo mejor de la evolución de los beats y la producción del rap más moderno, con el appeal y el tono crudo del hip hop de antaño.
«Let The Sun Talk», será un punto de partida para una nueva era de un género que está lejos de perder el momentum que ha tenido. Volvamos a las calles, y escuchemos la historia de la gente. Es justamente así como sonarían.
MRS. GREEN APPLE – ATTITUDE
Uno de los nombres más prolíficos del pop nipón es Mrs. GREEN APPLE. Toda una carrera ligada a las mejores muestras del género, con una búsqueda aventurera que resistía las convenciones del mainstream, y que en este «Attitude» conoce nuevas opciones por tomar.
En este cuarto álbum de estudio, la banda nipona se dedica a condensar de manera inquieta toda aquellas corrientes familiares a dicho sonido…y más. Sí, porque la significación va más allá de riffs melódicos joviales, voces técnicas y apasionadas, y arreglos embellecedores de lo que sea que toquen. El asunto es como en términos de producción Mrs. GREEN APPLE pareciera haber sido tocados por la varita mágica, dándole un aire de pc music que de cierta manera quiebra esquemas, y retoma todo un camino de sorpresas que no tiene porqué alejarse de esos caminos conocidos que nos enseñaron bandas como ASIAN KUNG-FU GENERATION.
PORTICO QUARTET – MEMORY STREAMS
A ver. Seamos concisos. Las nuevas formas de jazz en estos tiempos honestamente tienen cero límites, pero al mismo tiempo, es cierto que incluso algo como el jazz es usado como recurso de emergencia para dar –a la fuerza– ciertos aires de pretensión a diversas músicas. Usualmente eso no sería un problema, pero siempre hay que respetar el libre flujo del género. BADBADNOTGOOD nos dio el aspecto más nerd, la nueva promesa de The Comet Is Coming está elevando el género a aires espaciales y futuristas, y por supuesto, el gran Kamasi Washington le devolvió ese aire popular y misceláneo del que siempre fue partícipe este género.
En cuanto a lo que nos convoca, este cuarteto británico ha encontrado la llave para abrir la caja de los secretos de como entablar una relación compenetrada entre el jazz y la electrónica, algo en lo que por cierto la producción y por sobre todo la visión juegan un papel fundamental.
Con anterioridad me referí al uso a la fuerza del jazz porque en algún momento se perdió la noción de que el género fluye como uno solo, como un gran caudal con muchísimas vertientes. Aquí Portico Quartet reconoce con sobras dichos principios, entablando una mezcla homogénea y que funciona como una sola. El jazz es para la electrónica, y la electrónica es para el jazz. Cada uno brilla cuando se necesite, cada uno sienta el ambiente cuando sea pertinente, pero con una fluidez tan exquisita, sigilosa y misteriosa que despierta sin lugar a dudas nuestra curiosidad.
KING NUN – MASS
Finalmente aparece el primer LP de King Nun, uno de los nombres novatos de la Dirty Hit –la casa discográfica de nombres como Wolf Alice y The 1975–. «Mass» es sin duda una bofetada al indie rock de masas, instaurando si bien una estructura amigable e inmediatamente reconocible, pero abogando por cierta ambición recuperando y reivindicando distintos sonidos que han aparecido en distintas épocas del rock más popular.
Se perciben influencias variadas desde el visceral emo de My Chemical Romance, el garage irreverente de The Libertines, y por supuesto el aspecto inquieto de los Arctic Monkeys que han recuperado cierto vigor a un género tan manoseado –Circa Waves, Catfish and The Bottlemen, The Amazons, esto va para ustedes– y de alguna manera recupera la libertad por fuera de la norma desde el principio más esencial del rock’n’roll, la libertad. Por si fuera poco, las nuevas tecnologías y las influencias imperceptibles del indie pop han atraído beneficios en términos de producción.
GATECREEPER – DESERTED
Hay cierto aire de irreverencia en el death metal del segundo disco de Deserted –como si el death no fuese algo lo suficientemente rebelde de por sí–, y es que en este aspecto crudo y hasta punk –si quieren usar dicho término– existe cierta frescura en sus propósitos aún con un género que ha sido elaborado desde el ala más clásica del género.
Riffs atronadores, guturales infernales, y una sección rítmica avasalladora y dinámica son la constante de la que de seguro se generarán clásicos incombustibles que incluso se entrometen de lleno con el thrash metal.
«Deserted» tiene cierto aspecto back to basics que bandas de géneros hermanos como Power Trip nos han demostrado. Basta con hacer un buen trabajo, y eso no significa seguir la senda que muchísimas bandas de metal siguieron en los 00’s –ejem, DragonForce, ejem–. Aquí hay lucidez, y en estos tiempos del género, es revolucionario.
EL BOSCO – TRANSMOGRIFIED
En lo que se concibe como stoner metal aparece El Bosco, la nueva fuente de verdades para un género que honestamente –a pesar de sus ácidas y psicodélicas vertientes– puede entremezclarse entre cuanto rincón se nos ocurra, y eso es algo que la agrupación chilena entiende a la perfección.
Con ciertas directrices ligadas al tecnicismo del prog o incluso a la libertad sonora emocional del post-rock, «Transmogrified» reviste diversas formas en la que los riffs se convierten en los caballos de batalla dispuestos a vencer cualquier preconcepción del género, pero al mismo tiempo, mantener esa naturalidad adyacente al heavy metal. Dicho de otra manera, El Bosco tiene la lucidez suficiente para pensar en el fan de antaño, en el del presente, y en el del futuro. Bravo señores.
ANIA – ANIA
Dispuestos a azotar con absoluta agresividad la mesa productora de metal, en Ania optan por los limites difuminados que separan al rock alternativo, al nü metal, e incluso al metalcore. De ahí el encanto inconfundible de los santiaguinos, es en la lúcida capacidad que tienen para elaborar una apuesta única que se manufactura de géneros que tienen tantas cosas en común como las que los diferencian.
Así las cosas, este álbum homónimo viene a hablar verdades que parecen obvias, pero precisamente es por ello que alzan la voz. Una voz de resistencia que no sólo se asimila a una era de rebeldía y desobediencia como la que vivimos en nuestro país actualmente, sino que al mismo tiempo, funciona como un manifiesto de emancipación individual en la que la esperanza se instaura a punta de explosivos riffs y coros grandilocuentes. Que más podemos decir, la hicieron.
OCEÁNICA – EN LA BOCA DE NEPTUNO
Caluroso, pero nocturno. Este no es el álbum que asocias al uso convencional de espacios. Es más bien un álbum que habla a inadaptados que reivindican espacios aún cuando ello vaya en contra de la norma social. En algún escondite playero que no conozca la luz artificial, pero sí la electrónica irreverente, así como en los pasajes de la población en la que se unifican distintas identidades. Nada importa.
«En La Boca de Neptuno» suena tan caótico como su nombre evoca, y es que la única seguridad aquí es el lo-fi, y con ello, esta garantizado al 100% la honestidad de una banda que desde Valparaíso no teme en absoluto a entrometerse con géneros tan diversos como el shoegaze, la electrónica, la vanguardia, el garage, el post-punk, el noise, y cuanta cosa más se les pudiese ocurrir. Si me preguntaran como suena la libertad, les mostraría este álbum.
TENDRE – IN SIGHT · EP
Inadvertido por el radar occidental, aparece este asombroso EP nipón de un vívido funk pop que absorbe cuanto se proponga. Desde lo citadino y la elegancia, los arreglos se transforman en la tónica y en el catalizador que conecta con un sinfín de dimensiones aterrizadas al salón de baile. Dicho de otra manera, hablamos de detalles que perfectamente pudiesen venir del jazz, ritmos afro, el art pop, e incluso la electrónica más estrambótica y aún así sutil.
Ese es el gran mérito de TENDRE, la yuxtaposición de la gigantesca herencia de la música junto a un género que peculiarmente ha encontrado mejores evoluciones en la tierra del Sol Naciente –a propósito de nombres como WEDNESDAY CAMPANELLA, SUCHMOS, e Indigo la End–. Qué más decir, esto es vida.
NICK CAVE & THE BAD SEEDS – GHOSTEEN
Hay cierto sentir casi divino en lo que Nick Cave y sus Bad Seeds nos entregaron con Ghosteen, una magistral obra capaz de reflejar el sentimiento de perdida, con cierto optimismo ganado por la sola presencia sanadora que el Australiano cultivo en sus más profundas líricas. Es en este álbum donde Cave alude ya de manera más directa a las memorias de su hijo, siendo un testimonio tan desgarrador como emotivo de la versión más sentimental del cantante expresados en ese especial The Boatman’s Call de 1997. Si bien mantiene los tintes musicales y artísticos del sonido más actual de la banda, aquí yace depositado el alma misma de un autor capaz de sanarnos un poco más a todos con algo de sus lágrimas y memorias.
La música se nos presenta como un escenario gigante de pequeños detalles, en donde la presencia de Warren Ellis se hace más que notoria, siendo parte fundamental de la narración a la cual nos invita a navegar el propio Nick, la cual se presenta en formato doble densamente diferentes en concepción, sentido y presencia. Mientras en el primero abundan tonadas y baladas cristalizadas con la divinidad de los Campos Eliseos o el Edén mismo, denominadas por el propio Cave como canciones hijas, en el segundo acto son tres los cortes que resaltan una crudeza más cercana al aspecto oscuro de Skeleton Tree. Allí yace «Ghosteen», canción que da nombre al disco y que refleja algo así como una despedida al «fantasma adolescente que baila en manos de su padre» como bien el propio Nick Cave cantara en el clímax o la cima en lo onírico, lugar donde yacen estas canciones «padres» portando un profundo pesar, pero un agradecimiento por el tiempo compartido.
El consuelo más grande frente a una pérdida siempre terminará siendo el recuerdo, estemos o no preparados. Es ahí donde una obra como Ghosteen conservará ese carácter eterno que parecen ser los réquiem en la música, imaginados con una intimidad tan profunda como en el caso de «Waiting for you», «Night Ride» o la tremenda «Bright Horses».
DANNY BROWN – UKNOWWHATIMSAYIN¿
Danny Brown gira sobre si mismo con una vibra plagada de beats ingeniosos y refrescantes -producidos por Q-Tip-, dándole un alcance abierto en ideas y caminos a este álbum que viene a marcar todo un hito para el Rapero. En uknowwhatimsayin¿ la pauta se ve intensificada en rítmicas aceleradas como en «Negro Spiritual» (junto a JPEGMAFIA), variando de bajones emocionales tipo «Shine» (Blood Orange) e incluso columpiando clásicos inmediatos tipo «Best Life» o «Dirty Laundry» como si se tratase de un álbum de la época dorada del Hip-Hop. Todo en este trabajo se ve amplificado a niveles inesperados, forjando casi una identidad instantánea en lo que representa el universo de Danny Brown, siendo una excelente puerta de entrada a trabajos anteriores de éste. La química musical entre el reconocido miembro de A Tribe Called Quest y el extrovertido narrador de Atlanta, se ve beneficiada en ambos sentido, siendo «Theme Song» o «Combat» la muestra del alcance de un nombre como Danny, tan poco valorado hasta este momento.
MEDIO HERMANO – XO
En este segundo capítulo que nos ofrece Medio Hermano como una vista más certera hacia la segunda mitad de los años 20, nos hayamos frente a un espejo que retrata exactamente las decepciones y carencias sociales y emocionales de un grupo que lejos del relato sobre los sueños más adolescentes, se empeña por hacer valer su propia relevancia frente a sí mismos. ‘XO’ trabaja de una manera diferente la música de la banda, increpando su propia génesis guitarrera desde una función más sintetizada en donde abunda un trato más cuidadoso, espacio en el que las ganas de expresión se ven reposadas como paisajes anómalos, grises pero ligados a una fuerte carga sentimental. Un trabajo que en su esencia misma, muta en direcciones tan diversas como evocadoras, revelando un cancionero repleto de joyas como «Sueños», «Solitario Spider» o la poderosa narración en «Kintsugi», siendo la base para que otras como «24/7» hagan lo suyo.
COMETAZUL – BAHÍA TORMENTOSA · EP
La química que aborda Yuzara Alfaro en este pequeño gran EP llamado «Bahía tormentosa», silencia hasta las aves pasajeras que van pasando por el lugar, oyendo un sentido especial de llamado que produce tantas cosas con tan pocas herramientas. Grabado con un celular, el músico pone a disposición un trabajo hambriento en sensaciones, cimentando el camino del lo-fi a los oídos menos conocedores, siendo esta propuesta de Cometazul un acierto a todas luces.
FERNANDO VILLARONGA – UN CAMINO SIN HUELLAS
Fernando Villaronga repleta de nuevos árboles toda una ciudad apagada por el duro letargo que es la vida, ensamblando pequeñas muestras de sabiduría armónica bajo una honestidad personal pero que al mismo tiempo tiene tanto para contarnos, que es mejor ponerse los audífonos y dejarse llevar. ‘Un camino sin huellas’ nos habla desde la experiencia y la reflexión, como toda una voz que en tiempos de tumulto y pérdida, logra calar en lo más profundo de nosotros. De la balada a la muestra popular más universal que pueda llegar a ser la música, el cantante pone sus mejores letras sobre la mesa y nos invita a mirarnos un poco más; mirar al resto.
EL PURPURADO DE CHAROL / LOS ESTADIOS VACÍOS – BUENAS NOCHES, LO VIAL · SPLIT
Los Split bien pueden a venir a ser un formato cómodo y directo a la hora de presentar el sonido de una banda en particular, in embargo siempre son un riesgo y como uno bueno, este ‘Buenas noches, Lo Vial’ atrapa, afronta y dispone para nosotros un nutrido abanico de ideas, cortesía de la mejor cosecha de El Purpurado de Charol y Los Estadios vVcíos. Canciones extremas a pasos familiares, lo que yace entre estos densos pero gratos cortes de experimentación pura y cantos sagrados, es lo que llamamos uno de los grandes riesgos de la temporada.
RENE PROBLEMAS – DELIRIOS HERMÉTICOS
La búsqueda de nuevos sonidos como base de tu expresión lírica, siempre puede significar la gloria o el precipicio y en términos medios, estos ‘Delirios herméticos’ navega fácilmente por entre cualquier convencionalismo en el Rap, forjando una identidad abultada de abstractas metáforas sobre sabidurías, política, sociedad y calle. El poder de los enagenados Beats a los que hacemos frente, salpica la mejor versión del género como una lúcida muestra de filosofías y revelaciones, a ritmos en ácidos y vibrantes de THC; así la dirección que toma Rene Problemas introduce una apertura hacia la aventura artística que tiene la creación como un manifiesto de lo que somos en sí.
NIÑOS ÍNDIGO – BIMBA
Bimba florece como una majestuosa rosa entre frívolos adoquines, compartiendo un espacio de condensación musical plagada de ritmos y secuencias que dotan el ambiente con cierto aire ceremonial y de raíz. Valeria Hernández provoca todo tipo de percepciones con un agudo sentido de la exploración, que termina por indagar en los aspectos más aclimatados del ser mismo que se presenta en este trabajo como un oasis de visiones y sensaciones variadas, cercanas tanto a lo onírico como al vértigo mismo de caer rendido en cualquier instante.
CACERÍA – SOBREVIVIENTES AL CAOS · EP
Casi de manera profética ‘Sobrevivientes al caos’ representa una herida social tan grande imperante en la poca memoria y acción de un pueblo dormido al borde de despertar. La manera en la que enfrentan las injusticia, a través del extracto que hace referencia a la extraña muerte del dirigente social Alejandro Castro, funciona como un puente para que los densos sonidos a los que nos vemos expuestos basados en un Rock directo -con caminos ligados al Punk o el Hardrock-, expresen tanto críticas como denuncias, desde un aspecto de resistencia y lucha que impregna en todo momento los rincones de este gran EP que nos presenta Cacería
MAPOCHOSSIPPI – CUMBIA BLUES · EP
La fuerza con la que Mapochossippi fecunda sus plegarias musicales, centradas principalmente en el tratamiento del Blues como medio de persuación al baile de géneros como el Surf Rock o la cumbia misma en este sólido EP, funciona a la vez como un condimento extra musical para hacerles compañía a las cercanas narrativas con la que nos van haciendo un panorama imaginativo aun mayor al cual acudir. «Esto no va a parar», las luchas, memorias e historias de la gente que vive a la orilla de este río Mapochossippi, el cual ha bañado tanto crímenes como lavado la dignidad y que encuentra un espacio de comunión en este excelente EP.
LASCAR – PALYNOMORPHS · EP
Las tierras nacionales son un excelente escenario para recorrer sus bastos bosques, plagados de diversos espíritus que los rondan, expresando toda su imaginación y creatividad en el oscuro pero armonioso rito desgarrador que Lascar nos presenta en ‘Palynomorphs’. Un EP potente, distorsionado, cercano a la pureza y la raíz de la tierra en un Black Metal incinerado en las cenizas de un milenario y tormentoso paisaje de ideas y sentires, el cual en sus dos cortes compone una presencia tan relevante como imponente.
DESORBITADOS · EP
El EP que da vida a unos Desorbitados dispuestos a forjar un carácter clásico del Rock más autentico y potente, transmite las viejas sabidurías del Heavy Metal o el Hard Rock en un puñado de canciones que visten la elegancia de sus demonios, con un gusto adquirido casi por unanimidad. Entre sus filas habitan delirios religiosos, oscuros rituales y un sentido del Rock & Roll tan eufórico como esencial, que ponen a uno a bailar sobre la tumba de aquellos que tanto mal nos han hecho en el mundo.
CASTRO MORFEO – TALLER DE BICIS
La experiencia que significó para Castro Morfeo volver a tomar una bici luego de 13 años, terminaría por desembocar en una serie de eventos afortunados -y otros no tanto-, que dan vida al resumen mejor logrado de un artista capaz de formar todo tipo de figuras musicales, al ritmo de historias, emociones, recuerdos, nostalgia y ese algo especial, cosecha de su propia originalidad. Taller de bicis funciona tanto para llevar a reparar -con mucho esfuerzo de por medio-, la compañía en la que se había transformado la bicicleta para el músico, como una manera de reflexionar y expresar un cancionero repleto de vitalidad, al pulso de un Rock alternativo capaz de transgredir sus propios postulados. El imaginario parece eterno en 18 canciones que sirven como consuelo para un autor dispuesto a fortalecer sus principios, en pos de formar algo único y duradero. Todos invitados a este taller, en donde pueden reparar algo más que sus ruedas pinchadas, frenos rotos o asientos no tan cómodos; quien sabe si un corazón roto o un sueño perdido vuelvan a la marcha en este lugar.
PLAYA FOME – LLAMADAS TELÉFONICAS
Unas cuantas ‘Llamadas telefónicas’ bastan para que el proyecto de Francisco Quezada se inunde de lágrimas, resuma felicidades y aflore un sentimiento tan cálido como consolador sobre canciones que nos hablan de todo tipo de ideas pasadas por el visionario lo-fi repleto de detalles intrigantes y sensacionales. Playa Fome debuta con un cancionero forjado en las dependencias del cuerpo-alma de un autor iluminado por sus propias soledades, las cuales suenan tan bien entre sus frustraciones y decepciones personales, formando un postulado oscuro y lúdico, con temas tan radicales pero bacanes como «Agua de beber» o el espacio entre 4 paredes que nos transmite «Comedia», tal vez la piedra angular de una obra detallista e introspectiva.
NIÑO TÍTERE – AMALGAMA
Unas cuantas lineas rítmicas, expuestas a la unificación del formato banda bañado en un explosiva y melódica apuesta cercana al Funk, terminan por procesar lo llamativo y aventurero de esta ‘Amalgama’ de buenos momentos que Niño Títere nos presenta con enérgicos destellos de lo clásico y lo moderno. Los detalles en producción -resumidos en la climática «Sumérgete»- van dotando de quiebres los fulminantes jam a los que la banda se introduce con una soltura pocas veces vistas en el género, mostrando la cara más amable de la música en canciones como «Trato» como la bohemia musical de lo free en «Desierto en blanco». Recomendado totalmente para aquellos fanáticos de la música Funk pero ojo que su alcance llega incluso a la versión más convencional del Jazz guitarrero, con algo de Blues sin límites ni horizontes.
Escritas por:
Jota: Desde Angel Olsen hasta TENDRE.
Felipe: Desde Nick Cave & The Bad Seeds hasta Niño Títere.
