Los mejores discos internacionales del 2023

experimental hip hop · alternative rock · pop rap

Balming Tiger, definitivamente, se presenta como un debut primordial en la escena coreana independiente de hip hop. Consumando una interpretación bien al estilo BROCKHAMPTON, la agrupación se somete a la experimentación profunda pero sin perder su estilo directo y popero a ratos.

Las canciones llegan a mezclar varios elementos del hip hop de corte experimental con el rock alternativo e incluso el rap rock o nu metal como en “Sudden Attack”. Ciertamente la versatilidad se contrasta en cortes más inmersivos como “SEXY NUKIM” -un featuring con RM de BTS– y tracks destacando un groove impreso en el bajo como en “Buriburi” o cadencias estilísticas más inclusivas de la música tradicional asiática como en “Kamehameha”. El disco se presenta como un portentoso y variante vaivén rítmico de la cual bebe mucho de trabajos como “Dos City” de Dos Monos o “The Movie Star” del MC coreano BeWhy.

‘January Never Dies’ expone ideas que podrían parecer un tanto extravagantes y fuera de lugar, pero la interpretación directa y popera logra cohesionar un álbum que se sitúa en lo más ambicioso de la escena underground coreana. Este trabajo no solo desafía las convenciones, sino que también establece a Balming Tiger como una fuerza creativa emergente, aportando su propio matiz a la rica tapestry musical de Corea.– Hernán Carrasco

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82. Oneohtrix Point Never – Again
progressive electronic

Un emotivo viaje atmosférico y progresivo nos adentra escuchar ‘Again’ de Oneohtrix Point Never. Daniel Lopatin consolida su carrera musical en este album, en donde todo su transcurso se siente como si fuera captando elementos musicales de sus trabajos anteriores como ‘Zones Without People’ (2009) o ‘Garden of Delete’ (2015), por lo que aviva un sentimiento nostálgico entre los fanáticos del artista.

La capacidad creativa de Lopatin es muy extensa, ya que puede crear las melodías más bonitas y agresivas al mismo tiempo, simplemente con el uso de sintetizadores e instrumentos electrónicos.

En casi 57 minutos nos lleva por distintas emociones, utilizando vocales filtradas que hablan sobre lo que hay en el exterior, como si el mundo fuese la virtualidad y lo que hay más allá es la naturaleza en su esplendor. Sin la necesidad de utilizar más voces, la música te lleva a sentir emociones según la intensidad de los sonidos que usa para el resto de las canciones.– Consuelo Cruzat

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81. Genesis Owusu – STRUGGLER
post-punk revival · dance-punk

No es necesario sonar retro para hacer post-punk, y esto bien lo sabe Genesis Owusu que lejos de atribuirle una lectura guiada netamente por la nostalgia, se las arregla por concretar algo más acorde a su particular forma de hacer las cosas. Claro, las influencias saltan a la vista pero adquieren una sintonía mayor con un tipo de producción moderno, que aprovecha de gran manera el enfoque rítmico y el salto entre los ambientes que va generando.

De este modo, ‘STRUGGLER’ se abre a momentos intensos y otros más bailables, logrando una atractiva coherencia pese al carácter estrambótico que inunda la escucha. Casi 40 minutos que son puro deleite.– Felipe León

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80. fromis_9 – Unlock My World
k-pop · dance-pop · contemporary r&b

La escena más mainstream del pop coreano fue un tanto baja en cantidad de LP’s lanzados este año y una gran cantidad de EP’s, cosa que siempre ha sido más rentable por parte de la industria coreana. Claramente el surgimiento de una nueva camada de girl groups se estableció como las que llevaron la batuta en la industria. Sin embargo, algunas agrupaciones que llevan ya un par de años, siguieron perfeccionando su trabajo, y es el caso de fromis_9 el cual debuta finalmente en un disco de larga duración tras varios EP’s de gran calidad.

‘Unlock My World’ predomina el sonido del dance-pop y el r&b contemporáneo, un estilo marcado en el k-pop actual. En este caso los sonidos van con arreglos que permiten escalar a sonoridades de nu-disco como en su title track “#menow” o “Don’t Care” hasta estilos con producciones estilizadas en el future bass y el future house como la gran intro “Attitude” o ritmos sacados de la electrónica tipo “2-step” en “What I Want”. Todo muy estructurado y balanceado, pero dejando a rienda suelta la gran calidad vocal de las integrantes de fromis_9, dejando uno que otro melisma al centro de la pista, dotando de armonías interesantes y sencillas.

Y es que ‘Unlock My World’ se siente cohesivo en su sonido, una producción clara y precisa y que resuena con melodías entretenidas y pegajosas. Indudablemente, se posiciona como uno de los álbumes más equilibrados en el actual mercado del k-pop.– Hernán Carrasco

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79. Frost Children – SPEED RUN
hyperpop · electro house

Pese a lo conocido y recurrente que se volvió el hyperpop, el sentido más puro de este experimental y ganchero género muchas veces se diluye entre mezclas que muchas veces salen bien (y muchas otras no). Por lo mismo, encontrar una obra como ‘SPEED RUN’ de Frost Children que en su espíritu mismo guarda este sonido, es a toda costa un suceso, aconteciendo como un desafiante, enérgico, ruidoso y carismático hito que no da respiro, y se mueve con una gracia digna de mencionar.

Es ese lado más salvaje uno de los elementos que impulsa aún más su impacto, en gran medida por el sentido desprejuiciado pero super enfocado que profesa el dúo por la música house. Y es que Angel Emoji y luluwav funcionan como una entidad que funciona tanto desde el pop como la electrónica, prometiendo un desenfreno fácil de adaptarse a cualquier circunstancia de escucha. Sea piola o alborotada.– Felipe León

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78. Zach Bryan – Zach Bryan
singer/songwriter · americana · country · red dirt

Si es el country lo que te llena, Zack Bryan es el anillo que tu dedo estaba esperando. El proyecto homónimo del artista destaca 2 tracks poderosos de emoción (“Fear and Fridays (Poem)» & “Eastside of Sorrow”), mismas que logran una profundidad a la primera escucha.

La verdad es que es todo, desde su propio tono de voz sensible y algo tímido, hasta la capacidad de conectar con la audiencia en cuestión de segundos ¿Estamos ante un universo personal de Zach? Por supuesto que sí, a todo dar. “East Side of Sorrow”, por ejemplo, habla sobre el duelo y cómo él mismo tuvo que enfrentarlo. Una canción muy conmovedora, y que está líricamente muy bien trabajada. Es en su poesía que nos entrega el mensaje de cómo el sol sale de nuevo… una analogía sobre que da igual a quién o qué hayas perdido en el mundo, la vida continúa.

Zach Bryan es un veterano y a la vez un mocoso de la Marina, con una fuerte conexión con su madre. Y es aquí, en este preciso proyecto en que su inspiración sale a la luz. Una oda para él mismo… para el niño que quiere ver a la gran estrella otra vez.– Jocsán Sánchez

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77. Emilia – .mp3
dance-pop

Emilia desplantó con un disco de hits en ‘.mp3’. La argentina destaca su gran camino como artista en su tercer album, combinando estilos como el pop, reggaetón y funk carioca de una manera estilizada y muy bien producida. La estética visual no pasa desapercibida al tener muchos elementos que aluden a la nostalgia de los 2000, haciendo un enlace entre la tecnología y los temas cotidianos que una persona puede frecuentar en su día día, como lo son el amor, desamor, el goce y la tristeza.

Este disco consolida a Emilia como una artista pop versátil donde crea su propio mundo virtual inspirada por otras artistas tales como Charli XCX, entregando toda su energía en canciones como “La Original” junto con TINI, o al mostrar su lado vulnerable como en “Guerrero”.– Consuelo Cruzat

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76. Aesop Rock – Integrated Tech Solutions
abstract hip hop · conscious hip hop

‘Integrated Tech Solutions’ está diseñado para quienes aman las mezclas poco convencionales y álbumes conceptuales. Una combinación que cae como anillo al dedo de la mano de Aesop Rock, puesto que en esta ocasión, el objetivo apunta directamente a la relación problemática actual entre la sociedad y la tecnología, con una introducción de la mano de “The ITS Way” que aclara todo desde el minuto 0.

Mezclando elementos de boom bap con una lírica crítica y ácida, el neoyorquino decide decantarse por los terrenos más abstractos del hip-hop, haciendo uso de recursos y sonidos de características muy “Glitch” tecnológico sumándose a elementos futuristas, lo que se adecua a su propuesta inicial.

Un proyecto que busca rapear sobre las pistas menos convencionales que se pueda, aprovechando este uso de lo abstracto y siempre manteniendo sus lineamientos de conceptos con respecto a los sonidos inyectados, ‘Integrated Tech Solutions’ pisó fuerte el 2023 como uno de los proyectos que todo amante del hip-hop debe revisar.– Tomás Pérez

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75. Slowdive – everything is alive
dream pop

El nuevo disco de Slowdive impuso gran parte de sí para posicionar tanto al grupo como a su principal género musical como algo muy presente en la escena, conformando un estreno que llegó a hacer presente el nombre del grupo nuevamente desde su estreno anterior del 2017, sorprendiendo a sus seguidores con este nuevo álbum.

Lo que principalmente promueve everything is alive es una ambientación musical, propósito que identifica gran parte de lo que conocemos del dream pop, pero que en esta ocasión por parte de Slowdive vemos cómo estos enriquecen la experiencia con múltiples elementos y variedad musical en sus canciones, de las que también cabe destacar que si bien pueden ser analizadas por separado, definitivamente la experiencia completa se halla en la apreciación del estreno de manera completa. Si bien este factor es reconocido universalmente en toda la música, para este caso se aprecia un trabajo dedicado a esta experiencia introyectiva, donde el oyente se entremezcla con las sensaciones que se proyectan al dejarse llevar por lo que el disco propone.– Ricardo Parra

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74. King Krule – Space Heavy
neo-psychedelia · slowcore · art rock

Con algunos tracks adelantados en algunas presentaciones en vivo de la banda, ‘Space Heavy’ generó expectativas incluso antes de la llegada de 2023. Íntima y vulnerable como de costumbre, la reconocible voz de Archy Ivan Marshall comanda una orquesta de la introspección, densa, pero delicada. A ratos lúgubre y en otros momentos frío, pero tranquilizante como la neblina matutina, el disco se empeña en externalizar lamentos y pensamientos muy bien acompañados por una instrumentación plagada de capas y detalles casi imperceptibles por su propio espesor, algo muy propio del proyecto, y a lo que ya nos tenía acostumbrados con sus entregas previas.

Suave, pero evocadora, aquella guitarra en el reconocible tono King Krule no cela a la voz, y convive con ella para generar en conjunto melancolía y nostalgia sobre blandas e incipientes líneas de batería, que terminan de dar forma a una pieza que, si bien no se aleja de lo antes visto, demuestra que el proyecto puede seguir puliendo ese sonido que tanto nos gusta.– Nicolás Rosales M.

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73. Troye Sivan – Something to Give Each Other
dance-pop · contemporary r&b

A diferencia de sus entregas anteriores, un poco más ligadas a una atmósfera indie pop, ‘Something to Give Each Other’ llega a mostrar a un Troye Sivan definido en el pop mainstream, que luego de 5 años desde su última entrega, llega con mucha más experiencia, tanto a nivel musical, como a nivel sentimental.

‘Something to Give Each Other’ llega a la escucha como una poesía al amor perdido y a la lucha por éste. De una forma mucho más íntima, esta lírica toca con una mayor complejidad en el mixing del álbum, donde si bien el dance-pop se hace protagonista, también toma elementos del contemporary r&b, inclusive tomando colaboraciones con artistas hispanos, en una experimentación musical que acaba sonando muy pulcra. Como diría su canción “What’s The Time Where You Are?”, ‘una puta locura’.– Constanza Machuca

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72. Nenagenix – Lo más cercano a caer
alternative rock

Es válido que las primeras palabras que salten cuando se piense en Nenagenix vayan por el orden de “densidad” o “peso”. Y estas cualidades saltan a la cara sin siquiera considerar las canciones mismas, pues la banda argentina de heavy alternative irrumpió a nivel latino con un disco de rock que suena tan pesado y llevadero como pocos a lo largo del globo. Esa forma de tocar guitarra, esa forma de cantar y esa forma de machacar la batería en patrones que llenan los audífonos no están buscando generar peso o una reacción eufórica.

El alma de esta placa está puesta en la suavidad de ese sonido tan pesado. Es un sonido que aún cuando en su fórmula puede venir explotándose desde comienzos del presente siglo, Nenagenix supo adoptarlo a sus sensibilidades y usarlo para imprimir algunas de las canciones de rock más bellas y creativas que nos dejó el presente año.– Nicolás Merino

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71. Tomb Mold – The Enduring Spirit
death metal · progressive metal

Después de 4 años, Tomb Mold llegaron a 2023 totalmente renovados. Si bien siempre han sido una banda prolífica en el under del death metal desde su irrupción discográfica allá por 2017, la verdad es que ‘The Enduring Spirit’ muestra un rostro mucho más trabajado y prodigiosamente libre de este sonido.

Me explico. Sabido es que una de las características principales del death metal es su abrasividad, que viene prácticamente dentro del paquete en casi cualquier trabajo de este subgénero. Existe una estética asignada en el entendimiento general de este sonido, pero si hay algo que se ha visto muchísimo últimamente es la variedad de caminos por recorrer de cara a usar la arista interpretativa de este sonido.

En concreto, ‘The Enduring Spirit’ no es prisión de una estética construída –ni siquiera por la misma banda–, sino más bien es la propia visceralidad propugnada en sus canciones las que permiten maniobrar nuevas opciones. ¿Y cuáles son esas opciones? Pues todo lo instruido por el prog –en una noción prácticamente propia y pocas veces vista sin caer en derivativos de Death o Cynic–.

De esta forma, Tomb Mold destruyó una muralla difícil de romper, y encontró sensibilidades donde aparentemente no las había. Desde lo más estruendoso hasta lo más sutil, en una conjugación ingeniosa que se nutre de todo lo propuesto. Asombroso trabajo de metal extremo.– Juan Pablo Ossandón

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70. DJ Ramon Sucesso – Sexta dos crias
funk 150 bpm · funk mandelão

Dos caras estimulantes, aceleradas y grooveras posiciona DJ Ramon Sucesso en uno de los trabajos más fascinantes de la electrónica mundial. No por nada ‘Sexta dos crias’ confiere los ingredientes necesarios para preparar uno de los platos musicales más extravagantes, cayendo con propiedad en los aspectos experimentales de un atractivo funk de nomenclatura repetitiva, progresiva y a su modo, super fiestera.

Numerosos samples calan hondo en el espíritu aventurero de un artista que saca provecho de la herencia brasilera, para así confiscarle esa aceleración a ratos «porque sí» de un género como el funk 150 bpm, y darle mayor movilidad y sentido. De tal modo que lo expansivo juega un rol importante en las formas que se aprecian en ambos tracks, al ser parte integral del latido poco común que alberga esta obra.– Felipe León

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69. Monika Roscher Bigband – Witchy Activities and the Maple Death
experimental big band · avant-prog · progressive pop

La guitarrista y compositora de jazz alemana Monika Roscher, fundadora de Monika Roscher BigBand en 2012, volvió -tras varios años- a la palestra tras los aclamados ‘Failure in Wonderland’ (2012) y ‘Of Monsters and Birds’ (2016). En esta ocasión, ‘Witchy Activities and the Maple Death’, la compositora ahonda en una ceremonia ritualista que invoca todas las nomenclaturas relacionadas a la brujería y el paganismo.

La interpretación va llevada a cabo de una big band que contempla pasajes de avant prog y rock experimental, incluso dándole cabida a los complejos zeuhlisticos de la legendaria banda Magma. Y es que aquí los sonidos son maniáticos, esquizoides y coloridos, casi como una visión fílmica de Ari Aster dado los tintes psicodélicos y progresivos que destacan en cada uno de los tracks.

El vaivén de experimentación tanto del Jazz como del rock va siendo interpretado con una voz más asociada al art pop de Björk y Kate Bush, contrastando con los punzantes y exóticos pasajes instrumentales de duraciones largas y estructuras complejas desencadenadas en fanfarrias locas y atmosféricas.

Aquí la sonoridad y experimentación se da a rienda suelta, sin tapujos y vicisitudes. Un carácter orgánico que va narrando situaciones de paganería y brujería, teatrales y sombrías. Un disco largo, raro y bello que nos inculca un aura única y preciosista como ninguna.– Hernán Carrasco

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68. The Lemon Twigs – Everything Harmony
soft rock · pop rock

Resulta algo complicado lograr inspirarse de los sonidos de hace décadas y que a su vez suenen auténticas a nuestro tiempo, pero es esto lo que exactamente que The Lemon Twings lleva haciendo desde hace un par de años.

Para Brian y Michael D’Addario, el pasado es una fuente inagotable de inspiración. Sin ningún tipo de reparo para los homenajes a su sin fin de influencias, su mundo sonoro es una entrega a la atemporalidad… como si estuviésemos en otra época.

‘Everything Harmony’ mantiene aquellas tradiciones del rock vintage relajado -quizá a muchos les sonará similar a The Beatles, quien sabe-, una escena que abre las puertas a la tranquilidad y reflexión.

Bajo un producción de ensueño, The Lemon Twigs presentan un estilo modernizado de los años 60´s y 70´s, una cohesión perfecta que lo transforma en un proyecto disfrutable a primera escucha. En que lo especial de la nostalgia cautiva hasta al individuo que nunca vivió esos tiempos… lo hace especial y potencialmente como un recuerdo suyo.– Jocsán Sánchez

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67. Geese – 3D Country
indie rock · art punk

Si bien somos de la idea de que nunca ha estado todo hecho en la música –y nunca será así tampoco–, no deja de ser sorprendente cada vez que aparece una obra que argumenta con fuerza dicha tesis. ‘3D Country’ es uno de los mejores ejemplos que brindó el 2023 en ese aspecto.

Sí, este es un trabajo de indie rock y art punk, sin embargo, sería un error absoluto reducir la categorización a ello simplemente. En ese sentido, es súper relevante mencionar que los colores, las tonalidades, las ideas, los arreglos y, en general, el contenido que nutre este trabajo, vienen del country y el rock del sur de Estados Unidos –no se dejen engañar por el hecho de que la banda es neoyorkina–.

Pero al mismo tiempo, tampoco es un disco que descanse en la nostalgia de esos sonidos –aún si es un recurso claro, y muy bien ejecutado por cierto–. El carácter libre del indie y la excentricidad rebelde del art punk son los ingredientes fundamentales para engendrar una obra impresionante como pocas, rompiendo cualquier marca generacional e instruyendo de, cómo cualquier sonido, tiene cabida en el presente en formas inusitadas. Qué joya de disco.– Juan Pablo Ossandón

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66. Laurel Halo – Atlas
ambient

La capacidad nata de crear estimulante música en base a diversos ambientes es algo que Laurel Halo ha trabajado de forma creativa en su carrera. Pero lejos de ya haber tocado techo con trabajos fundamentales como ‘Quarantine’ (2012) y ‘Dust’ (2017), la artista encumbró una nueva misión con ‘Atlas’, una mucho más abierta a englobar terrenos etéreos y surreales, desde una mirada un tanto acuática que le permite mayor fluidez, a la hora de exponer el melancólico suspenso de su existencia.

40 minutos que se pasan volando, donde encontramos momentos calmos aunque lejos de cualquier zona de confort, pues a Laurel Halo en esta obra la mueve un sentido meditativo que adopta formas tan diversas, sin perder su enfoque. Una inspirada obra con ecos a la música clásica, que la sitúa definitivamente como una de las referentes del ambient.– Felipe León

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65. James Blake – Playing Robots Into Heaven
future garage · edm

Si hay algún artista inconformista, ese es James Blake. El productor toma este ‘Playing Robots Into Heaven’ como otra vuelta de tuerca a su ya siempre propositiva carrera. ¿A qué me refiero? Pues si ‘Assume Form’ (2019) y ‘Friends That Break Your Heart’ (2021) estaban estructurados bajo una estructura más clásica y accesible –con el r&b alternativo como la estrella del salón–, este nuevo trabajo discográfico trae al británico tomando las riendas desde la electrónica en cuerpo y alma.

Pero ojo, no es un retorno como tal al paradigma de la electrónica como tal. Todos los aprendizajes están presentes, y en ese sentido, ‘Playing Robots Into Heaven’ fluye en un contraste continuo entre lo futurístico y lo sensible. Dicho de otra forma, se puede esperar exactamente lo que predice el título del disco.

Sumamente diverso en su composición, en el que ideas extrapoladas de sectores más vulnerables y melancólicos del r&b alternativo y el ambient pop, permiten conjugar con ligereza y exquisitez todo el abanico de ideas de una universalidad de subgéneros electrónicos como el future garage en el núcleo, o el dubstep y el uk bass en los detalles.– Juan Pablo Ossandón

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64. Sílvia Pérez Cruz – Toda la vida, un día
chamber folk · singer/songwriter

Belleza es la palabra que podría definir el álbum de Sílvia Pérez Cruz, ‘Toda la vida, un día’. Con más de 90 músicos a cargo de la composición e instrumentalización del álbum, Sílvia, a través de 5 movimientos que se desenvuelven en más de una hora de música y un rango de emociones y nostalgia, se logra representar la belleza del ciclo de la vida.

Sílvia logra balancear de una manera preciosamente detallada, una narrativa dramática sobre la vida con una instrumentalidad que la representa de forma mágica, dejando al oyente nada más que el poder de la imaginación a lo largo de esta pieza de 21 canciones, en una inmensidad de distintos elementos que representan cada una de las etapas –en este caso, movimientos– de la vida. Por lejos, un álbum bastante complejo, de esos que se deben escuchar de principio a fin, sin interrupciones, para sumergirse en la complejidad y hermosura de lo que es vivir.– Constanza Machuca

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63. Danny Brown – Quaranta
conscious hip hop

Que Danny Brown sea participe de dos de los discos más celebrados del hip hop del año puede hacer parecer el 2023 como “el año de Danny Brown”, pero la verdad es que su rol más bien secundario en ‘Scaring The Hoes’ (su colaboración con JPEGMAFIA) y la libre exposición de la privcidad desplegada en ‘Quaranta’ están lejos de ser indicios de un artista que pretenda figurar en el bombástico estilo de algunas de sus obras maestras pasadas.

En realidad fue el año en el que Danny Brown jugó sus cartas de manera honesta.

‘Quaranta’ es el ‘Plastic Ono Band’ de Danny Brown, o el ‘NO THANK YOU’ si se quiere. Hablamos de un disco decididamente delicado y personal. También de uno que no ofrece absolutamente ninguna concesión ni misión de dar el gusto para quien busca la excentricidad o el despliegue de las capacidades técnicas del artista. Si este disco fluye como lo hace, es porque el artista no solo tiene las grandes ideas, sino también porque claramente no puede despegarse del buen gusto para levantar un proyecto completo de la manera más prolija posible: todos lo beats y barras están a un nivel superlativo, más encima en el marco de una propuesta de base que, aún manteniendo sus particularidades, no está exenta de múltiples coincidencias con tantas otras búsquedas artísticas contemporáneas (incluso fuera del hip hop). Claro que lo primero que salta es el absurdo nivel que Danny Brown maneja como si fuese un asumido mínimo. Con un disco así de logrado, dar con defectos es dar con la voz interna que pide un ánimo que al disco no le interesa presentar.- Nicolás Merino

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62. Reverend Kristin Michael Hayter – SAVED!
hymns · southern gospel · singer/songwriter

La Reverenda Kristin Michael Hayter, ahora bajo su propio nombre en ‘Saved!’, se sumerge en elementos aterradores del Antiguo Testamento con una precisión inigualable. El álbum, que separa por primera vez a Hayter de Lingua Ignota, se divide entre la condenación en la primera mitad y la redención en la segunda, congregando los sonidos del blues, el bluegrass, el gospel y el folk americano. Destaca la pista de 6:30 minutos, “I WILL BE WITH YOU ALWAYS”, donde la devoción y la dependencia emocional se entrelazan en la narrativa de sanación personal de Hayter.

En los tracks siguientes, la tensión persiste con melodías desconcertantes y distorsiones generadas por grabadoras y cassettes dañados, que buscan transformar el álbum en una cinta corroída por el tiempo. La canción final, una versión del himno cristiano “How Can I Keep From Singing” de Pete Seeger, revela un contraste entre letras reconfortantes para los religiosos y un exorcismo en la pista de atrás, develando la oscura realidad detrás de algunas instituciones (o personas). El mensaje final: la resiliencia ante el pasado no garantiza la protección contra los horrores presentes y futuros.- Consuelo Cruzat

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61. Taichu – RAWR
pop rap · dance-pop

De forma creativa y versátil, este álbum toma una pizca -clave- de esencia latinoamericana y la fusiona con notorias influencias de la escena comandada por Charli XCX, dando como resultado una frenética, dinámica y disfrutable entrega. Con aquel audaz sonido pop como hilo conductor, ‘RAWR’ resulta en un desglose perfecto de la identidad sonora de Taichu. Trap, reguetón, rap, elementos electrónicos propios de las innumerables aristas del pop se sintetizan de manera precisa y efectiva para moldear un material variado y cohesionado, además de conciso, con poco más de media hora de duración.

A través de una actitud hostil y sensual, Taichu crea una particular atmósfera que define como “HOTCORE”, en la que el dinamismo de su voz toma un rol protagónico para dar forma a un material que deja con ansias y expectativas ante lo que pueda generar esta proyectada artista.- Nicolás Rosales M.

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60. Ralphie Choo – SUPERNOVA
art pop · glitch pop

Directamente desde Madrid, España, llega ‘SUPERNOVA’, el LP de Ralphie Choo, una figura de lo más interesante e intrigante en el siempre sorpresivo mundo de la música.

Y si es que situamos en contexto desde donde un trabajo como ‘SUPERNOVA’ llega, es importantísimo mencionar el carácter ecléctico de una pluralidad de obras en el plano global. ‘IGOR’ de Tyler, the Creator, ‘El mal querer’ de ROSALÍA, ‘El Madrileño’ de C. Tangana, lo realizado en general por BROCKHAMPTON, y un montón de otros trabajos.

¿Por qué lo anterior? Bueno, porque Ralphie Choo juega con lo permeabilidad de todo tipo de sonidos, ignorando cualquier constructo y noción previa de los subgéneros en cuestión. Esa propia idea es sumamente fascinante, y permite develar con mayor asombro la profundidad de ideas que residen en este verdadero iceberg que es ‘SUPERNOVA’. El art pop y glitch pop parecieran que son la mera excusa para jugar con el r&b, el hip hop, e incluso el neoperreo o muestras de flamenco pop.

Hay tanto pasando que no queda más que hacer una recomendación prácticamente mandatoria de integrarse en este trabajo, que se posiciona como el puntapié a una carrera que se prevé como rupturista por definición.– Juan Pablo Ossandón

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59. underscores – Wallsocket
indietronica · indie pop · electropop

En un panorama donde explosiones como el glitch pop o el hyper pop parecen haber tomado un paso al costado para funcionar de una forma un tanto más recursiva para las nuevas voces del pop – y esto previendo una transformación en un foco de responsabilidad estética, salvo excepciones que incluso pueden verse un poco caricaturescas cuando no exageradas o hasta conservadoras-, que el proyecto underscores salga con una idea como ‘Wallsocket’ es de lo más inteligente y atento al pulso de la música que podríamos presenciar entre toda la música el año.

Este rockero y tan carismático proyecto de glitch pop tiene esa sensibilidad para componer que trasciende las formalidades estructurales que por décadas han demostrado ser tan eficientes, pero como contracara, están bendecidas por la facultad maximalista para regalar amplias aventuras de lo más enriquecedoras de escuchar. Además, dotadas de un lirismo tan prudente en su expresión sobre temas que se suelen ver abordados incluso desde las veredas más explícitas y poco re capacitadoras sobre los mismísimo de los que se está hablando.

Fuera de ser un disco atento y actualizado, se adelanta y aporta sendas aproximaciones sonoras y presenta una serie de flectadas de impresionantes ejercicios de producción que igual son lo suficientemente inteligente como para nunca sacrificar la integridad de las canciones. De hecho, existen para estas. Desde una mirada cruel y cínica, es un disco para dar clases a otras producciones de lo más imprudentes que están saliendo por ahí constantemente.- Nicolás Merino

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58. The HIRS Collective – We’re Still Here
queercore · powerviolence · grindcore

Como bien dice su nombre, el sentido comunitario que engloba The HIRS Collective mueve los cimientos cercanos al powerviolence que ofrece ‘We’re Still Here’. Por lo mismo, no es de extrañar pillar nombres relevantes del ayer y hoy cantando y aportando como sucede con Melt-Banana, Soul Glo o la conocida cantante de Garbage, Shirley Manson. Ahora, el real atractivo del proyecto radica en lo que bien que funcionan todas las partes presentes en el disco.

Esa huracanada e iracunda presencia recorre cada una de las canciones que subsisten desde el caos, como un manifiesto de temáticas LGBTQ+ que apunta en distintas direcciones, sin perder el hilo conductor. Al contrario, todo está tan bien integrado que resulta atractivo recorrer cada instante y sentir con las mejores ganas esta vibrante revuelta: una respuesta más que necesaria al conservadurismo de los tiempos.- Felipe León

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57. KIRINJI – Steppin’ Out
synth funk · j-pop · sophisti-pop

Uniendo elementos del j-pop con funk e incluso tintes de rock, KIRINJI vuelve con su álbum número 21 ‘Steppin’ Out’, esta vez acercándose mucho más a una atmósfera suave y tranquila, tomando el j-pop como un elemento un poco más secundario a comparación de sus entregas anteriores, y dejando que el synth funk tome protagonismo.

La unión y diálogo que se genera en elementos como la batería, voz, sintetizador, piano, vientos, guitarra y muchos elementos más, logra una sensación groovy que crea el ambiente perfecto de paz y tranquilidad. Un álbum entretenido, atrapante y relajante.– Constanza Machuca

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56. bar italia – Tracey Denim
slacker rock

‘Tracey Denim’ es un tradicional disco de rock alternativo inglés. Las clásicas voces desganadas, líneas de bajo bien marcadas y pegadizas y una percusión potente, son lo que presenta bar italia en las 15 canciones del álbum, donde la mayoría tiene una duración de menos de 3 minutos.

A través de las composiciones, presentan el uso del minimalismo que con un sonido de baja calidad logran cautivar a quien lo escuche.

Es un disco dinámico y variado que mantiene una atención constante al momento de escucharlo, lo que lo hace entretenido y refrescante. La cotidianeidad que presentan las letras y la manera en que está hecho, acerca al oyente a la banda de una manera inmediata sin siquiera necesitar haberlos escuchado alguna vez anterior.- Consuelo Cruzat

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55. Lil Yachty – Let’s Start Here.
neo-psychedelia · psychedelic rock

‘Let’s Start Here.’ fácil uno de los discos más memorables del 2023; una verdadera revelación. Tiene esa particularidad de ser de aquellos proyectos que llaman la atención en un instante, sin crear demasiadas expectativas. Pero terminan siendo un verdadero soplo de realidad para el panorama musical atrofiado por diversos mundos sonoros ambiciosos.

Realmente, Lil Yatchy ha sorprendido con esta nueva propuesta que llevó su trayectoria a un lugar que nunca habíamos visto. Un concepto del todo distinto pero bien ejecutado, que permite tener una identidad propia para un mundo sonoro inexplorado.Un viaje que invita a aquellos valientes de la distinción psicodélica del rock. Todo dentro de una selva que sin uso de brújula, tiene parajes que son reconocidos a la perfección. En términos de tracklist, el disco habla por sí solo de su hilado inusual.

Como si se tratara de un mapa del tesoro, cada hit en este proyecto te sitúa en un ambiente distinto y único, más no fuera del concepto principal… eso habla muy bien de las versatilidad en la producción. Temas como “the ride-“, “pRETTy”, “running out of time” o “IVE OFFICIALLY LOST ViSiON” son verdaderas joyas honestas y sensibles. Toma trabajo imaginarse un equilibrio tan auténtico, pero el cantante lo ha descubierto, y con ello se encontró a sí mismo.- Jocsán Sánchez

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54. Model/Actriz – Dogsbody
noise rock · dance-punk · industrial rock

Es precisamente increíble el legado del noise rock en la imprenta de las bandas contemporáneas más ruidosas de la última década. Una camada de bandas insignes en la escena más incisiva y experimental del rock de los últimos años. En este contexto -y desde Nueva York- se erige el debut de Model/Actriz con ‘Dogsbody’, un álbum tan sónicamente atrevido como danzable.

De cierto modo, la estética que nos advierte Cole Haden, es una mezcla perfecta del noise rock puramente abrasivo, con esa precariedad afilada y desafiante, junto con un sello danzable que recuerda al estilo inconfundible de LCD Soundsystem. Y es que ‘Dogsbody’ no escatima en buscar meticulosamente el equilibrio entre lo desconcertante y el ritmo contagioso, ofreciendo algo diferente al nihilismo más oscuro presente en trabajos de bandas como Daughters, Chat Pile o Xiu Xiu, incluso con sus similitudes vocales a Jamie Stewart. Las interpretaciones que destacan en ‘Dogsbody’ también contienen una incursión rítmica y maníaca del rock industrial, no es inaudito pensar en Nine Inch Nails al escuchar esas cajas rítmicas incesantes y esos synths plagados de agresividad.

Independientemente de los increíbles estilos e influencias que destacan en el álbum. El fuerte también se encuentra en la interpretación vocal de Cole, una suerte de nihilismo ominoso cargado de un componente sexual, lirismo único e intenso que va perfilando el ceremonioso y oscuro pasaje del disco.

En su debut, Model/Actriz no solo se presenta de manera imponente, sino que también se convierte en un reflejo vibrante de la escena más estruendosa y experimental de la música contemporánea. ‘Dogsbody ‘es una declaración sonora que deja una huella profunda en la camada más atrevida de la escena rockera.- Hernán Carrasco

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53. Kali Uchis – Red Moon in Venus
neo-soul · contemporary r&b

Este 2023 Kali Uchis no dejó de estar presente en los estrenos, sorprendiendo con su lanzamiento Red Moon In Venus, álbum que actualmente cuenta con varios millones de reproducciones en Spotify, siendo otro rotundo acierto y éxito para la carrera de la artista, como también un aire fresco para los géneros en los que se mueve principalmente su interpretación musical.

El disco definitivamente conforma un hito para la trayectoria que lleva la artista, con muchos aciertos de por medio que ciertamente fueron acertivos para seguir acaparando a su público y para seguir creciendo al haber convocado aún más público de otras áreas, que como muchos, sintieron un llamado de atención respecto al éxito masivo que tuvo el lanzamiento a su corto plazo de haber sido estrenado.

Como exponente del neo-soul y del contemporary r&b el álbum presenta estos géneros como grandes fundamentos, innovando en su implementación a través de todas sus canciones y con nuevos hits que impactaron a lo largo de este año.– Ricardo Parra

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52. Young Fathers – Heavy Heavy
neo-psychedelia · art pop

Poco a poco, con cada material que lanzaban, lograban posicionarse dentro de los radares del mainstream, y es que su trabajo en 2019, ‘Cocoa Sugar’ dio que hablar durante el año 2019. Por tanto, el más reciente trabajo, ‘Heavy Heavy’, captó todas las miradas a su alrededor. Y no nos equivocamos, ya que la propuesta de Young Fathers se escucha más fresca y sincera que nunca. Sincera principalmente porque busca conectar con sonidos anteriores ya presentados en su discografía, pero no ejecutados de la misma forma, si no, mezclandoles con ritmos y energías nuevas.

Un poco de esto, de aquello y ‘Heavy Heavy’ se presenta como una interesante propuesta de neo psicodelia fusionada con art pop, conectando directamente con sus raíces más culturales, agregando aspectos de gospel y sonidos tribales. Aunque no solo musicalmente, parte de sus letras van en directa referencia y orgullo a sus orígenes.

Un proyecto para amantes de la banda, para amantes de la psicodelia y para quienes disfrutan el descubrimiento de propuestas novedosas.- Tomás Pérez

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51. PJ Harvey – I Inside the Old Year Dying
singer/songwriter · art rock

Cada retorno de PJ Harvey es un suceso en sí, dadas sus incuestionables credenciales en mundos como el rock alternativo y en la parte más tardía de su carrera el art rock. Siempre tiene muchas cosas que contar y un disco como ‘I Inside the Old Year Dying’ cumple a cabalidad con lo que se espera de ella. En ese sentido, su hambre creativa alcanza poéticas referencias a lo surreal, dotando su recorrido de un cúmulo de ideas arraigadas su tan reveladora cantautoría.

La artista británica construye paisajes habitados por un susurrante misterio, florecido desde una mirada críptica que deambula por territorios folk, a partir de una jugada interpretación que encuentra en el blues parte importante de su esencia. De tal modo que canciones como «A Child’s Question, August» encuentran en su sentido flotante un atrapante magnetismo, y existencias experimentales en «All Souls». Aunque también hay espacio para ecos pastorales en «Lwonesome Tonight», o relatos más explosivos en el corte titular. Un gigantesco bosque sonoro para perderse y encontrarse.- Felipe León

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50. MIKE – Burning Desire
abstract hip hop · east coast hip hop

La explosiva década de los 10’s en el ámbito del hip hop, en específico del hip hop abstracto y experimental, fue una de las más potentes en términos de lanzamientos de alta calidad. En ese aspecto, MIKE fue una de las cabezas creativas de la escena, consagrando su estilo de corte experimental y consciente con discazos como ‘May God Bless Your Hustle’ (2017) y ‘Renaissance Man’ (2018) y comenzando la década de los 20’s con su faceta más abstracta con ‘Disco!’ (2021).

En tanto ‘Burning Desire’ sigue la línea creativa de ‘Disco!’ en una interpretación, ciertamente, un tanto conceptual. El cancionero de ‘Burning Desire’ contempla veinticuatro canciones de corta duración, de no más de tres minutos, donde MIKE afianza su estilo vocal distintivo, somnífero en el buen sentido de la palabra, que se influencia directamente de próceres como Earl Sweatshirt -El puntazo de conectar con el mismo Earl en la sexta canción, fue tan satisfactorio como hipnótico- y una producción inmaculada, un tanto psicodélica -y con tintes de jazz rap y drumless- a beneficio de su soundplay y composición atípica, elementos característicos del abstract hip hop. Con líricas que van desde tintes de “dark comedy” hasta sentimientos de propia “venganza”, con un imaginario ficticio como lo propicia el propio género.

Se pueden decir muchas cosas del LP en sí, sin ninguna duda ‘Burning Desire’ es uno de sus trabajos más cohesivos y contemplativos. Magnificencia de un estilo hipnótico, surreal y cálido donde la exquisitez del sampleo es primordial, con estructuras raras, un delivery atípico e introspectivo que marca el pasaje letárgico del género.- Hernán Carrasco

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49. PinkPantheress – Heaven knows
contemporary r&b · alt-pop · edm

‘Heaven knows’ se posa rápidamente como un ejemplo fidedigno de porqué PinkPantheress es uno de los nombres más frescos del pop en el presente. Una declaración para nada sensacionalista, en cuanto las lógicas fundantes de las composiciones de la británica vienen directamente desde la electrónica. No desde el r&b o el alt-pop, o al menos no en un sentido estructural.

En ese sentido, cada decisión trae detrás todo un universo, y lo más sorprendente es que todo es de una ejecución tan sutil que las novedades nunca se presentan en bandeja. Quien pose sus oídos en ‘Heaven knows’ tendrá autonomía garantizada a la hora de desenmarañar los secretos de este trabajo.

Pero ojo, que esta es una obra de contrastes. Los propios tópicos expuestos por la artista muestran una mente conflictuada, alienada por la susceptibilidad de sus deseos y amores, teniendo que estar en medio de un mundo en el que el éxtasis y el sufrimiento conviven de muy cerca. Quizás eso explique porque estos tracks suenan tan infecciosos como maduros –al mismo tiempo–. Realmente excepcional.– Juan Pablo Ossandón

 

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48. Panopticon – The Rime of Memory
atmospheric black metal

La discografía de Panopticon es amplia. Se ha hablado de este cuerpo de trabajo como una rosa de los vientos entre el black metal más puro, el atmosférico e incluso el folk metal. Nada de esto es mentira. Panopticon ha abordado todas estas sensibilidades, incluso, hay algunas de sus producciones que efectivamente se van paseando como si efectivamente se intentara demostrar un punto o una serie de capacidades.

Por lo mismo, la forma de construir canciones en ‘The Rime Of Memory’ se hace particularmente llamativa. Esta vez la apuesta estuvo en grandes epopeyas del black metal atmosférico menos atmosférico (valga la no-redundancia). No hay tanto paseo entre lo limpio y etéreo y lo destructivo. El proyecto nos dejó un disco bestial y que no da ningún descanso, ni siquiera cuando podría ser con propósito de darle cierto guion a las idas y venidas de la brutalidad. Lo que si, no es para nada un disco carente de matices, muy por el contrario, todos estos minutos están muy bien empleado en presentar las ideas de forma coherente y siempre pensando en el bien de estas extensas canciones.- Nicolás Merino

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47. HMLTD – The Worm
rock opera · art rock · progressive rock

El álbum The Worm, del grupo HMLTD, define sólidamente lo que se conoce de la fusión del rock opera, el art rock y el progressive rock, una combinación con mucha potencia de por medio que busca sembrar en el oyente un dinamismo e impulsividad creativa que se ve ilustrada en el concepto de este lanzamiento.

Sus canciones definen un recorrido experiencial rico en variedad y dinámicas, hallando en estas ritmos frenéticos con pausas y momentos de reposo que posteriormente retoman en el ápice del rock opera, con sonidos de guitarras y batería fuertes acompañados de cantos acordes a la ambientación que genera The Worm y sus canciones.

El grupo a través del álbum ha consolidado sus géneros y afirmado las bases de estos, tomándolo como ejes para su desarrollo artístico y mostrando de sí una faceta artística que destacar.– Ricardo Parra

 

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46. Carly Rae Jepsen – The Loveliest Time
dance-pop

A estas alturas Carly Rae Jepsen es una de las artistas más importantes del pop actual, ya que en cada disco que lanza aparece esa incombustible personalidad que ha sabido retratar el dance-pop desde aristas tan clásicas como novedosas. Por lo mismo, ‘The Loveliest Time’ surge como una de sus obras más completas, sacando a relucir el buen tacto que posee para crear hitazos instantáneos como «Anything to Be With You», «Stadium Love» o «Shy Boy».

En ese mismo mood, la canadiense le atribuye nuevas formas a un repertorio engrosado por su distintiva personalidad, atenta a crear, a expresarse, pero también a divertirse. Bajo esta lógica, piezas como la desatada «Psychedelic Switch», la relajada «Kollage», o «After Last Night» con esa inquieta sección rítmica sobresalen y ponen la vara alta en el pop actual, conviviendo cada aspecto de su mágica interpretación, así como sus influencias enérgicas y melódicas del nu-disco o el alt-pop, en un tratado conciso y creativo de sus mejores cualidad. Siempre brillando.- Felipe León

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45. Parannoul – After the Magic
shoegaze · indie rock

‘After the Magic’ es esa dosis perfecta de un indie rock liviano que necesita reventar en ocasiones y liberar esa energía contenida, para transformarse en un shoegaze encantador y emocionante que coloca tus pelos de punta y te transporta a los escenarios imaginarios más épicos que tú puedas crear.

La preocupación del surcoreano por cada elemento presente es digna de admirar, ya que cada nueva oportunidad de escucha, significa descubrir un sonido o elemento nuevo que antes no estaba en presencia de nuestros oídos. Por tanto, es un trabajo para reproducir innumerables veces, presentando un encanto diferente en cada una.

Las aceleradas melodías en cada canción se ven atenuadas por una suave y melosa vez, que te obliga a prestarle atención cada vez que se hace presente, las cuales no son muchas dentro de cada corte, a pesar de sus largas duraciones.

Parannoul y ‘After the magic’, logran entregar un proyecto de shoegaze fuera del nicho clásico que este género arrastra, por lo que es super digerible desde el primer momento e incluso puede ser una gran inicio para quienes deseen adentrarse a este mundo. En cualquiera sea el caso, es un disco de 2023 que hay que escuchar al menos una vez, si o si.- Tomás Pérez

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44. Cruz Cafuné – Me muevo con Dios
trap

Si se tiene que definir este proyecto de 23 canciones y más de una hora y quince minutos de duración en una palabra, “ambicioso” le queda como anillo al dedo. Trabajo esperado por muchos, a tres años del último larga duración de Cruz Cafuné, ‘Me Muevo con Dios’ no defraudó y engatusó a la impaciente fanaticada del artista sin problemas.

A través de un relato que vacila entre la vanagloria y el enamoramiento, el artista se desenvuelve sobre pistas principalmente trap, circunstancialmente con atisbos de r&b, que entregan una notoria comodidad al intérprete, y que dan como resultado canciones sólidas e impactantes como “s3_e07_theboondocks_dvdrip.mpeg”, y otras mesuradas y vacilables como la destacable “Movezz en silencio”. Westside Gunn, Quevedo, Miky Woodz y varios nombres más terminan de dar dinamismo y forma a una sólida entrega que resulta sencillo destacar como uno de los discos hispanohablantes más atractivos del año.- Nicolás Rosales M.

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43. Brutalismus 3000 – ULTRAKUNST
uk hard house

‘ULTRAKUNST’ es su álbum debut feroz y seguro de sí mismo.. Un foco claro que se destina a una explosión alternativamente aterradora, con tintes de rabia y humor que suena como una fiesta descarrilada. El sonido que presentan los artistas tiene un fuerte roce con el punk, y está relacionado además con géneros como el trance y el electroclash. Esto acompañado de una fuerte capa de distorsión en las vocales y bombos que aterrizan como un fuerte terremoto en el pecho -sonido que los ha diferenciado en la escena techno-.

Su concepto está fuertemente influenciado sobre principios de la década de 2000, particularmente en temas como «GR3Y», donde las voces del track (que oscilan a través de sonidos vocálicos antes de aterrizar con un ruido ensordecedor al final de cada línea) es una viva imagen de los Crystal Castles o HEALTH. Con el mismo atractivo incómodo que convirtió a esos grupos en éxitos cruzados hace 15 años. Pero, ‘Ultrakunst’ es más que simples referencias de moda -o pasadas-, y posturas modernas. El dúo es un anti-techno y denuncia la escena mientras se burla alegremente de ella.- Jocsán Sánchez

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42. Ryuichi Sakamoto – 12
ambient · modern classical

Ryuichi Sakamoto nos invita a un íntimo encuentro en su álbum “12”. Cada nota de piano utilizada en las canciones, es una palabra que agregó al diario de vida que realizó el compositor durante el tiempo de creación de este disco.

La composición de las piezas musicales ocurrían en el momento de que Sakamoto perdía la batalla con su cáncer, por lo que son canciones meditativas hacia la muerte desde una forma de desahogo.

Mientras se escucha la respiración de él en algunas de las canciones finales, también suena un piano disonante con salidas de belleza; como si no todo estuviera perdido. Las melodías son calmadas, pacíficas y melancólicas y el conjunto de sonidos crean una atmósfera envolvente donde se puede contemplar la simpleza del minimalismo musical.- Consuelo Cruzat

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41. 100 gecs – 10,000 gecs
alternative rock · hyperpop

Con su clásico estilo irreverente, tras 4 años desde su primer álbum que los convirtió en uno de los principales exponentes en la escena hyperpop, 100 gecs estrenó su nuevo álbum en 2023. Tras haber tenido la oportunidad de colaborar con artistas como Fall Out Boy, Dorian Electra, Charli XCX e incluso remixear a Linkin Park y telonear a My Chemical Romance, el dúo llega con su segundo LP con un currículum musical mucho más experimentado, dándoles la oportunidad de combinar el género con la escena alternativa de una manera completamente natural.

Si bien son reconocidos por su hyperpop y música experimental, irónicamente lograron experimentar en este proyecto al tomar elementos de géneros más tradicionales como lo son el nu metal, ska y emo, y aumentar el uso de guitarras y bajos de manera más desnuda, pero a su vez manteniendo elementos propios de la banda, como lo es la lírica irónica, uso de elementos maximalistas o samples de sonidos poco convencionales (como, por ejemplo, el uso de sonidos de ranas en «Frog On The Floor»).

10,000 gecs logra ser el balance perfecto entre lo tradicional y lo experimental en el mundo alternativo, estableciendo un diálogo que logra abrir las puertas a nuevos oyentes no tan acostumbrados a sonidos maximalistas, y a su vez mantiene contentos a los oyentes de la banda en ambas escenas de las que son parte.– Constanza Machuca

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40. Gabriela Ponce – El sur del ser
hispanic american folk music · singer/songwriter

La artista colombiana Gabriela Ponce debutó con –el ya esencial– ‘El sur del ser’, desenredando y enredando a su voluntad una encrucijada de sonidos que oscilan entre lo idiosincrático y lo elegante. Y es que cada muestra de folclore desplegada se nutre directamente de la propia personalidad hipnótica de Gabriela, quien se sitúa como poetisa de versos introspectivos y trascendentales que encuentran todo tipo de vías para desparramarse en un trabajo de una producción ambiciosa.

Aún con la herencia clara que tienen los sonidos más folk, es imposible separar la nomenclatura presentada, en cuanto la relación es de un carácter simbiótico tal, que prevalece una performance intensa, y a su vez, llena de vida. Una obra maestra de la composición.– Juan Pablo Ossandón

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39. Travis Scott – UTOPIA
southern hip hop · experimental hip hop · trap

Tuvieron que pasar 5 años desde el lanzamiento ‘ASTROWORLD’ para que el hype y la especulación trajeran a flote ‘UTOPIA’ en 2023. Un proyecto diferente totalmente a lo que fue el trabajo lanzado en 2018, y que se decantó por acercarse al sector más experimental del hip-hop, combinando la novedad de sonidos con estilos característicos del trap proveniente de Travis. Un trabajo que intenta expandirse a territorios poco explorados por parte de “cactus jack”, aprovechando la aparición de sus numerosos artistas invitados, que abarcan una diversidad de sonidos cercanos al hip-hop y r&b.

Pareciera que en esta ocasión Scott, intentó dejar en segundo plano los típicos “bangers”, animandose y aventurandose por melodías y sonidos complejos de estructurar, ejemplo de esto se da con la duración de varios tracks pertenecientes al proyecto, donde se siente una atmósfera compleja que poco a poco se desenreda a medida que la canción avanza. De igual forma aquellas melodías pegajosas y que suelen hacer estallar sus presentaciones en vivo, fueron pieza importante de la hora y trece minutos de duración, encontrando un equilibrio llamativo en ‘UTOPIA’.- Tomás Pérez

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38. jaimie branch – Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war))
avant-garde jazz

Grabado tan solo unas semanas antes de que su discográfica International Anthem anunciara su repentina muerte a los 39 años de edad, ‘Fly or Die Fly or Die Fly or Die ((world war))’ es el último disco de jaimie branch como líder de banda.

Calificar este material como “intenso” es poco, y es que la destacada trompetista estadounidense lidera un proyecto que plantea instrumentales influenciadas por sonidos de distintos lados del mundo. Una atmósfera densa y cautivante, cuyo escenario imaginario logra cambiar a través de cada pista, logra dar espacio a todos los detalles que habitan en las diversas capas de cada track. Goce y caos convergen, en lo que pareciera ser una épica revolucionaria espesa, pero meticulosamente diseñada, a tal punto que pareciera que cada sonido tiene un lugar y propósito en este estructurado alegato.- Nicolás Rosales M.

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37. Foo Fighters – But Here We Are
alternative rock

El último trabajo de Dave Grohl y sus compañeros es sumamente devastador, e importa una absoluta necesidad para los músicos para procesar el abrupto fallecimiento de Taylor Hawkins, el icónico baterista de Foo Fighters, quien perdió la vida en marzo de 2022. Una noticia que tomó al mundo de la música por sorpresa, y que dejó en incertidumbre el porvenir de la agrupación de rock alternativo.

Sin embargo, ‘But Here We Are’ viene a sufrir todo lo que haya que sufrir, y a llorar todo lo que haya que llorar. No aparta el dolor a un lado, sino que lo hace propio, como una cicatriz imborrable que acompañará toda la vida de los músicos. En ese sentido, y encumbrando versos componentes de una genuina carta de amor de Grohl a su amigo, los Foo Fighters desplegan su álbum más inspirado desde ‘Wasting Light’ (2011), maniobrando un alternative rock que suena tan grandilocuente como introspectivo.

Quizás es efecto de la paleta de colores utilizada, no tan luminosa y extrovertida como la acostumbrada. Pero el contexto y estas nuevas ideas dejaron a su paso la posibilidad para que se levantasen tracks como la psicodélica y monumental “The Teacher”, o el grand finale absolutamente devastador “Rest”. 

Uno de los mejores regresos del año, y fácilmente el más honesto también.– Juan Pablo Ossandón

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36. Mitski – The Land Is Inhospitable and So Are We
singer/songwriter · indie folk

Tras ‘Laurel Hell’, un trabajo que recibió cierto recelo por parte de la crítica musical. Mitski vuelve a la palestra de manera bien contundente y categórica con ‘The Land is Inhospitable and So Are We’, un disco introspectivo y poderoso que cautivó a muchos este año.

No hay mucho que hablar de Mitski, sin duda es una de las cantautoras más expresivas de la última década. Una contienda que la catapultó al estrellato con discos, de los más aclamados, como ‘Bury Me at Makeout Creek’ (2014), ‘Puberty 2’ (2016) y ‘Be the Cowboy’ (2018). Una triada que mezcla mucho el indie rock más abrasivo y pues, en este último LP, las cosas se van minimizando un poco. Y es que la intromisión de un sello que bebe de una fuente de indie folk, nos hizo pensar que Mitski también puede hacer música “sad” menos abrasiva y más orquestal incluso. En una arquitectura de chamber pop que resuena en canciones como “Heaven” con esas deliciosas melodías de cuerdas, también pasando a composiciones de cantautora indie folk y americana como en “I Don’t Like My Mind” o “I’m Your Man”. La preciosa canción “My Love Mine All Mine” define muy bien el estilo que pretende llevar Mitski en su faceta indie folk. Uno más calmo y preciosista, sumergido en un letargo de desamor y catarsis pura.

No es sorpresa la calidad de composiciones que llega a procesar Mitski en un disco, lo mismo nos cautivó en sus discos anteriores tan expresivos como abrasivos a la vez. Y también lo define aquí con una triada espectacular de canciones para cerrar el larga duración, una peak monumental de elementos catárticos y rompedores. Sinceramente, Mitski se luce nuevamente con su lírica tan elegante, punzante y dramática. Su capacidad para fusionar lo íntimo con lo universal sigue siendo su sello distintivo, y en este último trabajo, lo ha elevado a nuevas alturas, consolidando su posición como una de las narradoras más poderosas y auténticas de nuestro tiempo.- Hernán Carrasco

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35. Tinashe – BB/ANG3L
alternative r&b · electronic

BB/ANG3L de Tinashe fue un estreno lleno de personalidad, impregnado de un nuevo estilo artístico, instrumental y musical que inspira el uso de nuevas herramientas para la creación de la música de la artista, reforzada de su estilo y propio desplante.

El disco expone una arista que se explora y de la que se desvela una faceta musical distinguible, explorando a través de la electrónica y del alternative r&b una combinación atractiva, la que se ve también nutrida de la interpretación lírica de la cantante, elemento que también caracteriza en gran parte lo que se aprecia del álbum a modo general, estando en este último elemento representada en gran parte la personalidad que se destaca, de índole y rítmica trap pero en conjunto a una suave voz.

Formando así un estreno que destacó en la escena por su innovación y muestra de imagen, destacando para la artista este gran lanzamiento.– Ricardo Parra

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34. Jeromes Dream – The Gray in Between
screamo · noise rock

‘The Gray in Between’ es un retorno a lo emocional de los 2000, pero esta vez de una forma más madura tras el paso de los años. Jeromes Dream con brutalidad nos trae un angustiante pero catártico disco, demostrando su estilo ruidoso, de mucha energía y violencia sonora, donde aún así encontramos momentos de descanso melódicos entre tanto caos, ruido y gritos.

Durante el disco se tratan temas como la ansiedad, el aislamiento y los miedos que son verbalizados por Jeff Smith, a través de su poderosa e inquietante voz.

Cabe destacar que colaboraron con el productor Jack Shirley, quién fue encargado de producir ‘Sunbather’ de Deafheaven, lo que fue un gran acierto para la banda.- Consuelo Cruzat

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33. Black Country, New Road – Live at Bush Hall
art rock · progressive pop · chamber pop

Desde el 2022 que se puede decir con facilidad que Black Country, New Road es la banda de rock más importante del momento. Pequeño percance: esa responsabilidad debió conciliar con la salida del miembro cabecilla de la banda, Isaac.

Fuera de lo lamentable del hecho, lo que es de aplaudir es que dicho gran golpe pasó por una resolución artística. Y eso es lo que viene siendo ‘Live At Bush Hall’. Este lanzamiento es el registro multiplataforma de un cuidado concierto con la nueva formación de la banda (la misma gente pero con otros roles). Se trata de un puñado de canciones nuevas, esta vez guiadas por otras sensibilidades y cierta alteración en la dirección artística. Nos encontramos con un trabajo instrumental algo más descuidada en la exposición de sabores del rock con el que la banda se manejaba antes. Pero esta vez siendo el trabajo dotado de una emocionalidad que se mueve por caminos considerablemente distintos a los previamente presentados.

Es claro que la banda no es exactamente la misma, por lo mismo, la existencia de este disco incluso pasa como una declaración de principios que excede el apartado artístico y llega al nivel de estrategia comunicacional: “ahora somos así y sonamos así”. No por esto el mundo va a dejar de tener la lupa encima de las canciones y las facultades puramente musicales que la banda tiene para aportar, que por cierto, vaya que las tiene. Aún con todas las consideraciones extra-musicales (muy probablemente insolubles de la propuesta nodriza de la obra), el disco no deja de cumplir con la vara de la banda. Estas canciones están a distancias abismales de ser algo así como una excusa. Lo hicieron de nuevo y seguramente queden un buen par de años en permanente expectación de lo que venga. No dejemos de considerar que su prolijo cuerpo de trabajo se ha compuesto de un lanzamiento discográfico anual.- Nicolás Merino

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32. McKinley Dixon – Beloved! Paradise! Jazz!?
jazz rap · conscious hip hop

‘Beloved! Paradise! Jazz!?’ Es un disco hermoso de McKinley Dixon que tiene bien merecido gran parte de los elogios. A vistas generales, este transmite las emociones de tragedias humanas para crear música increíblemente conmovedora. El álbum es probablemente uno de los trabajos más profundos del artista, con un fuerte tema de reflexión sobre las personas que se le cruzan por su camino, ya sea que todavía estén presentes o no.

Los “eventos canónicos” de la vida por los que pasa McKinley (háblese desde infancias complicadas hasta familias desordenadas), como también el tesoro de los amigos que ha ganado en su vida. Sobre estos temas hay una escritura maravillosa, y cada canción tiene un nivel de emociones cautivadoras en la interpretación y el lirismo del cantante, que lo convierten en un hip hop más contundente. Prácticamente, su música es una poesía con dedicatoria a sí mismo, para quienes hayan pasado por aquello se puedan refugiar en su historia… no están solos.- Jocsán Sánchez

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31. Lonnie Holley – Oh Me Oh My
soul

Si bien la pasada década ya contaba con algunos pasos relevantes en la carrera musical del artista visual Lonnie Holley, es en ‘Oh Me Oh My’ donde sale a flote todo el potencial que posee a la hora de crear experiencias sonoras. Por lo mismo, los 50 minutos de duración son empleados en pos de lograr un efecto cohesionado entre las distintas atmósferas que sucumben ante tan apasionante interpretación, consumando momentos reveladores que no temen a ir más allá, sin descuidar el corazón mismo del álbum.

El artista unifica diversas fuentes sonoras en una obra ambiciosa, que en su aparente extrañeza encuentra el coraje necesario para plantarse del modo más genuino posible. ¿El resultado? Una ecléctica obra con credenciales suficientes para replantear lo que entendemos como soul hoy en día, adoptando influencias que claramente recaen en la época dorada del género (finales de los 60’s y comienzos de los 70’s), pero también en el hoy. Sin contar la cantidad impresionante de nombres como Michael Stipe, Moor Mother o Bon Iver, y que al igual que Lonnie, son despojados de su ego para así formar parte de un disco lleno de cuestionamientos y verdades constatadas.- Felipe León

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30. Squid – O Monolith
art punk · experimental rock

El 2021, Squid se insertó entre las bandas más celebradas de esta cacareada nueva ola del rock británico. Ellos desde la esquina del art punk con su disco ‘Brigth Green Fields’, una placa excéntrica y atolondrados pasajes. Ahora, haciéndonos la pregunta de qué parte de eso fue lo que quedó, la respuesta no es tan sencilla. Pues en esta oportunidad Squid vuelve con un disco de rock experimental pero con toda la energía y potencia punzante propia de la sangre con la que debutaron.

El espacio para el maximalismo está. Además, muy bien cubierto. Por otro lado, todo ese espacio que el álbum se da para respirar es ocupado por toda una sarta de intervenciones rítmicas que empujan al disco y su escucha a los lugares más fascinantes. Todo esto cuando no simplemente se está exponiendo un disco de rock que sencillamente ha logrado dar con grandes canciones a partir de una producción atractiva y composiciones elegantes, que vendría siendo algo así como la primera mitad de la placa. Luego entra la locura. El resultado es un álbum perfectamente balanceado y una subida de nivel considerable para la banda. Sigue siendo de las que tiene al público alerta.- Nicolás Merino

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29. Kara Jackson – Why Does the Earth Give Us People to Love?
singer/songwriter · contemporary folk · chamber folk

En su conjunto, lo que ofrece Kara Jackson en este primer ejercicio en larga duración resulta llamativo por la forma directa, poética y sobrecogedora de tratar temas como la muerte y la existencia misma. Sin embargo, es la sola presencia de su voz en medio de los tantos debates que expone, lo que motiva a adentrarse en las introspectivas aguas que inundan este especial testamento titulado ‘Why Does the Earth Give Us People to Love?’.

Ya con el solo título se puede inferir por donde va encaminado el disco, y claro, la honestidad brutal de sus líricas captura a la perfección esa aceptada desazón por hechos en la vida humana que cuesta comprender, y mucho más aceptar. De este modo, la artista recorre distintos motivos sin ceder una pizca de integridad. Si hay que aventurarse en la producción lo hace como en «Dickhead Blues» y su cambiante forma, así como la desgarradora «Brain», la oscura «Rat», o el poderoso himno «No fun/party». Todo en este disco está condicionado a su estado anímico, donde cada canción se abre a lo que Kara Jackson busca expresar. Un trabajo ideal para quienes disfrutan la cantautoría.- Felipe León

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28. Liturgy – 93696
avant-garde metal · black metal

Con cada lanzamiento, Liturgy se encarga de representar su trascendencia en el black metal entregando un catálogo de elementos teológicos y filosóficos dentro de la composición artística y musical. ‘93696’ es el número que representa al cielo dentro del cristianismo y la corriente filosófica thelema. La líder de la banda, Haela Hunt-Hendrix divide el album en las cuatro leyes que gobiernan su concepción de lo que es el cielo: soberanía, jerarquía, emancipación e individuación.

El álbum producido por Steve Albini, es una buena representación de lo que es el metal experimental, donde mezcla sonidos pesados junto con otros más delicados y suaves. Podemos encontrar cantos corales junto a agresivas guitarras eléctricas que se glitchean, también violines y órganos con baterías potentes.

Es un disco extenso, de 1 hora y 22 minutos, donde hay variados elementos traídos de la música cristiana unida a lo que es el black metal, junto con una visión estética y lírica muy ligada al pensamiento filosófico-religioso de la vocalista.- Consuelo Cruzat

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27. Olivia Rodrigo – GUTS
pop rock · singer/songwriter · alternative rock

La década del 2020, si bien ha sido bastante reciente, ha sido increíblemente positiva para el boom de la carrera de Olivia Rodrigo, con un crecimiento exponencial que no ha dejado de parar. Y es que con sus elementos de pop rock, pop punk y rock alternativo, la artista ha logrado conectar con una masiva audiencia gracias a su gran rango de emocionalidad, siendo ‘GUTS’ un claro ejemplo de esto.

Rabia, amor, arrepentimiento y vergüenza, son sólo algunas del gran espectro de emociones que Olivia Rodrigo logra exponer en su segundo álbum, ‘GUTS’, y que logran conectar con la general experiencia femenina de crecer bajo un sinfín de cambios, tanto en el aspecto introspectivo, como en la sociedad, y en las relaciones interpersonales. Todo esto bajo el deslumbrante talento de Olivia, con líricas escritas con la más precisa delicadeza, y una voz transversal a cada emoción, logrando una pieza de 39 minutos que, frente a tanto rango de emociones, acaba sintiéndose como mucho más.– Constanza Machuca

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26. Jessie Ware – That! Feels Good!
disco · dance-pop

‘That! Feels Good’, es un disco que gracias a adelantos tan sobresalientes como «Free Yourself» o «Begin Again», confirma su excelente rigidez y esclarece que Jessie Ware viene por la corona. Quizás no es Dua Lipa o Beyoncé, pero ha hecho más que nadie, con un discurso abiertamente a favor de la libertad y el placer sexual.

El disco abre con voces en polifonía recitando ese «That! Feels Good» de una forma en la que parece claro lo que quieren. Así cuando la línea de bajo tan funk, uno ya tiene claro que esto es R&B del bueno que nos presenta un concepto claro: «Pleasure Is A Right».

Bajo una estética vintage de la música disco de los 70’s, La pista de baile se abre ante nosotros. Jessie Ware se encontró a sí misma ‘That! Feels Good’ y no tiene ninguna intención de desertar el camino encontrado, ni la pista habilitada para la fiesta. A mi apreciación, su corona ya debería estar entregándose.- Jocsán Sánchez

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25. betcover!! – 馬 (Uma)
jazz rock · art rock · progressive rock

El grupo Betcover!! siguió con su secuencia de álbumes anuales con su nuevo estreno, posicionándose como un referente de la escena respecto al jazz rock, art rock y progressive rock debido a lo que han demostrado a lo largo de su trayectoria, formando una identidad en este nicho ya reconocido por los fans luego de sus cinco álbumes publicados a la fecha.

El álbum sigue expandiendo las aristas de desarrollo en las que el grupo ha demostrado un notable dominio, aunque en esta ocasión sí se nota un mayor énfasis por acentuar aquellas sensaciones más orientadas a lo frenético y lo energizante, comenzando con una explosión de esta índole en su primera canción y denotando un estilo a seguir en la experiencia a la que el oyente se abre, manteniendo está intensidad con variaciones instrumentales y rítmicas, con remarcados riffs y líneas de bajo que hacen única a cada canción y que en definitiva no dejan espacio a aburrirse de escuchar el disco, ya que cuando pareciera que ya se acostumbra a escuchar alguna parte ya se cambió de canción y viene una nueva pieza con esta creativa composición.– Ricardo Parra

 

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24. Kelela – Raven
alternative r&b · electronic

El regreso que demoró en concretarse, pero que una vez acontecido, vaya que valió la pena. Y es que Kelela toma las cosas justamente desde donde las dejó allá por 2017 con su debut ‘Take Me Apart’, en una búsqueda constante e implacable por develar texturas ideales para posar sus líricas.

Y es que, tomando el alternative r&b de lozana producción como el núcleo de ‘Raven’, diversas formas de electrónica como el breakbeat y el ambient van dibujando los escenarios en el que los cuestionamientos de Kelela tendrán lugar. Después de todo, es justamente la sumersión como metáfora la constante de este trabajo, presentando una y otra vez conflictos de nadar en contra de la marea o dejar atraparse por el deseo –que en distintas ocasiones alude como algo inevitable por lo dañino que pueda ser–.

Así las cosas, ‘Raven’ es un regreso de alturas que invita a perseguir dicho flujo súbito e implacable, entregando una colección de canciones de pulso profundo.– Juan Pablo Ossandón

 

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23. Dano – EL HOMBRE HACE PLANES, DIOS SE RÍE
boom bap · abstract hip hop

‘EL HOMBRE HACE PLANES, DIOS SE RÍE’ es un proyecto dividido en dos, debido a sus intenciones en cada parte. Un Álbum principalmente para quienes disfrutan de proyectos hip-hop con una propuesta mucho más extensa, tanto de tiempo como de contenido.

Partiendo principalmente por la convocatoria de sonidos, desarrollando a lo largo de su duración algunos pergaminos provenientes del r&b y el jazz rap. En consecuencia de lo anterior, el proyecto presenta un estilo relajado y enfocado principalmente en la lírica y métrica, siendo Dano quien comanda las batallas y no las pistas a Dano.

Además, la producción es otro punto a destacar, preocupado de crear una atmósfera única para cada canción, la cantidad de elementos presentes en cada una de ellas, llama mucho la atención, tanto por su ejecución como por la calidad con las que fueron colocadas. A pesar de ciertos elementos que en ocasiones se pueden sentir excesivos, la gran parte de estos logra dar en el clavo.- Tomás Pérez

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22. Wednesday – Rat Saw God
indie rock · noise rock · alt-country

En pocas palabras: Una obra maestra del indie rock. Como si se dedicaran a dar cátedra del popular género, Wednesday tomó elementos del  country para fusionarlos con su faceta más ruidosa y dar como resultado un quinto álbum expresivo, intenso y muy sólido. Melodías vocales propias del género oriundo de las regiones rurales del Sur de Estados Unidos se despliegan sobre instrumentales que se desarrollan sin cuidar su intensidad, a tal punto que llegan a su pick enérgico en pasajes propios del noise rock, como en el track que abre el disco “Hot Rotten Grass Smell”. En contraparte, canciones como “Formula One” entregan al oyente la correspondiente melancolía propia de un buen disco de indie rock, mientras que “Bull Believer”, por su parte, es el himno de rigor.

Guitarras que no son reacias a pesar a ratos, junto a una apasionada lírica que logra dar vida y voz a cada emoción que contiene el álbum, son pilares fundamentales de un material que pareciera haber salido de una licuadora que mezcló a Big Thief con My Bloody Valentine, y que absorbe al oyente desde el primer minuto.– Nicolás Rosales M.

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21. Laufey – Bewitched
traditional pop · singer/songwriter

Laufey, la talentosa artista islandesa, emerge triunfante en el escenario musical comercial con su álbum ‘Bewitched’, marcando un hito significativo al explorar el sonido primigenio y clásico del pop occidental. Distinguiéndose de otras figuras contemporáneas, Laufey fusiona pop tradicional y jazz vocal, rindiendo homenaje a los grandes del jazz mientras teje una narrativa de amor no correspondido en su último lanzamiento.

El álbum, una experiencia agridulce, revela la fragilidad y sutileza de Laufey a través de composiciones melódicas y arreglos instrumentales cautivadores. Desde el scat al estilo de Ella Fitzgerald en «From the Start» hasta la inclusión de una orquesta filarmónica en «California and Me», «Bewitched» crea un mundo encantador y atemporal. Aunque enraizado en el pop tradicional, Laufey desafía ligeramente el esquema con momentos como «Lovesick» y una reinvención de «Misty», mostrando una modernidad equilibrada con una base estilística orgánica.

El álbum captura la esencia de la música pop occidental en su forma más primigenia, ofreciendo una porción importante de la historia musical. Aunque no es un disco de jazz, ‘Bewitched’ es una obra que trasciende el tiempo, invitando a la reflexión sobre el amor y la belleza efímera de las experiencias humanas. En este puente entre generaciones y estilos, Laufey deja un eco atemporal que resuena en el corazón de sus oyentes.- Hernán Carrasco

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20. billy woods & Kenny Segal – Maps
abstract hip hop · jazz rap · conscious hip hop · east coast hip hop

Nuevamente la dupla entre el rapero billy woods y el productor Kenny Segal vuelve a conquistar los oídos de los oyentes del hip hop.

En el momento que se expresa la creatividad lírica de billy, lo acompaña una atrayente, oscura o vibrante y atmosférica producción musical por parte de Kenny. Es un viaje anímico que se complementa con la música. Es decir, según el estado de ánimo que posee el rapero, se le va acompañando con una instrumental adecuada; esta es una de las características principales del álbum.

Hay algo muy particular entre la colaboración entre este dúo, algo que ya hemos visto en lanzamientos pasados, como en el renombrado ‘Hiding Places’ y es que podemos comprobar la sintonía que existe entre ambos artistas simplemente con escuchar la música que publican.

Además de las dos mentes maestras detrás de este brillante trabajo, cabe destacar las grandes colaboraciones que encontramos, tales como Quelle Chris, Danny Brown y Aesop Rock, entre otros, que son raperos que van muy acorde a la sonoridad que desea presentar el álbum.- Consuelo Cruzat

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19. Ana Frango Elétrico – Me chama de gato que eu sou sua
sophisti-pop · funk

Ana Franco Elétrico sorprende con su lanzamiento titulado Me chama de gato que eu sou sua, un disco que posiciona al funk como gran fundamento y sigue sus bases, retocando este género y dándole una identidad basada en su sello artístico personal, formando así un estreno impregnado de un estilo distintivo y original en el medio, añadiéndole un sophist-pop inversivo que le da una sensación renovada al género.

Sus canciones siguen esta índole y expanden el área que cubre el funk, teniendo en cada canción rítmicas y líneas de bajo propias de este pero en conjunto a toques y gran variedad creativa de otros estilos que la artista ha hecho propios de sí y a partir de ellos ha formado su identidad, como también hacerse el lugar para tener su público.

El álbum resulta muy divertido de escuchar y de apreciar en lo general y en los pequeños detalles, de los que también se desprende una atención a aquellos momentos donde baja la rítmica y resuena más lo lírico junto con el instrumental que la acompaña, como también el adherirse y dejarse llevar por las sensaciones que los ritmos más remarcados proponen.– Ricardo Parra

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18. Tainy – DATA
reggaetón

17 años han transcurrido desde la primera vez que Tainy pegó un temazo con su trabajo como productor en el mundo del reggaeton. Ahora con una carrera pavimentada y toneladas de experiencia encima, el originario de Puerto Rico lanza su segundo álbum durante este pasado 2023, ‘DATA’. Y es que, colaborando con algunos de los exponentes más clásicos del género, sumado a la frescura de artistas en ascenso, y sus magníficas habilidades en los controles.

‘DATA’ es una cátedra respecto a cómo realizar reggaeton proveniente de los 2000´, y otorgarle una frescura propia mediante elementos actuales, realizado con un carácter minucioso y preocupado hasta del más mínimo detalle, siempre cuidando el alma y la esencia del proyecto.

Un trabajo que solo reafirma a Tainy como uno de los grandes productores musicales del siglo XXI, demostrando aquella genialidad a la hora de crear sonidos, donde cada pieza se diferencia de la anterior y genera su encanto propio, siempre manteniéndose dentro de las vertientes del reggaeton, algo que se puede escuchar a lo largo de la hora de duración del álbum.- Tomás Pérez

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17. Yves Tumor – Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)
neo-psychedelia · post-punk

No es novedad que Yves Tumor es uno de los grandes que llegan a desafiar lo divino. Su propia figura y discografía imponen sonidos psicodélicos que rodean variados géneros, y lo hacen parecer una especie de ser omnipotente y metamórfico.

‘Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)’, es un proyecto atrevido y conceptualmente extraño -característica clave a la hora de comprender el mundo sonoro del artista-. Los bajos prominentes, las guitarras del post-punk y tintes de teclados góticos, lo convierten en un disco completo en muchos aspectos de su tracklist.

Temáticamente, Tumor todavía presenta sus roces con lo macabro. “God Is a Circle”, inaugura el álbum que encarna una respiración agitada, algo así como una inmersión de paranoia claustrofóbica. El artista contempla con mucho cuidado preocupaciones más tiernas y directas -logradas de tal forma que se sensibiliza el concepto del álbum-, y a lo largo de las pistas un remedio esquivo para su molestia… catalogada como Dios.- Jocsán Sánchez

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16. ANOHNI and the Johnsons – My Back Was a Bridge for You to Cross
singer/songwriter · soul

Cada disco estrenado por ANOHNI puede ser percibido como una catarsis. Un efecto liberador que al mismo tiempo busca conciliar ciertas complejidades del pasado/presente de una artista que constantemente luchó contra sus demonios, sin contar victorias o derrotas, más bien sufriendo las consecuencias de ser quien es: un alma incomprendida. De aquello ya hablaba en su clásico ‘I Am a Bird Now’ (2005), pero casi 20 años pasaron y ‘My Back Was a Bridge for You to Cross’ no es otra cosa más que una aceptación de si misma.

En el mejor de los sentidos posibles, este trabajo acude al llamado de encandilar a oyentes con una mezcolanza de ideas que reposan en la nostalgia, sí, pero que viven el presente desde su historia. Es precisamente ese carácter retro de un soul llameante de sensibilidad lo que determina ese acercamiento conmovedor y accesible de su música, siendo un disco que como es costumbre en su autora, pone el corazón en cada frase mencionada, instrumento orgánico tocado o memoria revitalizada.

Por lo mismo, piezas como «Sliver of Ice» o la increíble apertura de «It Must Change» -ambos himnos al más puro estilo de ANOHNI and the Johnsons-, se cohesionan con ese toque más de construcción de intensidad que ofrece «Rest». Mientras que la estimulante «It’s My Fault» o la apasionante «Why Am I Alive Now?» condensan esa «extraña belleza» que habita en ‘My Back Was a Bridge for You to Cross’, como un todo que sacude hasta lo profundo.- Felipe León

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15. yeule – softscars
dream pop · indietronica

Con un sonido cargado de influencias que van desde el rock alternativo de los 90s hasta el actual noise pop, esta caótica entrega expresa un férreo desahogo plagado de alusiones a la era digital. A lo largo de poco más de 40 minutos, Yeule pasea por la delgada línea que separa lo humano de lo artificial a través de un íntimo relato, que muestra vulnerabilidad e introspección, a tal punto de expresar literalmente que desearía ser especial -en 4ui12-.

Caótico a ratos, pero también mesurado en función de lo que se narra, ‘Softscars’ a nivel sonoro es exploración pura y dura. Pasajes ruidosos, en los que el Fuzz trata de arrebatar el protagonismo a las melodiosas líneas vocales, convergen con secciones puramente digitales repletas de diversas texturas. Tracks como “Cyber Meat” evocan el Pop-Punk dosmilero, mientras que “Dazies” fácilmente podría ser un himno del Shoegaze, en lo que desde afuera pareciera ser una ensalada de sonidos que en el papel cuesta visualizar combinados, pero que en la práctica, llevada a cabo por Yeule, resultan en una cohesionada y pegadiza pieza más que recomendable para cualquiera que desee aventurarse en el amplio -e intrigante- mundo que nos plantea lo digital.– Nicolás Rosales M.

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14. Sprain – The Lamb as Effigy
experimental rock · post-rock · noise rock

A pesar del corto y efectivo tiempo en que Sprain se mantuvo vigente, luego de anunciar su separación en Octubre del 2023, dejándonos con sólo dos álbumes de estudio a disposición, nos tomó por sorpresa. Una sensación agridulce, un poco porque el material de Sprain había llegado a su apogeo con su último LP, ‘The Lamb as Effigy’. Sin duda, su mejor trabajo.

En un larga duración de casi 96 minutos, Sprain condensa un manifiesto existencialista de una complejidad inigualable. El sustento que nos da la banda en una suerte de post-rock/ rock experimental con varios tintes de noise eock, lo hace un trabajo sumamente difícil de digerir. Y es que en este cancionero hay tracks de hasta 24 minutos, tal como el título “Margin for Error” o “God, or Whatever You Call It”, en el cierre del disco. Y sin lugar a duda, la desesperanzadora misión de Sprain de conjugar todos estos elementos nihilistas, oscuros y ominosos en un ecléctico y trastornado LP, que bebe de influencias del totalismo de Glenn Branca o el post-rock/no wave de Swans. Incluso de la maestría dantesca e incendiaria de Sonic Youth en el lado más abrasivo, es que lo hace un álbum gigante.

Y por si fuera poco, la dolorosa narrativa de Alex al invocar a este “Cordero” en el cierre, es el clima ideal de la ansiedad misma. Un fatalismo portentoso que no deja respirar en cada acorde y lírica, envolviendo una atmósfera de penuria y manía lúgubre. Una escucha difícil, pero cautivante, sin ninguna duda.- Hernán Carrasco

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13. Amaarae – Fountain Baby
alternative r&b · alté · afrobeats

Una de las grandes sorpresas de 2023 fue ‘Fountain Baby’ de la artista ghanesa-estadounidense Amaarae, el que se levanta como uno de los trabajos de pop más exhuberantes y coloridos, enriquecido por toda la herencia del afropop.

Pero la forma en que todo fluye de una forma tan magnética viene justamente del hedonismo emanado en la articulación de estas historias de deseo y sexualidad, dando como fruto una bohemia sumamente sofisticada que entrega todo el calor necesario. Cómo no, si el r&b alternativo nunca se había sentido tan vívido como en esta obra, una totalmente excepcional que posiciona rápidamente a Amaarae como uno de los nombres más fascinantes de la actualidad en lo que a pop y r&b respecta.– Juan Pablo Ossandón

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12. Jeff Rosenstock – HELLMODE
power pop · pop punk

¡Pero qué bombazo de disco! ‘HELLMODE’ presenta a un Jeff Rosenstock conectado con su presente, mostrándose como un testigo protagonista de su propia historia al observar cómo se desenvuelve su salud mental en un contexto tan frágil. En ese sentido, no hay mejor forma para el artista que lidiar con ello de forma terapéutica prácticamente, desnudando su vulnerabilidad de múltiples formas.

Y digo múltiples formas porque no sólo se trata de un Rosenstock más maduro a la hora de enfrentar estos tópicos, sino que toda la herencia de su cuantiosa carrera se hace visible de diversas formas en este trabajo. Y es que sí, Jeff Rosenstock es fácilmente el baluarte más importante del pop punk en el presente –en lo que creatividad respecta–, y en ‘HELLMODE’ eso se vislumbra desde la abundancia. 

De esta forma, el último trabajo del artista contiene un abanico de sonidos conjugados de formas impredecibles. Un escenario ideal para mostrar la maleabilidad del pop punk junto a subgéneros como el indie rock y el power pop, e incluso secciones más gritonas venideras directamente desde el post-hardcore o la velocidad del skate punk. Joya.– Juan Pablo Ossandón

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11. Armand Hammer – We Buy Diabetic Test Strips
experimental hip hop · abstract hip hop · east coast hip hop

A lo largo del año, pocos -y por no decir nadie- apuntó y llegó con éxito al nivel de técnica materializado en ‘We Buy Diabetic Test Strips’. No hay duda de que el hip hop experimental está en un altísimo nivel de competencia, e hilando más fino, la intersección de este último con el hip hop abstracto (a lo que apunta Armand Hammer) no se queda nada atrás. Entonces si, existe ese nivel de ambición dando vueltas, pero la manera tradicional en que Armand Hammer aterriza las virtudes de un disco de hip hop cerebral es digno de la más pura fascinación. Esa que a algunos más nostálgicos les puede hacer recordar por qué aman el hip hop.

Lo más destacable es la performance vocal. Esta llega a niveles absurdos en sus ocurrencias de lo más impredecibles o “arrítmicas”. Nunca dejando de lado las rimas más duras o esa base en lo que entendemos como una barra planteada de forma convencional. Sigue siendo un disco muy exhaustivo en la exposición de las habilidades. Sin ninguna vergüenza ni motivos para siquiera considerarla, pues de nuevo, el nivel técnico es legítimamente deslumbrante.

Y todo esto sobre beats que pueden parecer muy esqueléticos pero que también considerar un nivel de detalle que ya le gustaría tener a tantos productores que parecen relajarse en las convenciones del mimetismo del jazz que ofrece la caricatura del hip hop abstracto. Esa reserva de Armand Hammer a deslumbrar con los beats más improbables o locos simplemente no está, pero se suple con el baile de ocurrencias de lo más exigentes en términos técnicos tanto para efectos tecnológicos como hasta humanos.- Nicolás Merino

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10. Paramore – This Is Why
post-punk revival

Luego de una carrera tremendamente exitosa por más de una década, renovarse como banda y mantener la fanaticada es uno de los desafíos más difíciles, siendo exactamente lo que Paramore consiguió con ‘This Is Why’. Dejando un poco atrás los elementos pop punk, el álbum aprovecha los mejores elementos del post-punk revival para generar un producto no sólo rico en riffs llenos de groove en guitarra, sino también de llenarse de crítica y utilizando esta música para dejar un fuerte mensaje, evidente en canciones como “The News” y “Big Man, Little Dignity”.

En este álbum, Paramore mantiene las emociones características de su carrera, pero de una forma mucho más madura y compleja, con una emotividad inclinada hacia la resiliencia, no sin antes dejar siempre una enseñanza y análisis al oyente. Una de esas escuchas que no sólo son entretenidas por el ritmo que te hace querer bailar, sino también nutriéndote en nuevas reflexiones.– Constanza Machuca

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09. Sofia Kourtesis – Madres
deep house · latin house

Un primer larga duración nace de la mano de Sofía Kourtesis, adentrándose en las profundidades del house, específicamente con una mezcla cautivadora entre el deep y el latin, sacando a relucir los elementos más jazzeros y con presencia de sonidos lentos, construyendo una nube de calma que se adorna y complementa con piezas latinas dentro del beat. Sonidos provenientes de instrumentos como panderos, timbales y xilófonos entregan un sonido delicado pero enérgico, con una estructura refinada pero con todo el sazón que se pueden encontrar en las influencias de Latinoamérica.

Sumado al aspecto sonoro, ‘Madres’ explora temáticas líricas que afloran una mayor cercanía con lo que es Latinoamérica en sí, ya sea hablando de la pérdida y el recuerdo como de la admiración. Elementos que salen a flote de vez en cuando, y que lejos de ser solo un añadido le dan mayor carácter al disco.

Esta combinación curiosa y atrevida, resulta en uno de los proyectos ambiciosos del 2023, en un contexto donde el house usualmente presenta una estructura con menos elementos, algo que es de valorar rotundamente al ir estos en un ascenso constante. ‘Madres’ es un gran paso tanto en la carrera de Sofía Kourtesis, como en una revolución de los sonidos house.- Tomás Pérez

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08. King Gizzard and the Lizard Wizard – PetroDragonic Apocalypse; or, Dawn of Eternal Night: An Annihilation of Planet Earth and the Beginning of Merciless Damnation
progressive metal · thrash metal · stoner metal

El lanzamiento del disco de King Gizzard fue algo que removió la escena notablemente a la brevedad de su estreno, dejando al público en general sorprendido por el nuevo desplante que expresaban en esta ocasión, distintivo por lo diferente que es pero que a la vez se acopla a lo que se podía esperar del grupo, en esta ocasión focalizado al metal y algunas de sus variantes.

En general el álbum presenta un proyecto ambicioso que logró concretarse y en definitiva tomar su lugar en la escena, despertando en esta a su fanaticada y a aquellos nuevos que llegaban por su familiaridad con el género, simpatizantes y conocedores de este que a lo largo de su trayectoria ha pasado por grandes momentos que precisamente el grupo aquí eleva, apropiando sus elementos para formar algo nuevo, de calidad y de notable desplante.

PetroDragonic Apocalypse no puede describirse como un disco de metal que aborda lo más pesado del género, ya que más bien pareciera dejar de lado esta intensidad para dar lugar a lo creativo y lo propio, demostrando que con esta característica se logra hacer música notable, tampoco obviando que las intensidades varían y que es precisamente en esos intervalos y sus rítmicas más recurrentes donde resalta esta originalidad.– Ricardo Parra

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07. George Clanton – Ooh Rap I Ya
chillwave · neo-psychedelia · baggy

La década de los noventa fue una era donde hubo una explosión sonora de música ambiental bailable, dandole uso a pistas musicales suaves junto a voces de artistas que cantaban encima coros pegajosos para hacerlos éxitos radiales poperos. ‘Ohh Rap I Ya’ trajo a la actualidad todos esos elementos noventeros, haciendo una especie de resurgimiento de una sonoridad nostálgica dentro del album.

George Clanton nunca deja de lado el enlace de su música que tiene con su trayectoria, ya sea en trabajos pasados como ‘Slide’ o ‘200% Electronica’ de su proyecto Esprit; ya que utiliza melodías de sintetizadores y texturas sonoras similares que hacen sentir que este último album fuera una fusión de todo lo que él ha creado como artista, desde que comenzó a hacer pública su carrera.

Después de 5 años sin lanzar un disco, logra llenar las ansiadas expectativas de los fanáticos trayéndoles una evolución de lo que ha sido su trayecto en la música, con canciones mucho más pegadizas y con letras tan cotidianas que te logras identificar en ellas.- Consuelo Cruzat

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06. boygenius – the record
indie folk · singer/songwriter · indie rock

‘The Record’ es una entrega que fusiona todo lo que Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus mejor saben tratar: vulnerabilidad, amor/desamor e introspección. Con líneas poéticas y metafóricas, pero también con otras literales y directas, este armonioso álbum debut se asienta en un cambiante indie rock, que no teme a intensificarse o mesurarse según lo que requiera cada relato, como si se tratase de una compleja y efectiva fórmula para evocar emociones.

La simpleza de “Cool About it” o “Leonard Cohen” contrastan con las ricas texturas de “True Blue” o “Anti Curse”, como también se contraponen a la intensidad de “Satanist” o “Not Strong Enough”; pero en conjunto, todo se cohesiona para abrazar al oyente canción por canción, como si cada una estuviese hecha para él. Y de eso se trata, sentir lo que pareciera que Baker, Bridgers y Dacus escribieron con una dedicatoria que tiene el nombre y apellido del oyente, porque como dice “True Blue”: “it feels good to be known so well”.

Sin dudas, un trabajo merecedor de los elogios y reconocimientos que se le han hecho desde los primeros días tras su estreno, entre los que cabe destacar sus seis nominaciones a los Grammy, incluida en ellas su participación en la categoría “Mejor álbum del año”; elogios y reconocimientos que seguirán surgiendo con el paso del tiempo.– Nicolás Rosales M.

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05. Lana Del Rey – Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd
singer/songwriter · art pop

En el marco de una turbulenta carrera como ha sido la de Lana, difícilmente quede mucho más que gratificarse con el altísimo nivel alcanzado en su última producción. ‘DYKTTATUOB’ propone un nivel de dimensión inédito para la artista. Tras atravesar una buena gama de sensibilidades que ofrece el espectro del pop (particularmente mesurando y jugando con los niveles de optimismo e inmediatez), esta vez optó por inclinarse hacia la cara más profundamente densa del art pop.

Su última placa viene a presentarse como un disco al que hay que entrar como si fuese una dimensión alternativa. El disco presenta una inmersión sonora fascinante con una tremenda artista guiando el bote a la cabecera. Y digamos que a Lana del Rey nunca le ha faltado ni decisión ni personalidad en su impronta ni como vocalista ni como letrista, pero en esta ocasión su performance tiene un nivel de seguridad y desplante que ciertamente llega a desconcertar.

Para todo lo que le ha tocado pasar, es muy positivo verla siendo capaz de presentar un disco tan seguro y que a la vez no está jugando para nada a la segura. Es un álbum oscuro y con muchas capas que van presentando una suerte de increpación al auditor. Todo se siente muy genuino y épico. Lana sabe cuál es la fibra con la que mejor funcionan sus composiciones y se va directo a la médula. Esto acompañada de la energía del alto nivel instrumental que la acompaña. Al mismo tiempo, no deja de ser fascinante escuchar este nivel de sinceridad en un álbum con un nivel de producción digna de los más altos blockbusters del pop. Se da el lujo de permitirse una amplia paleta de alcances y todos caen donde deberían hacerlo. Y como si no le debiese nada a nadie, en esta tarima se da toda la libertad de hacer un apasionado despliegue de lo más íntimo y descarnado de tanto alcance sexual como sea posible. Quizás un disco de características que solo ella pudo haber concebido.- Nicolás Merino

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04. Sufjan Stevens – Javelin
indie folk · singer/songwriter · chamber folk

Hay veces que no basta con aplaudir la obra magnánima de un artista que ha dejado una huella inquebrantable tanto en la música como en el aura propia que rodea en su persona. La situación de Sufjan Stevens tras un complicado y duro año 2023, permitió que nos obsequiara una obra maestra de indie folk contemporáneo.

Y es que el cantautor americano tiende a lanzar discos que llegan e impactan en el canon cultural del indie folk. Tal cosa como fue la mítica triada de ‘Michigan’ (2003), ‘Seven Swans’ (2004) e ‘Illinois (2005)’, o el profundo e introspectivo ‘Carrie & Lowell’ (2015). Ciertamente el impacto de Sufjan se ha propagado en cada una de las décadas activas, y en esta no fue la excepción.

‘Javelin’ no es un disco fácil, para nada, la conexión emocional que nos manifiesta Sufjan en este compendio es sumamente quebrantadora y catártica. El sentimiento de pérdida se plasma en canciones que entregan interpretaciones sumamente conmovedoras, y es que el mantra del álbum se centra en la muerte de la pareja de Sufjan, un episodio profundamente terrible de la vida del cantautor, el mensaje está ahí, explícito, pero sumamente embellecido.

Canciones que tocan temáticas que incluso pueden parecer burdas, como una pelea de pareja, hasta sensaciones impactantes y emotivas como en el track “Will Anybody Ever Love Me?” o “So You Are Tired” reflejan el tremendo cariño que unió a Sufjan con su alma gemela y la proyección propia en un disco, compartido con todos nosotros.

Claramente el disco no se queda en un sentimiento sólo de tristeza, la secuencia de odas y relatos que va narrando el cantautor en estos cuarenta y dos minutos de duración, se van intimando con la interpretación y perfomance musical que va susurrando en cada track. Un carácter indie folk bien arreglado y hermoseado por voces y cuerdas de cámara. No se queda en un cantautor de guitarra, va haciendo más con eso, demostrando la propia ambición artística de Stevens, siempre dando un paso adelante.

Más allá del tema central, la pérdida y la muerte, la proyección y la vida misma. Sufjan nos regala, como siempre, un pedazo de su historia. Simple, cautivadora y a veces triste, pero que siempre se erige como ese bastión de luminosidad, tan cautivante y prístino como musicalmente elevado.– Hernán Carrasco

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03. JPEGMAFIA & Danny Brown – SCARING THE HOES
experimental hip hop · hardcore hip hop

Desde la propia portada, Danny Brown y JPEGMAFIA aparecen como antihéroes armados con pistolas y biblias. Reflejados en estilo de personificación de lo cool, vestidos con trajes y con la policía asomándose en el fondo, lo bastante cerca para advertir el peligro, más no el pánico.

‘Scaring The Hoes’ muestra un arte y estética “retro” de los 70, aunque su sonido no representa dichas características y tampoco propone una mundo futurista. Sino que tiene tintes de una dimensión experimental en la que busca instaurar una percepción complicada del tiempo… una invitación para el arriesgado viaje de una propuesta musical diferente.

Una joya querida y aclamada por los talentos natos de los artistas, quienes ya tienen un nombre en este género. Crear este producto tan original e irreductible como las dos cabecillas creativas, uno tiene que vivirlo de primera mano para poder entenderlo y disfrutarlo en su máximo esplendor.– Jocsán Sánchez

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02. Caroline Polachek – Desire, I Want to Turn Into You
art pop · alt-pop · electronic

El que se llegase a conformar como el segundo álbum de Caroline Polachek, terminó siendo uno de los trabajos de pop más impresionantes de este 2023 y, también, de la presente década.

En ‘Desire, I Want to Turn Into You’, la artista elabora un mundo obseso en el que pareciera que sus propias vivencias y pensamientos estuviesen desparramados a lo largo de este trabajo sin mayores filtros. Y es que, de cierta forma, Polachek abraza cada ápice de su ser con curiosidad y fascinación; nuevas resoluciones al conflicto personal con su difunto padre, el campo de contrariedades de la personalidad, la imaginería de la sexualidad, y, en general, el sinfín de posibilidades que presenta el ego.

¿Lo mejor? La ejecución y visión creativa alrededor de todo. Caroline Polachek brinda un álbum repleto de un art pop embadurnado en nada más que júbilo, y sumamente consciente de cada color iridiscente en cada sample, voz y sintetizador. Es dicho carácter genuino que la llevó a tomar distintos elementos de la electrónica, para nutrir los cimientos de un pop inmaculado que mantiene los pies en la tierra y en el espacio a la vez. 

De ahí que el trabajo de producción –realizado junto a Sega Bodega–, muestre todo el potencial latente en la figura de Caroline (del que ya se había visto en Chairlift, ‘Pang’ (2019), y los distintos trabajos que realizó para grandes nombres como Lady Gaga), dejando todo un lienzo de 45 minutos para darle total libertad a su mente siempre móvil. Todo en una obra atiborrada en detalles, texturas y sorpresas, teniendo como protagonistas los samples vocales.

En resumidas palabras, un trabajo exquisito que se renueva en cada escucha.– Juan Pablo Ossandón

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01. Sampha – Lahai
alternative r&b

El relevante sitial que ocupa Sampha en la música de hoy puede ser leido como la conquista personal de un artista único en su especie, sobre todo en un año donde el r&b y sus llamativos exponentes pusieron sobre la mesa propuestas tan relevantes para el presente como el futuro. En ese sentido, su atractivo artístico es meritorio y relevante por donde se le mire, desde su trabajo vocal hasta la producción, ‘Lahai’ responde con creces al llamado de la expresión, mostrándose revolucionario en el tratamiendo de sus sensibilidades.

Lo mejor de todo es que la aparente complejidad a la que responde basa sus fundamentos en la densidad emocional con la que aborda la injusticia, el abandono, la soledad y problemas de carácter existencial. En medio de una encrucijada sonora que aterriza en un ambiente abierto a la exploración, colindando con aspectos electrónicos capaces de palpar la sustancia misma que impulsa cada uno de sus cantos, al mismo tiempo que su lectura puede tornarse abstracta y hasta teatral; más nunca deja de ser sincero.

La potencia emocional de temas como «Can’t go back» o «Jonathan L. Seagull» se sumerge en momentos reveladores, tal como sucede con piezas espirituales como «Suspenden» o «Spirit 2.0». Momentos de alto impacto que lidia con movimientos accesibles tipo «Only», hipnóticos como «What If You Hypnotise Me?» o tribales en «Evidence».

‘Lahai’ amplifica cada instante de reflexión al mismo tiempo que implosiona sus creencias, choca consigo mismo, y sale victorioso sin necesariamente resolver sus inquietudes. Más bien Sampha acepta ese papel protagónico como una entidad narrativa que suscita una mayor atención para ser comprendido en su totalidad, sin renunciar a la belleza como consecuencia de tan inspirado registro. Un sismo para el mundo de la música, en un momento que se hace necesario abrazar la humanidad. Lo que somos.– Felipe León