Por Juan Pablo Ossandón
Metric regresa a sus raíces en su en ‘Romanticize the Dive’, su nuevo álbum de estudio que ve a Emily Haines y compañía canalizando la energía jovial de sus álbumes clásicos ‘Fantasies’ (2009) y ‘Synthetica’ (2012), algo que hicieron volviendo a trabajar con la gente que les acompañó en dicha época de ascenso. De vuelta en Nueva York, grabaron el disco en Electric Lady junto al productor de los dos álbumes previamente mencionados, Gavin Brown, además de los coproductores Jimmy Shaw, Liam O’Neil y el ingeniero de mezcla John O’Mahoney.
Con esta nueva apuesta discográfica, que no se configura necesariamente como un ejercicio de nostalgia, en Expectador platicamos con la vocalista del grupo, Emily, en detalle sobre el proceso creativo y todo lo que subyace a este nuevo álbum.
Hola, Emily, ¿qué tal estás?
Genial, gracias. El simple hecho de saber que estoy hablando con alguien de Chile me da ganas de volver. La última vez lo pasamos muy bien allí.
Bueno, eso responde a una de las preguntas que tenía para ti. En fin, enhorabuena por su nuevo disco.
¡Gracias! Sí, estamos muy contentos.
La idea era ver si podíamos volver al «portal del tiempo» que fueron ‘Fantasies’ y ‘Synthetica’.
Se nota que, en cuanto al sonido, ha sido como volver a sus raíces. ¿Cómo fue esa experiencia, volver a estas raíces en este nuevo disco?
Oh, fue genial. La idea era ver si podíamos volver al «portal del tiempo» que fueron ‘Fantasies’ y ‘Synthetica’. Es decir, de 2009 a 2012. Nos pusimos en contacto con la gente con la que trabajamos en esos discos. Así que Gavin Brown, John O’Maney y nosotros volvimos a los Electric Lady Studios de Nueva York, donde grabamos esos discos.
Y fue genial volver a conectar con ellos y adoptar este enfoque en el que, cada vez que teníamos que decidir qué dirección tomar con una nueva canción, nos basábamos en nuestro propio catálogo antiguo en lugar de escuchar a otros artistas, ya sabes, porque nos gusta experimentar y explorar otros géneros. Pero esta vez pensamos: «¿Qué haría Metric?». Ese era nuestro lema. Así que fue muy divertido.
Nuestro concepto para este álbum era, en realidad, no tener ningún concepto.
Es una forma bastante interesante de hacerlo, el hacer referencia a tu propio material. ¿Cómo influyó todo esto en tu proceso creativo al hacerlo, en comparación con sus últimos lanzamientos?
Sí, por ejemplo, «Formentera 1» y «2», que fueron un proyecto muy conceptual basado en la película «Brazil», de Terry Gilliam. Eso fue una especie de declaración por mi parte sobre cómo la pandemia fue una «jodida socioeconómica», que es un término técnico. Así que fue un concepto muy elaborado.
Y, ya sabes, utilizamos arreglos de cuerda con la Orquesta de Budapest. Hicimos música electrónica muy experimental y síntesis modular, y realmente ampliamos los límites de la duración de las canciones. Por ejemplo, «Doomscrawler» dura 11 minutos.
Así que, ya sabes, es curioso, porque nuestro concepto para este álbum era, en realidad, no tener ningún concepto. Pero el concepto era simplemente: «¿Qué haría Metric?». Eso nos impuso ciertas limitaciones a la hora de abordar las canciones.
Siempre pensamos en ellas como si se encontraran con una compañera de alguno de los otros álbumes. Así que cada canción de ‘Romanticize the Dive’ tiene, en cierto modo, una amiga de uno de nuestros álbumes anteriores que la conecta con ella.
El volver a su esencia, a su esencia inicial, ¿dirías que fue un ejercicio de nostalgia o más bien una forma de canalizar su energía juvenil hacia el presente?
Yo diría que es más bien energía del presente, y es curioso, porque he estado hablando con mucha gente sobre esto, ya que estamos usando la palabra «romantizar». La diferencia entre romantizar y la nostalgia es que, con la nostalgia, tienes que haber estado allí para recordarlo, ya sabes, mirar atrás y tener recuerdos. Pero romantizar es algo para todo el mundo.
Así es como yo lo veo, por ejemplo, cuando los jóvenes acaban de descubrir a Metric. Y idealizan, ya sabes, la amistad que hemos mantenido las cuatro durante 25 años, o esos conciertos cutres que dimos en antros minúsculos, o nuestro concierto de locos en Santiago en el que se fue toda la luz, ya sabes. Lo que quiero es que romanticen cosas que ellos también puedan tener y hacer.
No es una época que se haya ido, ya sabes. Y creo que esa es una diferencia realmente importante. Por ejemplo, ya sabes, cuando andaba por Nueva York, componiendo mi primer disco en 2003, romantizaba a Lou Reed y buscaba ese underground de antaño, ya sabes. Y ahora creo que nosotros somos eso para otras personas.
Así que sin duda es más enérgico y romántico que, ya sabes, brumoso y nostálgico.
Ahora mismo solo me refiero a, ya sabes, ¿cómo puede la gente volver a ser libre, por ejemplo, en el rock and roll?
Sí. Y supongo que sería una forma de estar realmente presentes en nuestra propia experiencia, como una manera de darle algún tipo de sentido a lo que estamos viviendo, a lo que hacemos o a lo que queremos. Así que me gusta mucho esa distinción que haces entre la nostalgia y la romantización porque, bueno, tienes razón, son cosas diferentes. Pero, bueno, en el mundo actual, quizá romantizar resulte un poco difícil, ¿no? Es decir, ¿cómo lo hacemos con lo alocadas y aterradoras que están las cosas ahí fuera?
Bueno, nosotros lo hicimos durante todas las Guerras del Golfo. Así que, ya sabes, la gente puede arreglárselas. Creo que el mayor reto es que, antes de que todo se grabara, se documentara y se observara, podías simplemente ser libre para descubrirte a ti mismo, ¿sabes?
Podíamos simplemente subir al escenario y aprender. Y también la gente del público, ya sabes, solo había unas pocas personas y podían relajarse y, por ejemplo, hacer headbanging o bailar o lo que fuera, hacer crowdsurfing o lo que sea, porque nadie les miraba y no importaba. Podían simplemente relajarse y ser libres y, ya sabes, desahogarse.
Pero ahora entiendo que es muy difícil para la gente hacer eso, yo incluida, porque sin contexto no hay libertad. Porque la única razón por la que todo eso tenía sentido y podíamos ser así era porque el contexto éramos todos nosotros en un club. Pero si sacas de contexto a alguien que está intentando conseguir un trabajo y, de repente, en las redes sociales de alguien al azar aparece esa persona haciendo headbanging, pensará: «No, esto no me interesa».
Así que ahora mismo es un auténtico dilema. Y, en términos muy extremos, sin duda podemos hablar de la vigilancia y la supresión de los derechos de las personas a una escala política más amplia. Pero ahora mismo solo me refiero a, ya sabes, ¿cómo puede la gente volver a ser libre, por ejemplo, en el rock and roll?
Y no sé cuál es la respuesta, pero la gente necesita poder simplemente relajarse, ser ella misma y resolver las cosas sin que la observen, la juzguen o, quizá, sin que eso se tenga en cuenta cuando cruza la frontera, ¿sabes?
Cambiando de tema, son propietarios de la mayor parte de su música. ¿En qué sentido ha sido eso algo positivo para ustedes? Quiero decir, sé que es bastante obvio, pero estaría bien, sobre todo para las nuevas bandas y los nuevos artistas, saber por qué es positivo e importante.
Ah, sí. Quiero decir, la cuestión es esta. De nuevo, pienso mucho en los nuevos artistas y bandas que están surgiendo y quiero ayudar a la gente a orientarse, porque es muy diferente.
Para nosotros, por ejemplo, el mayor reto fue la distribución. Y para las próximas generaciones de artistas, la distribución es lo único que tienen, porque, ya sabes, es lo único que les queda. Y casi no tiene sentido.
Bueno, porque todo el mundo la tiene. Así que, ya sabes, antes, obviamente, me refiero al streaming y a todas las formas en que la gente accede ahora a la música. Y por eso, durante toda nuestra trayectoria, nos mantuvimos muy firmes en no aceptar dinero y conservar nuestros derechos.
Y no sé cómo… Ni siquiera sé cómo funciona eso ahora. Creo que es todo un reto. Y realmente me compadezco de la gente que está intentando averiguarlo. Pero ya era un reto por aquel entonces. Y pensábamos, ya sabes, que sin duda hay que hacer concesiones. Nunca nos beneficiamos de grandes campañas de marketing.
Es decir, nunca tuvimos a nadie que invirtiera el dinero necesario para que saliera adelante, ya sabes, pero sí que hicimos acuerdos con pequeños sellos y cosas así para fabricar el producto. Pero, ya sabes, en su momento, como una especie de fantasía, simplemente adoptamos la actitud de: «Vamos a resolver todo eso. Vamos a fabricar nuestros propios vinilos y CD, y vamos a ser dueños de nuestros propios derechos».
Y entonces empezamos a colaborar con este sello increíble llamado Thirty Tigers, que recomendaría a cualquiera, porque todo su modelo se basa en que tú eres el dueño de tus grabaciones originales y simplemente repartes los ingresos con ellos. Eso era todo lo que pedíamos en aquella época, ya sabes, y era difícil, porque todo el mundo siempre quería ser dueño de todo. Así que, para mí, el modelo que tienen es sencillamente increíble, porque cuentas con un equipo de gente, pero eres dueño de tu propia música y de tu propia esencia, y simplemente compartes los beneficios con ellos, algo que estoy encantada de hacer.
Así que hay opciones en ese sentido, ya sabes, pero ahora el panorama es muy diferente para la gente que está intentando averiguar qué significa siquiera «indie».
Sí, sí. Pero bueno, es bueno saber que ese tipo de modelo existe por ahí.
Sí, eso es lo que sentí. Me alegré mucho de descubrirlos. Son geniales.
Bueno, Emily, muchísimas gracias por tu tiempo. He disfrutado mucho de nuestra conversación, espero verte aquí en Chile.
Vamos, tenemos que llegar hasta allí. Me encantaría. Muchísimas gracias.
