Por Juan Pablo Ossandón
Fotos por Alexa Viscius
American Football es una de esas bandas que gozan de una posición particular en el mundo de la música. Empezando por el hecho de que la diferencia de tiempo entre su álbum debut y el segundo es de 17 años. Por lo mismo, la forma en cómo se ha generado su comunidad responde mucho más a un seguimiento de culto, en donde el título de ser precursores del midwest emo era la puerta de entrada perfecta a su universo. Bueno, eso y el hecho de que ‘LP1’ (1999) es un clásico indiscutido.
Pero también está el hecho de cómo el grupo se observa a sí mismo, y las propias acciones que vienen de ello, en tanto Mike Kinsella, Steve Holmes, Steve Lamos y Nate Kinsella han tomado notoria distancia del sonido que ellos mismos ayudaron a cultivar. Sus últimas producciones juegan mucho más en el terreno del post-rock y el dream pop, dejando entrever que no existe un afán por perseguir un determinado sonido, sino más bien en seguir el proceso fluido y cambiante de su música intrínsecamente emocional.
Así fue el asunto con ‘LP4’, publicado recientemente a través de Polyvinyl Records, en donde las canciones fueron reflejo de un proceso cambiante que pudieron haberse inspirado tanto de viejas notas de Mike, de casualidades en el estudio no planificadas o bien de un cambio en la propia sinergia del grupo. American Football mira hacia adelante, no al pasado, y se nota.
Con todo eso en mente, en Expectador tuvimos la oportunidad de platicar con Mike Kinsella, frontman de la agrupación, quien habló en detalle sobre el proceso creativo del disco y los pormenores que esconden algunas de sus canciones, así como de la posición que toman ante los actos ilegítimos de ICE en Estados Unidos, y, también, la posibilidad de la tan ansiada y esperada primera visita de American Football a Chile.
Nos tomamos nuestro tiempo como nunca antes lo habíamos hecho (para escribir ‘LP4’)
Hola, Mike, ¿qué tal estás?
Yo estoy genial, ¿y tú?
Muy bien, gracias. Bueno, enhorabuena por tu nuevo disco. Cuando lo escuché, me emocioné mucho. Es un álbum precioso.
Genial, gracias.
¿Cómo fue el proceso creativo de este disco? El anterior salió hace ya unos cuantos años, así que, en este caso, ¿hubo alguna novedad para ti, creativamente hablando?
El proceso fue maravilloso. No sé por qué, pero creo que nos hemos hecho mayores y más maduros, y simplemente hemos seguido aprendiendo de los procesos anteriores. Supongo que aprendimos lo que no queríamos hacer, así que nos tomamos nuestro tiempo como nunca antes lo habíamos hecho.
Obviamente, nos llevó muchos años terminarlo, pero sí, fue realmente genial, todos nos llevábamos bien. Creo que, en general, todos se sintieron más escuchados de lo habitual y creo que eso realmente influye en el producto porque todos están más entusiasmados con él. Todos están más felices de expresarse o se sienten más cómodos expresándose, no solo musicalmente, sino creativamente dentro de la banda o lo que sea. Sí, es genial.
Se siente muy bien sacar este álbum y que la gente lo escuche, y estamos emocionados por tocarlo. Nunca lo hemos tocado antes.
¿En qué sentido todos se sintieron más escuchados en este caso?
Concretamente, el baterista, Steve, se tomó un pequeño descanso de la banda, volvió y, en el estudio, siempre se siente con prisas y algo estresado y bajo presión. Así que pudimos trazar esencialmente todas las canciones y hacer demos completas al nivel en el que él puede tocar. Tuvo dos días solo en el estudio para tocar la batería, lo cual es como… Yo también toco la batería y es algo realmente inaudito o un momento especial para que el baterista pueda simplemente sentarse y darle a la batería durante dos días, sacarlo todo, ¿sabes a qué me refiero?
Así que, básicamente, pudo hacer todo lo que quería sin la presión de que la gente lo mirara, interviniera o, ya sabes, criticara o lo que sea. Y así, sí, para cuando llega el resto de la banda, tenemos a un batería muy feliz y un millón de tomas de batería increíbles con las que trabajar. Es que, sí, eso es como sentar las bases para un proceso realmente productivo.
No es como si me despertara un poco deprimido cada día mientras escribía este disco.
Cuando estabas componiendo este álbum, ¿cómo te afectó todo el proceso? Porque, bueno, hay algunas canciones realmente deprimentes, como «No Soul to Save». Así que, a nivel personal, ¿cómo te sentías y en qué momento de tu vida te encontrabas cuando compusiste este disco?
Quiero decir, es como, ya sabes, me llevó muchos años escribirlo y algunos de los temas son cosas que, ya sabes, han estado en diarios o en las notas de mi teléfono durante, ya sabes, hay frases que llevan ahí probablemente 10 años, ya sabes, y pienso: «oh, esto encaja en esta canción, que ahora trata sobre, ya sabes, el divorcio o algo así», o, en general, «esta frase que escribí hace ocho años ahora encaja, tengo un sitio para ella».
Así que no es como si me despertara un poco deprimido cada día mientras escribía este disco. Fue, es como si, incluso más que nunca, me gustara esta canción, como si estuviera inspirada en lo que tratarían las letras. Como «Man Overboard», la primera canción es realmente como nadar, lo llamamos así por el ritmo de la batería, como si el tiempo fuera una locura. Y la forma en que la toca es realmente como si estuviera borracho.
Así que escribí todas las letras pensando que estaba en un barco, ya sabes, que estaba en el agua, y es una temática acuática. Así que sí, cada canción dictaba de alguna manera de qué iba a tratar incluso incluso antes de que se escribieran las letras.
«Bad Moons» es una canción que parece ser un punto central del disco. Habla del momento de tu vida en el que te encuentras ahora mismo y de todo lo que te ha costado llegar hasta ahí. ¿Dirías lo mismo de «Bad Moons»?
Sí, esa canción en concreto… Es que quizá las otras canciones son simplemente como suelo escribirlas normalmente, como un fragmento de la vida o algo así. Y esa canción es más bien, de nuevo, como la muestra del principio y los niños y todo eso. Es tan juguetona, es como un piano de juguete, que influyó en la letra y pensé: «Oh, vale, así que ahora, ya sabes, soy un niño o algo así», pero luego el final es tan intenso, musicalmente y todo eso, que pienso: «Vale, ahora tenemos que ir de ahí a ahí».
Es como si la letra abarcara, ya sabes, generaciones. Así que es como una especie de declaración gigante que lo abarca todo. Sí, yo diría que, bueno, supongo que si lo ves en perspectiva, ya sabes, es decir, si escuchas cada parte, si solo escuchas la intro, piensas: «Oh, es solo una cancioncita».
Y luego escuchas el final. Y piensas: «Suena como una canción totalmente diferente».
Una de las canciones que realmente me enganchó fue «Patron Saint of Pale». Quería preguntarte cuál es la historia detrás de la canción, porque hay algunas frases concretas, como cuando hablas de sedantes y terapeutas, donde se puede ver algún tipo de crítica. Es decir, ¿Estás tratando de hacer algún tipo de comentario sobre cómo hablamos y vemos la salud mental hoy en día, en ese sentido clínico?
Quiero decir, esas frases hablan de eso, ya sabes, pero la canción en su conjunto no es una crítica a la salud mental médica. Quiero decir, de nuevo, es que esa canción es muy divertida.
Y luego se me ocurrió la frase «juguemos al Rochambeau», que es un juego infantil. Y pensé que sería divertido convertirlo en «juguemos a…». Ya sabes, estuve dándole vueltas a esa frase durante mucho tiempo, no sé, quizá un año. Y seguía sin saber de qué iba la canción. Simplemente lo sabía. Sabía que esa frase encajaba, que encajaba con la música. Y entonces la compuse.
Pensé: «Oh, ¿y si jugamos al Rochambeau?». Así es como se resuelve un divorcio, en lugar de ir a abogados y esas cosas. Y a partir de ahí, ya está: «Vale, ahora la canción trata sobre el divorcio». Y ahora tiene un tema bastante serio. Se presenta de una forma un poco juguetona.
Sí, quiero decir, es que, ya sabes, no sé si alguna vez te has divorciado, pero hay medicación de por medio. Hay terapia de por medio. Todo es verdad.
Es una forma muy interesante de escribir las canciones, de cómo interactúan las letras entre sí. Es como si hubiera más de una historia en cada canción. Me parece muy curioso.
Es decir, es realmente divertido. Tuvimos tiempo para, por así decirlo, agotar todas esas opciones creativas diferentes. Así que cada canción, cualquiera que esté en el álbum, probablemente tuvo al menos un puñado de versiones; alguien probablemente tenía 20 versiones diferentes, ya sabes, en las que yo cantaba sobre algo distinto o cantaba en un registro diferente, o movíamos el cable y la canción sonaba más aguda, y yo cantaba más grave o, ya sabes, así que lo llamamos «pulir», como si todas las canciones hubieran sido pulidas.
Y luego nos quedamos con estas canciones, tal y como están ahora; si nos dieras otro año, cambiarían totalmente. ¿Sabes a qué me refiero? Sí, siempre están cambiando un poco.
Y en cuanto a «No Feeling», ¿cómo surgió la colaboración con Brendan Yates?
De forma totalmente espontánea. Vino a un concierto con unos amigos; son amigos de unos amigos nuestros. Y al día siguiente estábamos grabando, fue pura casualidad.
Estábamos grabando y él estaba libre para venir. Había una parte escrita en la que se suponía que íbamos a cantar todos juntos. Y él cantó, hizo su parte tan bien que acabó convirtiéndose en su parte. No añadimos a los demás que se suponía que iban a cantar esa parte. Dijimos: «Da igual. Ahora esa es la parte de Brendan».
Sí, porque en el comunicado de prensa dijisteis que se suponía que iba a ser como un guiño en el disco. Pero acabó siendo así.
Es que, bueno, iba a ser una voz más entre unas diez, ya sabes, solo gritando y cantando al unísono. Y luego lo cantó tan bien que quisimos quedárnoslo.
Lo mínimo que podríamos hacer, al tener una especie de plataforma con la banda y todo eso, es dejar claro de qué lado estamos y, al menos, ya sabes, donar algo a las causas en las que creemos.
Bueno, ha quedado genial. Me encanta la canción. Bueno, por otro lado, con esta próxima gira, ustedes se asociaron con Plus One para donar una parte de los ingresos a un par de organizaciones, Safe Passage International y la Coalición de Illinois por los Derechos de los Inmigrantes y los Refugiados, lo cual supone una postura firme contra la situación actual en Estados Unidos, con todo lo que ha estado haciendo el ICE. Teniendo esto en cuenta, ¿qué opinas? ¿Qué responsabilidad tienen los artistas en este sentido?
Esto es, quiero decir, ya sabes, seré el primero en decir que no somos una banda política, pero definitivamente, quiero decir, cualquiera que nos escuche sabría que sin duda somos personas con formación y de ideas afines que, ya sabes, estamos un poco hartos de todo esto. Quiero decir, ¿qué más podemos hacer? ¿En nuestras vidas individuales?
Lo que digo es que es casi desesperante, es como gritar al aire. Así que quizá lo mínimo que podríamos hacer, al tener una especie de plataforma con la banda y todo eso, es dejar claro de qué lado estamos y, al menos, ya sabes, donar algo a las causas en las que creemos. Es lo mínimo que podríamos hacer, pero también es más o menos todo lo que podríamos hacer. No sé. Me siento bastante impotente.
Totalmente. Hay que tomar medidas concretas.
Sí.
¿Crees que quiero volver a Ohio? Quiero ir a Chile.
Bueno, como soy de Chile, tengo la pregunta del millón para ti. ¿Hay alguna posibilidad de que vengan a Chile con este nuevo disco? Porque hay mucha gente esperándolos, muchísima. Y sé que hace unos años fueron a Brasil y a Argentina.
Así es. Y sí, ahora mismo estamos intentando averiguar cómo volver por allí en esta próxima gira, ya sabes, a ver si no sería… Ya tenemos más o menos todo reservado hasta el otoño, supongo, pero con suerte para el otoño, quizá el invierno, podamos volver a visitarles.
Sí, eso sería increíble. En serio, hay mucha gente esperándolos.
Estamos deseando ir. ¿Crees que quiero volver a Ohio? Quiero ir a Chile (risas).
