PJ Harvey – I Inside the Old Year Dying
art rock
En constante transformación, la carrera de PJ Harvey parece alcanzar un nuevo capítulo dorado con el estreno de ‘I Inside the Old Year Dying’, trabajo que continúa los planteamientos del art rock, un tanto folk, que viene exponiendo desde ‘Let England Shake’ (2011). Mas no repite las fórmulas pasadas, o más bien les brinda un tratamiento menos intenso y más meditativo en lo musical, adquiriendo formas flotantes bastante inquietantes que la ponen nuevamente en lo más alto de su inspiración.
La artista inglesa brinda otro álbum conceptual que utiliza la historia de una mujer y su paso a la adultez, en medio de escenarios desoladores y evocadores, donde convive la catástrofe, el deseo, los miedos, la muerte, el fin de la inocencia y el paso a la compleja adultez. De igual manera, el relato que lleva a cabo la artista habla sobre la imagen de los ídolos, representando una de las aristas más interesantes dentro del manifiesto personal/político impreso en estas 12 canciones.
‘I Inside the Old Year Dying’ es un disco denso, mucho mejor cohesionado que su antecesor, sonando tan atemporal como siempre en un trabajo que hace énfasis en sus poéticas letras, una mínima y sofisticada instrumentación, en compañía de sus históricos compañeros, John Parish y el productor Flood. Una obra envolvente, de inspiradoras imágenes visuales, que mientras más se reposa más distintivo se vuelve.– Felipe León
ANOHNI and The Johnsons – My Back Was a Bridge for You to Cross
soul · chamber pop
10 canciones son las que presenta ANOHNI en esta nueva incursión –junto a the Johnsons–, ‘My Back Was A Bridge For You To Cross’, siendo un esperado regreso de partida porque hace 7 años que no lanzaba un larga duración. Sin embargo, lo trascendental a la hora de comprender este retorno tiene que ver con el formato banda que acoge sus existencialistas expresiones, las que más allá de conservar sus sensibles implicancias, actúan como una retrospectiva de su vida.
Existe cierta reconciliación con los aspectos profundos y reveladores que evidenciaba su lírica a mediados de los 2000, situando su apasionante interpretación en medio de terrenos adyacentes al soul, con toques de cámara, una intimidad que roza el slowcore, e incluso jazz. Contemplando temáticas recurrentes en su carrera como lo es la depresión o la muerte, aunque la visión mucho más madura de la artista colinda con ese clímax épico que suele haber en su música, donde la potencia instrumental y su sísmica voz adquieren tonos sublimes.
Todo desde una introspección que lidia con los traumas del pasado, los problemas del hoy, y las luchas de siempre, que resulta sofisticada y poética. ANOHNI aborda temas como la transfobia o el cambio climático, al mismo tiempo que entrega al mundo de la música más inspiradora y real.– Felipe León
Rauw Alejandro – PLAYA SATURNO
reggaetón
Más allá del buen tacto para concebir hits de nivel global, Rauw Alejandro se caracteriza dentro del mundo del reggaetón por el atractivo de sus álbumes, en general mucho menos cargados a temas individuales en pos de lograr algo mucho más coherente y trabajado. Es ahí donde aparece ‘PLAYA SATURNO’, un nuevo disco que apuesta por seguir esta racha creativa, logrando su cometido pero a ratos perdiendo el hilo.
No se trata tanto de bajones dentro de su recorrido, más bien cambios de temáticas sonoras que trancan un poco el movimiento. Esto no está mal para nada, pero mucho de lo mejor de este disco está cargado a las canciones más llameantes y sintéticas, siendo su costado más bailable y romántico algo más desaprovechado. Sin embargo, hay grandes momentos desde ambos frentes como en el caso de “Ponte Nasty” junto a Jowell & Randy, o también “Hoy aquí”, pero otras como “Cuky” a la segunda escucha pierden su atractivo, mientras que la colaboración con Miguel Bosé en “Si te pegas”, que es un temón, es un tanto mal lograda por lo apagado y fuera de lugar que suena el español.
De todas formas, ‘PLAYA SATURNO’ es de los imperdibles del reggaetón este año, mostrando momentos muy interesantes como en “No me sorprende” que exhibe influencias del reggae. Otro acierto discográfico para Rauw Alejandro.– Felipe León
ODD EYE CIRCLE – Version Up · EP
k-pop · dance-pop
Lo que fue alguna vez la revolución del pop coreano con la sub-unidad ODD EYE CIRCLE de LOONA, teniendo en su consideración uno de los mejores álbumes de k-pop con ‘Max & Match’ (2017), vuelven a la palestra tras un dificultoso y tortuoso año 2022, ahora con nueva agencia.
Pues el ‘Version Up’ concreta un sonido seguro en el dance-pop, donde la producción cuenta con un particular desarrollo a ritmos más abocados en el baltimore club y el future bass. Canciones resaltan y brillan en su esplendor como «Air Force One» y la atmosférica y de ensueño «Lucid». Otros cortes como «Je Ne Sais Quoi» entromete elementos del nu-disco, con ritmos y texturas elegantes.
Concretamente el regreso de ODD EYE CIRCLE se enmascara en este resurgir de sonidos bien regresivos pero con tintes de producción sumamente interesantes. El encanto vocal de la subunidad es justamente otro fuerte e increíble punto a destacar. Un EP brilloso y danzable, como nos tienen acostumbrados.– Hernán Carrasco
Blur – The Ballad of Darren
art rock
Tras una larga espera de más de ocho años desde el último larga duración de Blur. El viraje hacia un sonido más estilizado que rememora a los cimientos del ‘Think Thank’ (2003), ocupando recursos un poco más atmosféricos y menos estridentes, inclinando su estética a un apartado con tintes indie poperos, es la tónica que refresca el aura del gran ‘The Ballad of Darren’. Pues el resultado es más que memorable, sin duda.
Aun así, no pensemos que el álbum carece de matiz alguno, cortes que nos trasladan a los Blur noventeros no faltan acá, tales como «St. Charles Square» y pasajes del tremendo cierre con «The Heights» o «Avalon». Pero claramente la experimentación con un sonido cálido lleno de intervenciones electrónicas que embellecen esta estructuración de art rock e indie pop es el canon principal del larga duración.
Muestras de aquello se pueden apreciar en cortes como «Russian Strings» con un melancólico Damon Albarn que se sostiene en esos coros bien chamber. Otra canción que resalta es «The Narcissist», una ligera escucha bien mid-tempo donde se lucen, otra vez, las vocales en conjunto y que van construyendo un pasaje rítmico con un cierre épico, colorido y bien pasional.
Blur vuelve a la palestra, un conjunto legendario que que avanza a concretar una carrera inmaculada.– Hernán Carrasco
NCT DREAM – ISTJ
k-pop · pop rap · contemporary r&b
NCT DREAM está de regreso en la escena con el álbum ‘ISTJ’, demostrando la increíble evolución musical que tuvieron desde su último lanzamiento en 2022, trabajando de forma mucho más acabada –y, porqué no, madura– el aspecto más rapero y electrónico del mismo, llegando incluso a esbozos de subgéneros algo emergentes como el hybrid trap.
El proyecto musical de la boy band rompe uno que otro esquema clásico del k-pop al arriesgarse a experimentar con nuevos sonidos y formas. Con un total de 10 canciones y con más de 30 minutos de duración, tanto el concepto como los videoclips, explaya la versatilidad del grupo y su increíble evolución en cada interpretación de los temas que construyen este disco.– Jocsán Sánchez
LUCKI – s*x m*ney dr*gs
trap
El deleite de los beats, la presencia de una voz e interpretación particular, son tan solo algunas de las características que destacan el reciente trabajo de LUCKI. Cada letra de los tracks son un recorrido entre los pensamientos del artista, unas historias profundas que son plasmadas a través de cada nota y cada ritmo de un tema.
Al son de 15 canciones, LUCKI ofrece un sonido hipnotizante en la producción, muchas veces acuoso. Es cosa de escuchar este proyecto en una noche para disociar y así poder entender qué nos está contando el artista. Equilibrado y minimalista, un trap algo particular para destacar entre las grandes estrellas y sus lanzamientos con este género.– Jocsán Sánchez
NewJeans – Get Up · EP
k-pop · electronic · contemporary r&b
A casi un año de su EP debut, NewJeans regresa con ‘Get Up’, su segundo mini-álbum que sigue extendiendo su propuesta desde el punto en donde lo dejaron. Y es que si hay algo en lo que el girl group muestra excelencia, es en las texturas.
Es que, en NewJeans toman las distintas bondades que puedan tener distintos subgéneros de la electronica; en especial el uk garage. En ese sentido, es la adaptabilidad que estos sonidos muestran a la hora de ejecutar su k-pop de una forma mucho más trabajada, y porqué no, novedosa también.
Con un apartado vocal que reside primordialmente en los colores del r&b contemporáneo, NewJeans se encarga de crear bops infecciosos con una producción cristalina y sumamente detallista. Existe una apuesta que le entrega mucho más valor y atención al detalle e interpretación que a la espectacularidad tan propia en el que pueden caer otros nombres del k-pop.
De esta forma, en texturas acuosas, relieves electrificantes, beats infecciosos y voces de terciopelo es que ‘Get Up’ se posa como uno de los grandes trabajos del 2023 en estos sonidos.– Juan Pablo Ossandón
El Mató a un Policía Motorizado – Súper Terror
synthpop · indie pop
Es difícil no poner en tensión el recibimiento que ha tenido este ‘Súper Terror’, en el cual se posa una gran porción de gente criticando la dirección más synthpop de este trabajo –como si no fuese algo que se veía venir desde hace tiempo, al menos de forma orgánica–. Tildarlo como malo por una razón tan simplista no es más que una pataleta.
Y es que sí, este nuevo trabajó de Santiago y cía. toma una metamorfosis mucho más comprometida y sin ambivalencias. Pero, y al mismo tiempo, es un trabajo que toma los recursos del synthpop para crear las canciones a las que El Mató a un Policía Motorizado nos tenían acostumbrados. En un sentido plenamente estructural, claro está.
Pero el propio contenido de ‘Súper Terror‘ presente otro tipo de posibilidades que, si bien no hay ambiciones mayores –y algunos tracks pueden ser algo derivativos entre sí mismos–, sí cumple con sus propósitos sencillos. Salta a la vista ello.
Agriculture – Agriculture
blackgaze · post-metal
El debut de Agriculture no es nada, sino, una maravilla. Esta agrupación de Los Angeles, CA., se hace con una muestra algo inusual del expresionismo sentimental que reside en el blackgaze como subgénero, y eso responde a la propia dosificación de caos dentro del material genético de esta obra.
A título personal, siempre he creído que el blackgaze es uno de los subgéneros más difíciles de hacer, ya que es fácil caer en la simplificación del sonido que Alcest y Deafheaven se encargaron de llevar a su cúspide. Por supuesto que hay grandes proyectos alrededor del globo como Sadness y Asunojokei, pero lo cierto es que una vez producida la ruptura en el género –el metal–, si hubo una especia de efecto dominó que redujo el blackgaze a una estética algo insulsa y predecible.
El blackgaze es más que eso. Siempre se trató de expandir las vías de expresión y composición a la hora de interpretar cualesquiera que sea el concepto detrás de un trabajo. Sería un craso error concebirlo meramente como una operación matematíca, «black metal + shoegaze«. Y es justamente desde ese entendimiento pleno del sonido, en que Agriculture tiene éxito a la hora de manufacturar un formidable generador de caos.
En ese sentido, Agriculture se centra en el aspecto narrativo de su obra, jugando entre las disonancias y consonancias en un flujo abrasivo mas no incoherente. De esta forma, es que vertientes de ideas venideras de lo avant-garde estipulan cambios argumentales dentro de la obra; así sea de forma disruptiva y sorpresiva, o bien, de manera orgánica. Es este matizado de colores los que llaman tanto la atención, despejando cualquier duda al entrometerse en este crudo disco de 31 minutos de duración.
Descarnado como gentil. Agresivo como honesto. Demente como calmo. No existe ninguna dicotomía capaz de explicar lo que sucede en esta entidad de álbum, que respira con vida propia y toma todo tipo de elementos variopintos para llevar a cabo sus intenciones.– Juan Pablo Ossandón
CONDY – PuDo HaBeR SidO
alt-pop
Siendo su álbum debut luego de una seguidilla de sencillos entre 2021 y 2023, CONDY entrega en ‘PuDo HaBeR SidO’, una lección pura de pop alternativo a la vena, inundando los oídos de sus oyentes con un sinfín de sonidos electrónicos propios de la artista y bastante alejados de lo que seria la escena actual del pop chileno. Optando por una diversidad de bases que permite alternar entre canciones cargadas de energía junto a ritmos veloces, y melodías un tanto más lentas, de carácter reflexivo y acompañadas de letras llenas de sentimiento.
Y es que, en 25 minutos exactos, la artista involucra al oyente de una forma personal e íntima, atravesando juntos por un viaje de sentires, bailes y anécdotas profundas que abarcan segmentos bastante especiales como podrían ser, relaciones y personas significativas.
Sumado a esto, los diversos sonidos pop se hacen presente a lo largo de las 10 canciones que componen este proyecto, pues se pueden escuchar un sinfín de ritmos a partir de una variación del espectro pop, tal así que la instrumental por detrás se ve altamente moldeable a lo que la artista busca transmitir y plasmar en el corte final. Por otro lado, las colaboraciones presentes en el álbum refuerzan esta variación a lo largo del trabajo, obteniendo un sonido cercano al pop rap junto a AKRIILA, acercando a los sonidos más electrónicos junto a Ilmato, y jugueteando con el dream pop en «KERE», junto a Lauvre, m4life y agustina.
‘PuDo HaBeR SidO’ es un álbum debut que ofrece una diversidad de estilos e interpretaciones, una exhibición de los sonidos trabajados y perfeccionados por parte de CONDY, estableciendo una zona de comfort en la que moverse y trabajar, sentando las bases para un futuro proyecto, puesto que la comodidad y sonoridad que muestra la artista, dan cuenta de una espectacular ejecución alrededor de tonalidades pop alternativas.– Tomás Pérez
AKRIILA – 001 · mixtape
trap · pop rap
‘001’ se presenta como el primer mixtape y proyecto de AKRIILA, ya que tras una seguidilla de sencillos como «SAINT V», «VATA», «MARILÚ» y «EXARTE PA TRA», lanzados a lo largo del año, la artista del género urbano exhibiría al público su nuevo material, entregando un trabajo que mantendría la cantidad de perreo exacta a la que AKRIILA nos tendría acostumbrados, pero que a su vez, también exploraría algunos territorios y sonidos más cercanos al pop, convirtiéndolo en un proyecto que permite desarrollar una faceta musical en constante ascenso.
7 cortes son los que se presentan en ‘001’, estos exponen el carácter más puro de AKRIILA, reflejando una actitud contestadora y que desafía constantemente la norma de la escena musical chilena, lo que se refleja directamente en la primera pista del proyecto, «ANTICUECA»; esta cuenta como una declaración de principios en cuanto al mixtape se refiere. Esto se encarga de establecer sus sonidos y la actitud que se va a encontrar dentro del proyecto, una lírica cargada de hedonismos y disfrutes, placeres de la vida misma, y situaciones anecdóticas relacionadas al mundo de una artista como tal.
Y es que, el flow presente en lo que podría ser un reggaetón, un trap o una fusión de sonidos se encuentra presente a lo largo de los casi 17 minutos de duración por parte del proyecto, utilizando beats de carácter más agresivos que dan rienda suelta a un carácter de confrontación, u otros más sencillo y melódicos que rozan los territorios cercanos al pop y permiten un ambiente de reflexión y jugueteo en cuanto a lanzar barras se refiere.
Las colaboraciones también se encuentran presentes en este mixtape, pues la aparición de Aqua VS –que ya había sido revelada en el sencillo «MARILÚ», lanzado anteriormente– y Harry Nach, refuerzan este lado más enérgico mencionado anteriormente, y a su vez entregan una frescura única, que se recibe de buena forma al momento de conjugar y combinar voces junto a AKRIILA.
‘001’ es un mixtape que viene a confirmar una etapa de consagración y desarrollo, posicionando a AKRIILA como una de las artistas que viene a romper la nueva generación del género urbano, ya estableciéndose en la escena actual y encontrando su zona de comfort. Esta se dedica a romperla e ir más allá poco a poco, y es que, «DESPERTAR» –último track del proyecto– presenta todos los elementos ya mostrados por la artista desde hace un tiempo, y los lleva a un plano diferente, mucho más melódico, maduro y reflexivo, entregando una dosis clásica de AKRIILA, pero ejecutada de una forma totalmente distinta.– Tomás Pérez
Chystemc – CHIEN DE LA RUE · EP
conscious hip hop · latin rap
Sin pelos en la lengua, Chystemc nos brinda este EP lleno de crítica social, autocrítica y reflexión, acompañado de grandes colaboradores como Mani Dëiz, Nuc y Santa Salut. Integrando instrumentales tétricos, oscuros y clásicos del hip hop, el rapero Diego Torres Rojas utiliza todo su arsenal de rimas y elocuencias, combinando diversas formas de métrica, el ingenio al usar las palabras desde su semántica y sus propias sílabas.
Un trabajo leal a la esencia de Chystemc, valorando sus raíces y a los suyos en cada coro y verso lento como rápido, con un mensaje contundente a la sociedad y una búsqueda de lo verdaderamente valioso en esta vida; como dijo alguna vez, ser la mejor versión de sí mismo, transmitiendo el amor y el llamado a encontrar la armonía entre personas, entre amigos, familia y naciones. Destacar la inclusión de “THE ZEN REDES” en su versión acapella, mostrando que el artista está dispuesto a mostrarse por completo, siendo transparente incluso en cada respiro.– Jorge Mesa Tobar
EXO – EXIST
k-pop · contemporary r&b
Con una energía romántica desde el primer track hasta el último, con coqueteos sutiles y de caricia suave, ‘EXIST’ sostiene un mensaje de amor de pies a cabeza. Ese que insta a buscar aquel amor sin importar los obstáculos ni el momento. Se trata de existir en profundidad, de recorrer el mundo de la persona que amas y sumergirte en todo ese océano de posibilidades; esto es ‘EXIST’.
Sin dejar de lado los miedos, confusiones y arrebatos de este proceso, es que EXO transmite el coraje de atreverse a conquistar aquel amor que pasea en nuestra mente. No olvidemos las instrumentales que logran ser ejecutadas y adecuarse a su mensaje, a veces más melancólico con esos cantos melódicos, reflexivo y declarativo con los versos rapeados, y con una vibra motivante al integrar elementos del dance-pop.– Jorge Mesa Tobar
Taylor Swift – Speak Now (Taylor’s Version)
pop rock · singer/songwriter
Frente a la gran expectación ante el lanzamiento de la re-grabación de ‘Speak Now’ (2010), Taylor Swift viene a cumplir la alta vara dejada por los fanáticos. Manteniendo la esencia de la época y de ella misma en aquella era durante el lanzamiento original –inclusive con las canciones extra “From The Vault”–, el álbum de casi dos horas de duración se ve caracterizado por una mezcla de canciones country y el pop rock característico de la década de su origen.
En conjunto de elementos como guitarra eléctrica, acústica, groove y también la aparición de artistas como Hayley Williams y Fall Out Boy en su álbum, Taylor logra mantener su clásico romanticismo en sus diferentes expresiones, desde el más profundo amor hasta el arrepentimiento, en una versión que, si bien encapsula lo transmitido en su versión original, logra adaptarse de manera adecuada a nuestra actualidad, evidenciado en elementos como el cambio de letra de “Better Than Revenge”, debido a la normalización de ciertas líricas en los 2010, y que ha cambiado con el tiempo.
Con otra Taylor’s Version sumada al catálogo, Taylor viene a demostrar una vez más su talento intacto de revisitar géneros como el country, que si bien no se ha hallado tan presente en sus álbumes nuevos propios desde su origen, da cuenta de su habilidad de repasar el trayecto de sus distintas etapas o, mejor dicho, sus eras.– Constanza Machuca
Claud – Supermodels
indie rock · indie pop
Estrenando su segundo álbum, ‘Supermodels’ de Claud viene a retratar su propio diario de vida, en un viaje de emociones con respecto al amor y lo que es vivir. Siendo guitarra, bajo, percusión y un poco de sintetizador los elementos principales del álbum, Claud es capaz de expresar un sinfín de sentimientos a través del minimalismo en indie rock e indie pop, pero a su vez, mezclando elementos de otros géneros.
Comenzando con la dulzura de la canción acústica «Crumbs», los elementos grunge de «Glass Wall», la distorsión de «The Moving On», la emotividad de «Climbing Trees» y el increíble y poderoso cierre de «Screwdriver», retratando el sentimiento del título del álbum al compararse con supermodelos, el álbum viene a ser una apertura a la introspección de Claud y su diversidad de emociones propias del ser humano, en una mezcla de sensaciones fáciles de imaginarse en el ser propio del oyente, donde no importa dónde estés, ‘Supermodels’ puede llegar a ser el álbum donde puedas escuchar la voz de ti mismo.– Constanza Machuca
Alice Phoebe Lou – Shelter
indie pop · art pop
El nuevo estreno de Alice Phoebe Lou ha dejado una notable huella en sus oyentes, ya que lo pacífico y cercano que se hace el acercamiento a ‘Shelter’ es algo difícil de lograr, pero el disco lleva tan bien esta narrativa aventurera que su recorrido se torna ligero mas no monótono. Esto enraizado no sólo en la instrumentación de cada canción, sino también en las intenciones y mensajes propios que expresa la artista en cada fraseo, que en cada uno desenvuelve diferentes sensaciones en la misma línea de sus subgéneros.
El álbum recorre diferentes temáticas que profundizan en lo sentimental y sus amplias dimensiones. Entre ellas, a lo que más se da vista es a aspectos introspectivos como la búsqueda de propósito en «Angel», la vulnerabilidad de «Shelter», el ritmo más dinámico de «Lose My Head», la dificultad de convivir en «Lately», la ternura de «My Girl», entre otras facetas que tiene por develar de sí el álbum.
Es algo ambiental que escuchar por su calma en lo instrumental, pero a la vez algo a lo que reclama absoluta atención a su narrativa.– Ricardo Parra
Paris Texas – MID AIR
experimental hip hop · rap rock
‘MID AIR’ de Paris Texas resulta ser uno de esos discos a los que se termina volviendo, una y otra vez, por lo divertido y atrapante que se vuelve en cada escucha, tanto por sus diferentes ritmos y beats, como sus letras de intenciones sumamente desafiantes.
A grandes rasgos, si bien el álbum cabe dentro de lo que se denomina como rap rock, el asumir que su totalidad se va a encapsula en ello es limitar el propio desarrollo y crecimiento que presenta el lanzamiento –después de todo, el ápice experimental está a flor de piel en cada track–. Las primeras canciones, como «Split-Screen» o «Sean-Jared», presentan una base por la que parece moverse un poco la primera parte del álbum, letras siempre atrevidas y una base con ritmos en constante tensión y dinamismo, alcanzando un ápice algo diferente en «Full English» para posteriormente mostrar una faceta diferente en «Ain’t No High», que se apega mucho más a lo melancólico y a un lamento por situaciones familiares fuera de su control.
‘MID AIR’ mantiene su impacto en cada canción, sin perder esa intención de remecer al oyente constantemente ni menos de retroceder a sus ideales.– Ricardo Parra
Nas – Magic 2
east coast hip hop · conscious hip hop · boom bap
La carrera de Nas ha pasado por múltiples etapas. Partió con un disco estúpidamente importante, ‘Illmatic’ (1994). Se trata de un debut que incluso se tiende a considerar el mejor disco de la historia del hip-hop, para luego descender gradualmente hasta instalarse en una irregularidad que terminaría por producir algunos discos francamente vergonzosos (¿acaso el Weezer de su género?).
Pero parece que esa narrativa quedó obsoleta para Nas en el momento en el que nos traspasamos a la presente década. El año 2020 lanzó el primero de los ‘King’s Disease’, y al año siguiente llegaron ‘King’s Disease II’ y el primero de los ‘Magic’. Era extraño, pero existía una absoluta seguridad de que Nas estaba de vuelta en la gloria y majestad que se había ganado en un principio. Pues todos estos discos fueron –debidamente- ampliamente celebrados. E incluso se podría agregar que, hasta hace unas semanas, esa celebración solo subía.
El último lanzamiento de Nas, ‘Magic 2’, parece ordenarnos en la idea de que estructurar su discografía de esta forma no es una decisión arbitraria. Los ‘Magic’ son discos sencillos y eso instantáneamente los puede hacer parecer como un freno para el despliegue de búsqueda que existe en los ‘King’s Disease’. No digamos que se trata de discos infra-cocinados o infra-pensados, pero sí más modestos. Lo interesante es que parece ser lo que Nas busca, con un piso de talento que –en estos años- parece más o menos asegurado, es descargar su talento sin pensarla demasiado.
Digamos que ahora que podemos separar los ‘King’s Disease’ de los ‘Magic’, no parece tan loco plantear que los ‘Magic’ se aprecian un poco más como un paréntesis en la ambición de los ‘King’s Disease’. Se tratan de discos igual cortos y, además, rechazan la búsqueda de sintonizar con las audiencias y tendencias más modernas. Sin ser en absoluto discos mediocres, en el apartado de producción y en el de la construcción de una estética si son más o menos básicos. Se ven más pensados como una plataforma para que Nas pueda expresar (‘spit’) algunas de sus inquietudes.
Este último disco, durando apenas un poco más de media hora, parece responder a esa naturaleza y seguramente esto esté simplemente bien. Es como una actualización de su estado. Aparentemente (se menciona en las letras) se vienen más discos y quizás el nivel de complejidad de un eventual ‘King’s Disease IV’ vuelva a deslumbrar. Lo que tenemos ahora –en un mundo donde sobra hip-hop del más creativo– es un disco más que competente y eficaz que se deja escuchar perfectamente.
Nadie debería perdérselo, pero es que en general nadie debería perderse el desempeño de Nas en la presente década.– Nicolás Merino
Julie Byrne – The Greater Wings
chamber folk
Byrne de a poco se ha instalado como una voz ciertamente reconocible en el ambiguo mundo del chamber folk. En una época donde los recursos propios de los “géneros chamber” (chamber folk y chamber pop) se pueden perder entre toda clase de artistas e incluso siendo algunos de ellos muy populares, lo que Byrne pone sobre la mesa son ecuaciones más añejas. En un ejercicio donde no sacrifica la dulzura, si desplaza la búsqueda de la inmediatez a cambio de sentar bien una atmósfera particularmente densa.
La historia del chamber folk considera cruces inevitables con las expresiones más técnicas y progresivas que ofrece el folk. Esto porque aún cuando alguna vez existieron expresiones que incluso consideraban apelaciones infantiles como en la obra de Vashti Bunyan, la importancia de referentes como Nick Drake o Van Morrison dotaron al género de una cerebralidad que los años hicieron aparentar como imposible de esquivar. Son esas las circunstancias en las que Ichiko Aoba o la talentosísima Joanna Newsom entran a ejecutar el género casi rozando (si es que no derechamente incorporándolo) incluso cosas como el art pop.
También vivimos en un mundo donde artistas de masas como Phoebe Bridgers alimentan su paleta sonora de elementos propios del chamber folk, y de hecho quizás los dos lanzamientos de Phoebe Bridgers terminaron por ofrecer una puerta para gente como Byrne. Digamos que Byrne está a la mitad. Tiene el peso y la intensidad sobre un espectro de letras muy íntimas, que son ejecutadas en una filosofía vocal muy técnica que quizás no siempre llega a puerto en la dulzura que busca la estética general de su proyecto.
Hay múltiples factores estilísticos de este proyecto que se sienten como una contradicción. Tampoco se trata de engañarse, la expresividad de las letras otorga el piso suficiente para que el viaje ofrecido por la artista sea lo suficientemente cautivante. Además, es un disco más o menos corto.
Las letras a veces recuerdan a la intención meditativa sobre la autodestrucción que Julien Baker trabajó con tanto –y en otra dimensión, casi ningún– tacto en sus dos primeros discos solistas, claro que ella lo hizo al callo y sin una atmósfera decorativa. Esta atmósfera que suma Byrne la pone un poco al medio, al final ninguno de los elementos sobre la mesa logra terminar de dar la vuelta para lograr darle un cierre.
Igual no cabe duda de que es un trabajo más que considerable. Y quizás lo mejor que se puede rescatar es que el piso está idóneo para lo que se pueda venir a futuro.– Nicolás Merino
