SEEYOUSPACECOWBOY – THE CORRELATION BETWEEN ENTRANCE AND EXIT WOUNDS
Hay algo inserto en las composiciones de este LP debut –uno como se debe–, que declaran a viva voz un par de verdades. En lo lírico, la política toma su rumbo desde el punto de partida de toda reflexión: la verdad cruda por la experiencia propia, desde el hastío y el agobio de una vida dominada articuladamente por un sistema que se opone como un obstáculo de negación del propio ser, algo a lo que Connie Sgarbossa y compañía responden certeramente: «don’t be afraid to exist«. Así tal cual, desde las vísceras, desde lo más recóndito del corazón entre medio de toda desesperación, usando dicha rabia como fortaleza para reivindicar la vida misma. Ad-hoc para estos tiempos.
La otra verdad, va con esta explosividad que ha tenido el hardcore al modelar desde los cimientos el metalcore –algo en lo que ya hemos visto a bandas como Ithaca, Employed To Serve y Knocked Loose–. En SeeYouSpaceCowboy realmente ponen todo de sí, para elaborar una música de por sí revolucionaria, y quitando agresivamente cualquier concepto que tenemos de la era mainstream del género, sonando frenético, demente, y con quiebres rítmicos que desafían nuestra tranquilidad –esa sección rítmica lo es todo–. Es por eso que este álbum suena furioso y más potente que cualquiera. Esto es ira pura, y los matices melódicos aparecen como el catalizador perfecto para que el flujo de emociones no sea tan agotador. Después de todo, somos tan sólo humanos.
KERO KERO BONITO – CIVILISATION I · EP
En este breve epé, Kero Kero Bonito encontró el punto de convergencia perfecto entre su corta pero creativamente amplia carrera. «Time ‘N’ Place» (2018) fue un discazo que de cierta manera presentó cierto pináculo del pop más experimental, desafiando el canon con un histrionismo sin igual, así como «Bonito Generation» (2016) nos mostró su faceta popera algo más directa. Todo eso lo viene a unificar de maneras increíbles «Civilisation I».
Dicho en simple, este es un puñado de canciones intrínsecamente experimentales en maneras fascinantes, pero con un appeal tan exquisito que pondrá a bailar a cualquiera, logrando así lo mejor de ambos mundos –como dicen por ahí–. Así, cualquier calificación de género se puede quedar corta, siendo el synth pop y el glitch pop calificativos que aparecen con más frecuencia para englobar este derroche de genialidad.
Por si fuera poco, todo ello es llevado por una consciencia con el ambiente y la naturaleza que se termina tornando en un mantra hipnótico de beats y melodías que se añaden permanentemente en nuestras memorias.
OPETH – IN CAUDA VENENUM
Con «In Cauda Venenum», Mikael Åkerfeldt y cía. terminan por confirmar –una vez más– a sus fans nostálgicos que el gen death metal de su era previa no va a volver. Opeth, en estos momentos, es un ícono del progresivo, y este nuevo disco goza de una escritura y composición inspiradísima, que resalta por su carácter ominoso y cinematográfico que alcanza niveles inesperados una y otra vez.
Puede que esta constante renovación de Opeth haya llegado a un punto que de alguna manera consigue conciliar la «perspectiva» entre la teatralidad tanto del metal como del rock progresivo. Eso en gran parte se ve por una compenetrada relación entre los colores oscuros y el tono irónico, junto a una musicalidad que por virtuosa que se presente, jamás pierde el flujo de la pasión y de la lucidez, y con ello, la atención de sus oyentes está más que asegurada.
Con Opeth siempre es difícil decidirse. Después de todo, no han sacado ni un sólo disco malo, y si bien es un hecho que muchos quieren volver a escuchar otro «Ghost Reveries» u otro «Blackwater Park», esta –ya no tan– nueva era de los suecos es un punto de convergencia perfecto entre todas las eras del prog. Para los fans de King Crimson y Rush, los de Porcupine Tree y Dream Theater, así como los más nuevos de Leprous, y por supuesto, los de Opeth. Discazo.
TRICOT – AFURERU · EP
En tan sólo dos canciones, la banda presenta la versatilidad que ostentan sus habilidades al cambiar de tonos sigilosamente, una y otra vez, manteniendo una musicalidad excelsa al más puro estilo de un math rock único que es más cercano al garage que al progresivo. De ahí viene la gran maravilla de tricot, de ahí su aporte inconmensurable. Dicha falta de pretensión, levanta con creces el paseo que se dan por diferentes tonalidades de una paleta de colores que pareciera ser infinita, y que, nunca, pero nunca pierde el rumbo.
Aún en su virtuosismo, suena cercano. Aún con su carácter metamorfo, suena libre y coherente. Aún con el calificativo math, rompen esquemas una y otra vez. Es decir, aquí en específico, en la primera pieza homónima, las voces ostentan en el verso un carácter psicodélico de armonizada ejecución, todo para pasar a unos coros grandilocuentes con una interpretación algo atípica. Por otro lado, en «Naka«, existe un desarrollo de un indie rock ácido y sabroso que se entabla con interpretaciones que perfectamente pueden pertenecer al rap más duro, al folk más conmovedor, o al pop con la personalidad más honesta del mundo, y aún así, meter arreglos de producción entre medio.
En este breve «Afureru», tricot celebra la abundancia de una manera única.
THE COMET IS COMING – THE AFTERLIFE · EP
«The Afterlife» viene a sellar el tremendo año que ha tenido The Comet Is Coming, a propósito del asombroso «Trust In The Lifeforce of The Deep Mistery» que lanzaron previamente hace varios meses. Como nuevos paladines de la cara del jazz, su visión que entabla el futurismo conceptual a través de la materialización entre el jazz fusion y una cara mucho más democratizada del género que existe en lo nü jazz.
¿Por qué escuchar este EP? Pues bien, existe una correlación fluida entre la esencia popular del jazz. Fue hecho hace décadas por gente común, marginados que veían en la libertad absoluta un modo de expresión, y aquí ciertamente se reivindica dicha directriz siguiendo la senda que nombres como Sons Of Kemet, BadBadNotGood y el mismísimo Kamasi Washington han seguido. Es por eso que esto suena tan divertido, la frenética pero sabrosa percusión lleva el paso para dejarse caer en los recovecos psicodélicos liderados por un siempre apasionado saxo, o en los delirios de sintetizadores interdimensionales.
AKDONG MUSICIAN – SAILING
Dentro de una vereda muchísimo más distinta del k-pop –dada que la conexión es meramente industrial, considerando que AKMU está bajo el alero de YG Entertainment–, este dúo toma las estructuras del género para bañarlas e inyectarlas de una perspectiva de cantautores asidua al folk y las baladas.
Así las cosas, «SAILING» es un testimonio de amores y desamores que se enreda entre las texturas de las sabanas de un torbellino de emociones venideros desde dicha fuente, lo que decanta en bellas piezas que instauran prácticamente un guión al respecto, entre canciones melancólicas así como cándidas y cálidas. Todo eso, por supuesto, cobra una naturaleza única a la hora de que las voces de Lee Soo-hyun y Lee Chan-hyuk –hermana y hermano– entran como los verdaderos elementos protagonistas de este tremendo LP, y llegando a puntos altísimos en el desplante y coordinación que llega a niveles aún más álgidos a la hora de la armonización. Discazo.
KIM PETRAS – TURN OFF THE LIGHT · MIXTAPE
La intención acá es clara. Este mixtape es sencillamente muy bien hecho y cumple a cabalidad con sus propósitos, que es entregar un álbum divertido del electropop bailable más audaz y adictivo, resultando curiosamente, en el mejor trabajo que Kim Petras a propinado al mundo –hasta el momento–. Tiene personalidad, funciona por sí solo, tiene un correlato de culto bajo la temática de Halloween que le entrega una que otra cualidad extra.
A decir verdad no hay mucho más que decir. Kim Petras es una artista que si bien, sigue buscando el nicho en el cual expresar correctamente, ya quedo claro que el electropop de alto impacto bien alternativo que ralla en el bubblegum pop a ratos, es su camino a seguir y desarrollar.
CHEN – DEAR MY DEAR · EP
Este descanso creativo que los miembros de EXO se han dado a causa del hiato de su agrupación madre, ha significado buenos dividendos para uno que otro de los idols. Particularmente, CHEN ha tenido un año significativamente movido, considerado que este mini album, viene tan sólo unos cuantos meses después de «April, and a flower», el primer mini album del surcoreano.
En esta ocasión, «Dear my dear» es nada más y nada menos que la carta de amor más sensible y reconocible que circule por ahí en estos momentos, o al menos así se siente. Escudado fielmente en el formato de baladas, predominantemente al mando de una guitarra acústica amante de los arpegios, CHEN le saca todo el jugo a su voz y a su interpretación para derretir el corazón gélido de quien sea que esté en busca de algo de esperanza. Así es gente, el amor lo sana todo, y CHEN será el embajador de ello. Así de sencillo es su propósito.
DELTA SLEEP – YOUNGER YEARS · EP
Dentro de la cara más under del math rock, Delta Sleep viene a añadir un epé a su carrera ya avanzada por cierto –echenle un oído–. Con cierta influencia del rock alternativo, y de la visión nipona del math, «Younger Years» logra una amalgama de sonidos que resaltan por su accesibilidad. Si en el lado mainstream del asunto tenemos a Foals, el equivalente muchísimo más independiente sería Delta Sleep.
Este cuarteto no teme en rozar elementos del post hardcore a modo de adorno estético a su música que se encuentra bajo una estricta visión –considerando el virtuosismo–, pero con la naturalidad suficiente para que se escuche fluido, y por ende, sumamente adictivo. Dicho de otra manera, esto es algo que podrían escuchar los fans de At The Drive-In, tricot, y Foals. Discazo.
THE NEW PORNOGRAPHERS – IN THE MORSE CODE OF BRAKE LIGHTS
No hay que calentarse mucho con la cabeza con este nuevo lanzamiento de The New Pornographers. Si bien se perdió un poco de la magia considerando que las composiciones recayeron en Newman prácticamente –a diferencia de sus aventuras pasadas mucho más variadas–, si es pertinente reconocer que es un buen trabajo de indie al más puro estilo art rock, en una vertiente muy ligada a lo que el Arcade Fire del «The Suburbs» podría hacer. También sería correcto utilizar el término power pop, considerando el carácter uplifting de sus composiciones, aunque claro, desde una vereda mucho más adulta.
«In The Morse Code Of Brake Lights» suena sólido, sobre todo cuando sus canciones demuestran una intención más artística. La voz de Neko Case sin duda es un ingrediente esencial en ello, al matizar las melodías que dinámicas y danzarinas se manifiestan en un álbum bastante correcto.
BORKNAGAR – TRUE NORTH
Como una de las entidades más interesantes del black metal, gracias a la integración del avant garde y la música progresiva en el imaginario de los escandinavos, son más que dignos baluartes que se establecen como pioneros de la evolución más artística e idiosincrática del género, ahí justo al lado de nombres de peso como Ihsahn y Arcturus.
Seamos claros, el black metal y su crudeza siguen ahí, pero este llega a su punto perfecto gracias al contraste con la grandilocuencia de los arreglos y la aproximación más cercana al folk, prog e incluso música clásica en clave symphonic metal. La conjugación unísona de todo ello lleva a «True North» a su calidad de portal espacial que nos lleva de lleno a las gélidas tierras escandinavas, en un relato de épica de historias que la misma naturaleza y su cultura son capaces de contar. Sin duda, Borknagar es una banda de culto.
SUI ZHEN – LOSING, LINDA
Con su alter ego, Linda, tomando el control de este nuevo LP de Sui Zhen, la artista despacha una andanada de ideas ligadas al art pop más ecléctico, sobre todo considerando su exoesqueleto primordialmente electrónico, con bases que recitan ciertos elementos ochenteros, y a su vez, vociferan vestigios de un futuro que aún no acontece, salvo que Linda yace como una suerte de entidad digital.
Así las cosas, «Losing, Linda» cobra toda fortaleza al dar rienda a la electrificante sinergia de una música de secuencias que intervienen con ciertos conceptos, embelleciendo la producción desde un punto de vista hasta geométrico. Básicamente, «Losing, Linda» es una caja de Pandora a la espera de su apertura, salvo que las consecuencias dependerá de que tan abierto estén a estas opciones.
MINAKEKKE – OBLIVION · EP
La nipona nos entrega una vívida muestra de electropop que encuentra su sabor único en la contraposición de una interpretación fluida, en medio de secuencias electrónicas que se incrustan una a una como parte de un rompecabezas que avanza peligrosamente a su finalización.
Este «OBLIVION» zigzaguea a diversas fuerzas e impactos, bajo puntos positivos y negativos en perfecta sincronía que sintonizan en frecuencias enigmáticas que se materializan en arreglos grandilocuentes como atípicos. Así bien, MINAKEKKE en lo mayoritario se luce en lo sintético, este rompecabezas cobra sabor especial al obtener piezas de carácter orgánico, logrando un dinamismo dialéctico único.
65DAYSOFSTATIC – REPLICR, 2019
Dejando un poco de lado el post rock, 65daysofstatic vuelven de esta abducción extraterrestre para entregar un display contundente y misterioso de un IDM ligado a oscuras fantasías reflexivas de una sociedad ataviada por la velocidad de la tecnología, proporcional a la ambición del humano, pero a una rapidez que sobrepasa la adaptación mental y sentimental de las personas.
Así las cosas, este «replicr, 2019» cobra una peligrosa actitud, dispuesta a absorber todo resabio de humanidad clásica, rasgando raíces e imponiendo a la fuerza lo cyberpunk, en donde el ambient, el noise y el trance se entrelazan y fusionan en inusitadas formas que aparecen como siluetas que llaman nuestra atención, para una vez atrapado por los muros de sonidos, nos hayamos inmersos en un destello impetuoso de ansiedades.
RENOUNCED – BEAUTY IS A DESTRUCTIVE ANGEL
Aunque con una dirección experimental de menor envergadura a la que nos tiene acostumbrado Holy Roar Records, Renounced se manda un lanzamiento que de cierta manera viene a sentar las bases para lo que será el metalcore de la próxima década, que está teniendo un revival de mano de bandas que deconstruyen el género con vigor y visiones irrestrictamente artísticas.
Estructuralmente puede ser más convencional que las demás bandas de dicha casa discográfica, pero eso bajo ningún aspecto es algo negativo per sé. Aquí sólo vemos como «Beauty Is A Destructive Angel» aprovecha las bondades de lo que ha hecho el hardcore, y de lo que es capaz de hacer. Es por ello que existe una sincronía única de las melodías de arpeggios y riffs que intercambian formas en breakdowns y disonancias dignos del deathcore más demente. Recomendadísimo.
STURGILL SIMPSON – SOUND & FURY
Al acostumbrado folk y country del buen cantautor, Sound & Fury viene a cambiar las tuercas de la carrera de Simpson para un derroche de adrenalina sudorosa y sedienta de la más grande de las fiestas en medio del apocalipsis.
Sturgill Simpson inyectó esteroides de hard rock y blues a la estética que ostentaba su música de cantautor. Con ello, se produce todo lo que se podría esperar y más: un aumento de vigor en la personalidad arrolladora que mantiene un buen feeling en materia de groove, y además añadiendo uno que otro truco de magia aducida al lado más volátil, «escondiendo» a plena vista de todos arreglos sintéticos de carácter alternativo que le dan un prisma bastante propio. Buen álbum.
ANIZVARA – ATMAN · EP
La agrupación nacional desprende cierta perspicacia para encontrar los tesoros ocultos de lo que el post metal nos puede entregar. En específico, con una columna vertebral radicada en el black metal de melodías gélidas reminiscentes de crudos pero nostálgicos inviernos que formaron parte de alguna historia en algún punto escondido de nuestro país.
Pues «Atman» es una bestia abstracta que interpone su interpretación y comprensión a libre albedrío, con cierta calidez dentro de la empatía melódica, pero claro, de inmediato llamando a la caída constante de gotas de lluvia que en un todo, se alzan grandilocuentemente en este retrato pintado a punta de notas sacadas de la mejor escuela de Alcest, conectando desde lo onírico a paisajes ominosos acrecentados por la aparente ausencia humana –simbolizada en el carácter instrumental del EP– que llega a una epítome sonora y emotiva en «unknowable». Qué más decir, se las mandaron.
NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS – THIS IS THE PLACE · EP
El mayor de los Gallagher sigue en su busca astronómica por la nomenclatura perfecta de esta especie de pop cósmico que esta enhebrando a pulso bajo el paso del tiempo. Con cierto carácter espacio-ancestral en sus composiciones, Noel toma la música psicodélica como un punto de partida para abrazar y dejarse encantar por la música afro, resultando en una obra que harto tiene de funk, pero que sale de los esquemas conocidos del asunto.
¿Quién lo diría? Noel Gallagher, por innecesariamente polémico que sea, sigue dando en el punto creativamente, creando canciones de alto calibre que tienen cierto aspecto trascendental a la hora de evolucionar. Este aspecto ritualesco le da la libertad suficiente para pasar por toda su carrera, dejando elementos de Oasis por aquí, y cosas de los primeros discos de los High Flying Birds por allá. Todo ello, para entregarse de lleno a esta nueva era que comenzó en el tremendo «Who Built The Moon?» (2019).
Noel no necesita la reunión de Oasis, y esto es un argumento más que demuestra ello.
TELEFON TEL AVIV – DREAMS ARE NOT ENOUGH
Con una sentida historia de pérdida en la que Joshua Eustis da un nuevo testimonio electrónico tras la partida de su buen amigo y compañero de banda Charles Cooper en 2009. Un período en el que el productor trabajó para diversos nombres de peso como lo son Puscifer y Nine Inch Nails.
Así las cosas, «Dreams Are Not Enough» es la misma expresión de desesperada decadencia que Joshua necesitaba soslayar de alguna manera, aunque sea a modo de desahogo. Es cosa de ver como la narrativa melancólica se ve a los ojos en el nombres contenidos en el tracklist, en donde las comas y puntos jamás habían tenido tanto significado en el lenguaje.
Sí, «Dreams Are Not Enough» es el canto de cisne definitivo en clave IDM que, a un paso del silencio, busca perderse en el espacio en un vaivén infinito de luto, porque una parte de su corazón ya no está.
DRAGONFORCE – EXTREME POWER METAL
Si alguna banda no ha soportado muy bien el paso del tiempo, esa ha sido DragonForce. Si bien es cierto que tras la salida de ZP Theart intentaron integrar ciertas directrices del melodic death metal para hacer de su propuesta más interesante, el tema es que la gracia de DragonForce quedó relegada netamente al impacto de la primera impresión, la cual disminuía con el paso del tiempo.
¿Cuál es el caso de este «Extreme Power Metal»? Pues al parecer Herman Li y cía. llegaron algo tardíos a la calificación de su propuesta que los hizo famosos en el Guitar Hero 3, significando ahora una –lamentable– caricaturización de su concepto, ostentando los mismos viejos trucos una y otra vez, y cayendo incluso en el autoplagio de manera descarada.
Puede que DragonForce haya sido el gran invento de los 2000, pero esto es caer bastante bajo.
HELLYEAH – WELCOME HOME
El 22 de Junio del año pasado fue un día oscuro para el metal y la música en general. Los fanáticos de Pantera lloraban una vez más la pérdida de uno de sus miembros, esta vez Vinnie Paul, hermano del también trágicamente fallecido Dimebag Darrell. Por supuesto, eso fue un balde de agua mortalmente fría para HellYeah, la banda en la que Paul seguía destruyendo la batería como sólo él sabía hacerlo.
«Welcome Home» es una carta de despedida, infundida en un amor inconfundible al ritmo del groove metal más estridente. Cada riff, cada verso, cada fill, y cada línea de bajo están pensadas para honrar al baterista, con una música que resuena con mayor pasión que nunca, siendo capaz de llenar cuanta arena se pudieran proponer. Buen viaje Vinnie, tu legado está bien cuidado.
DABABY – KIRK
El asunto en «Kirk» es algo complicado, al considerar bien que DaBaby en definitiva tiene un flow atractivo que es capaz de renovar el concepto que tenemos de la escuela más mainstream y estandarizada del rap. Más agresivo, con mucho más personalidad que muchísimos salidos de la generación Soundcloud.
Ahora bien, en este nuevo esfuerzo discográfico, DaBaby gasta mayor tiempo en la estética del impacto de sus canciones, más que concentrarse en la producción. Es decir, esta última dista en gran parte de ser algo novedosa, única o al menos reconocible. Hay más esfuerzos en parecer cool y crear hits inmediatos.
Si esto fue para acrecentar las arcas de fans, está bien, pero ojalá a futuro aproveche su talento en el flow de sus versos que ciertamente sobresale de sus pares.
TEMPLES – HOT MOTION
A mediados de la década, Temples se lanzó como un nombre medianamente fresco y a su vez una de las caras más visibles e inmediatas de la new psychedelic que Tame Impala empezó a instaurar. Pero al mismo tiempo, es cierto que la banda, a pesar de su fama no menor, cae en ciertos vicios que la música psicodélica ha venido sufriendo hace ya un buen tiempo.
En este «Hot Motion» el alcance orgánico ciertamente es loable, considerando que ciertamente depositan aquí y allá uno que otro arreglo que endulza sus –no tan– ácidas producciones. El problema viene es que no hay mucho riesgo realmente, y se cae rápido en la monotonía. Está la sensación de que esto ya lo hemos escuchado antes, y eso no tendría ningún problema si fuera psychedelic a la vena y punto, pero no es así. En fin, de una u otra manera, si que repartieron buenos hits a lo largo del LP.
LOS TABANOS EXPERIENCE – RISE OF THE MELTED EAGLE
La razón de la porque este «Rise Of The Melted Eagle» cumple sus propósitos tan a cabalidad, es por la conjugación proporcional entre el stoner más álgido y apesadumbrado junto con el space rock más libre que se pudiese conjurar.
Los Tabanos Experience vienen a hacer gala de la figura del jam –por sobre todas las cosas– en un desliz constante de volátiles maniobras que desdibujan los límites del raciocinio y nos llevan a un ápice catárquico en donde las direcciones a tomar se tornan deliberadamente confusas, en un dejo de la esencia humana más terrenal. De ahí que las guitarras se materialicen en interlocutoras fieles de las distintas facetas a las que estamos expuestos por naturaleza. Así la agresividad como la sutileza se tornan en mejores amigas, y se conectan a través de sinergias explosivas que invaden con sigilo el sentir de sus oyentes, en lo que es básicamente una forma distinta y fascinante de hacer música psicodélica.
KMFDM – PARADISE
Las cosas en este «Paradise» son sencillas de explicar. Estos paladines subvalorados del industrial siguen al pie de la letra las directrices que se encargaron de encumbrar con otros nombres como Ministry, y este LP no viene a ser la excepción de ello.
Con cierta valorización por los riffs deliberadamente monótonos, con un funcionamiento certero y preciso, KMDFM juega con el impacto estético y lírico que sus producciones siguen generando, aunque aún con ello, esas intromisiones en el rap no les hacen muchos favores.
CATALINA LUST – CYGNUS
A gran velocidad, Catalina Lust nos pone al corriente de un inspiradísimo año en lo musical, destacando todavía más por sobre su anterior placa «Esto no es Trap’, en cuanto a versatilidad y temáticas a la hora de bordar esas canciones que rechinan los dientes de una manera mucho más potente y atrevida. Cygnus nace de una amplia gama de miradas que desarrollan emociones, críticas, reflexiones y otros experimentos varios al filo de lo contracultural, el mundo del arte y hasta la cultura geek, expandiendo el modelo de composición hacia vertientes tan novedosas como frecuentadas por la gracia de un autor inagotable, dispuesto a revelarnos algo más que un simple álbum. Es allí donde se esconde uno de los grandes triunfos de este proyecto, en las ganas de explayarse con urgencia, sin recurrir al autoplagio y otras falacias que este Cygnus las salta como cual medallista olímpico rompe sus propios récords.
TEGAN AND SARA – HEY, I’M JUST LIKE YOU
Es sabida la novedosa carrera con la que Tegan and Sara han cultivado más de una esencia musical, obteniendo grandes halagos y a la vez, un respeto desde casi el comienzo con un toque de Folk y algo de Punk. Hoy en día y con ‘Hey, I’m Just Like You’, las gemelas abrazan esa herencia que parecía perdida desde sus incursiones más cercanas al Synth-Pop, dándoles una nueva vida a composiciones de antaño, descartes y otros paréntesis que adquieren un poder formidable en esta novena placa. No es precisamente una vuelta completa de tuercas, algo de lo que venían haciendo se muestra aquí, sin embargo este denominador común le inyecta más energía y dedicación a estas tremendas canciones que juegan entre la guitarra y lo sintético, como una bolsa de caramelos para antiguos y nuevos fans.
RIPPER – SENSORY STAGNATION · EP
El buen manejo musical que hace Ripper de sus riffs, de entrada a las violentas catacumbas que dan cabida a una versión ambientada en el antaño de las composiciones ligadas al Thrash más hermanado con el Punk, con cierta gracia que le brinda atemporalidad a sus canciones, les posicionan en un buen lugar dentro del género. Si ya en 2016 con ‘Experiment of Existence’ nos brindaron un discazo, este EP viene a clamar por más, instruyendo casi un manual de cómo fabricar un verdadero álbum sin caer en repeticiones, innovando y a la vez manteniendo lo que mejor saben hacer. ‘Sensory Stagnation’ suena potente, con mucha velocidad, intrigando desde su primer gran golpe con «The Unreal», mostrando todo su potencial en «Like a Sacrilege», síntoma de esta banda Chilena que parece tener una visión clara, insistente y totalmente recomendable para aquellos viudos de la época dorada de la música extrema, y para quienes ya visualizan los sonidos del futuro.
GIRL BAND – THE TALKIES
El parón musical que significó el alejamiento de Girl Band del ruedo, parece haberles brindado nuevas energías y propuestas, las cuales se ven materializadas en uno de los mejores trabajos referentes al Punk en lo que va del año. No es cuestión de suerte, más bien el pánico y la inmediatez del rugido con el que aparece ‘The Talkies’, abandona cualquier formula y nos invita a dar un paseo por una monumental manera de concebir la música, cuando nada nuevo pareciera poder despertarnos así. Esta declaración de independencia de cualquier convencionalismo de una banda Rock, profundiza en la mecánica de generar momentos con una fórmula carente de formalidades, dedicada única y exclusivamente a transmitir el uso de los instrumentos como una búsqueda interna de sus cualidades, a la vez sentando las bases entre el equilibrado clímax eterno de una obra que respira cada aliento como si fuera el último, y la abundancia de ideas que parecieran perforar cualquier límite.
CIENFUEGOS – CIENFUEGOS · EP
Ante el grito de justicia, dignidad y respeto que Cienfuegos impulsa como una de las armas musicales de lucha mejor logradas, este EP repleto de intensidades, emociones y gritos descarnados, sacude el alma a través de sus bien logrados paisajes y memoriales. Cuatro canciones componen esta encrucijada de lamentos y despertares tan ansiados por el filo ruidoso de una obra capaz de transgredir y confortar pasajes dolorosos a un pulso plausible de armonías que afinan los detalles del motor directo y poético sobre una realidad amordazada, por los designios y abusos del poder. Con un desarrollo cercano al Post-Hardcore más emocional y vibrante, la banda instruye un manual de sabidurías resueltas con un destello conmovedor de sonidos que ayudan a cicatrizar, más no a reparar los fantasmas diarios de una tierra sacudida por las avaricias y los golpes.
JUREL TIPO SALMÓN – CARNADA
Pareciera ser que Jurel Tipo Salmón decidió dar un salto y abalanzarse como una apuesta fresca y directa de su ya clásico sonido cercano al Punk, y que esta vez con una voz mucho más dura y crítica, aborda diversos temas que vienen a sentar un hito en la banda. ‘Carnada’ es el nombre de este disco que trae 10 canciones, las cuales de manera cohesionada, muestran una propuesta furiosa pero melódica que aborda las emociones, los coros de estadio, y una mágica manera de restablecer la importancia de JTS en la escena, siendo elaboradores de un sonido tan propio, que en esta nueva apuesta ve fortalecido su legado más que en cualquier otro momento de su carrera. Así nuevos hits como «Muertos en Vida», «Escapar» o «Rabia» como el clímax de un potente nuevo registro sin desperdicio alguno.
PATRICIO VILLARROEL – DIARIOS DE NAVEGACIÓN
La mudanza de Patricio Villarroel desde Valparaíso hasta la región de Aysén, fue más que un simple cambio de rutina y vida; fortaleció el espíritu más aventurero de un músico dispuesto a registrar con lujo y detalle, una narración musical sobre un viaje tan llenador como revelador. ‘Diarios de Navegación aporta condimentos y pinceladas a un esqueleto personal repleto de nubosidades y brillos, inviernos y memorias fugaces que se depositan en el tratamiento de la guitarra, como la pluma que va registrando cada paso y emoción a su haber. Este disco se percibe como una tormenta calma, entre la fragilidad y la sintonía cósmica de lo «Dreamy», siendo testigos presenciales de aquella epopeya canciones tan importantes como «antes de morir» o «nuestro mapa». Entre un Folk de sensaciones y verdades, el músico nos da una mirada a su viaje, remplazando cada fiordo, cada río, con notas musicales repletas de una belleza que acoge la paz, como un recurso de aprendizaje artístico y humano.
Escritas por:
Jota: Desde SeeYouSpaceCowboy hasta KMFDM.
Felipe: Desde Catalina Lust hasta Patricio Villarroel.
