MONO – NOWHERE NOW HERE

«Nowhere Now Here» desmitifica –una vez más– la figura del post-rock en la que no sólo se manifiesta gentil y etéreo, sino que puede tener un papel sólido de una cara más bien portentosa y pesada del sonido en sí. Así, el cuarteto nipón no sólo entrega una pieza maravillosa de pura y absoluta musicalidad, sino que de cierta manera culminan aquí todos los campos en los que han viajado, y dicha maniobra se torna en un ambiente dominante que ofrece pequeños destellos electrónicos.
Su experiencia les antecede, y MONO le pone orden a un sonido que tan ausente estuvo el año pasado, y de la mejor de las maneras.

 

 

 

DE LEIN – OTRAS CIUDADES · EP

De Lein en su EP debut ya desarrolló un sonido intenso que innova de sobremanera en lo que puede hacer el pop acá, y eso es básicamente porque no hay mucho que suene así por estos lados. Un pop de alto coeficiente cultural que tiene un núcleo tan ecléctico que en ningún momento se da la posibilidad de calificar con únicamente una etiqueta, pero si hacemos el intento, dark indie pop parecería razonable, más no suficiente. «Otras Ciudades» ostenta una riqueza de influencias y sonidos dispuestos a atraparnos en sus fauces con synth pop de corte barroco, shoegaze, pop reminiscente de los 80, garage grisáceo que roza los arbores grunge, entre tantas aristas que apreciar que simplemente queda decir que escuchen esto. Ahora. Ya.

 

 

 

BRING ME THE HORIZON – AMO

Los ingleses están realmente ni ahí. Sólo están enfocados en cumplir sus propósitos que en cada álbum –más polémico que el anterior– se levantan las quejas y críticas obtusas de un número no menor de gente, pero no es algo que realmente importe a Oliver Sykes y sus compañeros, pues es porque justamente cumplen cada uno de sus objetivos.
La agrupación dijo en alguna entrevista promocional del disco que nos convoca, que «querían ser la banda que abriera una puerta de nuevos fans al rock«, y por mucho odio que les llegue de fanáticos desilusionados y trve metalheads, es una meta que cumplen con altura de miras, con un encanto popero realmente certero, y al mismo tiempo, una ambición sonora que no se conforma en ningún momento ni llega a una mescolanza sin sentido.
Hay de ese rock/metal de estadios que venían manufacturando en los últimos dos álbumes anteriores, algo de indie rock bien explosivo, pop en clave rock y electro, arreglos orquestales, beats reminiscentes levemente del rap y el trap, y lo mejor del álbum, la faceta electrónica que tiene tantas perspectivas que termina por enaltecer el álbum en demasía, y hacer de Bring Me The Horizon una banda impredecible en todo el sentido de la palabra.

 

 

 

SNEAKS – HIGHWAY HYPNOSIS

Esto sí que me pilló desprevenido. Imagínenlo de esta manera: una artista que le ponía a todo ritmo con el post punk, le da la locura y se pone a hacer música de corte electrónico y rap. Suena tan descabellado y sucio, que el resultado toma por sorpresa pero de inmediato fascina, porque la mundana clandestinidad del su género madre baña por completo estos nuevos horizontes, haciendo de este álbum realmente hipnótico: Sneaks lo hace todo, y le sale bien todo.

 

 

 

HELLO GA YOUNG – SOMETHING SPECIAL

La cantautora brinda un cancionero de profundidad íntima como relato de cada vivencia en la que con guitarra acústica y piano como las figuras estelares de esta película independiente, se descarga en confesiones humanas y al mismo tiempo nos brinda una alternativa distinta ante la dominación casi absoluta de la música de agencias.

 

 

 

 

SWALLOW THE SUN – WHEN A SHADOW IS FORCED INTO THE LIGHT

Swallow The Sun ofrece un álbum crudo, de lamentos, en letras que profesan profunda pérdida y que por mucho tiempo que pudiese pasar, Juha Raivo aún siente inmenso dolor, aún llora a su difunta pareja Aleah Starbridge. Con un antecedente tan crudo e intenso, los finlandeses conjuran un death/doom de miras post metal increíblemente deprimente, pero con una honestidad (y lamentamos profundamente que sea así) que sólo un hecho de tal categoría podría brindar, lo que hace de este álbum tan humano y que nos tiene por un poco más de 50 minutos en un relato sentido de rabia, tristeza y lata confusión. ¿Por qué debería engañarse a sí mismo? el dolor aún persiste, y si lo niegas, dicha «luz» tan sólo infligirá más dolor.

 

 

 

ELLA VOS – WATCH & WAIT · EP

Ella Vos nos entrega un pop bastante humilde que toma una naturaleza soñadora en la que es posible percibir como la artista le da forma a sus anhelos con el color agradable de su voz que vulnerable jamás se rompe, aunque le cante al firmamento mismo.

 

 

 

 

 

NICOLA CRUZ – SIKU

El productor ecuatoriano la hizo una vez más. «Siku» es un manifiesto de orgullo latinoamericano que contiene la poderosa capacidad de –a través de la actualización del sonido– unificar el espíritu (tan olvidado por la absorción cultural del capitalismo occidental) y extraer aquellos elementos arquetípicos contenidos en nuestra sangre, y ver como beats tribales invaden el espacio con elementos folclóricos que le hacen honor no sólo a ciertas culturas de Latinoamérica, sino que, en un viaje de hermandad llega a rincones africanos e hindúes, en el que se conocen entre sí, conversan y dialogan en conjunto. El amor de Nicola Cruz por la tierra misma simplemente borra las fronteras.

 

 

 

THE SHES GONE – DAYS

La agrupación nipona sólo tiene sus ojos en expresarse a sí misma, sin adornos, sin excentricidades. El objetivo es que el rock provenga directamente de sus memorias, y darle voz y forma a sus relatos cotidianos que se expresan con sencillez, pero con todo el valor que proviene directamente de su vitalidad.

 

 

 

 

RIVAL SONS – FERAL ROOTS

En «Feral Roots», los Rival Sons sin alejarse mucho, le suman a su rock de factura clásica cierta grandeza sostenida en las intenciones que tuvieron en mente a la hora de crear este disco, y ciertamente es algo que podemos notar en pequeños detalles y trucos ocultos que se alejan de lo convencional del sonido, pero que alimenta de carácter a cada uno de los temas. De novedoso no mucho, pero sí se mantienen habilidosos al mantener el sonido actualizado.

 

 

 

KING 810 – SUICIDE KING

«Suicide King» brinda una propuesta tal amalgama que se inclina por el trapcore que, en relieves industriales y armadura hardcore/metal, se dispone a darle un vuelco al género alejado de los clichés cringy en el que muchas bandas no pudieron superar en sus épocas doradas: Limp Bizkit, el mainstream fácil del metalcore, entre otras. Eso es justamente (y siguiendo la tónica de muchas bandas de otros subgéneros) porque se olvidan los límites sagrados y conservadores del metal como un todo, y así consiguieron un sonido que no sólo viaja por tantas vertientes en este álbum, sino que la puerta creativa se ensanchó a tal nivel que en verdad es difícil predecir que sucederá en sus próximos lanzamientos. Que eche raíces no más, la hicieron bien.

 

 

 

SUNFLOWER BEAN – KING OF THE DUDES · EP

El trío neoyorquino a este ritmo, tiene el futuro asegurado y cómo no, si «King Of The Dudes» es un EP que santifica la lógica garage como elemento central del indie rock de Sunflower Bean, y lo manipula de tal manera que es posible ver distintas glorias del rock, como el «punk a la Joan Jett» del tema homónimo con estribillos que rememoran al The Strokes del «First Impressions of Earth»; el pop ochentero de «Come For Me» con cortes glam particularmente atemporales; «Fear City» se plantea una fusión indie con el rock de los Rolling Stones; y finalmente, «The Big One» entrega un punk a la vena en el que volvemos a ver la figura de Joan Jett como influencia.
Quizás, sea un álbum que demuestra influencias muy evidentes, pero seamos concisos, esta exploración sonora les vendrá de maravilla en un próximo LP, pues si con un EP lograron tanto en tan poco, con un poco más de exigencia, se viene brígido para el trío estadounidense.

 

 

 

GOMMA – SACROSANTO

La agrupación italiana se baña en un mar de grises en el que «SACROSANTO», hace caso únicamente de la rebeldía del post punk/garage más maldito y ennegrecido, sonando con rabia y sin filtro, apelando a ese lado B del oyente, en una escucha que exige aceptarse totalmente. Así, este rock hermanable con las Savages, Gomma nos introduce a un imaginario visceral de proporciones.

 

 

 

LIP TALK – D A Y S

Desde el lado más popero de la vanguardia, en este debut LIP TALK se arma con la producción como su mejor herramienta, para generar un híbrido que toma la lógica electrónica como exoesqueleto y así ver los distintos quiebres argumentativos que pueda tener de las más diversas maneras: algo industral, algo indie, algo R&B. La multiinstrumentista consigue generar coherencia con tantos elementos, y le puso.

 

 

 

SYU – VORVADOS

El otrora guitarrista de GALNERYUS vive el metal más épico en todas sus palabras, y bien símil a lo que hizo con su banda madre. Así, con vocalistas invitados, nos adentra en un viaje fulminante de heavy metal en todo su esplendor, con todas sus caras: con la predominancia del power y el speed, hay espacio para cortes más clásicos como metal extremo más moderno: todo ello inyectado en los conocimientos acabados de música neoclásica. Grandioso álbum.

 

 

 

KEUNING – PRISMISM

El guitarrista de The Killers vuelve a retomar actividades con un debut solista que se declara así mismo con un indie rock bien popero mucho menos glamoroso que su banda madre, pero que suena libre y cómodo. Con mayor cabida al aspecto ambiental que ofrecen los sintetizadores, Dave Keuning falla con los matices y su voz carece un poco de carisma, pero sí se las arregla para mantener sus canciones con cierto encanto. Si es un proyecto con pretensiones de sostenerse en el futuro, tiene que puro pulirse, falta un poquito no más.

 

 

 

EVERGREY – THE ATLANTIC

Evergrey es sinónimo de seguridad, y eso es algo de lo que estamos agradecimos, y aquí en «The Atlantic» recibimos con gusto toda esa carga de un prog/power metal que gasta cada uno de sus cartuchos por un ariete en materia de distorsión, que con los giros argumentales que ofrece su espectro más melódico, no sólo le hace honor a su propio legado sino que se mantiene firme en ponerle ficha a un sonido que sigue lejos de la relevancia, pero se mantiene cauto.

 

 

 

PUPPY – THE GOAT

Puppy se anota con un rock alternativo que sólo gente con una visión clara pudiese hacer: «hacerlo como si de metal se tratase». Bajo dichos términos, el sonido se mantiene fresco pero lamentablemente falla rotundamente en lo estructural, manteniéndose demasiado predecible, algo que no debe pasar en un álbum debut, menos con tal magnitud.

 

 

 

 

INGRID ST-PIERRE – PETITE PLAGE

Ingrid se manda un álbum de profundidades y altitudes con su voz como elemento principal y gran tesoro de un álbum que apuesta por las texturas sonoras, en que el minimalismo tiene un rol principal en dibujar con precisión las sombras y luces en la que la francesa-canadiense posará su voz.

 

 

 

 

STEVE HACKETT – AT THE EDGE OF LIGHT

El que alguna vez fue el guitarrista de Genesis, se mandó un disco progresivo como ninguno, a la vieja usanza, con esa ambición primigenia que toma cuanto elemento suene bien en sí. Así las cosas, «At The Edge Of Light» se mantiene como un álbum bien iluminado en el que el guitarrista suena primordial en sus propósitos, y le entrega su corazón a un puñado de canciones que, aún en su complejidad, conectan en nuestro corazón de inmediato.

 

 

WEEZER – WEEZER (TEAL ALBUM)

Un álbum de covers muchas veces es eso y nada más, pero con todo el sentido detrás de Weezer, tributando de manera propia actos como Radiohead o Toto, se hacía «necesario» dar un paso más allá y alegrarnos un rato con todo tipo de versiones, desde Black Sabbath hasta Tears For Fears, pasando por ELO y The Turtles. Teal Album es un buen lugar para disfrutar y nada más. Sin tanta lectura, un buen disco de covers.

 

 

KID KOALA – MUSIC TO DRAW TO: IO (featuring Trixie Whitley)

La mixología como un retrato abundante de ideas sintetizadas, ve su fuente de inspiración en el glorioso estandarte que Kid Koala representa, siendo este Music To Draw To: lo un lugar de escape y encuentro, en los que vemos al músico sencillamente en otra. Desde el Ambient, pasando por la figura evocadora de Trixie Whitley, quien ayuda en varios momentos del disco como colaboradora estrella, esta obra de carácter conceptual, es una meca de diversos sonidos que han definido (y lo seguirán haciendo) la música electrónica, como un núcleo de momentos lúcidos y avances caóticos.

 

 

RUDIMENTAL – TOAST TO OUR DIFFERENCES

Bastante tiempo invirtió Rudimental en completar Toast To Our Differences, un álbum que prefiere la colectividad más allá de su propio núcleo de trabajo, para explorar ideas, abordar la mente de otros y explayar de la mejor manera, la evolución que pretenden darle al Drum and Bass en tiempos en los que nadie parece demasiado interesado. Hay invitados de lujo como Rita Ora, Major Lazer o Macklemore, sin embargo entre todo su encanto veraniego, se pierde entre el EDM que francamente va en salida, salvo casos como los del el mismo Major Lazer. De hecho Let Me Live, canción en la que colabora el trío liderado por Diplo, es un bombazo con toda la firma del estilo de Major, salvo ciertos retoques. En fin, un buen disco pero un tanto desfasado.

 

CROATIAN AMOR – ISA

Isa es la jugada maestra del productor electrónico Danés Loke Rahbek, configurando desde los elementos más mínimos, lo que es el concepto musical tras cualquier obra. Es atrevido desde un punto de vista rupturista y contracultural, acercándose con mayor propiedad al todo que a lo que entendemos como canción. Momento tras momento, Croatian Amor va desvelando un posicionamiento íntegro de lo musical, acabando por compadecer ante el mundo sus mejores logros, desde lo melódico de ciertas capas hasta la insolencia de sus actos menos clasificables. La argumentación robótica vibra a través de ondas y secuencias armonizadas sobre un esqueleto definido por acrobacias oscuras y sombrías, pero eternas y omnipresentes.

 

 

CASTRO MORFEO – LAS PALMAS • EP

Gemelo Parásito liberó tres trabajos, siendo Las Palmas uno de ellos, en donde encontramos al músico deshilachando sus más íntimas prendas, en un esfuerzo notable de distorsión y creación. Canciones grabadas por aquí y por allá, siendo quizás el único fuera del proyecto StÜi, y que agradecemos porque es un bombazo de cosas que no solemos escuchar muy seguido pero que tienen demasiada sangre como para ignorar. Castro Morfeo señala que tal vez los temas no tengan mucho amor, pero nos sentimos igual de conformes con el resultado que él.

 

 

BACKSTREET BOYS – DNA

El fenómeno de los Backstreet Boys va más allá de lo que será su participación en el Festival de Viña, puesto que con DNA y gracias a temas como Don’t Breaking My Heart o Breathe, han alcanzado el número 1 después de 20 años. Posiciones que sinceramente nos dan lo mismo, pero que sirven para poner en perspectiva lo que todavía pueden generar. Han sabido ser valorados después de años y hoy en día se mantienen fieles a si mismos, y vigentes en cuanto a sonidos. DNA es fácilmente su mejor álbum desde sus años dorados y lo mejor es que está repleto de temazos. No hablamos de un disco que cambiará el Pop pero sí es lo más entretenido que ha salido en enero, más allá de las canciones sueltas de otros artistas. New Love es la respuesta a todo lo que estás buscando.

 

 

VÁSQUEZ – DESPEDIDA

Una despedida es lo que propone Vásquez en esa ola de emociones con sabor a pena y rabia. La memoria de un padre fallecido, acude al autor en busca de revitalizar ciertas emociones y recuerdos, al son de la crudeza ambient que aborda la obra, dividida en tres partes pero fundamentada con el condimento necesario para que todo suceda en un instante. El velatorio musical necesario para despedir al dirigente, a un padre y a un amigo; a un ser de tantas aristas al que este trabajo nos pone al tanto.

 

 

JUAN WAUTERS – LA ONDA DE JUAN WAUTERS

Ese Folk hipnótico, sencillo y narrativo, descriptivo y alegórico, fácilmente catapultara a Juan Wauters (Uruguay) a un sitial mucho más vistozo, puesto que La onda es por lejos, la obra más representativa y que mejor le acompaña. Un cuaderno de viajes que recorre tonalidades y armonias con un sentido popular, y que funciona como un acercamiento a nosotros mismos, simples mortales que podemos ser participes de cada historia que el músico cuenta con tanta gracia y realidad. Un disco cercano a lo real maravilloso, y que da un impulso a la música Latina más allá de lo urbano.

 

 

LAS CARIES – POR LA RAZÓN O LA FUERZA

Por la razón o la fuerza viene acompañado de una expulsión de ideas entre lo-fi y crudeza, las cuales avanzan por caminos variados de integración y desintegración. Las Caries ensalzan lo experimental, al filo del sonido más inmediato, poco producido pero potente que le viene en todo momento, al concepto indefinido que hay detrás. Las cosas no están en su lugar, no suenan como deberían sonar, no hay formulas, sin embargo todo pasa cuando cruzamos el umbral y abrazamos el ruido del ruido, el hachís, el polvo, los nutrientes esenciales.

 

 

CRISTIÁN OPAZO – TIEMPO Y LUGAR

Cristián Opazo, ex UPA! y ex Audio Suit, se cansó de ser ex y nos hace vibrar con su debut solista que brilla por su búsqueda, y se pone a disposición de un sueño propio, en medio de diversos caminos, estéticas, ritmos y plegarias personales. Se escucha moderno, frágil, aguerrido y con un uso equilibrado de tremendas guitarras que van de un lado a otro, acompañando los beat y las diversas mecánicas que aquí yacen. Tiempo y lugar como bien dice su nombre, explora su carrera con miras al presente, sin dejar de tributar su sello; sin dejar de clamar por un lugar dentro de la música misma. Con guiños a Nicanor Parra y a la mejor versión Post-ochenta de un músico de tomo y lomo. Esto sí que es un debut, sintetizando lo necesario y explorando lo suficiente como para sembrar un nuevo comienzo.

 

 

HABLA JACK – MUNDO GRIS

El Mundo Gris de Habla Jack es un argumentado coqueteo con el Pop más displicente de las radios, y cercano a las masas. El sarcasmo es un instrumento más dentro del soliloquio con el que nos presenta el álbum, sus virtudes, sus opiniones, todo en medio de un juego de ideas sintetizadas, que mantienen nuestra atención en todo momento, sin dejar de arrastrar un discurso bastante lúcido y potente. Muchas lecturas, muchas capas, un solo zumbido que no podemos dejar de escuchar y al cual, terminamos entregándonos gracias a la sutileza de sus armas, y a lo poético de sus ironías.

 

 

SWERVEDRIVER – FUTURE RUINS

Future Ruins es más bien una continuación lógica de Swervedriver, con todo lo que eso implica debido al papel de culto que actualmente profesan dentro del Shoegaze y el Indie. Acá nos encontramos con una mezcolanza de cualidades guitarreras bastante cercanas  aun ideal más abierto de Rock alternativo, lejos de sus obras magnas pero certero en ciertos aspectos. Hay momentos intensos, otros más calmos. En fin, un álbum que sigue con su propia transición y que de seguro, los fans de la banda agradecerán por sobre su correcto regreso de 2015. Hay más ideas, mejores canciones y las ganas intactas por crear, y eso vale oro.

 

 

BETTER OBLIVION COMMUNITY CENTER – BETTER OBLIVION COMMUNITY CENTER

Phoebe Bridgers y Conor Oberst contribuyen en una colaboración que da lugar a Better Oblivion Community, un álbum encantador de indie-folk y que, sin duda, es complementario. La sutileza que emergen de las voces entremezcladas, que consuelan a lo largo de la obra es una forma también de remarcar la simplicidad del género, pero de forma positiva. Las líricas son escritas de manera inteligente, buscando apaciguar la ansiedad moderna. En lo sonoro es simple, melódico y armónico también, el arreglo de guitarras metálicas prevalece en casi todo el disco con el uso de una rítmica tranquila y sin prisa, caracterizando también ciertos tintes sonoros y repetitivos. Un álbum muy recomendado.

 

 

JOSIN – IN THE BLANK SPACE

Este álbum debut de la artista alemana Arabella Rauch, más conocida como Josin es una obra que evoca las sensaciones más intimas y oníricas en un art-pop que consigue entrometernos en una atmósfera sumamente exquisita y musicalmente enriquecedora. A la primera escucha es posible que lo remita a los trabajos en solitario de Thom Yorke, incluso a su último disco con Radiohead: A Moon Shaped Pool -es que la influencia acá es muy notoria-. La capacidad de la compositora de generar un ambiente que transporta a un mundo anexo, sublime y seductor es notable, con una voz que induce y envuelve. Los tracks se desarrollan libremente por el tiempo en una apacible e interesante introspección sonora que mantiene a la obra sumamente surreal.

 

 

ANTENA – FUKAI FUKAI AO

Fukai Fukai Ao se titula el elepé nuevo de la banda japonesa antena, trabajo que exhibe una basta calidad y capacidad creativa que nos tienen ya acostumbrados las bandas independientes niponas. En este caso, el registro abarca un corte de tipo upbeat con tonadas con melodías luminosas y progresiones rápidas con sensaciones de un sutil Dance pero con la característica típica del J-Rock “Nuevo Retro”, cercano a lo que ha develado ciertos grupos como Indigo La End en el 2018 -En esencial la capacidad vocal del/los autor/es son similares-. La calidez musical es lo que se resume en este álbum de estudio.

 

 

MAJIKO – COLOR • EP

Otra de esas joyitas que se encuentran en los cancioneros recónditos de los artistas nipones. En este extended play de cinco canciones, la compositora majiko devela en riffs agresivos entremezclados con una dulce y potente voz una obra que pasa una cantidad variada de estilos musicales en un corto tiempo. La influencia del J-rock, con cortes jazzeros y explorando incluso en el rap en Scratch the world, fluyen lo bastante bien en 19 minutos, aunque parezca que no cohesionen. Todo esto para terminar en un sorpresivo cover a la legendaria banda Deep Purple con una versión dinámica de HUSH.

 

 

DONUTMAN – CHANGES CLOTHES • EP

El rapero surcoreano Song Yang Won, más conocido como Donutman está devuelta con un EP denominado CHANGES CLOTHES. El estilo presente es claro, redondeando en lo más actual del Hip-Hop y trap occidental en una forma que entremezcla tracks con estribillos absolutamente pegajosos y -con tintes agresivos también- sonidos concordando en un estilo más lo-fi y apacible.

 

 

 

BOOGIE – EVERYTHING FOR SALE

Directamente de la mítica Compton, Boogie concreta en esta obra su registro más honesto y directo. Las reflexiones que nos cuenta el artista con un hip-hop basado en lo melódico y R&B más que nada -aunque también existen ciertas tracks más revertidas hacia el trap actual-, enseñan sobre varios temas que acomplejan la sociedad actual, enfocado en un territorio que se desenvuelve en su sufrimiento y sanidad mental. Una descarga íntima y melancólica, con una suave atmósfera sacada del modern jazz, compartiendo collabs con Eminem, JID, 6LACK, Snoh Aalegra concuerdan en un álbum de gran calidad y alejada un poco de la escena Hip-Hop/Trap actual.

 

 

DAWN – NEW BREED

Una de las cosas que sobresale de este álbum es la constante exploración dentro del género R&B. No sólo se queda en el estilo, si no que más bien busca sonar a “algo distinto” y eso consigue la artista de Nueva Orleans con su quinto disco en solitario: La creatividad y el sonido contemporáneo. Una suerte de entremezcla de electropop o synth pop que se equilibra con una característica voz melismática típica del Rythm and Blues, progresiones con un cercano sentido estético hacia el Dance/Funk. Traer lo vintage a la actualidad, entrometernos con una referencia importante a su ciudad natal en su contexto histórico y traer referencias musicales con un fuerte mensaje de empoderamiento tanto femenino como racial, moldean lo que es un registro carismático y redondo en el buen sentido de la palabra.

 

 

LOS OCULTOS – EL AMPLIFICADOR DEL PROLETARIADO

Esta banda nacional integrada por cuatro jóvenes, nacida en Antofagasta propone un concepto más irreverente pero también que genera un poco de conciencia, basado únicamente en tratar -con tintes humorísticos y evocar el sometimiento al proletariado- un desahogo de la sociedad actual liderada por el capitalismo. Evocando cantos que sacarían ronchas a sectores más derechistas, teniendo en cuenta el sonido más punketa que podría hacer Jorge González en sus mejores épocas, es también un trato de concretar una idea prometedora: la conciencia actual de manera entretenida.

 

 

THE DROWNED GOD – I’LL ALWAYS BE THE SAME

Variar en un sonido propio es difícil, pero también existen las pequeñas sutilezas que dan lugar a este disco. I’ll Always Be the Same es un álbum mucho más ligado un sonido shoegaze que únicamente hardcore, pero sin dejar de lado los cortes rítmicos y la voz desgarradora y es que, en este registro, la lírica y composición vocal es brutalmente devastadora, en un grito de desesperanza, dolor y agresividad. La musicalidad también se exhibe de manera inteligente, las guitarras arpegiadas cambiando constantemente a muros de sonido shoegazianos y la batería técnica se hacen presente en todo el disco de manera prolija y cohesiva.

 

 

TOY – HAPPY IN THE HOLLOW

La banda inglesa oriunda de Brighton ha sido últimamente unos de los exponentes de la neo-psicodelia y post-punk de la nueva era. Encontrándose con un nuevo sello únicamente propio, Happy in the Hollow es un álbum lleno de elementos atmosféricos y sonoramente hechizantes, característica indudable del post-punk británico. Con una voz acorralada e inquietante demuestran la capacidad de construir todo un viaje por las épocas antiguas en una forma nueva con uno de los álbumes más concretos y concisos de su carrera.

 

 

NEAL MORSE BAND – THE GREAT ADVENTURE

El proyecto del californiano Neal Morse – que cuenta con la contribución del aclamado Mike Portnoy, ex Dream Theater- relatan en este álbum, una especie de secuela del ovacionado The Similitude of a Dream (2016) con un doble álbum conceptual, desarrollado en 5 capítulos. Elaborar un álbum que demuestre lo posible que es hacer rock progresivo en la actualidad es difícil y, sin duda alguna, lo consiguieron con este registro, más aún con la buena crítica que tuvieron con su disco anterior. Entender el álbum como una gran aventura, que le da el título, es lo que se representa acá. La gran cantidad de melodías asesinas dentro de tonalidades mayores/menores evocan ese estilo característico del rock/metal progresivo, cambios rítmicos prolíficos de la mano de Portnoy y al añadir una voz más furiosa y joven que la de su título anterior, desatan una obra poderosa de 1 hora 45 minutos. No es menor también, aparte de la gran capacidad técnica de este álbum, el sonido fino y de gran producción que logró encontrar Neal Morse en este proyecto. Muy recomendado si gusta de Dream Theater.

 

 

JONATAN LEANDOER127 – NECTAR

El proyecto paralelo del músico sueco Yung Lean trabaja desde una perspectiva más relacionada al Indie-Rock y Folk con el uso melódico de la instrumentación, dejando de lado el Hip-Hop que lo llevó al éxito. El cambio obviamente es muy notorio, pero es claro que también quiso tratar de experimentar en otros ámbitos y, a la primera, es bastante digerible. Nectar es un álbum con mucha más madurez que sus registros anteriores y también tiene una característica un poco más única, por así decirlo. Es destacable remarcar la gran calidad de melodías y armonías que se explayan en la producción.

 

 

MUCHO – ¿HAY ALGUIEN EN CASA?

Marti Perarnau el líder de Mucho explicó una vez que, para que dejaran de preguntárselo, no sabrían en que género podría clasificar su proyecto musical, más bien se entiende como una especie de Rock/Pop Cósmico y es que, en su cuarto disco de estudio ¿Hay Alguien en Casa?, la exploración a un nivel que va más allá de lo Indie tradicional es evidente (Electrónico por sobre todas las cosas) y tiene sentido como un álbum conceptual, a pesar de que quizás a la primera escucha uno acabe confuso con la lírica extravagante. La soledad es el tema principal, perder, pero no rendirse, la introspección hacia el interior de uno mismo son temas y motivos que se repiten en la obra que está puesta a propósito para que uno la escuche de corrido, como si fuese una misma canción que se va transformando de a poca pista tras pista. La sonoridad es impecable, el recurso de los sintetizadores es ágil e intenso y transmite sensaciones -el futurismo ochentero- como podría denominarlo es fino, elegante y conciso.

 

 

THE DANDY WARHOLS – WHY YOU SO CRAZY

El décimo álbum de estudio de la banda formada en Portland, Oregon devuelve lo más interesantemente irregular y anárquico a su línea. Si bien la banda pasó su momento más álgido de fama hace bastante tiempo, en este Long Play demuestran la capacidad de querer hacer lo que se les dé la gana, es decir, no buscar ningún concepto o cohesión alguna, si no que más bien tratarse de canciones independientes que pudieron reagruparse en un álbum recopilatorio. Lo que si es cierto es que, este es el sonido de la banda. Atractivo es, ya que tiene ciertas canciones que son lo bastante y suficientemente disfrutables como por ejemplo Be Alright o Terraform -esta última con esa inquietante atmósfera sonora salida de una película de ciencia ficción-, algunos de corte más western como Sins Are Forgiven y otras que abarcan un estilo a lo Lou Reed o evocando al duque blanco como Small Town Girls o Motor City Steel, mantienen la rareza de este álbum en la amaraña de canciones y estilos que se encuentran.

 

 

TIM PRESLEY & WHITE FENCE – I HAVE TO FEED LARRY’S HAWK

Lo que era en un principio White Fence, pasó a renombrarse como Tim Presley & White Fence en este nuevo álbum de estudio I Have to Feed Larry’s Hawk. Despegandose de el sonido lo-fi de registros anteriores, en …Larry’s Hawk hubo un montaje a un sonido más limpio en su producción, manteniendo esa estructura sonora reminiscente de los 60’s/70’s que revive ciertos trabajos del controvertido Syd Barrett (En la canción Lorelei) o piezas del mítico grupo The Velvet Underground (Neighbourhood Light) rememorando al CGBG, The Beatles (Fog City) incluso algo de Roxy Music. La obra en sí es caótica y – con algunas canciones fuera de lugar- bastante extraña -los arreglos de piano y guitarras con high pitch son constantes en este LP-, sin embargo, sabe aprovechar su sonido y se explaya por si sola a lo largo del tiempo.

 

 

Escritas por:

Jota: Desde MONO hasta Steve Hackett.

Felipe: Desde Weezer hasta Swervedriver.

Hernán: Desde Better Oblivion Community Center hasta Tim Presley & White Fence