FLYING LOTUS – FLAMAGRA
Varios años pasaron hasta que Flying Lotus decidiera poner manos a la obra en el sucesor de You’re Dead!. La tarea si bien se vio postergada por todo tipo de proyectos audiovisuales, al momento de poner play a Flamagra, captamos casi de inmediato el siempre visionario trabajo de un productor que cede sin menor problema, a la ambición más pura y rupturista. No es fácil tragarse de una 27 cortes, sin embargo la gracia de una obra tan poderosa como ésta, radica principalmente en la continuidad adictiva, repleta de ambientes, viajes y alucinaciones carcomidas por el fuego más crudo de la electrónica experimental. No hay otra cosa más que un productor sabiendo acoger sus delirios, sacando lo mejor de sí en un número no menor de invitados que se lucen bajo la licencia de un Flylo radical pero con el mismo encanto de siempre. Flamagra es un broche de oro para dejar en claro porque Lotus es lejos, uno de los nombres claves de la música actual.
STEVE LACY – APOLLO XXI
Steve Lacy se ha despachado de esos discos amigos que te acompañan en todo tipo de situaciones, siendo tu confidente y a la vez, un lugar en el que te puedes perder sin miedo a la decepción. Repleto de un R&B ligado a los sonidos lo-fi, Apollo XXI apuesta por un protagonismo revelador por parte de un autor cohesionado con el lado más doloroso de la vida. No es necesariamente un álbum rompe corazones, aunque sí opta por agotar cada instancia de debilidad y fortaleza en sus increíbles canciones.
YG – 4REAL 4REAL
La vida de YG ha pasado por todo, desde un tiroteo en 2015 hasta la muerte de Nipsey Hussle, siendo esta última el ingrediente base para que el Rapero explore sus fantasmas, con una oscuridad latente que hace de éste, un trabajo reposado y vigente. Los beat minimalistas que acompañan al Rapero, le dan un espacio necesario para tocar temas tan delicados como la muerte producto del siempre complejo mundo de las calles. Entre homenajes y monólogos, 4REAL 4REAL adopta la mejor versión de un artista abatido pero maduro, mostrando el respeto merecido hacia iconos del género, a la vez ostentando un mensaje poderoso sobre orgullo y amistad.
BEAST COAST – ESCAPE FROM NEW YORK
Una de las mejores escuelas modernas de la costa este del Hip-hop se hace presente en el primer larga duración de este colectivo que cuenta con nombres como Joey Badass, Flashbull Zombies o Kirk Knight. Escape From New York tal vez cae un poco en la poca innovación pero ojo, este disco representa más bien una tirada de sonidos clásicos que no hacen más que dejar constancia del buen nivel producido los últimos 20 años por Beast Coast. Grandes canciones y un sentimiento de fraternidad admirable.
CATE LE BON – REWARD
Reward está destinado a ser uno de los grandes álbumes cercanos a la música alternativa concebidos este año. La ventaja con la que corre esta obra radica en la pluralidad de emociones y sonidos con los que Cate Le Bon lleva al limite su faceta creadora más personal y propia. Desde Magnificent Gestures hasta Miami o la tremenda Home to You, Cate explora los límites y se luce renovando el Indie desde su romanticismo irónico y creativo. Si hay buenas canciones, nos damos más que pagados; si existe ese algo más que apunta a la búsqueda, todavía mejor.
MORRISSEY – CALIFORNIA SON
Un disco de cover interpretados por Morrissey tiene mucho que decir, en especial para adentrarnos en los gustos mas personales del Británico. Si bien el resultado de California Son, tributando clásicos de los 60’s y 70’s es dispar, hay versiones que imprimen cierta aura mágica del músico en sus mejores tiempos de madurez. Digamos que las versiones de Joni Mitchell, Bob Dylan o Roy Orbison son por lejos mis favoritas. Un pequeño gusto para olvidar el sabor amargo de Low in High School.
APARTAO – TIEMPO
El productor chileno privilegia el espacio personal de cada quién, en el cual sus beats se estremecen en quiebres sonoros que seducen con atmósferas atrapantes y conocedoras de las sensibilidades humanas. Ello deja en cuenta la empatía de la que ostenta Apartao, permitiendo relucir con ricos matices sus delirios house y ambient, y experimentando con formas agudas desde lo lo fi, llegando incluso a la demencia del nu jazz.
Así es, Apartao se toma su tiempo para elaborar cada pieza, con una predisposición clara a permitir la fluidez del sentir de sus oyentes, con una permisividad absoluta para una expresión sumamente libre.
BLACK MOUNTAIN – DESTROYER
A pesar de los constantes problemas logísticos y externos de Black Mountain en los últimos años –como el robo de la gran mayoría de sus equipos mientras giraban en Europa el 2016–, en su quinto álbum «Destroyer», se arriman empujando aún más las capacidades de su psychedelic rock y logrando formas más bestiales de éste.
En esta nueva nomenclatura presentada, no sólo está la ácidez de riffs directos del stoner –con una prisma bien blacksabatthero–, sino que también han optado por observar el comportamiento de la estética del sonido en otros géneros, y han adoptado trucos para hacer de este álbum el destructor que promete ser.
Es así como ocupan elementos del space rock, que terminan por desdibujar la ácidez de los riffs, y le entrega una bidimensionalidad entre lo terrenal y lo «etéreo». Por otro lado, comienzan a elaborar detalles del post metal para entregar nuevas texturas que tan bien resuenan con esa producción. El rock psicodélico sigue más vivo que nunca al parecer.
MAVIS STAPLES – WE GET BY
Con la ayuda de Ben Harper como productor a bordo, la leyenda viviente de Mavis Staples se inmiscuye de lleno en el blues, bañándolo de un carácter atemporal gracias a toda la herencia creativa en sus genes, pues «We Get By» no sólo es un álbum sólido del blues en su estado más prístino, sino que también goza de cualidades metamorfas al añadir la fuerza del soul, así como la musicalidad del folk más entrañable.
Mavis Staples no se duerme en sus laureles, y aunque realmente no necesite seguir destacándose con tamañas obras, lo sigue haciendo con la misma frescura y vitalidad de siempre, y eso es algo que debemos valorar y cuidar muchísimo. Después de todo, este álbum nos hace sentir queridos y comprendidos.
PLANETARIO – ROJO · EP
Planetario sigue construyendo este sólido camino hacia el LP debut con un indie pop que aprovecha las bondades del género. Tanto en un sentido histórico como en un sentido idiosincrático, puesto que «Rojo» exprime a gusto todos sus genes criollos para bañar en una visión de autor su encantadora y melodiosa propuesta, y también cobra ciertas características del dream pop –de manera muy sutil–.
Es decir, «Rojo» se anota con versatilidad en sus propósitos, llegando con melodías sencillas extraídas desde corazones juveniles que vienen a adornar sus alrededores con un fuego cándido.
MATIAS AGUAYO – SUPPORT ALIEN INVASION
Matías, un conocidísimo y respetado DJ en tierras nacionales, se entrega a su faceta más demente de sí mismo, y transgrede su propuesta desde la manera más paranoica posible, lo que lo lleva a elaborar beats frenéticos que sirven como la banda sonora del fin del mundo. Nada que no haya que celebrar, pues Aguayo arremete de frente contra la hipocresía y genera polirritmos que vienen a sacudir nuestro preconceptos de lo que es la música electrónica.
«Support Alien Invasion» hace gala absoluta de lo que el chileno-alemán puede crear, con una visión sopesada y minimalista en lo teórico, pero con una ejecución compleja que nos toma por sorpresa. Después de todo, la fortaleza absoluta de este disco, es el temple aventurero en las baterías utilizadas. El espíritu desafiante de Matías Aguayo está lejos de acabarse.
TECNOLOGÍA PARA SER LIBRES – EXXE · EP
Con nuevo epé bajo el brazo, Tecnología Para Ser Libres sigue en su misión expansiva de rozar cuanto horizonte quieran con su música electrónica que se encarga de materializar ambientes. Sí, «EXXE» es una musicalización de texturas que cobran vida propia, como si de alquimia se tratase, comenzando desde su aspecto más etéreo allá en el borde con el firmamento, pasando por campos sonoros que emulan la solitud vívida de la naturaleza, hasta la perspectiva personal de lo urbano.
FAYE WEBSTER – ATLANTA MILLIONAIRES CLUB
Con una perspectiva lírica y personal entre ironías e intimidades, Faye Webster nos brinda en «Atlanta Millionaires Club» un folk particularmente camaleónico con sonoridades más asiduas a lo citadino. Es decir, es realmente una sorpresa para bien como la instrumentación de este álbum llega a un nivel tal que el R&B más clásico se sitúa sutilmente en la composición ligada a su visión como cantautora.
Webster logra una fórmula atípica que saca lo mejor de sí misma, considerando la tremenda dualidad retratada en el álbum, como fiel reflejo de lo que su citadina actualidad influye en ella. Ello, por supuesto, tiene un tremendo potencial del cual esperamos ser testigos a futuro, pues ese track con Father realmente dejó entrever como su música se podría inmiscuir en sonidos más ligados al hip hop, de una manera que jamás vimos venir.
HEAVENSTAMP – LOVE BUILDERS
La banda nipona no expresa miedo alguno al entrometerse de lleno al campo más encantador y directo del pop. Atrás quedaron los coqueteos sutiles desde su prisma más alternativo, y en «Love Builders» se muestran con una genuina gentileza que emociona profundamente con candidez, esperanza y amor ante todo.
Por supuesto, la genialidad de «Love Builders» no sólo reside en la evolución que presentó Heavenstamp, sino también en otros parámetros. Está el hecho de cómo abordaron un sonido usualmente sintético desde una perspectiva y ejecución muchísimo más orgánica, logrando texturas más profundas y ricas –que se equilibran muy bien con la cuota exacta de elementos electrónicos utilizados–.
También vemos en la variedad otro eje central. Así, coloridas y diversas formas de pop se conjugan en «Love Builders»: la faceta más indie pop –rica en texturas–, la sutil fluorescencia del power pop, el exquisito gancho del synth pop, y la influencia clara del city pop, mostrando la fidelidad con sus raíces.
Nuestra única queja es que el álbum 1es cortísimo. ¡Sólo 22 minutos! Pero tal vez ese sea el secreto, después de todo, este álbum es realmente adictivo y aún con su corta duración, presenta un mundo abundante.
BATUSHKA – PANIHIDA
Desde fines del año pasado que la incertidumbre envuelve todo lo que significa la banda polaca, dado que hubo una separación entre el fundador de la banda y sus ex-compañeros –quienes siguieron bajo la firma de Metal Blade–. Y sí, estamos hablando de que actualmente existen dos «versiones» de Batushka.
En esta ocasión, «Panihida» corresponde a la versión del miembro fundador y guitarrista Krzysztof Drabikowski, y déjenme decirles que suena como una declaración de principios contundente. No es sólo que el sonido se identifica claramente con el primer álbum, sino que aprovecha las bondades del black metal y trabaja desde ahí, siendo las sorpresas y cambios el gran atractivo del disco –del cual esperamos una eventual versión remasterizada–.
Ya sabremos a futuro –con el lanzamiento del álbum del «otro Batushka»– cual versión es mejor. De momento todo es prometedor y esperamos que las partes sean capaces de llegar a un acuerdo puesto que sería una lástima desperdiciar el potencial de esta banda, considerando el aspecto revolucionario que ha tenido dentro del black metal.
NAVES – NAVES · EP
Después de un buen tiempo, al fin llega el sucesor de «Voyeur», y lo logrado es sólo digno de elogio. Es, a lo menos, increíble como el emo ha llegado a reformularse en la actualidad, obedeciendo más que a directrices líricas y estéticas, y en cuanto a lo musical refiere, la libertad es absoluta.
Eso es lo que logra Naves en este epé homónimo, una expresión profunda de libertad que a su vez se mantiene sumamente permisiva con el flujo torrencial de emociones que en ningún momento desacelera. Todo lo contrario, Naves resquebraja hasta el último ápice de emotividad para azotarnos –y acariciarnos– con un post hardcore que sabe de matices. Es así como el planteamiento no sólo se mantiene en la atmósfera creada –creada con trucos similares del post rock más moderno–, sino que también en la explosión catárquica de dichas expresiones en su forma más ácida y afilada.
Esta agrupación deja en evidencia su particular conocimiento del sentir humano, manejándose con oficio en lo que es montaña rusa de sentimientos de cada quién. Bien hecho.
NCT 127 – NCT #127 WE ARE SUPERHUMAN · EP
El asunto con NCT 127 es que finalmente demuestra con creces todo su potencial, de manera sólida. Aquí, en «We Are Superhuman» se ve a la agrupación madura, conocedora de sus fortalezas y aprovechando la colectividad para hacer de este mini-álbum equilibrado.
En lo estructural, se presenta un electropop sumamente versátil que sirve como punto de convergencia para que NCT 127 de rienda suelta a todo ese mar de sonidos ligados al rap, electrónica, e incluso exquisitos esbozos de R&B que tan bien contrastan con las bases adictivas que –gracias a la pulcrísima producción– resuenan constantemente en nuestras retinas musicales.
Puede que NCT 127 haya llegado a su era más provechosa y memorable hasta el momento, y lo mejor es que aún ni llegamos a la epítome.
KAN SANO – GHOST NOTES
El productor y pianista nipón en «Ghost Notes» crea la nomenclatura perfecta en la que comulga la electrónica, el funk–soul, y el jazz. Kan Sano realmente se luce en sacar provecho del eje orgánico del jazz como pilar indiscutido tanto en lo estructural como en lo teórico, lo que por supuesto, deja el camino más que listo para seducir con cadencias y grooves irresistibles que exorcizarán en éxtasis hasta el más frío de los mortales.
Pero ojo, lo mejor de «Ghost Notes» no reside únicamente ahí, sino que el gran secreto es como los elementos electrónicos y la producción juegan un papel fundamental, y es que Kan Sano se saca más de un truco oculto para crear, redefinir y contrastar texturas, consiguiendo un entramado de sonidos único en su especie.
EARTH – FULL UPON HER BURNING LIPS
Los mismísimos cultores y creadores del drone realizan en «Full Upon Her Burning Lips» un contundente recordatorio de cómo algo tan atípico como el minimalismo repetitivo en riffs, se transformaría en algo tan revelador e influyente a posteriori –y que nombres como Sunn O))) y Boris se encargaron de popularizar a niveles impensados–.
Earth vuelve a lo básico, a la fórmula secreta misma, al eterno loop de un riff que se deforma en minúsculos detalles que suenan tan bien en los audífonos, y que sigue desprendiendo ese sabor desértico y sucio de la escuela más clásica de Black Sabbath, tan inserto en el ADN creativo de Dylan Carlson, y que en esta ocasión vuelve a sus viejas costumbres de no tener un vocalista.
Esto es toda una promesa de fidelidad con un género que crearon ellos mismos, y de los cuales siguen siendo sus mejores devotos.
JUANIYA – BAJO EL SOL ROSA DE SATÁN
Con una acidez y demencia algo olvidada en la actualidad, Juaniya saca hasta el más incisivo de sus dardos para incomodar infecciosamente ya sea con el shock value de las crudas letras –con claros objetivos en la política y la sociedad actual–, la estética lograda, o simplemente su voz desgarradora. De una manera u otra, «Bajo el Sol Rosa de Satán» cumple con sus cometidos e invade cada recoveco con una propuesta industrial que no sonaba así de fresca desde su auge en los ’90. Casi como si todo lo que nos brindaron grandes nombres como Ministry y Nine Inch Nails haya convergido aquí de la mejor de las maneras, como si fuese cosa del destino. Pero lo cierto es que Juaniya no se guardó nada, presentó cada una de sus credenciales y azotó la mesa generando un impacto del que es imposible escapar.
FLESHGOD APOCALYPSE – VELENO
Lo sucedido en «Veleno» es algo que no esperábamos de los italianos, al menos no de esta manera. Es que en éste, su quinto álbum de estudio, existe todo eso que tanto nos encanta de Fleshgod Apocalypse: la omnipotencia de las sinfonías y orquestaciones, y la brutalidad del metal extremo.
El problema recae en la predictibilidad. «Veleno» es la versión formulaica y genérica de los ingredientes clásicos de la banda italiana, pero ejecutado sin riesgos. Dicho de otra manera, ya demuestran que son conocedores del gancho y aquí hacen uso de esos elementos –obvios– para captar la atención, pero es algo doloroso como se quedan en el cliché de todo el asunto.
Ahora, como ya dijimos, el gancho está y siguen demostrando lucidez en crear grandes canciones –aunque no al nivel de su catálogo anterior–. El tema es que hagan provecho de ello, y trabajen de allí tomando riesgos, y creemos que así será a futuro.
ESYA – ABSURDITY OF ATCG (I) · EP
La otrora bajista de Savages, desprende cada uno de sus delirios una vez más en esta nueva andanada de canciones, después del excelente epé que sacó el año pasado –y que destacamos en nuestro recuento anual– y que en «Absurdity Of Atcg (I)» sigue manteniendo consistencia y excelencia en este descubrimiento personal, interior y exterior de Ayşe Hassan. Con la herencia teórica del post punk, se inmiscuye en un viaje hacia lo desconocido, trazando rutas con sintetizadores y elementos electrónicos que siguen adentrándose en los confines del universo, pero siempre consciente de su humanidad.
OH SHU – BIG FISH
«Big fish» es una oda al aspecto más aventurero de los seres humanos, y eso es algo en que el nipón quiso expresarse con clara libertad para hacer provecho de la música alternativa. Usando todos los elementos a su alcance, lo logrado por Oh Shu llega al balance perfecto entre lo orgánico y lo sintético, celebrando la abundancia pero desde una perspectiva más bien sutil y elegante, lo que propicia el disfrute de cada capa de sonido contenida y que tantos quiebres rítmicos y plot twists sonoros ostenta.
Ciertamente lo mejor es cómo aborda todo el asunto, tanta variedad en este complejo entramado donde cada elemento cumple un papel único y particular, y eso es que, para ser algo tan pero tan experimental, se mantiene sensible y empático lo que hace de esto sumamente accesible. Eso gente, es una victoria.
PRONOUN – I’LL SHOW YOU STRONGER
Un nuevo acto se está haciendo un lugar en el indie más encantador, y esa es pronoun, una figura que viene a alzar los cuestionamientos cotidianos de la vida, retratados con la profundidad que merece cada una y ello por supuesto se nota en cada melodía que adorna los 41 minutos de «i’ll show you stronger».
Alyse Vellturo elabora una exquisita propuesta que se sitúa entre el aspecto orgánico del indie rock y la dulzura infinita del indie pop –que en ocasiones roza los dominios del dream pop–. Por supuesto ello cobra una vida única gracias al alma contenida dentro de la voz de Alyse, con un color y textura única.
Tal vez hayan ideas inmaduras, pero con este debut la estadounidense se hace un lugar con estilo en la escena, y es un nombre que de seguro dará que hablar a futuro.
DECEM MALEFICIVM – LA FIN DE SATAN
Decem Maleficivm es un acto nacional que funda sus propósitos desde la excelsa escuela de Emperor. Sí, «La Fin De Satan» es una obra que celebra la creatividad y el aspecto artístico por sobre todas las cosas, usando toda la furia y ocultismo del black metal para hacer su propio nombre con gigantes muros de sonidos en forma de orquestaciones que ostentan y propagan atmósferas densas, como un universo absolutamente nuevo.
Son aquellos cambios y arreglos los que hacen de este trabajo tan admirable. La manera en como mutan los riffs adoradores del tremolo picking a una versión más técnica y estrambótica de sí mismos, o el cómo esta agrupación es capaz de sonar como una persecución blasfema y desesperada, a una versión más demente y lúgubre del Señor de los Anillos. Por supuesto, todo con una épica soberbia que simplemente te hace sentir como un gobernante del mundo.
AMYL AND THE SNIFFERS – AMYL AND THE SNIFFERS
El ansiado debut llega y lo hace de manera caótica y urgente, con una energética mezcla entre el punk con más actitud y una agitada versión de rock’n’roll lo que hace de este álbum un derroche inagotable de sudorosas guitarras y estridentes baterías que sacarían de lugar a cualquiera. Porque esto va directo al grano, sin rodeos ni escrúpulo alguno, sino más que hacer de esta música de amistades algo que disfrutar, algo que recordar, y algo propio como una nueva entidad –que suena experimentada–. Nada que envidiar a viejas glorias como The Adicts.
DEATHSPELL OMEGA – THE FURNACES OF PALINGENESIA
«The Furnaces Of Palingenesia» –manso nombre– es otro hito en la contundente carrera de Deathspell Omega, que vienen a descubrir en este nuevo álbum como se comportan los límites del black metal al explotar el aspecto más agresivo de éste. Lo que por supuesto, con el aspecto experimental clásico de los franceses, se extrapola de las maneras más diversas, adoptando en ocasiones formas rítmicas –e incluso estéticas– ligadas más al thrash y el grindcore. Lo anterior no deja de ser curioso, considerando lo ya portentoso del black, pero ahí reside la genialidad de este grupo, y es que hacen uso de la demencia creativa para lograr una forma única de este sonido.
Por otro lado, está el hecho de que, a pesar de que a primera instancia esto parezca avasallador, está tratado de tal manera que termina por presentar un mundo tan fascinante –cortesía del inagotable imaginario de los franceses–, y en el fondo la agresividad y extrema distorsión es nada más que el hilo conductor.
NOCTURNUS AD – PARADOX
Nocturnus AD a estas alturas es una banda de culto. Una banda que nació 20 años atrás, para reformarse como After Death, y finalmente volver a las pistas finalmente lanza su primer larga duración. ¿Curioso, no? Y es que estos cultores del death metal finalmente nos maravillan desde el estudio con sus tópicos de ciencia ficción fascinantes y demuestran como una forma clásica de death puede hacer uso de teclados sin tener que sonar a una versión sinfónica o sintetizada de sí mismos. Nada más que la dosis justa para entregar la épica necesaria para estas historias que al fin podrán sus fans tener como se debe.
Méritos extra por el profundo tecnicismo en los cambios de ritmo y riffs, y al mismo tiempo mantener la genialidad suficiente para que esto suene con tanta pasión. Como debe ser, preocupados de la canción en sí, y demostrar sus talentos sin caer en el sinsentido –como, lamentablemente, muchas bandas de technical death metal han caído–.
THE AMAZONS – FUTURE DUST
«Future Dust» suena como a ese paso anterior a la consolidación absoluta, pero es cierto que The Amazons debe andar con sumo cuidado por donde pisan, ya que se mueven por un terreno peligroso y archi recorrido del rock moderno, ese de estadio y arenas. No nos malinterpreten, existe grandilocuencia y un encanto exquisito en sus composiciones, pero la incertidumbre persiste de que camino tomarán. ¿Serán lo suficientemente valerosos para tener ese distintivo único? De todos modos, esto es algo que los fans de bandas como Royal Blood y The Neighbourhood podrán disfrutar a concho.
Escritas por:
Felipe: Desde Flying Lotus hasta Morrissey.
Jota: Desde Apartao hasta The Amazons.
