Con el fin del agitado año 2024, en Expectador revisamos aquellos grandes trabajos que destacaron en este tiempo, uno que particularmente estuvo abundante en hitos de alto impacto para distintos géneros musicales. Hablamos de regresos, consagraciones y sorpresas que dejaron su marca, motivo por el que hacemos un recorrido por álbumes representativos de distintas realidades del mundo.
Dicho eso, les dejamos acá con los mejores 100 discos internacionales de 2024:
100. twenty øne piløts – Clancy
alt-pop · indie rock
Continuando el concepto propuesto desde ‘Blurryface’ (2015), twenty øne piløts vuelve al universo de Dema para presentar ‘Clancy’ (2024), llevando a la primera parte del cierre del lore que los ha acompañado por ya casi 10 años.
En una propuesta cohesiva, y retomando elementos de los álbumes más queridos por su audiencia, es que demuestran de forma metafórica un sinfín de emociones; desde el más puro amor y amistad, adicciones, inseguridades, críticas al mundo del espectáculo hasta incluso una carta hacia sus fanáticos. ‘Clancy’ (2024) llega a ser la parte más madura de la discografía de la banda, con Tyler y Josh mirando con retrospectiva hacia el pasado de su carrera, y llevando lo mejor de cada aspecto hacia el concepto del mundo de Dema.
Por otro lado, el álbum también refleja su aspecto maduro a nivel sonoro, con una producción mejorada gracias a Paul Meany –productor de ‘Trench’ (2018) y ‘Scaled and Icy’ (2021)–. Con elementos del alt-pop, indie rock, pop rap y trip hop, y con nuevos sonidos fusionados con aquellos instrumentos característicos de la banda, ‘Clancy’ (2024) demuestra que, si bien puede ser parte del final de lo que conocemos en sus álbumes conceptuales, es recién el comienzo del verdadero potencial de twenty øne piløts como banda.– Constanza Machuca
99. FLO – Access All Areas
contemporary r&b
Una de las grandes revelaciones del r&b viene de la mano con FLO, trío proveniente de Londres que exprime al máximo su química en su primer álbum. Un ‘Access All Areas’ con plenas credenciales dentro de los dotes clásicos del género, que funciona abiertamente como un ejercicio de retomar lo existente y palparlo de actitud creativa.
Como resultado las distintas incursiones de sus interpretaciones encuentran cabida de forma atractiva, dentro de un ambiente marcado por su lozana producción. Así, su propuesta brilla con personalidad en temas como “AAA”, la movida y colorida “Check”, la vertiginosa emotividad de “Caught Up”, el sencillo estelar “Walk Like This”, o bien, la estilosa “In My Bag”.– Felipe León
98. Chanel Beads – Your Day Will Come
dream pop · hypnagogic pop
Atrapante de principio a fin, ‘Your Day Will Come’ (2024) se alimenta de una estética surrealista identificable desde el momento en que encuentras el álbum y observas su arte. Aun así, si eres de los que no juzgan un libro por su portada, el primer track se encarga de adentrarte en la hipnótica propuesta de Shane Lavenders y de confirmar todas sus pretensiones.
El proyecto pareciera ser el natural descendiente de una generación que creció sobreestimulada por artistas con sonidos difíciles de encasillar, y cuyo atractivo muchas veces recaía en lo recóndito de sus canciones. Desmesuradas dosis de slacker rock, emo trap, slowcore y art pop dan como resultado títulos como este, arriesgados, sin un rumbo definido y muy originales; con más curiosidad y elementos a la mano que definiciones o planteamientos claros, pero que resultan en propuestas innovadoras y que dejan ya no solo a una centena de oyentes curiosos expectantes, sino que a miles que se sienten atraídos por nuevos sonidos que no temen a experimentar y redefinir lo establecido, sin dejar de lado ciertos elementos de siempre, claro.
‘Your Day Will Come’ no es tan solo un debut interesante, sino que también una gran forma de comenzar a visualizar las herencias tempranas de los artistas englobados en lo alternativo.– Nicolás Rosales M.
97. Kim Gordon – The Collective
industrial hip hop · experimental rock
En ‘The Collective’, Kim Gordon continúa subvirtiendo todas las expectativas, expandiendo su territorio más allá del trabajo icónico con Sonic Youth. Este álbum, con un pulso oscuro constante marcado por el desapego en la voz de Kim y las texturas ásperas, es una exploración cruda dentro del hip-hop industrial, con bases de trap rítmicas e implacables que se sienten como una estocada en el pecho tras otra.
La rebelión artística y experimental late con fuerza, creando una dualidad entre sonido e identidad que toma forma en las letras del hablante desinteresado y amargo de Kim, que nos habla de poder, crítica social e individualidad. Con una producción espesa y en capas, pero que conserva su simpleza estructural, que comprende samples caóticos y ruidosos de guitarra y bajo, The Collective se destaca como un ejercicio de autonomía por parte de Gordon: disonante, cautivante, inquietante y osado.– Antonia Hernández
96. Liana Flores – Flower of the soul
folk pop · singer-songwriter · bossa nova
‘Flower of the soul’ es el primer álbum de la artista Liana Flores, un estreno en el que manifiesta y sella su propuesta, en la que principalmente expone géneros como el folk pop y el bossa nova, sonidos que a través de como esta invita a escuchar, disponen al oyente a sugestionarse en un ambiente íntimo y ambiental de su música.
En cada canción del disco se muestra una pieza progresiva, en la que comienza con una ambientación pasiva e íntima, para paulatinamente mostrar lo que la intervención de la artista da lugar, mostrando en esta lo que la riqueza instrumental del piano, la guitarra, la batería y las percusiones aportan a esta intención, dando así el aire e impulso del bossa nova que caracteriza la rítmica y expresiones líricas.
El álbum es una muestra de lo que Liana Flores ha sellado como propio hasta este estreno, un estilo creativo a la vez que sutil, que pretende crear una atmósfera de tranquilidad en la que introducir su propuesta, que avanza para inducir en ella un sentido de música sucesiva y gradual, que si bien siguen una línea similar de intensidad, a través de la rítmica y elementos instrumentales le suman una riqueza singular a esta experiencia.– Ricardo Parra
95. Poppy – Negative Spaces
alternative metal
Luego de haber experimentado en distintos géneros, subgéneros y estéticas, Poppy vuelve con ‘Negative Spaces’ (2024), un álbum que une toda su experiencia musical en 42 minutos. Si bien predomina el alternative metal, también toma elementos como el pop de ‘Bubblebath’ (2016), el industrial metal que ha utilizado en sus últimos lanzamientos, o incluso elementos electrónicos como en la canción “crystallized”.
Si bien es un álbum cómodo para Poppy, llega justamente a cumplir la función de acaparar el género e imponerse como una artista sólida, luego de fluctuar en diversos géneros en su propia exploración. Por otro lado, también muestra la versatilidad vocal de la artista, quien a través de esta fluctuación, ha podido exponer su habilidad de adaptarse a lo que desee explorar a nivel musical. Desde su suave voz narrativa que sentó sus bases, hasta impresionantes guturales desarrolladas con el tiempo, ‘Negative Spaces’ (2024) es una invitación de Poppy a explorar el resto de su discografía.– Constanza Machuca
94. The Chisel – What a Fucking Nightmare
oi!
La herencia «antémica», comunitaria y explosiva de la música oi! conserva sus cualidades en ‘What a Fucking Nightmare’, el segundo álbum estrenado por la banda londinense, The Chisel. Una sacudida que invita a cantar a todo pulmón sus 16 himnos, donde la versatilidad dentro de la simpleza estructural de su música juega un rol fundamental en su escucha.
El sentir crítico se traspasa a momentos más veloces como en “Fuck ‘Em” y “Evil by Evil”, mientras que “Bloodsucker” invoca un espíritu más activo. Piezas que bien se sostienen junto a otras arraigadas a una producción levemente más ruidosa, tal como lo demuestra “Nice to Meet You”, “Those Days” o la canción que abre y titula este disco. Muestra de que lejos de renovar géneros como este, se pueden hacer trabajos memorables.– Felipe León
93. LATIN MAFIA – TODOS LOS DÍAS TODO EL DÍA
art pop · indietronica · glitch pop
Quizás uno de los discos más esperados por la comunidad latinoamericana. Los muchachos vitales en TikTok que no pararon de insistir por una oportunidad. Misma que les llegó, pero también la expectativa. Sin plan y preparación, pero con un Estadio Sold Out, sale a la luz ‘TODOS LOS DÍAS TODO EL DÍA’. Una apuesta experimental fuera de la categoría de quienes esperaban el reggaetón que los llevó a ponerlos en radar.
Una poesía pura desde la unión de títulos en los tracks que componen el disco, hasta la propia producción que hubo detrás. Al final del día, los sentimientos plasmados: miedo, amor e inseguridad de los 3 hermanos fueron ilustrados desde la ejecución vocal, escrita y digital. ‘TODOS LOS DÍAS TODO EL DÍA’ sera odiado y querido, pero pone a la mesa lo que LATIN MAFIA será de cara al futuro.– Jocsán Sánchez
92. Beyoncé – COWBOY CARTER
country pop · contemporary country
Beyoncé sorprendió a absolutamente todo el mundo este año cuando anunció ‘COWBOY CARTER’ como un álbum de country, lo que claramente se distanciaría del pop y el r&b al que nos tiene acostumbrados. ¿Pero qué tan grande es el margen de sorpresa realmente? Después de todo, la artista nació y se crió en Houston, TX, una de las cunas del género, por lo que no es de extrañar que la música de referentes como Dolly Parton, Willie Nelson y Johnny Cash forme parte de su ADN artístico.
No sólo eso, sino que ‘COWBOY CARTER’ es un disco que, en general, explora los orígenes de la artista fuera de lo que ya nos ha mostrado, de la misma forma que hizo ‘RENAISSANCE’ en 2022. Dos trabajos que fueron pensados de dicha forma, indagando en distintos sonidos en la ejecución.
Una vez dicho eso, si algo debe quedar clarísimo, es que Beyoncé no es una turista del country. Conoce todos los códigos de estos sonidos oriundos del sur de Estados Unidos: el característico fraseo con sus particulares acentos, así como las estéticas e ídolos del mismo. Con dicho conocimiento, la cantante incorpora distintos elementos ligados al gospel, así como otros directos de su personalidad y experiencia –en cuanto a pop y soul refiere– para hacer avanzar el género millas y millas más allá de las nociones conservadoras.
Una misión en la que aprovechó de darse ciertos gustitos clásicos del country, como el versionar con su propia impronta distintos tracks como «Blackbird» de The Beatles o «Jolene» de Dolly Parton, entre otros. Además, también cuenta con una nutrida lista de features con grandes nombres como Miley Cyrus, Post Malone, nuevas voces como Shaboozey, o viejas leyendas como los mismísimos Willie Nelson y Dolly Parton.
El country jamás había sonado tan fresco, y si alguien tenía las aptitudes para sacarlo de su nicho, esa persona es Queen B.– Juan Pablo Ossandón
91. Wapddi – Like Our Friend Murphy 우리의 친구 머피처럼
indie rock · emo pop · power pop
Uno de los fenómenos más interesantes que dejó el pandémico año 2021, fue el efecto dominó que inició el ‘To See the Next Part of the Dream’ de Parannoul. Hablamos de una escuela que, desde la independencia discográfica, configura distintas amalgamas de sonidos tocando géneros y subgéneros como el indie rock, el post-rock, el math rock, el emo, el shoegaze, el noise pop, e incluso asuntos ligados a la electrónica y el folk como la folktronica –por decir tan sólo un ejemplo–. No es que sea menester que todos estos sonidos estén presentes en las distintas propuestas, pero es para evidenciar la soltura con la que proyectos como los surcoreanos Della Zyr, Asian Glow, BrokenTeeth y el mismo Parannoul se manifiestan, movida que incluso llegó a Brasil con nombres como sonhos tomam conta, twikipedia o samlrc.
Este preámbulo se hace necesario, en tanto pareciera que Wapddi y su segundo álbum de estudio ‘Like Our Friend Murphy’ se hace una de las muestras más inquietas de esta filosofía de la música independiente y underground. Es que la variedad sonora está a la carta, y se conjuga de una forma bastante particular, en tanto el flujo de la misma hace que la obra empiece con cierto dejo más emo-pop e indierockero y termine con importantes dosis de post-rock y nociones matemáticas dentro de sus piezas.
Es por eso que Wapddi ya se posiciona como referente absoluto de este movimiento, siendo fácil uno de los más diversos, tarea difícil de lograr sin sacrificar coherencia y cohesión. Pero créanme que no es el caso con el surcoreano, quien levanta un testimonio de carácter hasta cinematográfico sumamente vertiginoso, entretenido, y conmovedor.– Juan Pablo Ossandón
90. AURORA – What Happened to the Heart?
alt-pop · art pop
La música desde su creación ha funcionado no solo como entretención, sino que como un medio para enviar mensajes más allá, como una bandera de lucha que busca revivir o provocar sensaciones que cambien el mundo. AURORA decide adoptar esta postura al momento de desarrollar ‘What Happened to the Heart?’.
Con un potente mensaje que busca generar conciencia sobre la relación entre la humanidad y la tierra de donde provenimos, la noruega hace uso del pop alternativo con ciertos elementos autóctonos, combinados con la poderosa voz que posee para crear verdaderos himnos de vulnerabilidad. La artista entrega 1 hora de lo que parece una real convocatoria a remendar la situación del planeta hoy en día, y como solo ella sabe hacerlo, a través de una combinación de ese sonido pop épico con tintes barrocos, donde el contenido se trata de un mensaje de amor puro.– Tomás Pérez
89. Nick Cave & the Bad Seeds – Wild God
art rock · singer-songwriter
El decimoctavo álbum de Nick Cave & the Bad Seeds, ‘Wild God‘, nos habla sobre la vida después de la pérdida y de la tragedia, encarnando una cierta esperanza en un mundo abatido y devastado. Se trata de una exploración de lo divino y lo caótico en manos de la intensa poesía característica de Cave, un juego de instrumentación y narración que crea un viaje meditativo a través de la fé, la angustia y la trascendencia.
Esta espiritualidad es recurrente en la discografía del artista, sus temáticas tan humanas y salvajes como siempre: el álbum crea una atmósfera adornada por el rock y el gospel, un canto desesperado que busca la grandeza, y detrás de esto, la calma. Los arreglos en capas y la producción atmosférica triunfan en generar un paisaje sagrado, donde cada nota, cada silencio y cada verso, tiene su propio peso. Oscilando entre el sufrimiento de lo terrenal y la esperanza de lo divino, ‘Wild God’ combina guitarras etéreas con la voz atrapante de Nick Cave, siempre cargado de emoción y propósito, donde cada canción es tanto un himno como una confesión.– Antonia Hernández
88. Kali Uchis – ORQUÍDEAS
contemporary r&b · latin pop
Orquídeas florece como un jardín artístico al más puro estilo Kali Uchis: sensual, vibrante y rítmico. Con melodías que combinan r&b, pop, merengue, reggaetón e incluso disco, este álbum es una demostración sólida de la consistente carrera musical que ha forjado la artista en estos últimos años. Con momentos notablemente vulnerables, cada canción es un pétalo dentro de un intrincado ramo, delicado pero con propósito, con una línea narrativa que nos habla de amor, pérdida e identidad.
Con una producción excepcional, ‘ORQUÍDEAS’ fue ciertamente el álbum del verano el año pasado, donde los clásicos ad libs acompañados de bases seductoras, y ritmos hipnóticos, triunfan con letras sinceras en canciones como “Igual Que Un Ángel”, o directamente introspectivas como “Pensamientos Intrusivos”. Con la encantadora voz de la colombiana siempre al centro, su magnetismo logra unir de manera cohesiva cada una de las variadas piezas que componen este proyecto, que continúa mezclando lo mejor del r&b alternativo con las raíces latinas y el ritmo de Kali.– Antonia Hernández
87. Nia Archives – Silence Is Loud
liquid drum and bass · jungle
La locura retro futurista provocada por Nia Archives en ‘Silence Is Loud’, deja un destacado álbum debut, pero más importante aún, revitaliza ciertas escuelas de música electrónica, que parecen estar cada vez más presente en el presente musical. En particular, la tendencia líquida del drum and bass y la uniformidad cautivante del jungle son aprovechados por el ingenio de la productora.
Desde la fascinante accesibilidad de “Cards On the Table”, pasando por la acelerada “Forbidden Feelingz”, la melancólica euforia de “So Tell Me…”, la expresiva impulsividad de “Crowded Roomz” y el magnetismo de “Unfinished Business”, muestran como aprovecha cada espacio para entregar algo, por lo bajo, interesante.– Felipe León
86. Nails – Every Bridge Burning
grindcore · metalcore
Tras largos 8 años desde su último álbum, Nails recargó energías para volver con todo el 2024. Un hecho que resulta bastante atractivo, pues el sonido característico de la banda sigue estando tan presente como el primer día, pero con una intensidad renovada que se siente en cada segundo de ‘Every Bridge Burning’. Un asalto directo al oyente, con una mezcla explosiva de grindcore y metalcore que te atrapa desde el primer segundo.
Con una duración de apenas 17 minutos, el álbum no da tregua en ningún momento. Desde el acelerado ritmo de “Give Me The Painkiller” hasta los poderosos riffs de “No More Rivers to Cross”, Nails demuestra en cada matiz una ferocidad muy propia, haciendo que cada nota y cada golpe retumben con una claridad abrasiva. De esta forma, los liderados por Todd Jones dejan en claro que siguen siendo esa fuerza imparable, incluso tras años de silencio y el cambio de la gran parte de sus integrantes.– Oscar Cortés
85. Joanna Wang – 破爛酒店 (Hotel la Rut)
progressive pop · art pop · geek rock
‘Hotel La Rut’ de Joanna Wang es una odisea de sonidos onírica, que se encarga de mezclar un encanto melódico particular con narraciones surrealistas, y en ocasiones, cómicas. Se trata de una propuesta conceptual: un enigmático hotel con numerosos y excéntricos personajes habitando sus pasillos. Con una producción compleja, aunque con un sonido lo-fi, el álbum está compuesto por distintas capas, un palimpsesto de sonidos e instrumentos que logran que la experiencia se sienta como un sueño confuso y vibrante, que invita a volver a dormir una vez despierto.
Durante sus 23 canciones, ‘Hotel La Rut’ no pierde la atención del oyente en ningún momento, con canciones cortas que saltan entre el chamber pop y pop progresivo, y que incorporan influencias del jazz y el rock, nos hacen parte de un mismo viaje cinemático. Las líricas nostálgicas y coloridas, así como las canciones instrumentales, están llenas de la creatividad y la imaginación de Wang, quien no teme ceder ante la teatralidad para retratar su habilidad narrativa innovadora y llena de encanto.– Antonia Hernández
84. Bring Me the Horizon – POST HUMAN: NeX GEn
alternative metal · emo-pop
El proyecto que comenzó como algo de transcurso y qué pasó a redefinir la visión de la banda. ‘POST HUMAN: NeX GEn’ abanica un riesgo grande en el sonido, hablamos de una transición definitiva entre quienes conocieron a los británicos en la época de guturales potentes, a una calidad y sonido más limpio con elementos fuera de tópico en el metal como tal.
Más allá de los problemas que hayan tenido en el pasado, la nueva era que plantea este disco viene desde la pandemia. Un sonido alejado de otros proyectos, pero con toques nostálgicos, la potencia vocal en adición al uso de herramientas digitales fuera de guitarras distorsionadas. Con ello, se muestra de alguna manera que Bring Me The Horizon con sus años dentro de la industria, aún es capaz de liderar nuevos sonidos que inspirarán a otros proyectos.– Jocsán Sánchez
83. Lupe Fiasco – Samurai
jazz rap · abstract hip hop · boom bap
Una vez más –casi como si de una costumbre se tratase–, Lupe Fiasco llegó con un trabajo para sorprender a conocidos y extraños, aventurándose en un viaje introspectivo lleno de esa lírica que lo define. Todo esto, mientras fusiona el hip hop más tradicional con influencias del jazz, exhibiendo un talento que junto a la experiencia resultan en un álbum que te atrapa desde la primera escucha.
Canciones como «Cake» y «No.1 Headband» son una prueba de aquello, abordando narrativas profundas dentro de una atmósfera sonora única. Una que, por lo demás, nos hace darnos cuenta del arduo desarrollo de cada pieza, donde todo está muy bien calculado para hacerte sentir esa intensa lucha del artista en la industria musical. Por esa razón, Samurai se convierte rápidamente en uno de los álbumes esenciales dentro de su discografía y uno que no te puedes perder del 2024.– Oscar Cortés
82. Colin Stetson – The love it took to leave you
post-minimalism
La fructífera carrera de Colin Stetson se sostiene tanto por sus bandas sonoras, como por este tipo de obras más solistas que llevan su visión musical por terrenos tan evocadores como desafiantes. Aquello sale a flote en ‘The Love It Took to Leave You’, que hereda la vértebra misma del minimalismo y la expone a un quiebre formal, enfatizado en el uso de recursos extra.
De esta forma, la teatralidad que a ratos prospera en este trabajo se matiza por una incertidumbre que recurre a lo ominoso y surrealista. Un llamado del inframundo establecido en el zumbido silencioso y asfixiante de “So Say the soaring bullbats”, o en la densa “The Six”. En medio de la orquestada intervención de “Malediction” o el tema titular, que impregna de verde la oscuridad latente de la obra.– Felipe León
81. Waxahatchee – Tigers Blood
alt-country · singer-songwriter
Por medio de un temple y confianza reconocibles, la artista refina lo ya mostrado en su álbum ‘Saint Cloud’ (2020) de la mano de su mismo productor, pero con una forma mucho más madura a nivel sonoro y en la forma de plantear la auténtica y sensible trama. Dificultades en las relaciones interpersonales y una lucha con la dependencia asoman entre lo que recurren las sensibles letras, que parecieran no querer ocultar nada ante el oyente, e incluso querer que sienta todo el peso de lo que trata de relatar.
Piezas claves del indie rock se fusionan con lo esencial del country para dar forma definitiva a la cohesionada entrega, cuyo sonido está lejos de ser novedad, pero que Katie Crutchfield dota de tal identidad que resulta atractivo, cautivador y cálido. Una sinergia instrumental que pareciera ensalzar y terminar de convertir en familiares todas las disyuntivas planteadas en la narración.– Nicolás Rosales M.
80. Touché Amoré – Spiral in a Straight Line
post-hardcore
Si algo define a Touché Amoré es su capacidad para mantenerse fiel a su esencia sin caer en esa monotonía e inconsistencia que acosa a bandas tan intensas. Aún sin explorar sonidos excesivamente variados, sus discos destacan por esa consistencia sorprendente. ‘Spiral in a Straight Line’ no es la excepción: las dinámicas de este álbum se perciben luminosas, incluso cuando contrastan con la desgarradora voz de Jeremy Bolm, que continúa siendo el vehículo de una intensidad emocional brutal.
Canciones que demuestran una pasión y entrega de una banda excepcional, consolidando su dominio en el screamo y el post-hardcore al ser intensos pero también introspectivos. Es sabido de la capacidad lírica y compositiva de Touché Amoré, un arte en sí misma, cargada de vivencias que resuenan con el oyente, de una honestidad desarmante. Una capacidad de conectar con la audiencia, convirtiendo cada canción en un cálido abrazo fraternal, lleno de emociones y expresiones viscerales propias del género.– Hernán Carrasco
79. Rachel Chinouriri – What a Devastating Turn of Events
pop rock · indie rock
En un mundo de introspección es que Rachel Chinouriri crea ‘What a Devastating Turn of Events’ (2024), un álbum dedicado a las separaciones, el desamor y la experiencia de perder a alguien.
De una forma poco convencional, Rachel toma una perspectiva lineal a través de sus canciones, repasando los sentimientos encontrados de odio frente a una ruptura, preguntarse el por qué de las cosas, y el odio a sí misma respecto a un amor no correspondido de la forma deseada. Finalmente, muestra el reencuentro no sólo con el amor propio al darse cuenta de que no necesita a nadie más, sino también el reencontrarse con lo lindo de haber amado a una persona, a pesar de que las cosas no se dieron como lo esperaba.
El álbum repasa todas estas emociones a través de un suave pop rock, el cual en conjunto de la también suave voz de Rachel, exponen un mundo de vulnerabilidad donde, tal como describe en la canción homónima, es una historia secuencial bastante común, de la que muchos pueden sentirse identificados.– Constanza Machuca
78. The Marías – Submarine
bedroom pop · alt-pop · indie pop
Submarine lo último de The Marías, es un reflejo de la necesidad de amar y ser amado. Este álbum encapsula la sensación de un amor que se experimenta como estar bajo el agua: envolvente, introspectivo y cargado de emociones que fluyen con naturalidad. A lo largo de sus 14 canciones, María Zardoya y su banda nos sumergen en un mundo de alt-pop y bedroom pop donde cada detalle está cuidadosamente tejido para ofrecer una experiencia sonora única.
Los beats, que beben de diversas influencias musicales, funcionan como un paisaje cambiante que acompaña de manera magistral la voz suave y envolvente de Zardoya. Desde ritmos relajantes hasta texturas más experimentales, el álbum encuentra un equilibrio perfecto entre las letras, la música y la estética visual. Este balance es lo que le da a ‘Submarine’ su distinción: una cohesión con una afinidad de ensueño.– Rocío Villalón
77. Friko – Where we’ve been, Where we go from here
indie rock
Si tuviera que partir diciendo algo rápido… ¡WOW! Qué gran debut. Y es que el dúo de Chicago llegó con todo a la escena, trayendo un disco que te invita a verlos con un futuro brillante a punta de un sonido expresivo, dinámico y juvenil. Una mezcla entre lo mejor del indie, pasando por el post-punk hasta las baladas, casi como una mezcla de inspiraciones, pero sonando de manera única.
Con momentos para gritar, llorar y cantar, me atrevo a decir que ‘Where we’ve been, Where we go from here’ en ningún momento baja su nivel, entregando una experiencia emocionalmente envolvente y una visión artística audaz. Algo que también se puede comprender como una declaración de intenciones, dejar en claro que están aquí para quedarse y que este debut, más allá de las grandes críticas obtenidas, promete ser solo el inicio de algo aún más grande.– Oscar Cortés
76. tripleS – <ASSEMBLE24>
k-pop · dance-pop · contemporary r&b
Siendo su primer álbum donde las 24 miembros participan, ‘<ASSEMBLE24>’ (2024) llega a romper las barreras del k-pop, logrando un balance donde, en tan sólo 28 minutos, cada una de sus miembros se lució de forma espectacular.
Estableciendo su propia identidad sonora dentro del género, tripleS fusiona el k-pop con interesantes elementos de los 2000 no solo derivados del dance-pop, sino también del r&b, funk e incluso tintes de hip-hop en sus bases, logrando un perfecto balance que explora diversos géneros, lo cual balancea esta diversidad con su gran cantidad de integrantes y demostrando la versatilidad del girl group.
‘<ASSEMBLE24>’ (2024), si bien no es el primer LP de tripleS, marca el comienzo de una nueva era y una nueva meta cumplida para la agrupación, siendo un hito bastante esperado, y superando toda expectativa. Uno de los nuevos ejemplos de la experimentación en el género del k-pop.– Constanza Machuca
75. Wormed – Omegon
brutal technical death metal
En un año particularmente competitivo para el brutal technical death metal, poco hacía presagiar que uno de los mejores discos sería germinado por una banda española. O quizás sí, quizás los más de veinte años de carrera que lleva Wormed podrían hacer menos sorprendente que salgan con un disco que se siente tan clásico (clásico, a lo Cryptopsy en el papel) y tan moderno (moderno, a lo Cattle Decapitation en la producción), pero sobre todo creativo. Y cómo si fuera poco sobre estos alcances basales, sumémosle sintetizadores y letras que apuntan a la ciencia ficción. Qué mejor.
Sin duda, no hay aspecto más destacable que el carácter orgánico con el que se desprenden las canciones. Existe un aprecio por el sonido más o menos natural en las guitarras y el bajo, mientras que nunca aparecen de esas baterías absurdamente rápidas que llegan a rozar la electrónica de lo ultra procesadas que están y que, para bien o para mal, son tan propias del metal contemporáneo. Hay músicos reales detrás y se nota. Se lee obvio pero no lo es tanto: este disco está hecho por una banda.– Nicolás Merino
74. Liniker – CAJU
contemporary r&b · neo-soul
Liniker regresa con ‘CAJU’, su segundo álbum como solista tras el aclamado ‘Índigo Borboleta Anil’. Este nuevo trabajo consolida su lugar en la música popular brasileña, explorando temas profundos como el amor, la identidad y la resistencia. Con orquestaciones grandiosas y un sonido más maduro, ‘CAJU’ refleja la rica diversidad cultural de Brasil y la conexión de la artista con el público LGBTQIA+.
El disco cuenta con colaboraciones estelares de nombres como Pabllo Vittar, BaianaSystem y ANAVITÓRIA, entre otros. Además, Liniker trabaja junto a productores como Tropkillaz e Iuri Rio Branco, ampliando los horizontes de su propuesta musical. A través de ritmos que van del soul al r&b, la cantante ofrece un álbum que es tanto una celebración de la vida como un llamado a la unidad.
Liniker define ‘CAJU’ como un retrato de su momento actual, un reflejo de sus 29 años lleno de experiencias y aprendizajes. Este álbum no solo reafirma su impacto artístico, sino que inspira con su autenticidad y compromiso social, consolidando su papel como una voz transformadora en la música contemporánea.– Nicolás Silva Montenegro
73. Floating Points – Cascade
tech house · idm
En 2014, Sam Shepherd, alias Floating Points, definió su carrera con la creación espontánea de ‘Nuits Sonores’, una melodía que capturó su dualidad como jazzista y productor de techno-house. Con un doctorado en neurociencia y una reputación consolidada en la escena musical, Shepherd ha explorado desde la introspección de ‘Promises’ (2021) con Pharoah Sanders hasta escenarios masivos junto a Caribou y Four Tet.
En ‘Cascade’, su más reciente obra, Shepherd canaliza su enfoque en el disfrute puro de la pista de baile. Desde la energía industrial de “Vocoder» hasta los paisajes melancólicos de “Ocotillo”, el álbum equilibra intensidad y delicadeza. Momentos como «Fast Forward» destacan su habilidad para crear música electrónica viva y orgánica, mientras que “Tilt Shift” y “Ablaze” fusionan idm chisporroteante con colaboraciones inesperadas, como la voz de Hikaru Utada.
Con ‘Cascade’, Floating Points celebra tanto la improvisación como su maestría técnica, conectando su presente como figura global con su origen en Plastic People, Londres. Este álbum reafirma su capacidad para unir ciencia y arte, pasión y precisión, consolidándose como un visionario único en la música electrónica contemporánea.– Nicolás Silva Montenegro
72. Doechii – Alligator Bites Never Heal
southern hip hop
Una de los sucesos más notorios de 2024 fue el inicio del ascenso de la rapera oriunda de Tampa, FL, Doechii. Una artista que ya lleva años en el ruedo, pero que, y bajo el alero de Top Dawg Entertainment –como una de sus nuevas y sólidas cartas–, daría el golpe a la mesa más certero con su mixtape ‘Alligator Bites Never Heal’, una carta de presentación increíblemente sólida y ambiciosa.
Con el rap sureño como base, Doechii establece una sinergia única en materia de creatividad, sonido y demases. ¿Por qué? Porque baña cada rincón sonoro con su personalidad, abordando desde la abundancia y propios aspectos particulares a su persona, distintos elementos como el delivery –sumamente dinámico y magnético–, la producción diversa con guiños al boom bap, al hardcore hip hop y el hip hop consciente, y también el establecimiento de un tracklist que recorre distintos conflictos y demonios propios de la artista ligados a su sexualidad, las drogas y el mundo de la fama de formas realmente crudas como divertidas.
Hasta ni parece mixtape de lo bien hecho que está este trabajo, lo que simplemente calienta las bases para una próxima entrega de estudio: su debido debut. Por ahora, tenemos el ‘Alligator Bites Never Heal’, lleno de bangers como «DENIAL IS A RIVER», «NISSAN ALTIMA», y «SLIDE», así como cortes más introspectivos como «PROFIT», «BOOM BAP» y «FIREFLIES».– Juan Pablo Ossandón
71. Nilüfer Yanya – My Method Actor
indie rock
Hay algo fascinante en la monotonía de Nilüfer Yanya, quizás sea la seguridad en su desplante o la comodidad que transmite. Sea lo que sea, ‘My Method Actor’ (2024) está plagado de aquello, y lo vuelve fascinante también. Pequeños destellos en las instrumentales, como las cuerdas de “Mutations” o las guitarras distorsionadas del coro de “Method Actor” dotan de intensidad y personalidad las apacibles melodías de un relato que a ratos pareciera despreocupado, pero que está lejos de no ser íntimo o visceral.
Como si de una actriz de método se tratase, Nilüfer Yanya es el personaje mismo de la narración, y sostiene un relato cargado de emocionalidad, cuyo hilo conductor no está definido por un principio y un fin, sino que más bien goza de su complejidad. Un desarrollo artístico ideal que la desmarca de su disco debut ‘Miss Universe’ (2019), y que termina de dar forma a una artista con carácter, confianza e identidad.– Nicolás Rosales M.
70. Mdou Moctar – Funeral for Justice
tishoumaren · psychedelic rock
La racha creativa que viene arrastrando Mdou Moctar desde ‘Ilana: The Creator’ (2019), y encumbrada por el ambicioso ‘Afrique Victime’ (2021), continúa en su más reciente ‘Funeral for Justice’. Otra muestra de la esencia cruzada por sus relatos políticos y espirituales, vertida sobre un trabajo de sonido rítmico y psicodélico.
En esta ocasión, la banda de Niger concreta un acercamiento mucho más directo, manteniendo el sentido de viaje que proporcionan canciones como la evocadora “Imouhar” o la pausada “Imajighen”. Del mismo modo, la epicidad alcanza su clímax en momentos como la titánica “Oh France”, para concluir el viaje con la melodiosa “Modern Slaves”. Testimonios que mantienen viva su llama.– Felipe León
69. Laura Marling – Patterns In Repeat
chamber folk · singer-songwriter
‘Patterns in Repeat’, el último trabajo de Laura Marling, es una oda profundamente íntima y conmovedora a la maternidad. Este álbum no es solo una colección de canciones; es una carta de amor que explora las emociones rodean la experiencia maternal. Desde el primer acorde la cantante invita a un viaje lleno de paz y contemplación, donde cada palabra y cada nota parecen escogidas con un propósito claro y sincero.
La delicadeza de sus letras, cargadas de significado, se entrelaza perfectamente con los arreglos de cuerdas, que actúan como un suave telón de fondo, potenciando la obra. Las guitarras acústicas, cálidas y envolventes, hacen que el álbum se sienta como una caricia, un refugio que recuerda a la calidez de un hogar seguro.
Con este disco, Marling demuestra el poder para contar historias con una honestidad y belleza que resuenan profundamente, dándole la importancia que tiene la letra en el folk.– Rocío Villalón
68. Meaningful Stone – Angel Interview
dream pop · indie pop
Reminiscencias y recuerdos como guías por un páramo que se inclina hacia la nostalgia por parte de Meaningful Stone en su segundo disco. ‘Angel Interview’ parece una pugna de poder entre sonidos; un dream pop onírico que juega con sonidos cercanos al folk, y por otro lado, un aspecto más cercano al rock y shoegaze, que terminan intercalando y potenciando un relato etéreo, sacando lo mejor de ambas partes.
La constante contraposición de sonidos permite a la artista adoptar un sinfín de posturas en búsqueda de generar la sensación ideal que busca transmitir al oyente, ya sea serenidad, confusión, tristeza o emoción. Entregando reflexiones anecdóticas que invitan a surcar los cielos.
Una catarsis personal adornada con una simplicidad folk deliciosa, pero que no teme expresar intensidad a través del shoegaze cuando así lo encuentra necesario.– Tomás Pérez
67. CA7RIEL & Paco Amoroso – BAÑO MARÍA
pop rap · hip house
‘EL DISKO’ (2021) y ‘SAETA’ (2021) son prueba de la indudable calidad en el despliegue individual de CA7RIEL y Paco Amoroso, pero más indudable es su sinergia, y así lo termina de comprobar ‘BAÑO MARÍA’, la muestra –por ahora– cúlmine de un desarrollo al que todos sus tempranos testigos no temieron a apostar todas sus fichas.
Un álbum que irrumpió en un panorama latinoamericano donde el modelo de artista popular parecía ya estar establecido, y que por su esencia disruptiva cautivó no solo a su público ya fidelizado, sino que amplió considerablemente aquel espectro y acercó a nuevos oyentes a su sonoridad vanguardista y atrevida, pero muy funcional en la práctica.
Por medio de elementos sintéticos, el dúo argentino relució todo su arsenal de elementos, incluyendo sus reconocibles coros y sus fraseos ágiles y estructurados. ¿El resultado? 12 tracks que confirman la versatilidad de ambos músicos, pero que también refuerzan su estilo narrativo satírico y arraigado a la cultura pop, que a su vez es disperso y tiene la capacidad de usar recursos populares sin perder identidad.
Elegante como su estética y atrayente como cada proyecto de CA7RIEL & Paco Amoroso, esta propuesta logró convertirse en parte esencial de la renovación del sonido latinoamericano y a su vez crear nueva expectación ante el impredecible dúo.– Nicolás Rosales M.
66. Jamie xx – In Waves
house · future garage
Si su antecesor ‘In Colour’ construía un imaginario colorido y consistente con su diversidad de influencias, en el caso de ‘In Waves’ se lanza de lleno a la pista de baile. Eso sí, la esencia distinguible de Jamie xx dentro del panorama de la música garage se mantiene a flote, esta vez llevando la profundidad vibrante de sus bajos a terrenos más animados del house.
Lo mejor de todo es que el tracklist resulta consistente, puesto que la paleta rítmica engloba diversas pulsaciones sin caer en la redundancia. En ese sentido, se puede destacar que cada canción propone sus propias cualidades, dentro de un gran viaje que no cesa el movimiento. De paso dejando grandes temas como “Baddy On The Floor”, la vital “Life” junto a Robyn, “Waited All Night” con The xx, o la soñada “Falling Together” con Oona Doherty.– Felipe León
65. Arooj Aftab – Night Reign
chamber jazz · chamber folk
La artista paquistaní sigue engendrando universos complejos en el mundo del jazz, siendo sitio de convergencia de distintas nociones ligadas al folk de cámara como tan sólo Arooj Aftab podría hacer. Sin embargo, en esta oportunidad el estrellato se posiciona sobre el jazz, probablemente por la experiencia previa con el álbum colaborativo en conjunto con Vijay Iyer y Shahzad Ismaily.
Pero cualquier descripción se quedaría corta, en tanto la compositora surca en preciosos paisajes elucubrados por un montón de elementos de cámara –como el piano–, y entre distintas capas. En ese sentido, la pausa y la contemplación se tornan en un factor más dentro del todo de las cosas. Como si la vulnerabilidad fuese omnipotente, y la prosa el suspiro de la brisa nocturna con sus secretos más recónditos.
En definitiva, un álbum increíblemente hermoso que sólo puede salir de la fragilidad humana.– Juan Pablo Ossandón
64. Sabrina Carpenter – Short n’ Sweet
pop
Es necesario partir comentando que ‘Short n’ Sweet’ es un álbum que demuestra la madurez artística de Sabrina Carpenter. Siendo su sexto trabajo, es necesario reconocer el vuelco respecto a su sonido y su propuesta, hablando de forma tanto visual como lírica. Y es que en una época rodeada de melodías pop, Sabrina opta por traer elementos sonoros que no son nuevos como materia prima, sino que, es al momento de su ejecución, en donde la artista da en el clavo.
Y es que la voz de Carpenter, sabe perfectamente cómo elevar cada una de las sensaciones que busca producir, siendo evidente desde la primera escucha que el gran motor lírico recae en las relaciones amorosas y varias de sus aristas; enamoramientos, lujuria, decepciones, expectativas, y una de las más claras de todas, el sexo.
Con una clara referencia a sonidos pop de antaño y un interés general por parte de revivir sonidos así, Sabrina no teme mezclar esta suave y sencilla aura popera creada por sintetizadores, con el impacto de letras directas que hacen referencia al lado amoroso y más sensual de la artista. Si bien el foco se lo llevaron canciones como “Espresso” o “Juno”, con pegadizos coros y ritmos que instan a sus oyentes a sucumbir ante la danza, canciones como “Lie To Girls” o “Slim Pickins” se caracterizan por un tono más minimalista, en donde casi pareciera un canto a capella por parte de Sabrina Carpenter.
En resumen, Sabrina Carpenter conquista gran parte del 2024 con una mezcla de ritmos pop y r&b, que no traen nada nuevo a la palestra, pero que refrescan de una forma sensual en todo aspecto esta fiebre retro que ha ido escalando los últimos años . Eso sí, hay que ser claros, Sabrina tiene todas las cualidades para encontrar un sonido nuevo y hacerlo propio, ahora solo el tiempo dirá si logrará hallarlo.– Tomás Pérez
63. St. Vincent – All Born Screaming
art rock
Una catarsis dramática que rehúsa de la espectacularidad, y de paso obsequia parte de los relatos más introspectivos e interesantes de St. Vincent. ‘All Born Screaming’ se posiciona en su carrera como un disco bastante redondo, siendo un encuentro entre lo cerebral de su música con lo más pasional.
Sus 10 canciones muestran a la artista inspirada, probando como es de costumbre nuevas salidas sonoras, esta vez dentro de las salidas íntimas y exploratorias que caracterizan al art rock. Buenos ejemplos de sus logros recaen en piezas como “Reckless”, la excéntrica “Broken Man”, la ceremoniosa “Violent Times”, o el cierre final junto a Cate Le Bon en el tema titular.– Felipe León
62. Judas Priest – Invincible Shield
heavy metal
El caso de Judas Priest es digno de aplaudir. Son una banda insigne para comprender el paso del hard rock al heavy metal, y posteriormente definir este último varias veces, contando con grandes discos prácticamente todas las décadas. Sin embargo, su antecesor y este ‘Invincible Shield’ muestran a la banda no solo en plena facultades de sus cualidades, sino que además siendo creativos en la escritura de sus canciones.
Para nada forzado, agotado o carente de inspiración, Judas Priest evidencia una vitalidad que impregna su pasión por los riffs melódicos y memorables, la pesadez eléctrica y la genialidad de un Rob Halford tan ancla como siempre. Desde “Panic Attack”, “Trial By Fire”, “Gates of Hell” o la canción titular, el viaje resulta vivo y gratificante.– Felipe León
61. Melt-Banana – 3+5
noise rock · experimental rock
Después de 11 años de ‘Fetch’ (2013), la agrupación nipona sigue ingeniando formas y formas de sacudir el espectro de aquello que puede ser considerado «demente» en el panorama de la música, siendo los rostros más abrasivos del rock y la desenfadada–y–enfadada actitud punk los elementos importantísimos para realizar un ambicioso trabajo de noise rock.
El tema es que, ya, sabemos que Melt-Banana siempre ha tenido éxito en manufacturar estos sonidos. Siempre de alto impacto y jamás pasando inadvertidos, es algo que, ciertamente dentro del contexto, podemos esperar. No obstante, son esos giros que realizan a su música lo que nos lleva a destacar un trabajo como este en un año tan nutrido como 2024, y es que las distintas capas añadidas en la producción, sitúan el germen para configurar un sonido mucho más luminoso, a pesar de lo pesado que es.
Eso abre las puertas para que sus histrionismos tengan a disposición más rutas para dejarse llevar, siendo un trabajo de lo más fascinante de noise rock.– Juan Pablo Ossandón
60. RM – Right Place, Wrong Person
contemporary r&b · neo-soul · experimental hip hop
Siendo el segundo trabajo en solitario de RM, líder de BTS, ‘Right Place, Wrong Person’ marca otro paso más en la evolución significativa de su carrera solista, mostrando su ímpetu de explorar territorios musicales experimentales y dando rienda suelta a una madurez artística que ha crecido bastante desde su debut con ‘Indigo’ en el 2022.
Y es que en esta fusión de hip hop, r&b y elementos electrónicos, NamJoon logra una atmósfera sonora única, destacando gracias a una producción innovadora y letras introspectivas que abordan la sensación de no encajar y la búsqueda de identidad. Además, sus distintas colaboraciones aportan diversidad y enriquecen la propuesta musical del álbum, ofreciendo una visión profunda del mundo interior del artista. Pero, ¿cómo suele sonar esto? Pues como una montaña rusa, una a la que te dan ganas de volver a subirte una y otra vez.– Oscar Cortés
59. ODD MAMI – donde van los perros?
indie rock · alternative rock
La conocida integrante de la RIP GANG, agrupación musical que ha albergado diversos talentos, mismos que han sabido destacar por sí mismos. ODD MAMI con ‘donde van los perros?’, presenta una catarsis emocional, en que las instrumentales te posicionan en una difícil despedida. Y es que así se siente gran parte del proyecto, un indie rock que conquista en su desarrollo, con colaboraciones claves que potencian aún más la idea central.
¿Es un adiós? Sí, pero al pasado. Dejar atrás al inocente para dar la bienvenida a la madurez. El tren que avanzó durante horas y llegó caído el anochecer, con un doloroso transcurso en que los recuerdos se hacen flashbacks. ODD MAMI cuenta con un arsenal interesante, y una oportunidad clave de cara al desarrollo de su carrera, al y al cabo este disco solo sustentó a un más el talento que trae entre su lápiz para escribir y el micrófono para interpretar.– Jocsán Sánchez
58. Vince Staples – Dark Times
west coast hip hop · conscious hip hop
El rapero californiano pareciera que nunca deja de cocinar, siendo uno de los más prolíficos y consistentes del panorama del hip hop. Una filosofía y ética de trabajo que le llevó en esta oportunidad a hacer una radiografía a su imaginario y alma, con todas las tribulaciones que eso requiera.
A diferencia de obras anteriores, Vince Staples se encuentra exorcizando sus demonios mirándolos de frente, y jugando en sus propias áreas, abrazando la propia oscuridad que subyace a estos incómodos tópicos que trata el rapero. Siempre con una cuota de sobriedad y sabiduría de alguien que no busca esquivar los problemas del barrio, lo que da fruto a maravillas de canciones con beats y samples que beben mucho del jazz y el soul.– Juan Pablo Ossandón
57. Ravyn Lenae – Bird’s Eye
contemporary r&b
Antecedida de una auspiciosa obra como ‘Hypnos’ (2022), la continuación ‘Bird’s Eye’ aprovecha todo para explorar con mayor confianza los confines de su propuesta. Como resultado aparece un trabajo marcado por el manejo ecléctico de un emotivo r&b, sin miedo a coquetear con una faceta más pop de este tipo de música.
Esto se refleja en el primer corte “Genius”, o la estrellada “Love Is Blind”, aunque el viaje en cierta forma lleva a muchas otras partes igual de bien trabajadas. Bien destacan sus colaboraciones con Childish Gambino en “One Wish” o la melódica y melosa “Dream Girl” junto a Ty Dolla $ign. Para luego llegar a un final de ensueño con la dupla hipnótica de “Pilot” y “Days”.
56. 3776 – The Birth and Death of the Universe Through Mount Fuji
art pop · j-pop · progressive pop
Por medio de distintos elementos que componen el art pop de la pieza, ‘The Birth and Death of the Universe Through Mount Fuji’ (2024), tal como dice su título, refleja de forma conceptual el viaje temporal del universo. Unido a esto, el álbum sigue la narrativa de historias humanas, ligando temas complejos y casi incomprensibles, con la simpleza del ser humano y sus vivencias.
El nuevo LP de 3776 refleja una aventura rítmica –unida también a narrativas en japonés– a través de una diversidad de sonidos progresivos, de los cuales se desprende una extensa escapada conceptual, sumergiendo al oyente en la riqueza del universo y del ser humano. Sumado a esto, recursos como la sutileza del cambio entre una canción y otra, y el final en loop expuesto en la canción homónima, realizan no sólo una facilidad al momento de escucharlo y adentrarse en la historia a través de su riqueza musical, sino también en encarnar la naturaleza cíclica de las cosas.– Constanza Machuca
55. Thou – Umbilical
sludge metal
Si hablamos de aquellos representantes del sludge metal contemporáneo, encontramos a Thou como uno de los más memorables dentro del género. Reconocidos por sus populares colaboraciones junto a Emma Ruth Rundle y Uniform, han logrado esparcir que el sludge metal no es algo lineal y que se le pueden ir agregando más capas para encontrar un sonido único y potente.
En ‘Umbilical’ nos traen una propuesta que comienza con alta densidad en “Narcissist’s Prayer”, para luego darle una narrativa musical al disco juntando canciones rápidas como “Emotional Terrorist” y “I Feel Nothing When You Cry”, con otras más arraigadas al doom metal como “Lonely Vigil” y “Siege Perilous”.
En este álbum Thou logran establecer un muro de sonido agresivo y brutal, donde las percusiones juegan un rol importante en el momento de llevar el ritmo y la atmósfera que se va creando junto al resto de elementos que componen las piezas musicales.– Consuelo Cruzat
54. weed420 – malandreo conceptual
plunderphonics · latin electronic
Una de las apuestas del 2024 en la escena del latin electronic llega desde Venezuela de la mano de weed420, el proyecto que redefine las fronteras de la electrónica con ‘malandreo conceptual’. Si bien el álbum se presenta como un mixtape, su propuesta va más allá, sumergiéndonos en un mundo casi surreal donde la música se convierte en una experiencia.
El concepto de ‘malandreo conceptual’ nos transporta a una suerte de plano futurista, en el que nos convertimos en simples radioescuchas rotando el dial en busca de esos clásicos hits de reggaetón de antaño, pero que se siente como si fuese una dimensión alterna y extraña. Un lugar donde lo familiar se reinventa y se encuentra en un contexto completamente nuevo, lugar donde toda la experimentación se permite.
Lo que weed420 logra en este mixtape es una atmósfera única, impregnada por las influencias de Arca y las corrientes más vanguardistas del collage y el industrial. El resultado, una amalgama de sonoridades que, además de ser extravagantes, contienen un toque humorístico, desafiando las convenciones del género y llevando a la electrónica latinoamericana a nuevos límites inexplorados.– Hernán Carrasco
Escúchalo aquí
53. Bladee – Cold Visions
rage · trap
La desolación distópica que Bladee detalla con oscura luminosidad en ‘Cold Visions’, funciona como un ejercicio creativo que puso al artista en la plenitud de sus facultades. Desde la atmósfera saturada hasta el canto intrigante y estimulante, la ansiosa conjugación de sintéticas proporciones en el trap empleada en este larga duración generan un viaje tan entretenido como emocional.
En poco más de una hora instala una narrativa multifacética con especial énfasis en el sentir. Casos como el de “FLATLINE” actúan como amortiguación de las sensaciones más densas que exprime en “YUNG SHERMAN”. De ahí en adelante, la misantrópica “I DON’T LIKE PEOPLE” con Yung Lean, la intensa “RED CROSS”, la agridulce “FALSE”, el subidón de “LUCKY LUCKY” junto a Thaiboy Digital o la excelente apertura en “PARANOIA INTRO”, generan un deleite digno de resaltar.– Felipe León
52. Brittany Howard – What Now
psychedelic soul · progressive soul
‘What Now’ es el segundo álbum de Brittany Howard como solista y una muestra contundente de su capacidad para explorar nuevas dimensiones. El disco es como un viaje caleidoscópico a través de una mezcla de estilos inmersos en la psicodelia, el r&b y el soul.
Cada pista tiene una identidad propia, con texturas y auras de color que se despliegan como una obra de arte abstracta, pero que al mismo tiempo convergen en un hilo conductor coherente y poderoso. La fuerza de la interpretación de Britanny Howard encuentra un equilibrio perfecto con el instrumental prominente, logrando un sonido que envuelve al oyente desde el primer instante.– Rocío Villalón
51. Nathy Peluso – GRASA
pop rap · alternative r&b
Grasa es un disco innovador y un paso audaz en la carrera de Nathy Peluso, que muestra su capacidad para reinventarse sin perder su esencia. Aunque introduce elementos nuevos y arriesgados en su sonido, sigue arraigado en el rap y el hip hop latino, géneros en los que la artista se ha consolidado en los últimos años.
El álbum destaca por su versatilidad, combinando una variedad de estilos que van desde tracks cercanos a los boleros hasta estribillos irresistiblemente pegajosos. Cada canción es una prueba de la creatividad y el talento de Peluso para fusionar géneros de manera fluida. Además, el disco brilla por sus colaboraciones estelares, como el enérgico “TODO ROTO” junto a CA7RIEL y Paco Amoroso, que encapsula la vibra del rap mainstream, y el dinámico “MANHATTAN” con Duki, que añade un toque fresco y urbano.– Rocío Villalón
50. Chelsea Wolfe – She Reaches Out to She Reaches Out to She
darkwave · post-industrial
Luego de una extensa y consistente carrera musical, Chelsea Wolfe vuelve a sorprender con su nuevo álbum musical ‘She Reaches Out to She Reaches Out to She’.
Con este disco se puede notar la versatilidad que tiene la artista al mezclar diversos elementos musicales novedosos a su sonido ya establecido de música oscura etérea con toques de doom metal e industrial, juntándolo así con texturas y sonidos sacados del trip-hop, lo que hace el álbum una aventura diversa de escuchar
Además del disco, lanzó dos videos musicales para las canciones: “Whispers in the Echo Chamber” y “Tunnel Lights”, que reflejan todo el estilo oscuro, gótico y frío de la artista californiana
Desde su proyecto Mrs. Piss de noise rock, hasta la colaboración junto a Converge en ‘Bloodmoon: I’ (2021), Chelsea demuestra su capacidad por mutar musicalmente y hacerlo de una manera auténtica; por lo que este disco lanzado en 2024, sigue esa misma línea de experimentación.– Consuelo Cruzat
49. Mach-Hommy – #RICHAXXHAITIAN
abstract hip hop · east coast hip hop
Si Mach-Hommy va a lanzar un álbum, de algo estamos claros: el impacto que tendrá dentro de la comunidad del hip-hop y de la música en general, esto es debida a su apasionada y auténtica forma de crear, tocando temáticas políticas que no solo se rodean de la cultura americana, sino que también acogen a otras culturas como la de Haití.
La auto-expresión del rapero es la clave para crear algo único y creativo, donde no deja de lado la carga política que conlleva expresar sus pensamientos y vivencias propias y en comunidad.
Musicalmente hablando, se mantienen producciones de beats dignas de lo que es el colectivo Griselda, catalogados como ser importantes artistas del movimiento de hip hop abstracto que es caracterizado por sonidos de instrumentos de jazz, percusiones suaves que apenas se sienten y una vibra relajada y tranquila. ‘#RICHAXXHAITIAN’ sigue esta misma línea, pasando por canciones con entonación calmada y otras más duras y con un tono más denso.– Consuelo Cruzat
48. Clairo – Charm
soft rock · sophisti-pop
‘Charm’ es el tercer álbum de Clairo, antecedido por ‘Sling’ (2021) e ‘Immunity’ (2019), siendo su último estreno una suerte de continuación de su penúltimo lanzamiento, en cuanto al estilo artístico que ha desarrollado en estas nuevas aproximaciones que ha dado a conocer de sí, algo muy cercano al soft rock y el pop soul.
El disco cuenta con éxitos en reproducciones como “Juna”, “Add Up My Love” y “Sexy to Someone”, canciones en las que expone letras muy íntimas relacionadas a sus aspectos y expresiones románticas, sentimentales e introspectivas, formando a lo largo de ‘Charm’ un ambiente pacífico e íntimo, que toma lugar desde los anhelos y reflexiones de la artista puestas en sus diversas letras, que desde sus anhelos confecciona un posicionamiento agridulce en torno a ello por lo que surge al tratarlo en sus letras, al mismo tiempo que transmite un recibimiento cálido en cada canción por sus composiciones etéreas que llegan a situar de esta manera al oyente.
El disco se muestra como otra de las extensiones que la artista ha desarrollado de sí, en torno al estilo musical que esta ha definido en el último período como propio, enseñando cómo ha evolucionado su desplante creativo alrededor de la creación del arte que elabora, enseñando a través de ello también parte de su madurez, algo observado principalmente desde sus letras.– Ricardo Parra
47. Denzel Curry – King of the Mischievous South Vol. 2
southern hip hop · trap · hardcore hip hop
Aún cuando Denzel Curry siempre ha demostrado ser capaz de darle una vuelta más artísticamente consciente a lo que podríamos denominar como un trap basal, finalmente se decidió por desprenderse un tanto de esa ambición y se fue de lleno a hacer un disco de bangers.
Las canciones de la última placa son directas, intensas y memorables. Hay un trabajo particularmente delicado en la inmediatez con la que las se resuelven, siendo en general resoluciones bastante poperas, aún nunca sacrificando el buen gusto y el alto perfil de calidad al que Curry nos tiene acostumbrados. Puras canciones con potencial de single y pasta de gran disco. Dan un equilibrio perfecto y muy bien cuidado. Punto aparte para las líneas de bajo, le dan un cuerpo y groove particular al disco.– Nicolás Merino
46. Kamasi Washington – Fearless Movement
jazz fusion · spiritual jazz
Desde el estreno previo de “Garden Path” y “Prologue”, se sabía que este nuevo trabajo de Kamasi daría bastante de qué hablar. Con una duración cercana a los 90 minutos –siendo su disco más corto hasta la fecha–, la tradición de crear obras expansivas sigue presente y al fusionarse con géneros como el jazz, funk, soul, R&B y algo de rap, se logra una experiencia auditiva cohesiva que ejemplifica lo que es el arte de Washington.
De hecho, las capas de vientos –donde se tiene que mencionar su gran manejo del saxofón– entregan un exquisito pasaje durante secciones rítmicas que no se frenan bajo ninguna circunstancia, casi como una persecución. Esto, resulta bastante llamativo al momento de escucharlo, alcanzando su punto más alto al juntarse con los arreglos vocales o las introducciones de otros instrumentos dependiendo de la canción.
En fin, este es un trabajo que sigue reafirmando su imagen como una figura central en la escena del jazz actual, mostrando todas sus fortalezas. Y si me lo pregunta, también creo que es el mejor disco para entrar a conocer al artista.– Oscar Cortés
45. Juliana Gattas – Maquillada en la cama
dance-pop · nu disco
Consciente de no estar ni en el nombre de Miranda! ni bajo la responsabilidad de replicar su trabajo en Miranda!, Gattas nos trae un sonido más o menos similar a aquel al que estamos acostumbrados, pero desde un enfoque mucho más personal. Es un disco más libre, consciente de su propia figura y en potestad de hacer comentarios sobre ella.
Gattas deslumbra aproximándose a sensibilidades a las que no estamos acostumbrados. Esta vez más cercana a la electrónica y demostrando un nivel de actualización bastante adelantado respecto al nu disco, un género nuevo en su cuerpo de trabajo. También es capaz de integrar baladas de lo más bellas y bien construidas como «Lejos del fuego», que por cierto que también hace hincapié en un tipo de synthpop más personal, que a la larga no es más que un gesto bastante “latinoamericano”, camino que se pavimentó con la ayuda de la discografía de Miranda!.– Nicolás Merino
44. Jack White – No Name
garage rock revival · hard rock
Jack White es de aquellos artistas que solo necesitan una guitarra y su ingenio puro para crear contundentes piezas. Durante los últimos años y sus últimos trabajos, el mítico integrante de The White Stripes parecía alejarse del sonido de sus años dorados en el dúo, teniendo en consideración su participación en The Racounters también. Con ‘No Name’, Jack White parece entregarse a sus deseos y sonidos más antiguos, una pesada guitarra, harta distorsión y una inagotable voz que pareciera no sucumbir ni sufrir ante el tiempo. En términos sencillos, es un regreso en forma perfecta al clásico garage rock.
Pero ojo, es necesario decirlo también, es un regreso y ya. No hay elementos nuevos, los solos y riffs de guitarra se quedan en eso, sonidos y punteos pesados cargados de distorsión, que en las manos de Jack White sí son un placer auditivo, pero que siendo interpretados por otra persona, pasarían con lo justo.
‘No Name’ es esa zona de confort a la que siempre queremos volver, ese sandwich favorito cuando no sabes qué pedir, el sabor de helado que dices de manera automática y ese sabroso trozo de pizza que siempre aparece en tu cabeza cada cierto tiempo desde pequeño. Es decir, nada nuevo, pero se disfruta inmensamente para los fanáticos y aficionados a su sonido más clásico.– Tomás Pérez
43. NxWorries – Why Lawd?
neo-soul
¿Es posible que el desamor sea suave y tranquilo? Para NxWorries, es un sí. Un disco que sienta bien a cualquier hora del día, en cualquier modo y spot, producción de primer nivel que transporta al usuario a un estado de plenitud en que la música es todo lo que el cuerpo sentirá en los próximos 44 minutos. Alusión entre la incertidumbre del amor o la inseguridad del mañana, ‘Why Land?’ es un refugio para quien quiere ser entendido, y no hay mejor forma que su resultado.
El disco es un anillo al dedo para ellos, y para los que no se sienten identificados igual se adentran. Su construcción lírica y sonora roza la perfección del neo-soul. En resumidas cuentas, tenemos voces tranquilas, pero con narraciones desgarradoras, aunque también en viceversa. Como bien se mencionó anteriormente, es un viaje en que el desamor puede saber bien.– Jocsán Sánchez
42. Parannoul – Sky Hundred
shoegaze · noise pop
Más luminoso y cálido que de costumbre, el surcoreano Parannoul propone ponderar su melancolía con el firmamento mismo, armándose con el velo cálido del shoegaze y las explosiones melódicas del noise pop para dicha tarea. Una en que la producción volvió a tomar cierto carácter rústico, considerando lo pulcro que fue ‘After the Magic’ (2023), siendo el verdadero sitio idóneo para que tal complejo entramado de emociones pueda desenredarse azarosamente de la mejor de las formas.
En ese sentido, este álbum de estudio toma muchísimos elementos de sonidos aledaños como el indie rock y el post-rock, lo que en la ejecución ha llevado al artista ha indagar más en su persona, quien muestra un atisbo más esperanzador y acogedor en relación a lo melancólico –y depresivo– que podía sentirse en trabajos anteriores. Tal hecho es visible en lo musical, siendo una obra encantadora que levanta un cóctel de melodías danzarinas y ominosas inolvidables.– Juan Pablo Ossandón
41. Saramalacara – Heráldica
emo rap · cloud rap · digicore
Saramalacara puede ser uno de los proyectos que más rápido se consolidó con su actividad durante el año. Rápidamente demostró su alta eficiencia no solo a la hora de construir canciones, sino también de arreglarlas. Demuestra estar consciente de las estéticas más pertinentes para una obra musical que necesariamente debe transmitir intimidad a la vez que conciencia sobre el entorno.
La autodestrucción de las letras no viene edulcorada, pero no por eso estará desprovista de interesantes recursos literarios.– Nicolás Merino
40. The Smile – Wall of Eyes
art rock · post-rock
El segundo álbum de The Smile, ‘Wall of Eyes’, captura de manera triunfal la capacidad de la banda para conciliar tensión y belleza. Se trata de un proyecto que se ha establecido ya dentro de lo mejor del avant-garde del rock, combinando elementos propios del post-rock, el jazz y con una propuesta art rock, ‘Wall of Eyes’ representa este sonido tanto desorientador como atrapante.
Este álbum salta de texturas frenéticas a ritmos fantasmagóricos y serenos en lo que es una experiencia inconexa, como mirarse en un espejo roto y encontrarse con una imagen que está fragmentada, pero que no deja de tener una unión entre sí. Las vocales de Yorke son siempre acertadas, magnéticas, esta vez acompañadas por un sonoridad que se empeña por no perder jamás nuestra atención, por no dejarse llevar por ningún tipo de elemento predecible: una construcción musical que combina líricas melancólicas, sobre alienación y confusión, con instrumentales hipnóticas e inquietantes.
La producción termina por sellar el álbum, los arreglos en capas y las melodías angulares ofrecen una diversidad de momentos destacables. Se trata de una invitación a la reflexión amarga en canciones como “Read the Room” o “Teleharmonic”, con su nerviosismo en crescendo, y a la libertad exasperada en “I Quit” o “You Know Me!”, en lo que es ciertamente un triunfo por parte de Yorke y Greenwood, acompañados por Tom Skinner, en lo que es la libertad creativa y experimental de trabajar lejos de la presión del nombre de Radiohead.– Antonia Hernández
39. Mannequin Pussy – I Got Heaven
indie rock · punk rock
¿Te puedes imaginar que el punk sea delicado? Con ‘I Got Heaven’, Mannequin Pussy logra el cometido. A lo largo de 30 intensos minutos, la banda entrega un álbum que no solo está lleno de energía, sino que también invita a sentirlo todo de una manera visceral.
Las guitarras afiladas y los riffs estremecedores crean un paisaje sonoro que te envuelve, mientras la voz de Marisa Dabise es el verdadero motor de esta experiencia. Por momentos ligera y en otros con una intensidad que recuerda al movimiento riot grrrl. Su capacidad para alternar entre la fragilidad y la furia convierte a este álbum en una experiencia interesante.
Cada canción en ‘I Got Heaven’ es una declaración de principios que oscila entre el caos y la melodía, mostrando que el punk puede ser tan emotivo como confrontacional. Este disco no solo es un grito de rebeldía, sino también una puerta de entrada ideal para quienes buscan explorar el género desde una perspectiva fresca y única.– Rocío Villalón
38. Mk.gee – Two Star & the Dream Police
alternative r&b · neo-psychedelia
Mk.gee dejó atrás aquel sonido sustentado por elementos del funk de su álbum debut y se aventuró por desarrollar aún más lo expuesto en ‘A Museum Of Contradiction’ (2020), acogiendo de forma definitiva su inusual sonido de r&b y dejando de lado aquella fórmula del género caracterizada por ser directa, simplona y con elementos de psicodelia.
Como si de baladas ochenteras de pop rock se tratase, el solista abraza una narrativa de deseos, contemplación y disyuntivas relacionales, lo que plantea por medio de una interpretación cálida y sentida, cuya inquietud melódica la dota de aún más emoción. Una forma familiar en el papel, pero que al escucharla de parte de Mk.gee resulta fresca y original gracias a su dedicada instrumentación. Elementos limpios y definidos trabajan en perfecta sincronía con sonidos atmosféricos y casi oníricos, para así sustentar un proyecto que cautiva a la primera escucha y que asienta al artista con una propuesta sólida y prometedora.– Nicolás Rosales M.
37. Ulcerate – Cutting the Throat of God
dissonant death metal · technical death metal
Los neozelandeses de Ulcerate ya comparten un lugar privilegiado en el panteón del death metal técnico de la última década. No es casualidad que hayan entregado clásicos indiscutibles como ‘Everything Is Fire’ (2009), un hito que fusionó el tech death con el dissonant death y estableció su visión casi ritualista en cada álbum. ‘Cutting the Throat of God’ no es la excepción: un disco que, a través de extensos y densos tracks, canaliza un simbolismo religioso –o más bien antirreligioso– que refuerza la ominosidad característica de su propuesta. Un trabajo donde la habilidad técnica del grupo actúa como un engranaje infalible en la maquinaria tormentosa que conforma cada tema.
Con esas influencias distintivas de bandas como Gorguts y otras de corte más post-metal como Neurosis, Ulcerate provee un pabellón blasfemo de death metal, con ambientaciones infernales, guturales demoníacos y, lo más destacado, una atmósfera lúgubre, llena de dinamismos y vueltas de tuercas que expresan un nihilismo casi deprimente. Y es que la tónica del álbum demuestra la decadencia humana, la moralidad quebrada y la existencia absurda del ser humano, un portento de álbum que más de alguno lo tiene como punto cúlmine del metal de este año.– Hernán Carrasco
36. Porter Robinson – SMILE! 😀
indietronica · electropop
El caso de un artista como Porter Robinson es simplemente fascinante de observar y atestiguar, en tanto el DJ y productor puede llevar su música a rincones impensados, y aún así, tan humanos. Así lo demostró con la radical metamorfosis de ‘Worlds’ (2014) al celebrado ‘Nurture’ (2021), y tres años después lo hizo nuevamente con ‘SMILE! :D’.
Este tercer álbum del estadounidense abraza de forma directa el formato pop de sus canciones –de lo cual hubo claros atisbos en ‘Nurture’ (2021)–, entregando nuevas sinergias a sus canciones. Por ejemplo, Robinson esta vez manipula menos el color y tono de su voz en post-producción, haciendo uso de su voz natural mucho más, entregando un carácter mucho más genuino si se le quiere decir.
Pero son las formas estructurales del rock –esbozos muy propios, por cierto– lo que le ha brindado un abanico de ideas más amplio de acción al productor, permitiendo que el electropop y electronic dance music por el que se destaca encuentre salidas sumamente fascinantes. Verdaderos estallidos de júbilo ante un álbum que enfrenta con una sonrisa temas tan difíciles como el suicidio, el auto-estima y otros similares.– Juan Pablo Ossandón
35. twikipedia – for the rest of your life
noise pop · glitch pop · indie rock
La gran gracia del proyecto brasileño twikipedia descansa en dos esferas grandes: la de su consciencia y conexión respecto a la escena de shoegaze y noise pop japonesa contemporánea que tanto ha brillado estos años, pero adornándose por su segunda gran esfera, que es la de la capacidad de incluir elementos tanto o más “al día” del glitch pop. Básicamente, un disco que suena a la presente década.
Por supuesto que como buen disco basado en canciones, ‘for the rest of your life’ nunca pasa por convertirse en un paisaje sonoro, antes pretende ser una sólida colección de canciones y lo logra. El sentido autoral está bien impreso, asimismo el fiato de la banda. Aún para ser un proyecto que juega con tantos elementos electrónicos, el sentido orgánico es innegable.– Nicolás Merino
34. Ka – The Thief Next to Jesus
drumless · east coast hip hop · abstract hip hop
‘The Thief Next to Jesus’ es uno de los proyectos más audaces del difunto Ka –que en paz descanse–, donde transforma la historia de los ladrones en la cruz en una metáfora para explorar la relación compleja entre los afroamericanos y el cristianismo. A través de narraciones impactantes y reflexiones personales, expone cómo la religión fue utilizada como herramienta de opresión y, a la vez, busca nuevas formas de espiritualidad. Su estilo, basado en frases filosóficas y una entrega calmada, eleva el minimalismo en el rap a un nivel sin precedentes.
El álbum mantiene una atmósfera cautivadora, sustentada por pianos sombríos y órganos solemnes que resaltan la voz reflexiva de Ka. Canciones como “Broken Rose Window” y “Fragile Faith” entrelazan historias personales con críticas profundas al papel del cristianismo en la esclavitud y la opresión. Mientras tanto, temas como “Beautiful” y “Collection Plate” incorporan elementos gospel, creando un efecto espiritual que refuerza la profundidad del proyecto.
Ka adopta aquí el rol de guía espiritual en el rap, explorando el dolor, la lucha y el amor con versos que invitan a la introspección. En lugar de apostar por producciones grandiosas, su enfoque minimalista amplifica el impacto emocional, consolidándolo como un maestro de lo sutil y lo profundo.– Nicolás Silva Montenegro
33. Jessica Pratt – Here in the Pitch
singer-songwriter · contemporary folk
El universo musicalizado por Jessica Pratt desde sus primeros trabajos hasta la fecha suele elevar su faceta como cantautora, demostrando lo buena que es escribiendo canciones. Sin embargo, las ambiciones alcanzan una nueva dimensión para su propuesta en su más reciente álbum, donde lo misterioso y melancólico alcanza otros horizontes que bien le vienen a su espíritu retro de ensueño.
Su alcance en ‘Here in the Pitch’ encumbra diversos momentos desde sus propias lógicas, hallando una sutil dulzura en “Empire Never Know”, o bien, dulzura melódica en “Better Hate”. Por otro lado, “Life Is”, “World on a String” y “The Last Year” parecieran que son canciones que existen de siempre. Es parte de su encanto la atemporalidad con la que compone, y más aún, la vuelve asombrosa en un larga duración como este.– Felipe León
32. Xiu Xiu – 13″ Frank Beltrame Italian Stiletto With Bison Horn Grips
experimental rock · neo-psychedelia
Xiu Xiu vuelve con un disco de larga duración, donde exploran el lado más psicodélico del rock experimental. En 36 minutos y 9 canciones, logran adentrarse en distintos pasajes y ambientes musicales, creando así una obra difícil de catalogar.
Repasando el tracklist, partimos con “Arp Omni”, una introducción ambiental atmosférica que deja una tensión en el ambiente para continuar con diversos estilos musicales. “Common Loon” es una obra netamente neo psicodélica, con varios pedales de guitarras y ruidos electrizantes y energéticos.
Las canciones más experimentales serían “Pale Flower”, “Bobby Bland” y “Sleep Blvd.”, donde la gracia está en la estructuración de los ambientes musicales que presentan las canciones, dando espacio a pasajes más densos y silenciosos a otros más ruidosos. Finalmente, “Piña, Coconut & Cherry” es un cierre poderoso que se caracteriza por ir acompañado de una voz angustiante de Jamie Stewart.
Xiu Xiu es uno de los proyectos musicales contemporáneos que más han sabido experimentar entre cada disco que lanzan, por lo que su sonido fresco mantiene a sus oyentes actualizados de cuáles serán sus próximos movimientos dentro de la música.– Consuelo Cruzat
31. The Last Dinner Party – Prelude to Ecstasy
pop rock · glam rock · alt-pop
Una banda que agarró a una buena parte del mundo por sorpresa sin duda fue The Last Dinner Party, quienes interpretan composiciones propias del pop alternativo pero en clave pop rock. Una banda conformada solo por mujeres y de un carisma capaz de sacar chispas. Las canciones son melancólicas, pero enérgicas. En general bien pensadas.
Lo más destacable de ‘Prelude to Ecstasy’ debe ser el buen fiato que se siente en la química de las músicas. Hay toda una energía que funciona demasiado bien y que por cierto que también se siente muy honesta. Es ejemplo de una buena actitud para afrontar el rock, incluso mirándose en términos más generales. Es el tipo de sinergia sencilla pero potente que a veces queda al debe en muchas propuestas más contemporáneas.– Nicolás Merino
30. JPEGMAFIA – I Lay Down My Life For You
experimental hip hop · hardcore hip hop
Aún cuando JPEGMAFIA ya hace gala permanente de una calidad tope de linea al echarse al hombro toda una tradición más tenue y hasta soporea (en el mejor sentido) del hip hop experimental, e incluso viniendo de un disco donde perfiló ese estilo al lado de una bestia del lado más agresivo como lo es Danny Brown, increíblemente, su última placa –y una de las mejores– es todo lo contrario.
El MC sacó su lado más agresivo, desde los beats hasta las letras. Rapea como nunca (literalmente) y decidió acompañarse por instrumentales que, más que buscar el impresionismo o la curiosidad, van por lo obtuso, complejo e impredecible. De más está decir que la calidad de ejecución es superlativa. Se metió entre las patas de los caballos con una estirpe nueva y salió tremendamente victorioso, esta vez subiendo un nuevo listón al que no necesariamente nos tenía acostumbrados.– Nicolás Merino
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29. Beth Gibbons – Lives Outgrown
chamber folk
Los artistas envejecen, el paso del tiempo es un constante que resuena tanto en lo físico como en lo musical y para Beth Gibbons, la otrora frontwoman del proyecto Portishead, es un tema recurrente en lo que es ‘Lives Outgrown’, su último disco luego de más de 20 años de silencio en solitario.
Lo que es cierto es que el paso del tiempo puede ser un respiro para la creación, un sitial para emprender un viaje de intensa melancolía y aceptación, a pesar del temor a una inminente muerte y es eso lo que plasma Beth Gibbons en un delicado e introspectivo larga duración, minimalista y lleno de color a su vez. Un encanto de chamber folk que encadena los sonidos más bellos y preciosos de la orquestación en un concepto de cantautor.
A lo largo de los casi 45 minutos que dura el álbum, la voz desgastada de Gibbons se convierte en un testimonio honesto y vulnerable de aceptación, sin adornos, sin prisa, simplemente dejando que cada palabra y cada acorde se asienten con una tranquilidad que solo el tiempo puede otorgar.– Hernán Carrasco
28. Chat Pile – Cool World
sludge metal · noise rock
Conscientes de la tradición más irreverente y agresiva del sludge metal, pero también haciendo uso de los recursos más brutales de la historia del género, Chat Pile fue capaz de dar con una síntesis exquisita de ambos mundos. Entrelazando sinceridad y brutalidad.
La política del disco es tanto ácida como impresionista. No es solo un disco que llame la atención por su intensidad, también lo hace por su carácter despreocupado. Esa libertad para componer con la que Chat Pile demuestran sentirse cómodos abre la puerta a una nueva esfera creativa. Una de la escuela de bandas como IDLES; retorcidos, impredecibles, literales. Y todo esto sin ser el típico disco regresista y nostálgico de sludge metal. Existe una amplia ambición –resuelta– de hacer avanzar el género no solo con los aportes estéticos del noise rock, sino que también con el maximalismo artístico que este género admite.– Nicolás Merino
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27. Uboa – Impossible Light
death industrial · dark ambient
Esa exaltación brutal y descarnada de Uboa está de vuelta. Esta vez sin el marco de un disco conceptual, pero si de algo tanto o más amenazante; la libertad para expresar sin pisos ni parámetros determinados. Uboa golpea las paredes del sonido a punta de los más exasperantes juegos de producción y los gritos (sí, gritos naturales y no guturales cantaditos) en una línea que está más cerca de la desesperación que de la rabia, aún cuando se aproxime a sonidos que se suelen relacionar más con esa primera sensibilidad.
Es un disco que sale vomitando por los parlantes, o en su defecto, que encierra al cerebro entre dos audífonos y lo revienta a punta de angustia. Y las canciones, lejos de ser un cúmulo de clichés electrónicos locos e impredecibles, destacan por sus grandes y épicas construcciones internas. Aún con todos los sentimientos que salen por los poros, sigue siendo un disco muy pensado y ordenado.– Nicolás Merino
26. Dillom – Por cesárea
experimental hip hop
El segundo álbum de Dillom se estrenó el 26 de abril de este año, un lanzamiento que deja especulando por lo que el artista ha planteado desde su sello en lo que lleva de trayectoria, un estilo diferenciado que le ha dado una identidad en la escena relacionada al horror.
‘Por cesárea’ encarna la expresión de un personaje creado por el artista, así como lo temático de su anterior lanzamiento ‘POST MORTEM’, en esta ocasión mucho más adentrado en lo siniestro, lo macabro, lo obsesivo y lo dañino, creando un viaje de este personaje que pasa por diferentes fases a través de cada canción.
El álbum se adentra en los pensamientos y expresiones más contenidas del personaje, que proviene de una historia donde también fue violentado, pero esto detona en él algo que él mismo llama maldad. “Cirugía” comienza expresando la obsesión del personaje con su interés amoroso, poniendo en juego su vida y manifestando conductas que reflejan lo peligroso que todo se podría tornar, lo que efectivamente sucede en “Buenos tiempos”, “Muñecas” y demás piezas del estreno, donde paulatinamente empieza a apoderarse de la narrativa lo siniestro del personaje, hablando de sus ansías de dañar y de cómo siente que esto forma parte de él, para finalmente dar un cierre agridulce con “Ciudad de la Paz”, una canción muy diferente a las demás, con un coro inspirador a la vez que reflexivo, donde Dillom muestra una faceta de redención tardía para el personaje, donde medita de su vida y de su sentido de trascendencia.– Ricardo Parra
25. Father John Misty – Mahashmashana
singer-songwriter · baroque pop · chamber pop
El eterno cínico, satírico y egocéntrico finalmente está trascendiendo su propia persona, y es que J. Tillman siempre ha tenido una de las discografías más codiciadas en el mundo de la cantautoría. Sin embargo, siempre ha sido un personaje conflicto –por definición– por los tópicos que toma y el cómo los aborda.
‘Mahashmashana’ muestra el rostro más versátil de Father John Misty, paseándose con soltura y oficio por estos sonidos que han caracterizado su obra y personaje por más de una década, siendo, especialmente, los cortes más ligados al pop barroco y de cámara lo que muestran la profunda sensibilidad que reside dentro del artista. Algo que queda claro desde el primer track homónimo, corte monumental de más de 9 minutos que muestra arreglos sumamente preciosos.
En este álbum de estudio el cantautor está en conflicto, y ya no está consumido por el personaje, mas no lo mata. Es un habitante de su propio ecosistema societal, así como es consciente de las implicancias que este tiene con el mismo. Es ese ir y venir de ideas lo que genera canciones de lo más ambiciosas, lustrosas y encantadoras.– Juan Pablo Ossandón
24. ARTMS – <Dall>
k-pop · contemporary r&b · dance-pop
Por allá en el 2022, LOONA –un grupo de k-pop con bastante fama– vivió grandes problemas que resultaron en la salida de sus integrantes y la disolución del grupo, dando a pensar que ese sería el fin de las carreras de muchas de las integrantes. Pero la música siempre da nuevas oportunidades y cinco de las ex miembros formaron ARTMS, una agrupación que el 2024 sorprendió a todos con su álbum debut, ‘<Dall>’.
¿La sorpresa detrás de este proyecto? El salto total hacia la creatividad, donde el k-pop se combina con el r&b y el dance-pop, entregando un sonido original que no teme integrar influencias de distintas partes. Asimismo, entrega los espacios correctos para que cada integrante se luzca y para que lo instrumental también tenga su momento, obteniendo un equilibrio bastante sólido. Sin duda, una jugada arriesgada tomando en cuenta su pasado, pero que demuestra que este es un proyecto con vida y con ganas de ir mucho más allá.– Oscar Cortés
23. MJ Lenderman – Manning Fireworks
alt-country · slacker rock
Quizás no estaba en el bingo de mucha gente que MJ Lenderman fuese capaz de insertar tan bien el rock sobre su estirpe natural de cantautor como lo demostró el 2024. ‘Manning Fireworks’ es de esos típicos discos de rock que, aunque vengan ejecutados en banda, siguen siendo una muestra autoral personal antes que colectiva. Aún cuando haya a quienes les pueda molestar la dinámica, cambia la cosa cuando el cantautor a cargo es el mismísimo MJ Lenderman.
Y la elección de géneros, country alternativo y slacker rock, admiten en el disco cierta soltura de cuerpo que aunque estaba en sus letras previas, no necesariamente lo estaba en su música. Un pequeño paso para el slacker rock, pero un gran paso para Lenderman. Las canciones son directas, muy bien construidas y de una inmediatez que se siente tan de buen gusto que llega a ser dulce, todo esto acompañado de la mejor banda posible.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
22. Joey Valence & Brae – NO HANDS
hardcore hip hop · east coast hip hop
Destacando desde su primer lanzamiento por su irreverencia bombástica, ‘NO HANDS’ (2024) llega a fusionar lo mejor del east coast hip hop old-school con la música actual. Basándose en el humor, la exageración y la comedia lírica, Joey Valence & Brae traen una obra maestra contemporánea, con evidentes influencias del comédico nu-metal o los propios Beastie Boys a nivel estético, pero experimentando a nivel producción de forma sublime, incluso combinando hardcore hip hop con jazz rap y hip house.
Aprovechando la actualidad de una cultura basada en memes y caracterizando su música de la forma más entretenida posible, además de inspirarse en referentes antiguos del género, ‘NO HANDS’ (2024) representa aquella música que inevitablemente se escucha con una sonrisa en la cara. Y no sólo bastando con eso, el dúo lo complementa con impecable instrumentalidad, demostrando que son capaces de todo. A su vez, el álbum se permea por su simpatía y personalidad, dejando con ganas de más.– Constanza Machuca
21. Fontaines D.C. – Romance
indie rock · alternative rock
‘Romance’ llegó como aire fresco para conquistar no solo los corazones de los fanáticos, sino también las listas y preferencias consolidándose como una de las obras más ambiciosas y logradas de Fontaines D.C. Los irlandeses han demostrado una notable evolución a lo largo de su discografía, y este nuevo álbum podría considerarse como el apogeo de su carrera hasta el momento.
Lejos de ser un trabajo lineal o predecible, Romance es todo lo contrario: un viaje emocional y sonoro que sorprende a cada paso, porque claro… Romance is a place. Con un poco de influencias del britpop noventero o incluso algunos toques de hip hop en algunos track, la banda ha llevado al indie rock a otro nivel este 2024.
A lo largo del álbum, la banda explora diferentes matices, manteniendo su esencia indie rock mientras se permite hacer convergencia con nuevas texturas y estilos. Con este lanzamiento, Fontaines D.C. logra expandir sus horizontes musicales y ofrecer una propuesta que trasciende géneros.– Rocío Villalón
20. Julia Holter – Something in the Room She Moves
art pop
El art pop de Holter descansa en las delicateses. En la fibra aterciopelada de sus movimientos. No se aventura a levantar un carácter más épico del que ya es suficiente tan solo con la delicadeza de esas notas que entran y salen llenando una sala negra. Tanto su voz como los instrumentos pasan bailando de un lado a otro provocando una estética de producción que hace pensar “ella sabe algo que nosotros no”.
Ahora, esto se podría decir prácticamente de toda la discografía de Holter. La diferencia aquí es que igual se subió un poco el listón de la complejidad. Son canciones intrincadas a la antigua, recuerdan a la elegancia de los setentas y ochentas. También, entre los millones de detalles insertados, hay algunas novedades con respecto a la inflexión de su voz, pasando por un toque más nasal que evoca cierta inocencia bastante inocua y obtusa, dado el contexto.
De entre todos los lanzamientos del año, con distancia es uno de los discos más exitosos en la misión de equilibrar su complejidad con su propia épica.– Nicolás Merino
19. Grito Exclamac!ón – Grito Exclamac!ón
art punk
El mapa que permite llegar hasta la pulpa de Grito Exclamac!ón es tanto intrincado como importante de considerar. Está más que claro que el referente directo inmediato es ‘Las Venas Abiertas de América Latina’, de Los Dolares. Esa obra maestra del anarcho punk que condensó monólogos basados en la obra de Galeano sobre esa música tan afilada.
El caso con Grito Exclamac!ón es que toman la misma premisa, pero actualizándose un tanto. Son bellos monólogos sobre el dolor más emocional que el sistema descarga sobre nosotros los latinos. Letras tan políticas como emocionales, en un híbrido perfecto, maduro y, digámoslo, en sintonía con el resto de la obra de Galeano. Excusando el largo alcance, este disco es como una secuela espiritual de ese clásico de Los Dolares, claro que ahora también en clave art punk. Más ácido, más complejo y más colectivo, porque sí, este es un disco donde se siente el aporte de sus múltiples integrantes, especialmente en lo instrumental.
No solo uno de los álbumes imperdibles del año, también uno particularmente importante para las narrativas de izquierda que se manejan entre la generación Z hoy. Mal que mal, un disco necesario.– Nicolás Merino
18. Blood Incantation – Absolute Elsewhere
death metal · progressive metal
Un eclecticismo sonoro para volarte la cabeza son los 43 minutos que dura ‘Absolute Elsewhere’. En su último trabajo, Blood Incantation encuentra los pasajes correctos para desarrollar el mejor metal progresivo del año. Articulando correctamente y construyendo un firme puente que permite un vaivén de sonidos provenientes del death metal, y un tono psicodélico que recuerda a ciertos sonidos de los 70’s. Permitiendo experimentar para ir más allá, la combinación que poseen junto a Tangerine Dream en “The Stargate (Tablet II)”, refresca junto a sintetizadores una melodía que evoca una épica odisea espacial.
La banda posiciona sus riffs de forma en que crea la necesidad para que estén allí, por lo que cada headbanging es un acto apaciguador para el cuerpo, un ritual para liberar la euforia y energía generada segundos antes, concluyendo una escalada épica de sonidos previamente creada, en una explosión de locura y distorsión.– Tomás Pérez
17. Tyler, the Creator – CHROMAKOPIA
west coast hip hop · neo-soul · experimental hip hop
Nuevo disco, nueva personalidad por descubrir. ‘CHROMAKOPIA’ deja una invitación al mundo inmerso o que pensábamos ya conocer por sus anteriores proyectos. Crudo, sincero y hasta revelador, el californiano no guardó pizca de lo clásico, además de no temer a la innovación de nuevos elementos sonoros de cara a esta nueva era, misma que desde “Noid” se tornaba de un blanco y negro verdoso.
La comprensión del disco en interesante, muy por lejos del satírico ‘Goblin’ y cercano a la estética de ‘IGOR’ con roces al sonido de ‘CALL ME IF YOU GET LOST’, Tyler representa en esta ocasión desarrollo lírico y capacidad indiscutible en la creación de universos, creación de personalidades que definen las eras. Al y al cabo su vida es su arte, en ‘CHROMAKOPIA’ es la del chico sensible, con miedos e inseguridades. Entre la fama y las cicatrices de un pasado por superar.– Jocsán Sánchez
16. Mir Nicolás – SP.I.
drumless · boom bap
Quizás el disco más esperado del rap argentino: ‘Spinetaje Intenso’. Este proyecto monumental viene de la mano de Mir Nicolás, productor y rapero underground, reconocido por ser miembro de Ingrávidos, un colectivo clave en la escena independiente. Con ‘Spinetaje Intenso’, Nicolás no solo redefine el drumless en habla hispana, sino que también demuestra una capacidad extraordinaria para construir rimas complejas y encadenar multisilábicas de forma única.
El álbum es un homenaje a la argentinidad en su forma más pura, como su título lo sugiere. Es un mosaico sonoro que transita con maestría por géneros como el Detroit, cloud rap, grime, r&b, drumless y boom bap, logrando un equilibrio perfecto entre lo experimental y lo clásico. Las canciones, cargadas de identidad y emocionalidad, llevan al oyente por un viaje único que resuena con intensidad tanto en lo lírico como en lo musical.
Además, ‘Spinetaje Intenso’ cuenta con una versión deluxe que, lejos de ser un añadido superficial, se encuentra casi a la misma altura que la edición original, consolidando aún más este disco como un referente imprescindible del rap argentino y una obra maestra para los amantes del género.– Nicolás Silva Montenegro
15. Vampire Weekend – Only God Was Above Us
indie rock · chamber pop
Hablar de ‘Only God Was Above Us’ es referirse, sin rodeos, al álbum mejor logrado de Vampire Weekend. Sin exagerar, este trabajo no solo supera las expectativas dejadas tras el divisivo ‘Father of the Bride’, sino que incluso podría rivalizar con su obra más aclamada, ‘Modern Vampires of the City’. Aquí, la banda ofrece una mezcla exquisita de sonidos familiares de sus primeros discos, llevados a un nivel de interpretación y musicalidad casi perfeccionista.
Un indie rock que vibra con fuerza en temas como «Ice Cream Piano» y «Classical», mientras que el chamber pop aporta esa dimensión acústica y popera que equilibra la experiencia. Las melodías, siempre extravagantes, revitalizan la frescura juvenil de Vampire Weekend, impulsadas por un Ezra Koenig que se muestra tanto indiscreto como magnético. Este espíritu se intensifica en cortes psicodélicos cómo «Connect» y en piezas con tintes post-punk revival como «Gen X Cops».
La ambición de ‘Only God Was Above Us’ es deslumbrante, pero nunca desbordada, sin pensar que debían extrapolar una carrera completa en sólo 10 tracks, lo que hace al álbum tan compacto y cohesivo como nunca. En cuanto a las letras, Ezra Koenig aborda con elegancia y profundidad conflictos de clase, el desgaste generacional y las tensiones políticas actuales, que convierte el caldo perfecto para demostrar una verdadera obra maestra.– Hernán Carrasco
14. Mabe Fratti – Sentir que no sabes
art pop · avant-folk
‘Sentir Que No Sabes’ es el quinto álbum en solitario de la artista guatemalteca Mabe Fratti, el cual ha entrado a los rankings musicales de 2024 debido a su novedosa y fresca experimentación sonora.
La música es catalogada como una artista vanguardista dentro de sus creaciones, donde mezcla diversos estilos musicales tales como el pop junto con toques de chamber jazz, trip-hop y ambient. El instrumento que más destaca es el chelo que ella misma toca y también todas sus capas vocales.
Dentro de las canciones del álbum nos encontramos con unos pasajes sonoros ambientales e improvisatorios a modo de interludio como “Elastica II”, “Elastica I” y “Kitana”, y algunas canciones con toques de post-rock como “Descubrimos un suspiro”, las que le dan una interesante narrativa que sale de los parámetros por los que es musicalmente conocida la artista.
Con un sonido dulce pero disonante, en este disco se puede plasmar toda la creatividad de Mabe Fratti. Se puede reproducir bastantes veces seguidas y siempre se le encontrará algún elemento instrumental diferente y especial.– Consuelo Cruzat
13. Nala Sinephro – Endlessness
jazz fusion · space ambient · progressive electronic
En un estilo musical en el que resulta complejo resaltar ante la falta de prensa especializada y espacios significativos para su divulgación y representación, Nala Sinephro parece haber descifrado una fórmula que la posiciona entre lanzamientos más digeribles y populares, y que incluso la logra destacar entre sus pares.
Entre la simpleza de lo que a primera escucha resulta ambientalmente cómodo para el oyente se esconde una complejidad tremenda, cuya existencia parece no ser en vano ni aleatoria. En ‘Endlessness’ (2024), Nala acude a su calado sonido de jazz ya visto en su primera entrega, pero esta vez con una cohesión digna de saga de ciencia ficción. Lo orquestal se une a lo sintético, dando forma a un material plagado de pasajes que rozan el surrealismo y que unen lo esencial del jazz con una amalgama de sonidos retrofuturistas. De esta forma, “Continnum 1” y sus sucesores resultan en una narrativa atrapante e intrigante, que parece fugaz pese a sus 45 minutos de extensión.
Adición no menor es la participación de Morgan Simpson de black midi, James Mollison de Ezra Collective y otros músicos que en su mayoría merodean por la escena jazz londinense, quienes dotan de aún más personalidad y amplitud a la entrega.– Nicolás Rosales M.
12. Mount Eerie – Night Palace
avant-folk · slacker rock · post-rock
El décimo primer álbum de Mount Eerie, ‘Night Palace’, toma su nombre de un poema de Joanne Kyger, que con una insinuante presencia abre: “lo mejor del pasado es que ya acabó”. Desde su hogar, rodeado de naturaleza, Phil Elverum reflexiona sobre la vida después del duelo, explorando los horizontes que una experiencia devastadora puede revelar.
El álbum introduce líneas de guitarra más limpias, y una claridad instrumental y estructura musical más definida que lo que hemos podido escuchar en otros proyectos de Elverum. Jugando con la agitación del avant-folk, las canciones de ‘Night Palace’ ejercitan un estilo inconexo que no en la inconsistencia sonora, alternando entre indie folk con una narración más clásica y el caos de un post-rock con texturas caóticas y propiamente apocalípticas, que llega a incluir un cameo de su hija en «Swallowed Alive». La producción lo-fi de Elverum y las grabaciones caseras otorgan un elemento de cercanía particular, que comulga con las líricas cotidianas, repletas de alegorías modernas que no caen en la crudeza, manteniendo su poesía natural.
‘Night Palace’ nos confronta con una serie de finales abruptos: composiciones amplias que desembocan a un fin arriscado que da paso al silencio, dejando espacio para que este hable y para que los paisajes fantasmagóricos de sus letras permanezcan aún acabada la música. Se trata de un viaje meditativo que se adentra en la fragilidad de nuestra existencia, cada reflexión e introspección acompañadas de la melancolía que caracteriza las líricas de Elverum. Canciones como «Co-Owner of Trees» o «Non-Metaphorical Decolonization» personifican una intención de manifiesto, un discurso respecto al lugar de Phil en el mundo, no solo como individuo, sino también como estadounidense en una tierra testigo de un pasado doloroso y sangriento. Otras, como «Writing Poems» o «The Gleam Pt. 3», se adentran en el existencialismo propio de un artista buscando sentido y propósito en su creación. ‘Night Palace’ no ofrece respuestas definitivas, en cambio, nos invita a habitar sus silencios, enfrentando nuestras propias preguntas, y encontrando, quizá, una belleza extraña y duradera en lo incompleto.– Antonia Hernández
11. Iglooghost – Tidal Memory Exo
deconstructed club · uk bass · experimental hip hop
Por lejos, Iglooghost está haciendo algo distinto, fresco y novedoso en la industria musical contemporánea. Un tipo de electrónica poco convencional, con quiebres y sonidos deconstruídos, vocales habladas que no sobresalen por sobre lo instrumental y con una conceptualización muy marcada.
Además de ser destacado este año por crear su obra musical más madura, completa y consistente, ha recibido diversos comentarios positivos acerca del arte que rodea el disco; que tiene un tono industrial y cibernético, siendo de las portadas más destacadas del 2024.
Este no es un disco de electrónica bailable porque no posee grooves que se encuentran en otros tipos de electrónica, pero aún así posee percusiones repetitivas y pegadizas, momentos de trance y una gran creatividad en cuanto al uso de sonidos sintéticos como sintetizadores, bajos y sub bajos.
Este es el disco de Iglooghost que más se acerca a uno de hip hop experimental, ya que su voz está presente en casi todos los tracks, dejando de lado su faceta de casi pura música instrumental, lo que le dio un crecimiento al artista dentro de la industria musical.– Consuelo Cruzat
10. Godspeed You! Black Emperor – «NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD»
post-rock
Resulta difícil entender el gigantesco y consistente legado que ha dejado GY!BE en la generación actual del post-rock, teniendo en cuenta las múltiples obras maestras que nos han otorgado prácticamente en cada década, desde la creación del grupo hasta el día de hoy. ‘NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD’ es una muestra de aquel legado imperecedero.
Es personalmente complicado ofrecer una reseña justa a este disco, no tanto por los increíbles pasajes de post-rock que nos otorga en canciones como «BABYS IN A THUNDERCLOUD» o «RAINDROPS CAST IN LEAD», con ese hermoso pasaje de poesía pura en mitad de la canción, los detalles y la atmósfera tan luminosa pero ominosa y destructiva a su vez. La construcción de intensidades y dinámicas, que parecen gritos de auxilio, es tan hermosa como terrorífica. Y es que, claramente, el sitial de este disco va más allá de la propia música.
Porque, a su vez, el sonido triunfante de esperanza que se vuelve terror puro le otorga un significado profundo a un disco puramente instrumental, algo que quizás resuena en discos como ‘Geogaddi’ de Boards of Canada, en un contexto alejado de la época post-9/11, o en ‘The Disintegration Loops’ de William Basinski, donde el autor resignifica el tape music en memoria de las víctimas del atentado. GY!BE logra resignificar la música del post-rock, al igual que lo hizo en ‘Yanqui-U.X.O’. (2002), para darle un sentido político y de protesta frente a la deshumanización que vivimos hoy en día en el Medio Oriente.
El testamento que aparece en ‘NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD’ no solo redondea el legado de GY!BE, sino que también refuerza el sentido de su propia música, una protesta frente al dolor humano de manera emocional y visceral, invitando a la reflexión, tal como el título lo indica, o como en la canción «PALE SPECTATOR TAKES PHOTOGRAPHS», un título con un fuerte doble significado. En tiempos de tragedias que parecen repetirse sin fin, la urgencia de la protesta da la voz para que, algún día, Palestina logre ser libre.– Hernán Carrasco
09. Adrianne Lenker – Bright Future
singer-songwriter · contemporary folk
En ‘Bright Future’, Adrianne Lenker vuelve a ofrecer un ejemplo magnífico y sincero de vulnerabilidad en el arte, una exploración íntima que, incluso en su melancolía, logra encontrar propósito más allá de la tragedia. Su voz apacible, acompañada de melodías acústicas, crea un espacio de reflexión tranquila: un paisaje de pérdida, amor y autodescubrimiento que invita a sentarse en el pasto, mirar el cielo, y escuchar.
En canciones como “Fool” o “Already Lost”, el álbum destila una aparente delicadeza que, paradójicamente, revela una particular fortaleza y estabilidad. La narrativa acústica es propia del folk contemporáneo, con su característica poesía introspectiva que en esta ocasión aborda un giro hacia el country, tanto en voz como en instrumentos, evocando melodías rústicas con un matiz que roza el midwest emo, especialmente en la renovada versión de “Vampire Empire”.
Una nostalgia esperanzadora se hace ver en ‘Bright Future’, amplificada por una producción simple que realza la fragilidad de las líricas de Lenker. A lo largo del álbum, la artista reflexiona sobre la soledad, las conexiones humanas y las emociones que subyacen en la cotidianeidad, oscilando entre el dolor y el placer. El paisaje sonoro es amable, y en su amabilidad se esconde el peso de la vulnerabilidad; al igual que proyectos anteriores de Lenker, la cualidad meditativa del álbum se siente como un golpe suave al corazón, con versos que abren un universo poético de posibilidades inesperadas, equilibrando una belleza calma con la melancolía.– Antonia Hernández
08. Billie Eilish – HIT ME HARD AND SOFT
alt-pop
Billie Elish sorprendió al mundo con este disco, y en particular con su promoción que ayudó a comprender el concepto. Todos en mejores amigos de Instagram, quizás la cereza del pastel en todo esto, al fin y al cabo Billie parece que descubrió algo y quería compartirlo entre sus cercanos.
Letras sólidas, sensibles y una interpretación de coloso catártico, la artista encontró algo similar a la paz, misma que sintió transmitirla. A quienes vamos a juzgar, este disco llegó para pasar a la historia, en él vemos a Billie más libre que antes, con mensajes claros y sin inseguridades de por medio, pero manteniendo aún así la esencia que la ha catapultado a su éxito: la sinceridad. No hay mucho más que agregar, el tercer disco representó la madurez de una joven adulta y la consagración de una persona que tiene clara sus intenciones de cara a la vida.– Jocsán Sánchez
07. Geordie Greep – The New Sound
jazz rock · progressive rock · art rock
‘The New Sound’ es el primer álbum como solista de Georgie Greep, quien fuera el guitarrista y vocalista principal de la extinta banda black midi, influencia que sigue encarnando la esencia de este lanzamiento, aunque con libertades que el artista se permite desde lo caótico, característico de su estilo.
El álbum cuenta con canciones que pasan por diversas intenciones, siendo la constante este diferenciado estilo que condensa lo inquieto y lo desenfrenado con lo progresivo y estructural, pasando por momentos donde deja ver ambas partes de esta creativa fusión, creando así Georgie Greep una arista propia, a la vez que deja ver a través de ella lo que trae del grupo en el que participó, así como su caótico desplante musical.
El primer lanzamiento del artista es una muestra satisfactoria de escuchar, también nostálgica como dinámica, pero por sobre todo también es una promesa del futuro que este puede traer para los fans que sigan su trayectoria, sumándole su propia esencia al jazz rock en el que halló su aproximación a la música que lo identifica.– Ricardo Parra
06. The Cure – Songs of a Lost World
gothic rock · alternative rock
El decimocuarto álbum de The Cure, ‘Songs of a Lost World’, marca su regreso al estudio tras más de 15 años de silencio, y lo hace con una fuerza tan profunda que resuena con un impacto abismal. Este retorno a la forma original mezcla el sonido gótico con la introspección moderna, amplificando la melancolía característica y atemporal de la banda y confirmando que la larga espera vale la pena: desde sus primeros acordes, el álbum nos sumerge en un universo sonoro sombrío y vibrante, un paisaje donde se orquestan la nostalgia y el abatimiento en equilibrio.
La atrapante voz de Robert Smith es brillante, una luz encantadora dentro de lo que parece ser un réquiem por un sueño pronto a desvanecerse, una estructura arqueológica en medio de una tormenta sonora exuberante y opulenta, cargada de texturas etéreas y ritmos profundos. Se trata de un viaje a través de la pérdida, una reflexión sobre el paso del tiempo acompañada de guitarras melódicas y sintetizadores atmosféricos, creando texturas tanto cinemáticas como íntimas, que alternan entre himnos grandiosos y momentos introspectivos, Smith una figura fantasmal compuesta por tan solo memorias del pasado.
Es un homenaje a una carrera certera, merecida, el sonido clásico reencontrándose con elementos modernos en un ejercicio que se siente final, conclusivo. ‘Songs of a Lost World’ recuerda a los sonidos opresivos de álbumes anteriores de la banda, con letras lúgubres que evocan al apocalipsis, que hablan de arrepentimiento pero también de añoranza. Esta entrega es un testamento vivo de la relevancia de la banda, su legado y su habilidad para conectar profundamente con la experiencia humana, una búsqueda de belleza en la devastación que no busca la luz en la distancia, sino que la haya en las sombras.– Antonia Hernández
05. Kendrick Lamar – GNX
west coast hip hop
‘GNX’ es una prueba tangible de que hay cosas que se hacen pensadas como una idea más allá, algo que se busca que trascienda, entregar un mensaje o instalar/defender una idea, y que hay cosas que se hacen por disfrute, para pasarla bien, celebrar y/o distender. El último trabajo de K-Dot encaja más en la segunda idea antes mencionada, y es que aquel que venga buscando un proyecto a la altura de ‘good kid, m.A.A.d. city’ (2012), ‘To Pimp A Butterfly’ (2015) o el más reciente ‘Mr. Morale & the Big Steppers’ (2022), que vaya cambiando el switch de su perspectiva, no porque vaya a encontrar un mal proyecto, sino que, ‘GNX’ está mucho más cerca de describir la vida actual de Kendrick y su estatus de campéon que cualquier otra idea más profunda.
Es en el primer track “wacced out murals” en donde a tan solo media canción transcurrida, el originario de Compton, California deja clara sus intenciones; “Won the Super Bowl and Nas the only one congratulate me, All these ni**as agitated, I’m just glad they showin’ they faces”.Y es que, no podemos desconocer su más reciente beef con Drake, las consecuencias que trajo y el cómo dividió a gran parte de la escena del hip-hop, haciendo claras alusiones a artistas como Snoop Dog o Lil Wayne.
El álbum en sí se siente como una reflexión personal al conflicto ocurrido, si bien mencionamos anteriormente que gran parte del proyecto trataba de este estatus de campéon, Lamar opta a medida que transcurre el disco ir más allá de despilfarrar odio y subir el ego. En vez de quedarse en esto y probablemente muy de la mano de su aspecto más religioso, Kendrick opta por darle el protagonismo a la Costa Oeste’, logrando colocar los focos encima de su cultura, sus sonidos y artistas.
‘GNX’ es la mezcla perfecta entre el engrandecimiento propio, equilibrado con el trasfondo cultural que podría caracterizar a Kendrick Lamar (en un menor grado). West Coast puro y duro a la vena.– Tomás Pérez
04. Cindy Lee – Diamond Jubilee
hypnagogic pop · psychedelic pop · indie rock
‘Diamond Jubilee’ es un disco convencional que al mismo tiempo desafía la forma de acercarse a la música. Presentado como una sola pista de 2 horas en YouTube (más entrado el año subido a Bandcamp), la titánica obra de Cindy Lee funciona como una biblioteca musical atemporal, donde el atractivo hipnótico de su pop conjura un relato jubiloso.
De múltiples dimensiones, los brillantes acertijos psicodélicos empleados en la totalidad de sus canciones se sostienen por una voz a ratos lejana, como si estuviera sepultada bajo las presiones de un mundo hiper globalizado representado en sus temáticas líricas. Perdido en medio de la vulneración del espacio tiempo, este álbum logra sonar tan fresco, y al mismo tiempo evocar un pasado lejano, desenterrado en un cancionero de lo más novedosamente clásico.
En cierto modo, Cindy Lee le saca partido como nunca a las virtudes del pop hipnagógico, extrayendo su potencial desde una producción rústica, nostálgica, dulce y solemne. El aspecto lo-fi juega un rol fundamental, permitiendo que estas características y muchas más sirvan a su narrativa expresiva, mística, surrealista y andrógina.
Un desafío que termina convirtiéndose en un fabuloso misterio de atracciones a descubrir. Todos los momentos importan, como los grandes discos de la historia tienden a ser.– Felipe León
03. Knocked Loose – You Won’t Go Before You’re Supposed To
metalcore
En un mundo tan inquieto y ambicioso como lo es el paradigma del metal, resulta de lo más gratificante presenciar un año tan excelente como lo fue 2024. Múltiples hitos de distintos subgéneros y aristas que empujaron los límites de este sonido tan querido una vez más. Pero si alguno dio el mazazo más grande de todos, ese fue Knocked Loose, agrupación oriunda de Kentucky, Estados Unidos, que se hizo notar como ninguna otra agrupación de metalcore ante el mundo con ‘You Won’t Go Before You’re Supposed To’ –el tercer álbum de su carrera–.
Hablamos de un trabajo sin puntos bajos, en el que las performances e interpretaciones de cada integrante están en sus puntos más altos. En la mismísima epítome de su arte, siendo dueños de un metalcore urgente, pesado como ancla y levanta espíritus ante lo agresivo y enérgico que es.
No sólo eso, sino que las nociones rítmicas y distintos plot twists en ese aspecto mantienen estos 27 minutos andando a todo turbo, siendo aprovechados al máximo por unos músicos totalmente inspirados. Ni hablar del feature con Poppy, fácilmente uno de los mejores del año en general.
Pero, y si bien hablamos de un trabajo que no tiene puntos bajos a nivel compositivo e interpretativo, el otro aspecto a destacar –y quizás el más importante– es el de la producción de sonido. Cada detalle, cada golpe, cada riff suena con una claridad inaudita para el metalcore, al menos en estos niveles de pulcritud. Habiendo llegado a ese punto, es que Knocked Loose es capaz de estrujar al máximo todos los trucos que se traen, siendo un trabajo total y absolutamente trascendente para el metal en general.
Con «You Won’t Go Before You’re Supposed To», estos muchachos se coronan como las figuras más importantes del metalcore en estos tiempos, llevando este sonido a esferas que no acostumbran a atestiguar este subgénero. Un verdadero gusto de álbum, listo para abrir moshpits donde se le crucen.– Juan Pablo Ossandón
02. Magdalena Bay – Imaginal Disk
synthpop · neo psychedelia
El empalagoso sonido proyecto de pop más punta de lanza de la presente década ha vuelto a la carga. Luego de lo que pareció una eternidad desde su pasada joya de larga duración, ‘Mercurial World’ (2021), volvieron para demostrar que el tiempo pasado no fue en vano. Pues la ejecución de synthpop (en una fascinante mezcolanza con un montón de otras referencias del pop y el rock) volvió a alcanzar un nivel tan altísimo que incluso llega a poner en retrospectiva algunos logros del pop tanto contemporáneos como pasados.
‘Imaginal Disk’ es, esencialmente, un nuevo orden de los mejores elementos de la banda. La producción está en un nivel superlativo, lo mismo el sentido del ritmo. Ese groove que hace dialogar bajo con melodías y que tan poco se discute, volvió subiendo el listón de complejidad en ambos frentes, como también el del gusto para generar sinergias entre las fuentes musicales. Lewin se hace cargo de una dimensión sonora propia y mucho más orgánica de lo que tantos memes quieren hacer ver.
Sobre la performance y las letras de Mica Tenenbaum, también se siente un orden más sofisticado. Decidió mejor a que lugares comunes hincarse a la hora de trabajar en su perfil de popstar que “es pero no es”. Sigue siendo encantadora y capaz de echarse el hombro un material de calidad envidiable. Y eso solo hablando de aproximaciones vocales, pues las letras también traen nuevos tópicos y una prosa en general más depurada. Esta vez cruzando las relaciones interpersonales con la propia relación de estas con la tecnología y las comunicaciones. Una brutalidad sonora que se va directo a lo mejor de la década y, por qué no, de la historia del pop.– Nicolás Merino
01. Charli XCX – BRAT
electropop · electronic dance music
¿Cuándo fue la última vez que el pop tuvo un fenómeno de la magnitud de ‘BRAT’? Por supuesto, no es una discusión de mera popularidad –eso está fuera de conversación–, sino del impacto cultural gigantesco que significó el ya icónico álbum verde la británica Charli XCX, uno que puso en la palestra absolutamente todos los valores artísticos por los que se ha destacado ella, siempre a la vanguardia sin importar qué.
Charli siempre ha sido pionera en su arte, rompiendo los esquemas del género una y otra vez desde, al menos, 2016 con el EP producido por SOPHIE, ‘Vroom Vroom’. Que el mainstream recién se esté dando cuenta ahora es otro tema, lo que sólo habla de la ética de trabajo sólida de la artista. Habiendo dejado eso en claro, hablemos del porqué ‘BRAT’ es el fenómeno cultural más grande de la música en 2024 –y por consiguiente, uno de los más destacados de la presente década y la historia del pop–.
Primero lo primero. Charli XCX revoluciona la pista de baile, tomando mucho de los elementos de su background ligado a las rave, siendo la electrónica el primero sonido que la acogió en su carrera artística. Estos elementos, representados y materializados en elementos ligados a una producción de capas, detalles y muchísimas apuestas permitió a la artista confeccionar verdaderos bangers que funcionan a distintos niveles –pero primordialmente vienen del encanto irresistible del electropop–. Téngase por ejemplo canciones como «Von dutch», «Sympathy is a knife» o «Club classics».
Pero, ¿por qué estas canciones funcionan en distintas dimensiones? Esta pregunta necesariamente se responde con la respuesta –valga la redundancia– a la pregunta retórica, ¿qué es ser «brat»? Tal y como se puede entender de lo que ha dicho Charli, «ser brat» es enfrentar la vida con una actitud segura y con ganas de dominar el mundo, en conjunto con las propias vulnerabilidades, miedos, y cuestionamientos que subyacen tras esas cosas. Derramar unas lágrimas en el baño en medio de una fiesta para volver a la pista como las reinas y reyes que somos es una realidad mucho más humana y representativa de lo que sucede realmente.
De hecho, es hasta posible decir que es sumamente representativo de las generaciones actuales, que enfrentan la ansiedad, depresión y distintas aflicciones emocionales y de salud mental –porque allá afuera está horrible y súper difícil–, pero la vida y el disfrute de la misma, el poder crecer dentro de ella, demanda y clama por esa actitud segura. Estar en la cima y estar roto por dentro, bailar hasta el amanecer y llorar con la resaca. Esta es la realidad de las generaciones jóvenes.
Ni hablar de toda la casi mitología que existe alrededor de la cultura de club y su adyacencia a las comunidades LGBTQ+, quienes ven en ‘BRAT’ la razón perfecta para seguir yendo a la pista a bailar estas canciones de un electropop fascinante, desafiante, adictivo y memorable por décadas y décadas por venir.
Además, por muy bueno que sea un plan de marketing, sólo los grandes álbumes son capaces de trascender de tal forma como lo hizo ‘BRAT’. Si el trabajo no tenía las aptitudes, no habría marketing capaz de levantar sus méritos en lo absoluto. De ahí que tanto la versión deluxe como los remixes del disco fueron coyunturas comentadas y celebradas hasta el día de hoy.
Por estos motivos y muchos otros más, ‘BRAT’ de Charli XCX es el álbum del año.– Juan Pablo Ossandón
