SLEATER-KINNEY – THE CENTER WON’T HOLD
Lo que sucede con Sleater-Kinney es algo digno de admirar –y celebrar, porqué no–. Recapitulemos. La banda después del «The Woods» (2005) se tomó un descanso de 10 años, para sacudir el mundo con un regreso monumental, «No Cities To Love» (2015) –una joyita de la música rockera de esta década–. Entonces, ¿que más quedaba por hacer? Hablamos de baluartes del rock alternativo más aguerrido, ruidoso y punk de los ’90, reivindicando esos espacios machistas a pura actitud. Literalmente, ya han hecho demasiado por el mundo de la música, pero como verán, aquí nos convoca «The Center Won’t Hold».
El anuncio del disco fue de lo más enigmático. Después de todo, confirmaron a la mismísima St. Vincent como productora, lo que por supuesto, algo nos decía de la búsqueda sonora de la banda.
«The Center Won’t Hold» es un álbum sumamente ecléctico y diverso que combina la vitalidad chirriante clásica de las de Olympia con un torbellino de ideas que obedecen un propósito artístico intenso y que hace un cambio en muchos niveles a lo que estábamos acostumbrados. Es así como convergen el art pop con el indie y el garage, logrando una amalgama exquisita y emocionante donde el sentido de lo experimental y el encanto popero se hacen como el alma del álbum, mostrándonos una faceta renovada al 200% de una banda que lleva más de 25 años en el ruedo. Sinceramente, bravo.
THE MURDER CAPITAL – WHEN I HAVE FEARS
La nueva escena punk/post-punk es algo de lo que no hay que perder la atención bajo ningún motivo. En esta ocasión, The Murder Capital dice presente con un debut revelador y que nos recuerda una vez más que dichos sonidos permanecen libres, y hace bastante rato dijeron adiós al cliché de lo que se conoce por punk.
«When I Have Fears» nos presenta una música humana que sostiene una narrativa de emociones y pensamientos que se condice con lo que nos dice la voz y los instrumentos. Todo vive, fluye y se estremece. La influencia de Joy Division y Fugazi permanecen ahí como grandes fuentes del saber, por lograr algo único y revelador.
Las ansiedades se sienten, y la radiografía es simplemente literal. Existe esa característica mundana, como también una humanidad tan frágil. Los arreglos permanecen ahí embelleciendo esas secciones rítmicas dinámicas como atípicas, hipnotizándonos y preparándonos para el estallido en clímax de la distorsión. «When I Have Fears» es un catalizador en toda su palabra.
BLANCK MASS – ANIMATED VIOLENCE MILD
En los deliberados excesos de «Animated Violence Mild» yace la alegoría y crítica perfecta al consumismo. Sí, en esta ocasión el productor británico decidió tirar todo sobre la mesa, encumbrando una propuesta sumamente avasalladora, y digo eso específicamente porque es casi imposible permanecer inmóvil ante las adicciones viciosas de este hito de la electrónica.
El entramado es complejo, pero a la vez muy directo en sus propósitos. Convergen sonidos como el darkwave, el industrial y el trance, que generan la nomenclatura perfecta gracias a este aura futurista, sintético y apocalíptico del mejor videojuego que puedas imaginar. Es un álbum soñador, triunfante, y sumamente hedonista. Sintámonos en libertad y celebremos como nunca, porque el mundo se va a acabar, pues este «Animated Violence Mild» es perfectamente el soundtrack del fin del mundo.
RED VELVET – ‘THE REVE FESTIVAL’ DAY 2 · EP
Aunque es una pena que el title track «Umpah Umpah» sufra los mismos vicios –que urgen corregir– de «Zimzalabim«, lo cierto es que el álbum en su totalidad permanece mucho más coherente y cohesivo que la primera parte de ‘The ReVe Festival’.
Ya no permanece esa actitud experimental tan directa, pero la búsqueda sonora persiste de manera mucho más sistemática y ordenada, posando el idol group sus miras sobre las bondades del blues y el pop setentero –muy a lo Prince–, así como también en el R&B noventero. Todo para remodelar su vívido pop en un sonido mucho más orgánico, lo que a su vez termina siendo propositivo en niveles.
Aún hay que afinar, siendo específico en ese paso en falso del primer tema, pero el trabajo de reinvención es sumamente sólido y está llegando a muy buen puerto.
SNOH AALEGRA – – UGH, THOSE FEELS AGAIN
Como el más álgido sentir, la memoria más frágil, y la intensidad del amor, Snoh Aalegra retrata a la perfección ese ir y venir del desamor, los pensamientos y aflicciones que produce, y el alivio y alegría de encontrar esa seguridad finalmente.
Con dicho antecedente claro, la cantante vaya que sabe sacar provecho de su voz, al interpretar con desgarradora honestidad e inconfundible sabor, como si fuese su corazón el que esté hablando. Todo ello al ritmo de un R&B de clara influencia noventera, pero con una sutil modernización que revitaliza el esquema de manera soberbia, sin pasarse muchas películas. Tan sólo hay que sentir, nada más.
UNIFORM & THE BODY – EVERYTHING THAT DIES SOMEDAY COMES BACK
La colaboración entre Uniform y The Body –que vaya que ruido metió el año pasado–, vuelven con un segundo LP que viene a entregarnos más de esa combinación entre el death industrial y sludge. Así como también, de paso, abrir más posibilidades y experimentar en el camino.
La demencia y la incomodidad está a la carta, generando muros de sonidos y distorsiones ácidas que representan realidades de lo más escondidas, pero sumamente reales. Para amantes del noise más demente como Daughters, este es el proyecto por el que han estado esperando.
Por otro lado, si bien es cierto que esta segunda entrega se siente algo apurada –aún hay un par ideas que no están del todo trabajadas–, sí es cierto que hay que poner atención porque la creatividad aquí es real.
PIJN & CONJURER – CURSE THESE METAL HANDS · EP
El sello británico Holy Roar Records una vez más demuestra que es la cuna de la evolución del metal en más de un sentido. En esta ocasión, hubo un cambio en la dinámica y dos nombres en pleno ascenso unieron fuerzas para generar una nueva fuerza de la naturaleza. Es así como los post-rockers Pijn y los amantes del metal extremo –más cercano al death y el sludge– Conjurer hicieron de las suyas en este tremendo «Curse These Metal Hands».
¿Qué puede salir de eso? Pues bien, uno de los proyectos de post-metal más fascinante que el mundo haya visto en los últimos años. Como si Baroness haya encontrado al fin a su alma hermana perdida en el mundo, reencarnando en un proyecto que no teme entrar en la suavidad de los suspiros de las guitarras –a lo Mogwai y Explosions In The Sky–, así como se adentran ferozmente en un torbellino demoledor, melodioso y conmovedor –como si Alcest qusiera inyectar vigor a su sonido–.
Es patente que la influencia de las bandas es clarísima. Ambas están en pleno ascenso en una etapa temprana de sus carreras. No es algo de lo que renieguen, el tema es hacerlo con una lucidez tal, que termina generando algo nuevo. Pues así, como lo expliqué en esta breve reseña, hay mucho pasando, y todo eso funciona por un genuino amor por la música. Ambas salieron de sus zonas de confort victoriosas.
MARIA USBECK – ENVEJECIENDO
Este trabajo resuena en ideas nuevas que entremezclan y unifican distintos sonidos, posando las mejores experiencias del art pop más modernizado que encuentra en las formas sintéticas de hacer música, la vía para entablar una discusión de experiencia y como una persona enfrenta el paso del tiempo.
Así, los experimentos encuentran en el synth pop la cuna para enarbolar detalles, y sobreponer capas de sonido en las cuales suceden muchísimas cosas. Las atmósferas se hacen presente, y así, Maria Usbeck encuentra el punto para hacer de su propuesta de lo más versátil, uniendo distintas esferas de percepción humana en las que lo directo al corazón y lo cinematográfico convergen de manera catárquica.
SHURA – FOREVHER
Bajo una narrativa que pone a Shura en la problemática de llevar una relación de larga distancia, cada verso y nota dibujan el sendero mediante el cual la cantante fiel a sus sentimientos, acepta los cambios y encuentra ese núcleo cálido en el que el amor se torna como una fuente creativa tan superlativa que encumbra en lo más alto este «forevher», como un hito dentro del R&B más alternativo.
La sangre circula impulsada por un groove sensual que materializa el canto suspirado de la británica, llevándola a encontrar en ciertos recovecos el ingrediente perfecto para dinamizar y saborizar a la perfección este flujo de sonidos tan irresistible. Es por eso que el indie pop permanece intacto en sus influencias, confabulando en momentos con lo psychedelic, lo que, por supuesto, tan sólo puede propiciar un disco sumamente refinado, exquisitamente matizado, y que despertará la curiosidad de cada quien, ya sea por la búsqueda o el autodescubrimiento.
RIDE – THIS IS NOT A SAFE PLACE
Los cultores del sonido shoegaze están de vuelta con un álbum que enfrenta el desafío para una banda de su tremenda y ya longeva trayectoria. La evolución, y la mantención de la esencia clásica siempre puede ser un problema si es que no existe una real toma de riesgos, y aunque Ride es una banda que no le debe nada a nadie, en este «This Is Not A Safe Place» es palpable que están algo atados a su mismo legado.
Veamos. Ciertamente existe una búsqueda y experimentación en su sonido, logrando cosas maravillosas aquí y allá, pero al mismo tiempo, se pierde el potencial –y el mismo ritmo del disco– al no entablar ello como una lógica a disco completo. Pero tampoco hay que equivocarse, es un buen disco, sólo que no saltaron a los riesgos como tal, pero definitivamente se sentirán acogidos por las melodías cándidas y las atmósferas atrapantes. Quizás sea la misma ansiedad presentada como temática central que representan el paso asimétrico del disco.
DIEGO MATÍAS – SEMILLA · EP
Lo que Diego Matías cosechó con esta «Semilla», ve sus memorias trazadas a mano en paisajes surreales de cotidiana expresión, encontrando así en la belleza de los arreglos el receptáculo de emociones traducidas en melodías y armonías que vienen a calentar los gélidos corazones de aquellos que no se toman un respiro de la celeridad abrumante de la vida.
Sí, el cantautor tiene un éxito tremendo en condensar diversos sonidos que tal vez encuentran un buen término calificativo en el folk, pero claro, Diego Matías no escatima en esfuerzos y en su amplio imaginario encuentra la resolución para integrar el art pop o baroque pop como elementos ciertamente estructurales.
Este EP se hace urgente porque representa una maravilla titánica al hacer honor a lo que los arreglos buscan: embellecer, y esta «Semilla» ciertamente es una pieza hermosa.
HAMMERFALL – DOMINION
A ver, seamos precisos. Un género excesivamente estacando como lo es el power metal realmente tiene en jaque a todas aquellas bandas que brillaron con tanto fulgor a fines de los ’90, hablando al menos, en términos creativos. HammerFall es una de ellas, pero la pregunta qué hay que hacerse es, ¿qué es lo que realmente esperamos?
Hasta el día de hoy, en los últimos años, el género ha visto ciertas luces de libertad en sus puntos tangentes con el death metal melódico así como el progresivo, pero nada ha sido realmente el cambio revitalizante qué el género tanto demanda. Quizás el disco de Blind Guardian venidero de luces, así como el de Helloween con esa tan excelsa formación de indicaciones a las futuras generaciones.
Hablemos de HammerFall. Esta década no los ha tratado muy bien, pues han adoptado una fórmula evidente al oído mucho más hardrockera y de estadio, lo que no está del todo mal si es que al menos suena fresca, cosa que no era tan así en aquellos álbumes. Estamos hablando de cultores del power metal, fuera de la cuna alemana y finlandesa –son suecos–, y con una aproximación más cercana al filo del heavy. ¿Es «Dominion» fresco? Sí. ¿Es bueno? Sí. ¿Es lo que necesita el género? No. ¿Es deber de HammerFall salvar al género? No.
Serán las nuevas generaciones que traigan nueva vida al género. Ya hay todo un historial sumamente extenso de experimentación a niveles atómicos en el metal, tan sólo no es el momento del power. Eso es todo. De momento, disfrutemos de estos riffs y solos que no sonaban así de poderosos desde «Chapter V» (2005).
NAO YOSHIOKA – UNDENIABLE
La nipona nos entrega una reformulación sutil de lo que conocemos por R&B, extrapolando su faceta más alternativa y tornándola en una experiencia sensitiva a nivel humano, instaurando una sinergia de flujo de sensaciones que bosqueja una música de texturas. Por supuesto, la producción de primer nivel juega un papel fundamental al encontrar el lugar exacto para que cada detalle se tonifique como el mejor de los mosaicos, embellecido y abrillantado por un ambient que realmente saca lo mejor de sí.
Sí, es innegable que Nao Yoshioka tiene el poder absoluto en lo que a variedad en intensidades refiere, siendo ese flujo de personalidad en tonalidades pasteles como intensas la gran epítome de todo lo que se espera de la música. Buen, buen trabajo.
ORANGE OCEAN – 浪潮上岸(TEARS IN OCEAN)
Esta pieza reluce como una declaración amigable en la que se entregan los secretos para hacer un trato más revelador de lo que la música psicodélica puede hacer, hilando un nuevo concepto de la unificación de lo etéreo y el encanto del indie rock. Es así como Orange Ocean viene a poner la directriz para enaltecer esos sonidos más ácidos pero que siguen gozando de una humanidad y una candidez particular, que en gran parte se debe a la adoptación de la estética del shoegaze.
Por supuesto, este retrato de esta nueva visión que se viene gestando del under del indie en la escena mundial –compaginado con lo que se viene gestando en Latinoamérica, por ejemplo–, posiciona a Orange Ocean como uno de los nombres más fascinantes que han salido de China últimamente.
AUSENTESS – TIEMPO INMORAL · EP
Con una sutil revitalización del indie de guitarras más incandescente, los Ausentess posan sus esperanzas y anhelos por el género que tanto aman en forma de una pasión tan palpable que es capaz de materializarse en cada nota tocada, haciendo subir los decibeles y entregarle las llaves del secreto de la música a la capacidad interpretativa de sus integrantes.
En este singular par de canciones, toman una vida flameante que le debe mucho al sonido garage articulado, permitiendo imaginar como las uñetas rasguean las cuerdas. Todo mientras la voz de Nicolás se aísla de las vicisitudes de la vida, y toma el protagonismo con una interpretación de alta calidad humana.
THE HOLD STEADY – THRASHING THRU PASSION
Aunque la gran mayoría del álbum ya se conocía con anterioridad, se agradece sumamente el como gestaron este álbum y el como su visión se mantuvo intacta al llevar adelante este proyecto. Este regreso triunfal –que viene también a sellar el buen año que ha tenido el vocalista Craig Finn–, es todo de lo que se podría esperar de un buen álbum de rock. Diversión, pasión y dinamismo.
«Thrashing Thru Passion» muestra en su ecléctica personalidad la fortaleza de lo que es rock ‘n’ roll, unificando en los hechos la historia de este sonido desde su mismísima génesis hasta el día de hoy. Sumamente recomendable.
EQUILIBRIUM – RENEGADES
Si bien es particularmente palpable que Equilibrium en este «Renegades» se dio vuelta la chaqueta de manera realmente burda y vulgar, sí es cierto que al menos, el producto final goza de la calidad suficiente para obviar la decisión.
Equilibrium es una banda de culto del folk metal, presentando su arista más agresiva, imaginativa y salvaje. Gran parte de eso tiene el tremendo ingrediente que tenía que ver el pagan metal en todo este embrollo. Pero aquí, existe una reformulación de lleno comercial –que no tiene nada de malo en sí–, pero se perdió todo lo que hacía realmente especial y única a la banda.
Es un buen trabajo que algo de la esencia salvaje mantiene, por lo que, dentro de lo standard y genérico que pueda sonar, resalta entre sus pares. Pero esta movida los extirpa de lleno de todo lo fascinante, sonando estructuralmente predecible, y eso no pasaba antes.
KILL EM ALL – KILL EM ALL
La colaboración que el mundo aún no está realmente preparada a avistar. Desde el underground mismo surge Kill Em All, un proyecto entre Dj Muggs y Mach-Hommy que tiene el potencial suficiente para hacerse de lado a lado a bestias del género como Run The Jewels y Freddie Gibbs con Madlib.
La producción nos presenta samples que rectifican a la perfección lo que las texturas significan en el rap, encontrando cierto aire experimental que se manifiesta tan accesible, fruto de la genialidad del DJ. Así, el tono suena muy, pero muy bien, y logrando una música matizada en grises –necesarios– en los que el flow y las sutiles pero duras rimas de Mach enaltecen esta obra, siendo la gran sorpresa que necesita visibilización.
Escúchenlo, porque no lo encontrarán en la radio, ni en Pitchfork, ni en NME.
COCÓ – LA MUERTE
El canto más íntimo en lo que va del año por estos lados, significa también una manera de cerrar ciclos, enfrentar realidades y traspasar el papel de ser autor a un protagonista mismo de todo. Así se siente La Muerte, una ruptura musical interna de pasajes estimulantes y visiones trascendentes, lugar en donde Cocó (Nicolás Ferrada) transita de un lado a otro, explayándose entre ruidos, intrigas y experimentación pura. Sonidos que trascienden cualquier interpretación lógica, profundizando en sintetizadores encendidos al máximo del lamento, como una herramienta más del dolor y la reflexión. Cocó tiene demasiado que contarnos en 10 canciones, con invitados de lujo (Niño Polar, Ninja Negro y Arranquemos del invierno), creando casi instantáneamente su propio culto con un pedazo de álbum. Olvida todo lo que sabes y bienvenidos a un nuevo universo.
KING GIZZARD AND THE LIZARD WIZARD – INFEST THE RATS’ NEST
Los King Gizzard & The Lizard Wizard terminan por saldar cuentas pendientes y se lanzan de lleno a la guitarra, esa que rescata legados más ochenteros cercanos al Heavy Metal. Algo de este sonido se hallaba en sus anteriores placas, sin embargo la aventura en Infest The Rats’ Nest posiciona por completo roces cercanos al Thrash, casi a la Motörhead que si bien sirve de homenaje al género, pareciera ser más que nada una visión referente exclusivamente al disco. Claramente el sonido base con todos su efectos Psych-Rock bien curado por la banda es una constante en la construcción de canciones, pero las intensidades cambian, se aceleran los ritmos y el poder logra concretarse en un monstruo capaz de ponernos nostálgicos. En ningún momento hablamos del mejor disco de la banda; canciones buenas las hay de sobra y la idea da para aplaudir, pero bajo estos tópicos, es mejor entender el álbum como un punto aparte entre los tantos que poseen.
YOUNG THUG – SO MUCH FUN
A estas alturas Young Thug es una eminencia dentro de cierto grupo de Raperos como Lil Baby o Gunna. Su mirada extrafalaria le hizo recorrer todo tipo de caminos que vienen a formular el resultado mejor logrado de su carrera. Si bien So Much Fun rehuye de cualquier búsqueda extenuante, las ideas, sonidos y vibras siguen intactas y conforman un torpedo de las mejores canciones de Thug. Entre producciones que calan en todo tipo de formulas y colaboraciones varias, el álbum nos muestra un retrato del músico a su antojo, con bombazos y reflexiones, bastante sabor y devoción. Canciones como «What’s The Move» o «Hot» pasan a encabezar las playlist veraniegos (del Ecuador hacia arriba), mientras que otras como «I’m Scared» o la genial «Surf» componen el ejercicio mejor logrado en una obra que tiene mucho que decirnos y de la mejor manera. Otra prueba más que superada.
OH SEES – FACE STABBER
Proyectos como Oh Sees -con un montón de discos a su haber-, o bien terminan sucumbiendo a la auto complacencia o desmoronándose entre malas ideas. Sin embargo si algo ha caracterizado a esta banda, es su fiel manera de dar vuelta las cosas y concebir pedazos de discos: Face Stabber no es la excepción. Ojo que tal vez esta sea una obra que sienta el precedente de ir hacia caminos ya transitados, proponiendo algunos detalles que aportan al resultado final, aunque los riesgos parecieran haber quedado guardados para un álbum futuro. John Dwyer, principal cabeza del grupo, apuesta por pulir sus encantos sonoros, dejando entrever delirios sicodelicos y profundidades borrascosas que al final del día, cosechan uno que otro momento notable. No es su mejor disco o un avance, más bien una consolidación que se entiende desde la vereda más esencial del nombre.
KILLSWITCH ENGAGE – ATONEMENT
Los problemas personales que han afectado a Jesse Leach (voz) últimamente, han servido como expiación de determinados fantasmas que acuden con un estado de ánimo variado a la terapia final llamada Atonement. Una jugada que si bien deslumbra, acompaña y nos deja más clásicos al haber del grupo, también se ve sobrepasada por ideas variadas que terminan por ejecutar de manera correcta el álbum, sin más. Killswitch Engage acude en busca de sonidos fuertes, ritmos variados y la constante pasión dentro de sus composiciones, adentrándose en lo profundo del estado anímico imperante en la obra, dilatando ese «ir más allá» que constantemente buscamos, pero a la vez fortaleciéndose de las tormentas que terminarían por jugar un rol clave en el trabajo.
CEVLADE – RAINVIENTO
Un Rapero como Cevlade de tantos caminos recorridos, es a la vez un constante buscador de ideas nuevas con las cuales seguir proliferando su arte. Sin embargo Rainviento va más allá, cerrando el telón y armándose con el valor de lanzar nuevamente su carrera artística desde un nuevo horizonte. Entre sus apuntes más reflexivos y una nueva vitalidad desafiante, el álbum reconstituye una propuesta totalmente elaborada, compleja y que llega directamente a las pulsaciones más profundas de tu ser, innovando desde las rimas hasta la música detrás. Así temas como «El viento a mi favor» o «Reinvención» canalizan de mejor manera lo que el MC quiere expresar, mientras que «Laberinto 21» pasa a ser casi automáticamente un neo clásico de orquestaciones flotantes y versos increíbles. Este es uno de los mejores álbumes de Rap que he escuchado por estos lados y a modo personal, lo recomiendo bastante.
LOS PECES – OSO EL ROTO · EP
Este EP con el que Oso el roto parece desprenderse de cualquier posicionamiento previo, encuentra su lugar a través de cierta nostalgia personal capacitada para forrarnos con un cancionero popular totalmente legendario. Desde movimientos como «Mirando» hasta el desquiciado cover de «Los peces», el trabajo logra cohesionar un aura de displicencia en varios sentidos, como una muestra contracultural del quehacer más propio de la canción, demostrando además que puede abarcar varios géneros o propuestas. Solo 4 episodios en donde la inconformidad se viste de rítmicas somníferas y las cuerdas calzan distorsiones variadas.
RUI HO – IN PURSUIT OF THE SUN 逐日
La clásica escuela de Berlín en donde la Electrónica parece ir siempre un paso adelante, se haya RUI HO, repleta de tendencias Dance con toques experimentales de tópicos orientales, que pueden llegar a glorificar una nueva época para la música en los clubes. La artista China ofrece una enérgica y constante fuerza natural bastante adictiva y veloz, a ratos similar a lo alternativo de propuestas como la de Fever Ray, sin los agregados vocales, siendo «Wings of Light» o «Ardour» las dos caras que mejor reflejan el sentido y la dirección del disco. In Pursuit of the Sun vislumbra innumerables escenarios acelerados como evocando el pulso de los 2000, atestiguando el buen nivel y la innovación que todavía se sigue dando en este género.
COCOLISA666 – NARUTO, HACHIKO
El significado de Naruto, Hachiko radica principalmente en factores atmosféricos que nutren los variados sabores que Cocolisa666 nos termina por entregar. Una gama elevada de sonidos, viajes y atmósferas variadas entre lo nebuloso y concreto, repelente de cualquier método con el fin de que cada canción vaya hacia donde el corazón de la artista lo reclame. Una compilación de canciones dedicadas a sentar las bases del aspecto musical más propio de su universo sonoro, en donde cada detalle termina por sumar al sentimiento de nostalgia casi simbólico de cada postal hecha con amor. Así encontramos desde expresiones de cotidianidad sagradas en «Los lunes, lentejas» donde lo experimental refuta cualquier concepto definido de composición, con una poética recetaría fascinante o «Naruto», concepto principal que resume los mil colores y resonancias propias de ella. Un lujazo para la colección.
A$AP FERG – FLOOR SEATS · EP
9 canciones componen este EP que trae de vuelta al integrante del A$AP Mob, en donde la fascinación del Rapero por abrazar el sonido moderno de las calles, se hace más que notorio. Quizás la crudeza de Floor Seats reflejadas en la canción que da nombre al trabajo, sean motivo suficiente para adentrarse al EP, sin embargo la gran cualidad de este radica principalmente en aquella canción, siendo el álbum en sí, un acompañamiento lleno de innumerables feats para armarse la peda. Buenas producciones que van de la mano con la necesidad de observar un poco el mundo y desarmar la realidad desde la inmediatez y la pirotecnia verbal.
OSO OSO – BASKING IN THE GLOW
¿Existen los discos cargados de luz y melodías? Oso Oso es el nombre del proyecto llevado a cabo por Jade Lilitiri, quien acompañado de Aaron Masih en batería, recorre parte importante del concepto canción, en favor de recuperar el lado más melódico de la guitarra, con letras que abordan desde temas personales hasta nuestro lugar frente a los males del mundo. Bajo esta tónica Basking in the Glow nos ofrece un cancionero basto en emociones, compuesto desde la expresión misma y cercano al lado más comercial y accesible del Pop Punk de comienzos de siglo, celebrando en términos generales la manera directa en que nos llegan los temas, como un balde de agua fresca más que necesario para el Rock. Canciones como «Basking in the Glow» definen a la perfección lo que Jade se traía entre manos, siendo quizás los grandes puntos altos de un álbum repleto de éstos, el hecho de incluir cosas como » The View» o destellos melancólicos en «Impossible Game». En definitiva un imperdible para los amantes de grupos como Jimmy Eat World o New Found Glory, menos distorsionado pero igual de efectivo.
FRIENDLY FIRES – INFLORESCENT
¿Qué les deparaba a Friendly Fires lejos de los años dorados del Post-Punk cercano al Dance? Mucho, puesto que la banda ha decidió forjar una nueva alianza repleta de vitalidad electrónica, mucho más vanguardista y cercana al House, que a ratos parece ser demasiado profunda para lo que nos tenían acostumbrados. Todo esto siembra ciertas dudas frente al sonido del grupo, puesto que Inflorescent más que nada parece un ensayo personal de cara a la reinvención y créanme que en su mayoría, encontramos puntos altos notables y descarados. Hay algo de magia guitarrera, pasada por litros y litros de condensadores synth-rock, a la vez que compenetran sus ideas con una eufórica muestra de lo mejor de los clubes Europeos de música electrónica. Claro que no a todos va a satisfacer este disco, sin embargo Inflorescent representa un paso que quizás debió haber llegado un poco antes.
SNOOP DOGG – I WANNA THANK ME
Snoop Dogg es una escuela en sí mismo y cada nuevo álbum que lanza, para bien o para mal, termina por autoplagiarse un poco. Sin embargo la calidad a ratos se mantiene y joyas G-Funk saltan de vez en cuando a la palestra, siendo sus canciones un homenaje a varios géneros que ama, a la Snoop. I Wanna Thank Me es tal vez lo mejor que nos ha entregado en esta década (junto tal vez al ‘Bush’ de 2015), siendo un resumen necesario de la importancia Pop del Rapero, en donde viejos conocidos como Swizz Beatz o el fallecido Nate Dogg, le acompañan sellando una conexión notoria con su pasado, mientras que caras más nuevas como YG o la Brasileña Anitta terminan por aportar modernidad a su ya de por sí, tendenciosa manera de gestar música. Obvio que hay un nuevo clásico indiscutido en el disco como lo es «I Wanna Thank Me», canción que cierra con broche de oro este buen disco.
LITTLE BROTHER – MAY THE LORD WATCH
El regreso de Little Brother como tal junto a 9th Wonder, viene cargado de una proposición renovadora del género más alternativo del Rap. Si bien May the Lord Watch puede parecer otro exitoso episodio de su discografía, significa también un reconocimiento a su legado musical, lleno de vibras alucinantes, con mirada actual y narrativamente audaz. Explayándose en una producción de lujo, Phonte y Big Pooh complementan imaginativamente las rutas en las que se mueven las canciones, como un oleaje constante de sacudidas y revelaciones. Ahí canciones como «Goodmorning Sunshine» o «Everything» atraviesan atmósferas reposadas en miel, mientras otros confesionarios más profundos salen al paso y nuevos himnos de la talla de «Picture This» surgen de la mejor escuela del Motown más espiritual. Ahora si buscan un efecto inmediato «Black Magic (Make It Better)» marca de mejor manera, el impacto de este disco.
DOWNTOWN SWINGAZ – ECHELON
Downtown Swingaz es de esos proyectos Japoneses en donde la cuota especial de visión musical Nipona, aborda inteligentemente el género y le hace brillar con autenticidad. Los beat que esconden las sesiones musicales en Echelon, abordan armonías plagadas de vibras envolventes e hipnotizantes, espacio que los MC aprovechan de pincelear las rimas y formas novedosas de Rapear, aportando una especie de dinámica controlada por la magia de oriente. Si buscas un buen disco de viejas andanzas a la Wu-Tang, en donde la dureza se vuelca en lo alternativo, sin dudas este es tu álbum. Bastantes cintas por explorar.
DESTINOS – METANOIA
Existe cierta elaboración progresiva en lo que hace Destinos (Felipe Cuevas), sin embargo su alcance evalúa dimensiones espaciales bastante significativas y divinas. Sus atmósferas cautivan de una manera brillante, mientras que las guitarras abordan dinámicas concebidas casi desde un aspecto puramente clásico en todos los sentidos, como una gran orquesta en donde las intensidades eléctricas de las cuerdas, ejecutan la acción en sí. Muchas cosas suceden en 10 canciones que unidas forjan toda una épica de alegoría al Post-Rock y el Metal, diversificándose aun más a medida que vayamos visitando sus profundidades. Metanoia es uno de esos viajes repletos de mística y emoción.
EL MUNDO SE VA A ACABAR – MENTIRA ES MUERTE · EP
Con una profunda entrega lírica y poética repleta de la memoria más cruel del humano mismo -para así y los demás-, Mentira es Muerte nos entrega un testimonio en formato lo-fi del poder en la canción. Solo 12 minutos bastan para forjar una cercanía en lo musical y el mensaje, aportando entre guitarras y efectos oníricos el dolor angustiante de aquellos desaparecidos como por ejemplo en «Por Marta», perfectamente nuestra cara al pasado más traumático, siendo a la vez «Quemar policías» un reflejo de la mirada aturdida bajo la represión social en todas sus formas. El mundo se va a acabar trata sobre ser participe de la solución al problema mismo, y cualquier medio de expresión de esto es válido. Dicen que de estos actos, nacen las mejores obras.
PODRÍA SER PEOR – CONTRAATAQUE! · EP
Un portazo a la cara de la rabia más inmediata y eufórica en una banda cercana al Hardcore Punk más melódico y accionario que tantas faltas hacen por acá. Podría ser peor aborda su primer Ep Contraataque! con un profesionalismo admirable, sonando potentes, claros y cautivantes, siendo la voz femenina un arma de visibilidad notoria en los cambios a las escenas, muchas veces dominadas por conservadurismos machismos. El ahora es hoy y la banda no pierde tiempo en lanzar 4 nuevas canciones que pueden pasar a ser grandes nuevos clásicos del género. Fácilmente uno de los debut más frescos y sorprendentes del año por estas tierras.
AMY THE ANGRY CAT – DISSONANT HEARTBEATS
Hay experimentación y bastantes novedosas tecnicas de llevar a cabo un grito distinto al habitual en la música extrema. Cercanos al Post-Hardcore y Metalcore, Amy the Angry Cat toma estos tópicos y los llevan un paso más allá, creando una maquinaria de canciones incombustibles como «DropDead» o la futurista «A Moment of a Dystopian Future» siendo una buena forma de resumir el aspecto central en Dissonant Heartbeats; canciones para sorprenderte totalmente. Sin embargo la gran envergadura musical transcurre en los Chapter One y Chapter Two, dos piezas a las cuales hay que poner harta oreja.
DOS OCÉANOS – DOS OCÉANOS · EP
Al sur del mundo transcurren muchas variantes musicales, siendo lo que hace el sello Silhayca un oasis de profundidades más personales de la música alternativa. Contracultura pura al estilo de Dos Océanos, se entiende como un EP ajeno a todo lo que existe y a la vez, tan cercano como el escalofrio mismo de la vida. Nos habla desde una poética subterranea, en donde tres canciones hacen eco de las maravillas dentro de las intimidades musicales mismas. Tres actos de un Folclore trascendente a cualquier género y contexto. Música universal desde el underground del corazón.
Escritas por:
Jota: Desde Sleater-Kinney hasta Kill Em All.
Felipe: Desde Cocó hasta Dos océanos.
