SIGRID – SUCKER PUNCH
Sigrid, la nueva promesa del pop proveniente de Noruega, al fin se encarama en la escena con su LP debut que de cierta manera expande lo que venía cosechando desde 2017 –que ya le valía una inmensa popularidad–. La reproducción de «Sucker Punch» nos lleva a un pop complaciente con las masas, pero con un acercamiento alternativo –que roza el concepto del indie pop– que levanta el hito perfecto para que la cantante se establezca, crezca y madure.
Claro, ciertamente en varias canciones existen patrones estructurales conocidos –como uno de los contras de inmiscuirse en un pop radial– pero no es algo exactamente negativo, después de todo, está muy bien elaborado y producido. Por lo demás, son esos pequeños detalles los que enriquecen este álbum, como el encanto del staccato en arreglos de cuerdas y en el uso de voces, como uno que otro bridge disruptivo.
Sin duda el gran fuerte del álbum es nada más ni menos que la voz de la noruega, al ostentar un nivel de interpretación alto y conseguir retratar varios grados de la esfera de emociones: desde lo íntimo a lo inmenso, desde la dulzura hasta el desgarro, la voz de Sigrid cataliza emociones a la perfección.
CHILDREN OF BODOM – HEXED
Alexi Laiho y sus compañeros finalmente se entregaron a triquiñuelas que escapaban de su zona de comfort, y claro, si el historial de la banda en sus últimos cinco años –a lo menos– era algo confuso: el guitarrista Roope Latvala abandonó la banda por diferencias creativas lo que terminó por destapar lo que los fanáticos temíamos, y eso era el estado de complacencia en el que los niños devotos del Lago Bodom cayeron. Como fanático, duele admitirlo, pero al menos desde el poco inspirado «Relentless Reckless Forever» (2011) que existe dicha sensación, aún considerando que «Halo Of Blood» (2013) y «I Worship Chaos» son discos sólidos en lo general –sobre todo el primero–, sí se iban a la segura –lo que decantó en uno que otro tema de relleno–.
Eso no pasa en «Hexed», el álbum que nos convoca, y eso es porque aquí hay riesgos que honestamente jamás se habían tomado. Sí, Children Of Bodom siempre fue una banda inclasificable, pero aquí hay elementos que jamás se dieron antes, como la influencia del hard rock y un oscuro Depeche Mode en «Hecate’s Nightmare«, o el tono accesible de tracks como «Under Grass and Clover» y «Platitudes and Barren Words«. También le dieron un trato distinto a elementos que algo olvidados estaban, como la guitarra neoclásica que tan bien se manifiesta en la canción homónima. Por si fuera poco, en la versión deluxe hay un remix bien industrial de «Knuckleduster» –que existía como b-side allá por el 2004, y fue regrabado aquí–.
La banda suena más inspirada y cómoda, y ese nuevo tono termina por contrastar muy bien con las canciones que persiguen su sonido clásico –muy bien elaboradas por cierto– que se mantienen frescas al tener trucos ocultos en su composición. Buen álbum.
SASAMI – SASAMI
La ex-Cherry Glazerr y amiga de Mitski, Empress Of y Japanese Breakfast, finalmente lanza su primer larga duración como solista, en el que el encanto de la solitud envuelve en misterio la figura de la cantautora, esbozando con profundo dolor –bajo su puño y letra– experiencias crudas y difíciles de roer.
La habilidad de SASAMI recae en cómo manifiesta en su indie de autora tanta tristeza con un paso realmente desgarrador, y convertirla en algo placentero. Puede que sea la guitarra detallista, la base rítmica quieta o quizás sea su voz delicada de color intenso, pero hay algo que es inmensamente cierto: este álbum evoca una riqueza musical inmensa que no sólo maximiza las bondades de la guitarra como tal, sino que utiliza, a su servicio, detalles extraídos del noise más misterioso, el psychedelic más primordial, y el electro más minimalista, por decir algo. Ella sabe como expresarse, sorprendiéndose a sí misma en el proceso, y por supuesto, a nosotros también.
Y A N E Q U E N – YANEQUÉN
Si existe alguna manera de describir lo elaborado en «yanequén», sería un grito que rasga los cielos, digno de la heroína mapuche. La banda santiaguina nos presenta un acto de rock que conoce de dimensiones, encumbrando sus convicciones desde la tierra hasta el firmamento mismo, en un viaje de desconocido alcance.
La perspectiva es de envidiar, y es que la musicalidad recae netamente en la visión –y todos sabemos lo que pasa cuando son personas que la tienen clara–, terminando por materializar cada uno de los relatos que nos cuenta la voz de Camila, inmiscuyéndose con nosotros con un pasión enervada que se escabulle en nuestro inconsciente, como también enfrentándonos directamente. Una belleza de álbum.
IRI – SHADE
La cantante nipona encuentra la nomenclatura perfecta para hacer de su propuesta una fusión heterogénea en la que la electrónica, el synth pop y el R&B convergen en la mejor de las maneras en «Shade». Así, iri desvela su interior en pos de maravillarnos con los distintos matices de la personalidad, graduando su música en detalles elegidos con pinza dirimiendo lo que es un gran acto que ve su escenario perfecto tanto en la cotidiana conversación en la mesa como en la pista de baile.
CRYPT TRIP – HAZE COUNTRY
Crypt Trip en su «Haze Country» termina por desmitificar el southern rock de los Estados Unidos, y hace del psychedelic más clásico algo novedoso, tomando lo mejor de Blue Öyster Cult, y refractándolo en un prisma prog que convierte a esta banda en uno de los actos más novedosos al respecto, si es que no la más. Lo que más sorprende y hace de este elepé tan adictivo, es que no le pesa mucho la nostalgia de esos tiempos, sino que toman dicha herencia y la actualizan, moldeándola a gusto y conectando épocas algo inconexas.
OAVETTE – OAVETTE · EP
Con el new age como su fuente principal de vitalidad, Oavette se entromete en nuestros pensamientos más retorcidos con beats infinitos y loops hipnóticos que nos llevan a profundidades sin permiso alguno de pisar fondo. La claustrofobia se hace real y la única opción de combatirla es con el redescubrimiento interino con la honestidad como único factor esencial, y es que este epé se presenta como una adictiva trampa que entierra firmemente sus fauces en nosotros, poniéndonos a prueba. Si esto es una pesadilla o un sueño, depende netamente del oyente.
KARI FAUX – CRY 4 HELP · EP
La rapera nos atrapa en su mundo de grises dónde los altos y bajos demarcan el espectro sonoro en el que su hip hop ha de manifestarse, dejando relucir beats humeados en relatos personales que decantan realidad, lo que se demuestra verídicamente en la honesta elaboración de sus canciones. El paso es pausado, el color es difuminado en sombras, así como su voz se torna versátil al manifestarse con un flow lúcido y al mismo tiempo capaz de entonar notas en clave neo soul. De la misma manera, sus beats traslucen sus propósitos y se dejan entrever en los sonidos que inundan la ciudad una vez que el crepúsculo aparece.
BETRAYER – BETRAYER
Verdades incómodas se materializan en este elepé, engendrado directamente desde Talca por Betrayer, quiénes nos traen su bestiario personal que tan bien guardado se tenían, una verdadera cofradía en el que comulgan distintos demonios, bestias, y dioses malignos que representan ciertos aspectos del lado oscuro de la naturaleza humana. Este álbum toma lo mejor del thrash metal más moderno y exprime cada prisma posible, aprovechando cada posibilidad que quieren entregar –desde lo más melódico hasta lo más directo al grano, incluso con toques crossover–, lo que sirve como la analogía más acertada para retratar cada uno de los tópicos deseados en este bestiario.
VAGO SAGRADO – VAGO SAGRADO, VOL. 3
Vago Sagrado se manda un álbum de proporciones que consigue complacer los dos elementos esenciales y contrapuestos –pero intrínsecamente conectados– de la humanidad: la conciencia y el subconsciente. Eso es algo logrado a pura genialidad musical y encontrando la proporción perfecta para dosificar lo más etéreo del shoegaze y lo más directo del post-punk, y bueno, con uno que otro truco del post-rock y el noise. ¿Cómo no sentirnos satisfechos por completo? si es que son capaces de patear cráneos, y al mismo tiempo acariciar nuestro temple con suavidad.
Ahora, ¿cómo se las arreglan para que esto funcione? encontrar un punto en común, definir su convicción y enmarcar sus propósitos a fuego, y es que esto habla de manera poética de arquetipos reales que siguen azotando la sociedad, y aunque el sentido artístico nos lleve por campos oníricos que recorren toda la escala de grises, ambos pies siempre se encuentran en la tierra. Grandioso álbum.
HARUOMI HOSONO – HOCHONO HOUSE
A más de 45 años desde el lanzamiento de su debut «Hosono House», el veterano decide reinterpretarse a sí mismo, a su persona y a su imagen con cada detalle que abultó el imaginario en experiencia, conocimientos, experimentos y deseos de elevar lo ya hecho, porque puede y lo encuentra necesario.
Así, la fórmula integra filamentos electropop a su ya ADN de jazz fusion –muy distinto del folk rock de su primer álbum– lo que, para nuestro goce, entrega un álbum completamente nuevo que nos enseña al nipón renovado, aquel que aprendió de la vida y abrazó con orgullo su propia evolución, reconociendo su punto de partida. Aquí, el Haruomi del presente y el Haruomi del pasado se dan un apretón de manos cálido y gentil, y mirando con gusto al futuro, a sus 71 años, aún tiene demasiado que ofrecer, y pretendemos ser testigos de ello.
AMOR ELEFANTE – BILLETES FALSOS
La banda argentina conjura un pop inteligente y alternativo que proyecta cada desilusión y frustración en la que una vida de falsas promesas terminan por decepcionar nuestros corazones. Cuando el mundo fue ofrecido, mientras embobados no observábamos la realidad, se nos arrebató todo, y eso es algo que Amor Elefante –para su dolor– entiende, y «Billetes Falsos» es esa respuesta que busca sacarnos del hoyo en el que la luz del túnel se llega únicamente con honestidad, y en el largo camino de superación danzamos entre el indie más sentido y un pop de sabores y arreglos latinos.
MISERY INDEX – RITUALS OF POWER
«Rituals Of Power» es un álbum creado únicamente por una banda que aprendió de sus errores, y se tomó el tiempo de hacer las cosas bien, después de todo el deathgrind transita por un área sumamente delgada, y la únicamente de tener éxito en el trayecto, es con seriedad y mucha creatividad. El resultado es auspicioso y hasta novedoso, después de todo, existe belleza en el contraste logrado entre gritos desde el alma y riffs desde el infierno mismo. Así, Misery Index no pierde el tiempo, y con un mazazo absoluto nos hacen entender a la fuerza sus propósitos –y bueno, no es cómo si nos resistamos–.
AMANDA PALMER – THERE WILL BE NO INTERMISSION
Amanda está en su mundo, y únicamente en su mundo. Nosotros los mortales estamos lejos de los designios que su camino le depara, y en esta ocasión, vemos como su ambición reproduce confines orquestados en diversos matices que termina por sacarnos de quicio al no ser capaces de seguirle el paso –bendito aquel que se la pueda–, y es que Palmer se manifiesta exclusiva y hasta altanera, y no es que sea algo malo, en absoluto, sólo que claro, la «escucha casual» ya no forma parte del vocabulario. Ahora, una vez dentro de este mundo bizarro y ominoso, la cantidad de belleza es simplemente inconmensurable, así que si están dispuestos, denle una oportunidad. Quien sabe cuantos secretos se pueden revelar.
SHE, IN THE HAZE – ALIVE
«ALIVE» consigue una accesibilidad increíble, que termina por sorprender de sobremanera lo lúcida y sólida de la composición y su ejecución, y es que, si bien en lo estructural se decantan por un rock de arenas y estadios, el análisis del contenido arroja resultados que expresan y evoca nada más que una naturaleza detallista, que aún complaciente con lo radial, encuentra una grieta en la que inyectar sus deseos primordiales.
HELADO NEGRO – THIS IS HOW YOU SMILE
La composición de la identidad migrante, la familia como refugio para batirse en un mundo del cual te sientes parte y a la vez no, son los motivos del sexto trabajo del músico ecuatoriano-estadounidense Roberto Carlos Lange. Historias de sobrevivencia, adaptación y autoaceptación, en capas espaciosas de piano, cálidos beats electrónicos y sensible lírica, donde el autor se escucha más orgánico que nunca, como descubriendo la tranquila pausa del que trae el calor de la esperanza.
DAVE – PSYCHODRAMA
Disco debut del rapero londinense quien pese a sus 20 años da muestras de madurez y gran capacidad analítica tirando versos directos sobre lo que se siente ser negro en un momento en que el racismo comienza a hacer nata (de nuevo). Como si estuviera siendo atendido por un psiquiatra (de hecho, ese es el leit motiv del trabajo), Dave barre con sus demonios, extirpa su dolor, priorizando la emoción lírica sobre la musical, apostando instrumentalmente por cierta intención minimalista ocasionalmente guiado por bajos industriales y beats afro, pero principalmente acompañado por suaves líneas de piano (tocadas por él mismo), en una producción simple, diseñada para que la introspección discursiva de Dave sea la protagonista. Dicho esto, se extraña mayor riesgo sonoro, pero se destaca la intención de poner en primera plana un discurso tan urgente como necesario. Gran futuro se ve para este rapero en un muy buen momento para el rap británico, si la semana pasada nomás quedamos deslumbrados con Little Simz.
HELADO INFINITO – EL MOVIMIENTO DEL ERROR
El nombre del disco debut (Canciones dispersas, 2017) es bastante decidor para comprender el contexto en el que se forjó aquel trabajo, viaje a México y harta colaboración en un trabajo que suena colorido pero indefinido en su propuesta. En esta ocasión se aprecia una mayor cohesión entre las canciones sin renunciar a seguir jugando con la variada paleta de estilos que el dúo maneja con belleza y lucidez. Me encantó la delicadeza del track 4, Bandera Blanca y la tierna vulnerabilidad que emite la letra del tema que lleva el nombre del disco. Si el electropop, el folk y los ritmos latinos se reunían en un día soleado en Canciones Dispersas, en El Movimiento Del Error la fiesta es nocturna, con toda la introspección que evoca el alcanzar las estrellas.
STELLA DONNELLY – BEWARE OF THE DOGS
En su primer larga duración, la australiana sale del indie folk de su anterior EP (Thrush Metal, 2017) para entrar en terrenos más pop, con adición de piano, sintetizadores y violonchelo, donde, si bien algo de su salvaje espontaneidad se pierde, su voz luce mucho más y es capaz de transmitir emociones de esas que te sacan sonrisas y pucheros. Se muestra vulnerable y sin ninguna vergüenza al respecto, lo que dota de arrolladora honestidad todos sus versos. Atención a la canción “Boys Will Be Boys”, el notable clímax dramático del disco, un emocionante manifiesto en contra de “la cultura de la violación” y al hábito de culpar a las víctimas.
FOALS – EVERYTHING NOT SAVED WILL BE LOST PART 1
La banda de Oxford presenta lo que es la primera parte de su quinto disco de estudio en este 2019, cargado de adrenalina y experimentación, volviendo a las raíces del Math Rock del Antidotes (2008), pero también consumando la calma sonora del Total Life Forever (2010) y el muscular Holy Fire (2013). Everything Not Saved Will Be Lost Part 1 es la madurez total de la banda, una mezcla de sus álbumes anteriores que le da vida a su insignia detallista clásica del sonido de Foals, provocadora y punzante, como también melódica y ambiental, hechos que van de la mano con la genialidad de Yannis Philippakis. La sonoridad y ambientación clásica de la banda se va entremezclando con ciertas innovaciones en su sonido, tal cual lo expresa la canción In Degrees con un cierto toque EDM y Café D’Anthens con un sonido más bien parecido a un Afrobeat. On the Luna provee el killer riff del álbum, de esos memorables, que son lo suficientemente trascendentales en la carrera de Foals, White Onions provoca con su batería galopante y Sunday mantiene la armoniosidad hasta el plot twist rítmico a mitad de canción. Exits es quizás la mejor canción del disco, no por nada la dejaron como sencillo y, para acabar con el álbum, respetando lo que es su coda a piano con I’m Done With This World (& It’s Done With Me). Sinceramente no creo que sea el mejor álbum de Foals -No dudo para nada de que es un tremendo disco-, quizás Holy Fire esté un puesto más arriba, o su álbum debut, ahora simplemente es el más maduro y quizás más interesante para la escucha pública, lo que nos predice el camino que quiere tomar Foals para este 2019 -Bueno, eso no lo sabemos en realidad hasta que saquen su segunda parte que promete bastante-.
CIGARBOX MAN – SOLOMON · EP
¿Rock hecho con guitarras recicladas?, así es, Cigarbox Man está en base a guitarras denominadas Cigarbox Guitars, totalmente recicladas. La idea viene de Felipe Ubeda, quien reclutó a un ex “Los Bunkers” Gonzalo López, Paolo Murillo y el baterista de Pedropiedra Eduardo Quiroz. Solomon es su EP debut y es buenísimo, por decirlo menos. La calidad instrumental que se refuerza a pura potencia con un rock psicodélico y bluesero -Western- con toques y tintes progresivos e innovadores que le dan cierta cabida a la experimentación -Sobre todo en los solos- y que dan rienda suelta a la creatividad rítmica y a riffs completamente exquisitos, junto con una voz -En inglés- bluesera, dan vida a este proyecto innovador. Solomon perfectamente podría estar nominado a ser de los mejores EP’s del 2019, así que a prepararse.
MEAT PUPPETS – DUSTY NOTES
Una de las mayores influencias del movimiento Grunge de los 90, la banda de los hermanos Kirkwood, Meat Puppets está devuelta con su catorceavo disco de estudio, Dusty Notes. Siguiendo con la coexistencia de dos géneros opuestos, como lo es el Punk y el Country, de alguna manera en Dusty Notes provoca una sensación de estar escuchando un Country más inclinado al sonido oscuro del Grunge que propiamente Punk, pero eso es discutible. Dusty Notes trabaja el sonido ácido y concreto de la guitarra, el country característico pero depresivo, con la gran voz de Curt Kirkwood retumbando en la atmósfera depresiva y a la vez alegre -Una contradicción extraña, pero entendible al escuchar los tracks del álbum, hasta que te golpea con Vampyr’s Winged Fantasy-, sonando increíble y rememorando registros inolvidables como Meat Puppets II. Un aire fresco que le provee cierta seguridad a concretar más y más trabajos a futuro para esta banda.
SATOKO SHIBATA – GANBARE! MERODÏ
La compositora japonesa Satoko Shibata, con esa voz característica y nasal del canto nipón presenta su segundo disco de estudio GANBARE! MERODÏ. Un disco que concreta el azúcar y la experimentación, junto con baladas y ciertas transiciones cargadas de arpegios y melodías encantadoras, basándose en la música jazz y folk para crear un álbum armonioso y minimalista, pero instrumental y musicalmente interesante, con el uso de recursos armónicos y bastante swing entremedio y alguno que otro track inclinado a una base trance como la impronunciable novena canción. Recomendada totalmente.
TESLA – SHOCK
Cerca de cumplir 40 años, Tesla sigue vigente en la música hard rock/hair rock ochentera, la escena quizás aún esté viva. Shock es una compilación -En sonido y en interpretación de las canciones- de quizás todas las bandas que brillaron en esa época dorada (Aerosmith, Bon Jovi, Motley Crue y definitivamente Def Leppard, ya que el productor fue Phil Collen, guitarrista de la mítica banda, que le dio ese sello característico en los coros, principalmente). Shock brilla solo por esa apreciada nostalgia que le tenemos a esa época explosiva, la creatividad no es tan dicha de este álbum y quizás es hasta más comercial que los últimos trabajos. Dicho sea de paso, no es un mal álbum, tiene ciertos tracks que son adictivos y que se pueden disfrutar bastante.
INDOOR PETS – BE CONTENT
Nacidos en las calles del sudeste inglés, Indoor Pets sacaría su primer álbum de larga duración. Be Content es una suerte de Indie-Pop bastante fluorescente y carismático, de esos energéticos y precisos al más estilo Vampire Weekend, los cuales nos tuvieron acostumbrados. Las guitarras y riffs sumamente punzantes y fuzzy, con las baterías rítmicas y aceleradas que van sacando esa potencia de la nada. La caricaturesca voz de Jamie Glass le da vida también a este registro de una manera carismática y sencilla. Be Content satura y luego nos calma, es una suerte de tremolo constante que va encadenando hits tras hits y que se nos pega con humor y valentía.
CANTO DEL CISNE – ELENA · EP
El músico Javier Bravo, alma de este proyecto solista dispuesto a entregar un sentido espacio de reflexión personal y experimentación musical, acude al llamado de sus propias indagaciones emocionales nacidas por el descubrimiento de una antigua foto análoga, para dar vida a un auspicioso y profundo EP. Lleno de detalles que intensifican la propuesta a niveles de búsqueda intrigantes, Canto del cisne muestra fortalezas en el uso intuitivo de efectos vocales, que se van abriendo paso entre nebulosas muestras musicales con harto ambient y perfectas ejecuciones que respiran en tu oído, el lado mas sereno, emotivo e inspirado de un autor entregado desde sí mismo a la proeza que significa este debut. Elena garantiza momentos únicos, plagados de líricas evocadoras y un sonido al filo de la maestría y la curiosidad. Como no dejarse llevar por el solo de «Días sin sol».
CONNIE CASTRO – MISCELÁNEA
Connie Castro alza la voz y nos entrega uno de los mejores trabajos que hayan salido por esta parte del continente. Deja huellas de grandeza, rastros de proeza y una épica que obedece única y exclusivamente, a la entrega creativa de la cantautora a sus más especiales muestras musicales. Las líricas abordan ese universo interior que Connie luce con una sólida interpretación vocal, la cual danza de manera lúdica y sensitiva con el uso potente de instrumentaciones pulidas con esa mezcolanza latina depre/bolera, a ratos oscura, en otros armonizando la luminosidad etérea de un Folk climatizado con carácter y entrega. Si bien este disco sale el 15 de marzo (viernes), la artista lanzó íntegramente a través de youtube su debut Miscelánea, conmemorando el día internacional de la mujer. Más que un regalo, la voz necesaria para gritar con fuerza todo tipo de injusticias, y un llamado a encontramos con nosotros mismos.
EL ECO DE LAS ÁNIMAS – ORO POR ESPEJOS
La liberación frente a los incontables vicios que ponen trabas a la realización del ser humano como un ente íntegro. El Eco de las Ánimas selecciona parte importante de sus fortalezas, y las imprime de manera lucida en un documento de manifestación social sobre diversos temas sociales y políticos, con una altura de miras que aplaudimos de pie. Vinculando los aspectos más progresivos, que a veces nos recuerdan el lado más original de Congreso, con cierta energía un tanto más alejada de la psicodelia que de costumbre, explorando caminos orgánicos cercanos a la crudeza del Jam en el Rock, Oro por espejos se atreve a dar un salto gigantesco, dejando en claro posturas y perfiles sonoros que optan por expandir el universo mismo de la banda, y a la vez solidificar las bases de lo que entendemos como un proyecto con un futuro eterno. De esos grupos que podrían durar décadas.
DERROK – MAR Y CERROS VOL. II
Derrok al fin nos trae el Vol. II de su oratoria de House progresivo dedicada a grandes estandartes musicales del suroeste de los Andes. Nombres de antaño como Los Blops o contemporáneos como Nikolás Aúd son versionados en un lugar en común con el oleaje más atrevido y arriesgado de la música. Estética y poética, bajo la sincronización de electrónica de un torrente sanguíneo que no para de dejarnos en claro, el porqué de la importancia de sus autores originales y de las versiones enraizadas en la tierra misma que habitamos, todo optimizado como una nueva vista a la creación misma, cortesía de un artista que sigue añadiéndole sabor a su propuesta.
BUPPON – ENDROLL
Desde las lejanas tierras Niponas, nos llega un trabajo que elabora un pensado plan de Rap alternativo tanteando entre unos Beats que rozan la perfección, y una mirada mucho más abierta, refrescante y neo-clásica de como avanzar en el género. BUPPON traduce el legado de sus tierras, con una elegancia que a ratos nos trae la versión dorada de DJ Premier, siendo a la vez un puñado de catarsis artística callejera, wu-tang, y una líricas que juegan a condensar cada arista de un monstruo como enDroll. Explosivo, distinto, en donde cada track es una ventana a explorar la construcción misma del arte, a través de instrumentales plagadas de suspensión animada y unas líricas punzantes.
DIDO – STILL ON MY MIND
Dido es de esas artistas que pocos registros tienen a su haber, a pesar de los años que lleva en el ruedo. Cada trabajo que lanza es una oportunidad para entregarnos a su profundo pesar. Porque seamos claros, es en esas canciones que nos retratan las dificultades amorosas, de manera confidencial, cercana y serena donde encontramos la mejor versión de la cantante. Ese Pop sofisticado, plagado de las luces en una ciudad nocturna, donde cada minuto que pasa puede clavarte un puñal en el corazón, sigue acá. Es cosa de escuchar el tremendo tema de apertura Hurricanes. Still On My Mind es un muy buen disco, donde si quizás echamos de menos algo más novedoso, pero las canciones funcionan como en cualquiera de sus otras obras, siendo su eterna madurez musical, un legado que viene a celebrar con este álbum.
TÝR – HEL
El sello característico por años de Týr, ha sido la profunda comunión con ese lado más progresivo de la música Vikinga. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, la banda ha echo a un lado las bases Black o Death Metal, para explorar sus temáticas nórdicas con una imaginación que los tiene como claros estandartes de esta movida. Sin embargo en Hel se nos planta la duda. El grupo intenta matizar parte de su esencia con caminos más cercanos a una propuesta mucho más directa, sin tanto juego de instrumentaciones ni cambios arriesgados. Estamos ante una doble moneda que por un lado nos muestra a la misma agrupación de siempre, y que por el otro se atreve a dar un salto, no tan alto pero lo suficientemente efectivo para avanzar hacia algo que quizás, conoceremos de mejor manera con su próxima entrega. Lo cierto es que el disco, a pesar de no encontrar el rumbo en ciertos momentos, posee tremendos temas que de seguro pasarán a enlistarse dentro de sus selectos clásicos.
Escritas por:
Jota: Desde Sigrid hasta she, in the haze.
Ernesto: Desde Helado Negro hasta Stella Donnelly.
Hernán: Desde Foals hasta Indoor Pets.
Felipe: Desde Canto del Cisne hasta Týr.
