FÉLICIA ATKINSON – THE FLOWER AND THE VESSEL
El nuevo trabajo de la artista francesa es uno que sabe de la exposición humana en un trato espontáneo y reposado de cada sentimiento y figura musical depositadas en «The Flower And The Vessel». Desde el prisma más vanguardista y revelador del ambient, Félicia Atkinson despierta pausadamente cada sentido con las texturas esbozadas en este nuevo esfuerzo discográfico, en el que se ve y se siente su excelsa formación artística a nivel académico.
Aunque la improvisación sea el gran plano angular de este álbum, eso permite diferenciar con tranquilidad el tremendo valor contenido en cada rincón, llegando a provocar reacciones biológicas directas –muy asiduas al fenómeno del ASMR–.
Por si fuera poco, hay un conocido en los créditos como invitado: el mismísimo Stephen O’Malley de Sunn O))), quien dejó su marca en su particular estilo de tocar la guitarra. «The Flower And The Vessel» no es bajo ningún motivo un álbum de escucha casual, pero sí es uno que promete una experiencia única.
LA BESTIA DE GEVAUDAN – KINTSUKUROI
«Kintsukuroi», el arte japonés que repara la cerámica fracturada con barniz de resina mezclado con polvo de oro o plata, con el propósito de mostrar la belleza de las cicatrices, signo de la imperfección que representa su individualidad y superación. Con tal contundente significado, La Bestia de Gevaudan viene con orgullo a demostrar todos aquellas marcas de vida que los han convertido en quienes son hoy –uno de los exponentes más grandes del post-metal/post-rock en Chile–, y con un especial cuidado por el detalle para unificar y embellecer estos muros de sonido que resuenan con melancolía.
Lo elaborado por La Bestia de Gevaudan va aún más allá del carácter deconstruido del post-metal/post-rock, y es que comprenden a la perfección que el verdadero propósito de dichos géneros, es la expresión individual por sobre el estándar del estilo. La misma directriz que bandas como Deafheaven y Sigur Rós siguieron, es la que corre por las venas de la agrupación nacional. Dicho carácter único no sólo se representa en cómo logran encontrar la belleza en todo el noise de notas tan densas y oscuras, sino también en cómo hacen uso de elementos sintéticos y electrónicos para definir con aún más ahínco este carácter de autenticidad tan célebre de la banda.
Con invitados estelares como Thisquietarmy y Mike Armine de Rosetta –signo claro de estatus creciente–, La Bestia de Gevaudan se alza como una de las mejores bandas del género en nuestro país, con este «Kintsukuroi» que de seguro dará que hablar en las listas de fin de año.
CRONOS DEBE MORIR – SÍNDROME ESCAFANDRA · EP
El segundo epé de Cronos Debe Morir reviste de ambición, confirmando el porqué del revival del skatepunk, y eso se debe únicamente a que se da especial hincapié a la evolución del género, y los chilenos, especialmente, han visto en el metal la inspiración necesaria para elevar su propuesta que tantas aclamaciones les han valido.
Absorbiendo toda la información necesaria, la versatilidad del sonido en el que se han inmiscuido les ha permitido elaborar cuanto plot twist sonoro se les ocurra, extrayendo cosas del speed, el metalcore, e incluso del metal extremo, lo que dota de una vitalidad no muy vista –a este nivel– en el hardcore punk moderno. ¿Y saben qué es lo mejor? que Cronos Debe Morir, aún con toda la grandilocuencia que logran gracias a su talento y técnica, mantienen férreamente la pasión en llamas fundada en sus creencias. Que el futuro les traiga puras buenas cosas, cabros.
BABII – HIIDE
El álbum debut de BABii nos trae una bocana de aire fresco en formato electrónico alternativo, en donde la lógica del beat ostenta un protagonismo –y con ello, la producción– que revela y aumenta exponencialmente aún más el misticismo de los samples y los sintetizadores.
Una propuesta que aún dentro del increíble ambiente de curiosidad que provoca, termina por seducir en éxtasis con aquellas vociferaciones filtradas que difuminan retratos de conceptos entendidos fuera del foro humano, pero que en realidad, son parte del día a día. El potencial es tremendo.
ABBATH – OUTSTRIDER
«Outstrider» termina por apaciguar las aguas restantes de los fanáticos que aún están descontentos con la separación de Abbath de su insigne banda madre, Immortal. El cómo logra ello es lo que representa la grandeza de Abbath, que llega aún más allá de los designios del black metal de la vieja escuela, un sonido del cual él mismo fue uno de sus grandes cultores.
Immortal tuvo dos facetas, por así decirlo. La cruda y directa, más relacionada a sus primeros álbumes; y la melódica que empezó en el tremendo «At The Heart Of Winter». También existió ese hito único que se llamó «Sons Of Northern Darkness», donde la experimentación y creatividad a nivel rítmico y riffs dejaba entrever la sed creativa del frontman. Por otro lado, también tenemos a I, el proyecto paralelo de Abbath en el que se entregó a su amor por el heavy metal más clásico, aunque claro, con su propio estilo.
Dicho todo ello, «Outstrider», el segundo álbum de Abbath, es la culminación de toda la carrera del noruego como músico. Aquí se celebra el black metal clásico en todo su esplendor. Tan estruendoso como sea necesario, así como bien melodioso, signo de su marca personal. Pero no todo queda ahí, es este genuino amor por el metal que llevó a Abbath a encontrar en el heavy y el thrash la inspiración necesaria para hacer de su música de lo más dinámica, y por sobre todo, adictiva. Así, sin quererlo, ha logrado una de las muestras mejor logradas y evolucionadas del concepto clásico de black metal en este último tiempo.
3TEETH – METAWAR
3TEETH en su «Metawar» mantiene viva la sed por la música industrial en el mundo, demostrando que se mantiene vívida y siempre sedienta de nueva sangre en el circuito. Hit tras hit, el grupo estadounidense repleta cada rincón en riffs que resonarán por semanas en nuestras cabezas, y sintetizadores que se sacan truco tras truco.
Ahora, más allá de toda el peso de la nostalgia de nombres como Rammstein o Marilyn Manson, lo cierto es que 3TEETH no va mucho más allá. Sí, elaboran ciertas artimañas más cercanas a lo que conocemos por nü metal en uno que otro track, pero al mismo tiempo permanece cierto que van a la segura. Aunque claro, no es que sea una labor que les corresponda realmente. Después de todo, el potencial permanece, es cosa escuchar el cover de «Pumped Up Kicks» –de Foster The People– que se mandaron.
TURILLI / LIONE RHAPSODY – ZERO GRAVITY (REBIRTH AND EVOLUTION)
En Febrero el Rhapsody Of Fire de Alex Staropoli lanzó «The Eight Mountain», demostrando que tienen credenciales suficientes para seguir con el nombre de la banda. Cuando revisamos ese álbum, surgió la pregunta de si era realmente necesario que Fabio, Luca, Alex, Patrice y Dominique se separaran y formaran una nueva banda, y convenimos de que la respuesta la encontraríamos cuando Turilli / Lione Rhapsody, esta nueva encarnación de Rhapsody, lanzara su primer álbum.
Bueno, al fin llegó «Zero Gravity (Rebirth And Evolution)», y con ello la respuesta. La separación sí era necesaria, ya que el motivo principal de Luca Turilli, Fabio Lione y cía. se propusieron era «que los humanos deben explorar». Sencillo, y romántico a la vez.
Sí. Definitivamente se percibe un aire aventurero jamás visto con anterioridad en Rhapsody, y es que obviamente iban a seguir con el power metal sinfónico que los llevó a la gloria, pero la visión cambió, y es este espíritu aventurero que dejó las historias fantásticas medievales atrás, y optaron por una búsqueda futurista por los fundamentos de la vida mucho más allá de lo conocido. Por supuesto que eso se traduce también en la musicalidad, tiñéndose de cierto aire progresivo y hasta post-apocalíptico que revitalizó su fórmula, logrando una estética distinta mucho más asidua a estos tiempos y que también piensa a futuro.
Si la separación era la única manera de lograr este avance, estamos más que contentos. A estas alturas, Rhapsody se convirtió en todo un concepto, superando su propia mitología. Después de más de 20 años, estos italianos han empezado desde los cimientos una vez más, y no queda más que esperar que depara el futuro para Turilli / Lione Rhapsody.
JESCA HOOP – STONECHILD
La cantautora californiana nos da una probada del lado oscuro de la maternidad, con un folk que resalta por su personalidad propia y particular. No es como si fuese una vuelta de tuerca en 180º, pero sí es cierto que Jesca elaboró una propuesta que resalta por el carácter vanguardista, optando por los arreglos y cierta teatralidad lo que le lleva a empujar esos límites al máximo, resultando en una de las propuestas más fascinantes del género del último tiempo y que ciertamente es promisorio.
Por supuesto, no todo recae en los arreglos a tontas y locas. Jesca Hoop tiene clara la película, y necesitaba un hilo conductor que resultó ser esta producción electrónica que le da cierta aura vibrante a sus canciones. Por lo demás, el nivel interpretativo y las figuras retratadas en su voz alcanzan niveles altísimos desde el primer tema, lo que da cuenta de la tremenda calidad de «STONECHILD». Escucha obligada, sin lugar a dudas.
LISA – GURENGE · EP
«Gurenge» no sólo sirve para un propósito promocional del opening de Kimetsu no Yaiba –Demon Slayer–, sino que también LiSA aprovechó de explotar este aspecto rockero estridente que tan bien se entremezcla con su pop en el que tan experta es. El asunto es que LiSA tiene cierta habilidad en mantener el nivel de su musicalidad siempre a tope, depositando sorpresa tras sorpresa en sus composiciones, lo que termina por darle sustento a sus anhelos en encantar a sus oyentes, y cómo no, si es de las mejores en hacerlo.
Si hasta revisó en breve su faceta más pesada llegando de cerca al nü metal, pero con su estilo particular que termina por justificar cualquier cambio de tono. Sí, incluso el tercer track con ese funk pop fluorescente y todo. Hace falta un LP ya.
MACHINE GUN KELLY – HOTEL DIABLO
El asunto con «Hotel Diablo» de Machine Gun Kelly, es que muestra los pros y contras de la fusión del rap y rock en el sentido mainstream que ya tan probado está a estas alturas. Cuando se logra cierta estética, propiciada por una producción en punta, se puede lograr unos beats y bases tremendas, que le dan unos cuantos a puntos a Kelly por la lucidez.
El problema llega con el uso de clichés, que es básicamente durante la gran mayoría del álbum. No es que sea algo malo per sé el atrevimiento, pero es que ahí está el meollo del asunto: en «Hotel Diablo» no existe ningún atrevimiento, y cuando alguien declara tan orgulloso que le ganó a Eminem en un beef, necesita argumentos a futuro de dichas declaraciones, cosa que no vemos por ahora.
DYGL – SONGS OF INNOCENCE & EXPERIENCE
Curioso es que el título de este álbum sea una clara referencia a los –mediocres– últimos dos álbumes de U2, razón por la cual uno esperaría una afrenta directa en lo musical, pero antes de que se hagan cualquier idea, es más que nada parte del humor de la banda nipona –o incluso sea meramente una casualidad–.
«Songs Of Innocence & Experience» profesa un indie rock bien de garage que aprovecha cada elemento de la producción algo lo-fi, logrando una que otra cosa que realmente dice algo en el género, aún cuando el álbum en general sea más bien un álbum hecho entre amigos por disfrutar la música.
Lo que sí es patente, es que, aún en su sencillez y su creatividad modesta, es cierto que la monotonía no forma parte del vocabulario sonoro bajo ningún aspecto. Todo lo contrario, sus conocimientos en blues y garage moldearon su estilo en algo único y variado, dentro de todo.
ESTACIÓN MATADERO – ESTACIÓN MATADERO
Estación Matadero nos entrega en su epé debut una enérgica muestra de una propuesta que, en sus propias palabras, mezcla rock alternativo, indie, folk, electrónica y folklore. Así como lo oyen, la agrupación santiaguina responde con vigor a sus principios, lo que termina por llevar una propuesta fascinante que en la variedad haya su nicho, para surgir de manera eufórica.
«Estación Matadero» nos lleva por una ventisca de sonidos que encuentran un punto de convergencia claro, y hacen de la curiosidad y el espíritu aventurero ese elemento extra que nos atrapa desde «Asesino» hasta «Serpientes» y desde ya alimenta nuestra sed por más canciones de ellos.
SATELLITE JACK – MIND RAKERS · EP
Con el prisma del indie y el garage como eje central de las andanzas de Satellite Jack en este «Mind Rakers», percibimos a la banda con una resolución particular en mantener vívida toda la magia del rock, a un nivel histórico si es necesario. Para ser más precisos, añaden con una visión milimétrica cada ápice de influencia dentro de su álgida y enérgica música, permitiéndonos percibir no sólo el mejor filtrado tanto del indie dosmilero como de la escuela del rock latino, sino que se atrevieron y tomaron riesgos en las añadiduras de arreglos más asiduas a la música progresiva de nombres como Los Jaivas. Respecto de lo último, lo más maravilloso es en cómo hacen dicha tarea, manteniendo unificada su visión y de paso brillan con suma destreza por el increíble capital cultural que representa cada una de las cinco canciones de este EP.
KOKOKO! – FONGOLA
Existe una gran diversificación de sonidos en lo que KOKOKO! introduce al Indie en el potente Fongola. Desde el Congo la banda firma una interesante muestra de sonidos electrónicos que forja el carácter minimalista de raíces que toman por sorpresa el disco, avanzando en un choque de ambientes y realidades experimentales e intensas. Siguiendo los aciertos del sello Transgressive (Let’s Eat Grandma, Sophie), KOKOKO! gratifica cada espacio de búsqueda en un buen álbum para comenzar a tomarse el mundo.
DREAMVILLE & J. COLE – REVENGE OF THE DREAMERS III
Las sesiones del sello Dreamville lideradas por un J. Cole interesado más que nada en que las vibras fluyan y tomen su rumbo, este tercer compilado Revenge of the Dreamers III funciona más que nada como un espacio de cooperación donde más de alguna sorpresa nos llevamos. Nombres como J. Dilla o Bas son parte del aspecto creativo junto a invitados de la talla de Vince Staples, Saba o Buddy, incluso T.I., dando verdaderos Jam de Rap más clásico, desde la vena misma del origen de toda una generación tomando un descanso y haciendo lo que mejor saben hacer.
APARENTO – APARTADO DEL MUNDO · EP
Una tremenda sorpresa es este EP que nos presenta Aparento en una muestra directa del carácter más inmediato del Hardcore Punk, no escatimando en intensidades y emociones a flor de piel. Se nota un esfuerzo de varios en gestar una obra que perfectamente, puede pasar a formar parte del culto más preciado en la escena, atravesando elementos que incluso se acercan al Post-Hardcore. Apartado del mundo está repleto de grandes líricas, que avanzan en una comunión interna con el auditor, generando ese sentimiento de familiaridad inmediato como si conociéramos estas 6 canciones de toda la vida.
THE SOFT CAVALRY – THE SOFT CAVALRY
El renacer de Slowdive en tiempos de mayor comprensión de su trabajo, parecen haber reanimado la llama creativa de su vocalista y guitarrista Rachel Goswell quien se atreve con un boomerang de emociones y sentires varios. Junto a su esposo Steve Clarke llega este debut de The Soft Cavalry plagado de sonidos iluminados, al borde de la adrenalina más onírica del Shoegaze de ensueño que perfectamente nos transmire Goswell. En este disco podemos idealizar la esencia de ella a tal manera que caemos rendidos ante el buen ejemplo de cómo ahondar más allá, sin perder el toque.
RAMENAMI – DESDE EL ÚLTIMO ALIENTO · EP
Desde el último aliento es pura velocidad y actitud, que arremete con fuerza desde su inicio con «Te bajo el sol», promoviendo reflexiones y revelaciones, a la vez un mensaje profundo sobre diversos temas que retratan de manera directa, y sin rodeos el aspecto anímico de la banda. Con ciertos toques que bordean el lado más ruidoso y oscuro del Punk, la banda de Punta Arenas se lanza con una consolidación y un espacio de evolución bastante importante y significativo. Bien por este Ep; bien por Ramenami.
SOLMANA – AMANECER · EP
Elegancia, detallismo y una pizca de corazón es lo que acontece en el tremendo EP debut de Ryoko Osaka, exponiendo sus dotes interpretativos a la par de sonidos acordes al sentir mismo del álbum. Bajo el nombre de Solmana, la cantante nos cautiva y atrapa con los limites de su voz, siendo sus 6 canciones una magnifica carta de presentación. «Step Ahead» nos muestra el Groovy expuesto durante gran parte del recorrido, llegando a los puntos altos del trabajo en la dupla compuesta por «I Will Forgive You» o «Set Me Free».
INEINO – SENTIMENTALES
Me atrevo decir que la definición musical de Ineino es tan difusa, como el sentido del Pop o la música popular dentro de la vanguardia más artística nacional. Conceptos no del todo emparentados, pero que el músico aborda de una forma tan descarnada, los patrones con los que se mueve un disco tan necesario como Sentimentales, que comprendemos a la perfección el significado de una obra así en la escena criolla. Letras cercanas al lado más personal de un autor, a garganta rota, describiendo lamentos a ritmos y secuencias experimentales, en canciones perduraderas en el inconsciente colectivo como «Perdóname», «No té recuerdo» o «Manzana de Eva».
EXHUMAR – DIÁLOGOS DE BARRO
Abriendo el cofre de la memoria frágil, nos remontamos a tiempos que carcomen el alma y la dignidad humana, siendo muchas veces ecos en el barro de los pueblos y sus historias. La banda Exhumar expone parte importante sobre todo tipo de inclemencias en una obra de momentos memorables y un trabajado aspecto musical, encapsulando una poderosa y rabiosa muestra del cómo llevar a cabo un buen disco de Hardcore. Diálogos de Barro suena duro, a ratos técnico, bombardeando con verdaderos testamentos como «Eutanasia».
CATA MARTINEZ – TO WHOM IT MAY CONCERN
Generalmente no hacemos reseñas sobre remixes pero este gran To Whom It May Concern de Cata Martinez va más allá de esto, aludiendo al significado de visión artística en un esfuerzo tremendo de darles nueva vida a canciones de por sí complejas. Es alternativo pero repleto de secuencias y loops cargados a la experimentación, a no ceder ninguna pizca de profundidad, gestando un corte como la épica Three. Denle una probada y descubran más música de la artista.
JADEN – ERYS
Hay muchas interpretaciones del último trabajo de Jaden Smith, desde lo camaleónico de las tácticas sonoras y de producción, pasando por lo mucho que quiere abarcar, sin embargo son tantas cosas que finalmente no terminan por sumar del todo. Erys es una excelente muestra de ideas a rescatar a futuro, más no el motor revelador de un músico cada día más nublado, pero de buenos gestos.
Escritas por:
Jota: Desde Félicia Atkinson hasta Satellite Jack.
Felipe: Desde Kokoko! hasta Jaden.
