Escritas por:
Tomasito: Desde Hayley Williams hasta The 1975.
Jota: Desde Charli XCX hasta Austra.
Felipe: Desde Lady Gaga hasta Flora.
Hayley Williams – Petals For Armor
El debut de Hayley Williams como solista viene de un duro camino recorrido por parte de esta en consecuencia a su separación y posterior depresión, estos antecedentes hacen que Williams lance este álbum como una muestra de autosuperación y autoconocimiento, esto reflejado en las liricas de la mayoría de las canciones de este disco, que a comparación de su último trabajo en Paramore (After Laughter del 2017), este Petals For Armor viene como una firma de resurgimiento.
El disco este compuesto de 15 canciones que se separan en 3 partes. Simmer es el tema con el que se inicia este viaje de 55 minutos aproximadamente, desde un principio, Hayley nos viene a dejar en claro la orgánica de este disco, minuciosos efectos de voz, sintetizadores, colchones de teclados y sin duda alguna, el plato fuerte, la poderosísima voz de Hayley Williams que da rienda suelta a lo largo de esta casi hora de música que mezcla un Ritmo experimental con Pop Alternativo y algunos toques de Rythm&Blues.
Probablemente sea esta primera parte la más experimental a lo que estaríamos acostumbrados, pero sin duda alguna resultan totalmente llamativas las 5 canciones que conforman este primer tercio. El pop presente en la segunda parte podría considerarse como algo a lo que estamos acostumbrados a escuchar, tal vez esta seria la parte que menos reluce dentro de las 3. Finalmente, esta parte 3 es un Pop ochentero puro y duro pero producido dentro de la tecnología actual, por lo cual podría ser esta su parte mas atractiva, sin duda alguna un álbum que vale la pena escuchar más de una vez.
Jim Hast – Somos
Hay que decir desde ya que estos 42 minutos son un viaje mental espectacular, pocas veces se llega a lograr esta perfección en la producción de un álbum, teniendo a disposición una cantidad exagerada de sonidos que encajan tan atmosféricamente perfecto, que sin duda alguna es difícil encontrar en otras producciones chilenas.
Jim mezcla matices de voz con sonidos naturales dentro de sintetizadores, logrando un sonido experimental demasiado completo, sin duda son sus temas dónde se encuentran colaboraciones los que resultan más dinámicos a la escucha, sin duda alguna un tema a destacar es «Corazón de Fuego», este contiene vestigios de soul con una voz totalmente llamativo, mezclada con un hip hop mucho más lento del que se está acostumbrado a escuchar en la escena. Sin duda alguna un álbum que podría escucharse bajo alguno que otro efecto de relajación.
The 1975 – Notes On A Conditional Form
The 1975 nos trae está vez lo que vendría siendo su proyecto más ambicioso hasta la fecha, 1 hora y 20 minutos aproximadamente son necesarios para que la banda presentada por Matty Healy nos haga atravesar por un sin fin de sonidos, ritmos y arreglos, desde un monólogo de Greta Thunberg, pasando por algo más hardcore, recorriendo canciones que preceden de líricas, logran crear tal vez su álbum más completo, y eso no es fácil considerando las 22 canciones que este trae.
Si bien, aún conservan su clásico pop, cabe decir que sin duda en esta ocasión lo llevan a otro nivel, se pueden identificar diferentes e innumerables arreglos sintéticos a lo largo de su hora y media de duración. Algunos podrían decir que menos es más, pero aquí no ocurre eso, cada sonido encaja a la perfección dónde tiene que ir, cada pequeño sonido agregado tiene un valor importantísimo. Sin duda alguna un álbum el cuál yo, recomendaría escuchar de noche.
Charli XCX – how i’m feeling now
La pandemia que azotó al mundo en este 2020 no ha dejado a absolutamente nadie indiferente, teniendo un impacto contundente en lo que respecta a salud mental debido a la necesidad de cuarentena. Una persona que tuvo que cambiar sus planes del todo fue Charli XCX, quien tenía una variedad de planes gracias a las bondades y frutos del hermoso y evolucionado álbum que lanzó el año pasado: «Charli». Así, la cantante británica un tiempo después se decide a hacer un «álbum de cuarentena» que trate de los sentimientos, emociones y pensamientos que rondan por su cabeza en este período, casi a modo de terapia y con el fin también de lograr cierta conexión con todxs aquellxs fanáticxs que están enfrentando esta situación en distintas partes del mundo.
Quizás el punto más interesante es que este álbum sería uno producido y manufacturado de una manera absolutamente distinta a las que nos tenía acostumbradxs. La artista hizo de este proceso creativo abierto a sus fans, compartiendo ideas –así como recibiéndolas de parte de sus fans–, formando parte a la fanaticada del control creativo, artworks, videoclips, a través de reuniones en Zoom, correos y bueno, los distintos medios que fuesen ideales para esta tarea. Además, Charli se puso como límite de inmediato el 15 de Mayo como fecha de lanzamiento, distando mucho del tiempo que se tiene para hacer un álbum usualmente, comenzando su producción el 6 de Abril. Con todo ese background, por supuesto que la atención estaba posada sobre ella.
Así, surge «how i’m feeling now», un disco que goza de una calidad humana inconmensurable, remitiéndose a aquel sentimiento de solitud que genera el confinamiento, expresando sus ansiedades, tristezas y esperanzas donde el amor reviste distintas siluetas. Realmente un álbum que nos hace sentir acompañadxs; un verdadero bálsamo que aviva ese aspecto vulnerable de las personas, manteniéndolo a flote a pura sinceridad y temazos.
Es que eso, ¡pero qué temazos!. Charli aprovecha esta ocasión única para dar rienda suelta de manera aún más radical a su lado experimental que siempre ha estado ahí –y que tanto nos impresionó en «Charli» (2019)–, maniobrando producciones obsesas como si fuese algo de lo más normal, matizándolas y creando verdaderos bangers con distintas disposiciones y tonos. Ni hablar de cómo Charli XCX condensa su alma electronica sin tapujos, integrando la herencia que le ha dejado trabajar con artistas como SOPHIE, o de lleno honrar el rave que le vio nacer como artista.
Las maravillas de «how i’m feeling now» van en el entendimiento del espectro emocional por la cual Charli y también sus oyentes tienen, manufacturando piezas con matices que van desde la sensibilidad de canciones como «forever» y «party 4 u», los himnos que son «claws«, «enemy» y «7 years», la renovada cara de «Click» en «c2.0«, el toque alternativo de tracks como «detonate» y «i finally understand«, o bien el éxtasis experimental puro de «pink diamond«, «anthems» y «visions«.
«how i’m feeling now» sienta un precedente único. No nos cabe duda de que este es el álbum de la cuarentena por excelencia, uno en el cual Charli XCX termina por sellar su rol como la cara más experimental del pop con un sello adictivo, entrañable e infeccioso. El control creativo y su carácter visionaria como nadie sacaron adelante un álbum fascinante con una producción que de casera no tiene mucho a decir verdad –reflejo de su profesionalismo y lucidez–. Siempre un paso adelante, siempre optando por la evolución, siempre creando hit tras hit. Definitivamente de lo mejor del pop de este año, y que marca un hito en la historia del género, y de la música en general. Discazo.
Moses Sumney – græ
Moses Sumney se alza con un atrevimiento inusitado en términos creativos, extrapolando la cara alternativa de la música a rincones que no sentíamos posibles. Con un carácter artístico y propositivo en todo momento, el artista dispone sus reflexiones en un álbum bastante sensual con matices y colores irresistibles, en el que la marca de un art pop dinámico y engatusador se hace presente a través de un sinfín de texturas y una voz hipnótica.
Así, «græ» muestra el tremendo capital cultural del artista, ramificado en una amalgama de sonidos que se decantan entre su delicada voz y atmósferas que representan un complejo tejido entre sonidos orgánicos y magias de producción. Se siente como un álbum en donde Moses Sumney se integra en cuerpo y alma, abrazando su complejidad y su humanidad, dejando una encrucijada compleja y tan atrapante. Aquí, recién en su segundo álbum demuestra un hambre creativo y una mente tan fascinante por su noción del arte y la música. Sinceramente un disco precioso.
Natalia Lafourcade – Un Canto por México, Vol. 1
Siendo breves y concisos, la primera parte de «Un Canto por México» es un tributo repleto de amor de parte de Natalia Lafourcade sobre el país que la vio nacer y crecer. En versos intensos con emociones a flor de piel, la artista celebra sus tierras a través de su lupa única en que condensa distintos sonidos característicos de México como la ranchera, maniobrando entre la cumbia, el folk y el folclore como tal.
Una carta de amor repleta de vida, texturas y colores que además son muestra del excelente manejo de Lafourcade a la hora de de desenvolverse en un álbum frondoso, con sorpresas una tras otra. Un álbum para sentirlo hasta el último átomo de nuestra persona.
Freddie Gibbs & The Alchemist – Alfredo
La magia de «Alfredo» reside en la soberbia actualización de la nomenclatura de aquel rap más gangsta, terreno en el que The Alchemist realmente demuestra el porqué se le conoce así al jugar con samples sutiles y elegantes que toman diversas articulaciones y manifestaciones del jazz, y los sopesa por un filtro volátil, en donde pareciera que las diversas capas de sonido se convirtiesen en tangibles texturas.
Ni hablar de que este es el territorio de Freddie Gibbs, dotando de su personalidad prominente sus verseos que espesan y denotan con mayor potencia el carácter gangster, en donde el rapero nos habla de su pasado y su vida como tal. Nada como la experiencia de primera mano, en un choque de realidad que tan bien suena y contraste con invitados del corte de Benny The Butcher, Conway The Machine, o Tyler, the Creator.
«Alfredo» es todo un hito. No sólo porque actualiza el concepto clásico del género reivindicando el aspecto under que se ha desarrollado en los últimos tiempos, sino también porque presenta al mundo una dupla ganadora como este junte entre el flow dominante de Freddie Gibbs y la magia del beat de The Alchemist.
Kehlani – It Was Good Until It Wasn’t
Kehlani con este «It Was Good Until It Wasn’t» se gradúa del todo a la hora de traer a la palestra un sinfín de bangers del r&b más irresistible que pudiese existir, cortesía de su pleno entendimiento en el momento de la modernización del sonido, articulando maniobras trap aquí y por allá para solidificar ese aspecto. Ni hablar de la cercanía que reside en sus letras, en donde el desamor deja de parecer tan terrible; igual hay lágrimas pero al menos vacilando.
Lo que se venga después será clave. ¿Kehlani seguirá este camino? No es que necesite realmente mostrar pretensiones de evolución con mayor notoriedad, pero sí es cierto de que el potencial está y no tiene obstáculo alguno a la hora de crear hits.
Señora Pop – Canciones para planchar en domingo · EP
Con un sabor a nostalgia puro y lindo –y el toque de idiosincrasia necesario–, Señora Pop nos brinda un puñado de canciones que hacen de la cotidianidad y aquellos pensamientos joviales un receptáculo y fuente de magias de ensueño. «Canciones para planchar en domingo» nos entrega un muestreo lo-fi de un indie articulado como un pop minimalista y sensible, en donde cada melodía, verso y acorde responden con liberada ingenuidad y sentida expresión a nuestras personas, con canciones imposibles de olvidar por esa atmósfera tan ligera en donde nos sentimos cómodxs. Bonitas canciones, bonito epé. ¿Pa’ cuando el elepé?
Indenadfin – Jugando Ajedrez con la Muerte
«Jugando Ajedrez con la Muerte» nos presenta un contraste único en donde el carácter energético y juvenil de las canciones de Indenadfin se empapan en una noción apocalíptica y urgente gracias a cómo articularon la producción lo-fi. Esta se vuelve un elemento aun más prominente, al mantenerse esa acidez y crudeza en todo momento, mientras pareciera suceder un breakdown mental a cada rato.
Indenadfin manifiesta su rostro más irreverente, y nos da una mirada del imaginario presente en sus cabezas, en donde las ansiedades parecieran sofocar, de una u otra manera encuentran el camino de salida a través de un vórtice de sonoridades que juegan al filo del asunto.
THE NOVEMBERS – At The Beginning
Con un precedente tan contundente como fue el precioso «ANGELS» (2019), THE NOVEMBERS se embarcan en una odisea extrapolada bajo todo tipo de sonoridades sintéticas residentes en el aspecto más electrónico de su propuesta, una que ve en las melodías de un pop y un rock experimentales y asiduos al lado más vanguardista de su propia visión.
Es por eso que no debiese extrañar como la banda nipona no escatima esfuerzos en enhebrar delicadamente sus influencias del shoegaze y el dream pop, con diversas particularidades del visual kei como también de la electrónica, siendo ésta última un elemento transversal en el transcurso de «At The Beginning», tomando todas las formas posibles –como el industrial o siluetas de ambient–. Realmente un discazo que aprieta el acelerador en materia de innovación, no sólo para la misma banda sino que para la escena
Premium Banana – IRA TI · EP
Inundado en misterios, vistazos difusos y abducciones de pura locura, Premium Banana traduce en las bondades de beats extraterrestres y samples no identificados una noción de la electrónica que más allá de articular un imaginario alucinógeno de alto calibre, es una apuesta que se sumerge en una verdadera Atlántida de sonidos que revisten texturas obsesas y sumamente adictivas. Cuidado con las altas dosis de «IRA TI», no garantizamos su seguridad, pues este EP es un verdadero salto al vacío, tal cual obra lovecraftiana –y con un sonido único y demente–.
Marori y Tutibú – Bólido
Dentro del aparato de locura articulado en este «Bólido», Marori y Tutibú contrastan y confunden la cotidianidad en lo surreal y volátil, maniobrando un sonido indie particularmente ácido de naturaleza lo-fi que concretizan en este aparente carácter irónico e histriónico diversas sensibilidades que toman un aura aún más compleja, considerando el particular entramado que se forma en la yuxtaposición del sonido deliberadamente brusco y visceral junto a volátiles versos que, a fin de cuentas, logran ciertas sensibilidades realmente evocadoras.
Car Seat Headrest – Making A Door Less Open
Lo sucedido en «Making A Door Less Open» es nada más ni menos que una emancipación de alturas de la pesada categoría del «trve» indie que la escena, la crítica y la fanaticada posaba sobre los hombros de Will Toledo y cía. Aquí, Car Seat Headrest no sólo opta por influencias de distintos colores y esencias para dinamizar su concepto, sino que más bien se entregan al flujo del momento haciendo partícipe en el proceso creativo a más integrantes, como una especie de maniobra de re-descubrimiento. Eso tiene todo el sentido del mundo, considerando la carrera titánica y constante que manifestaron durante la década recién pasada, dejándonos obras maravillosas como «Teens Of Denial» (2016) o la relectura de «Twin Fantasy (Face To Face)» (2018).
Así las cosas, Toledo y su pandilla toman diversas nociones de un rock de estructura más clásica, pero manipulada desde una arista excéntrica que juega al borde de la incomodidad, con claras pretensiones en empujar dichas aristas desde el ápice más experimental que la banda nos haya mostrado hasta el día de hoy. Para bien o para mal, Car Seat Headrest se embarcó en una tarea fascinante que en la relectura de las guitarras y la nueva maquinaría sintética-electrónica están lográndose cosas fascinantes.
Mrs. Piss – Self-Surgery
Directo desde la prolija Sargent House, surge este team-up entre Jess Gowrie y Chelsea Wolfe, personajes claves en esta reinvención que ha tenido el metal en los últimos años. Así, este proyecto se torna claro en sus propósitos, y es que la pesadez que corre por sus venas reside en la naturaleza portentosa del sludge, ejecutado con un misticismo hipnótico ante la contundencia del riff y los hechizos de las atmósferas recreadas. No sólo bajo la calidad avant-garde que de una u otra manera aparece a flote –como reflejo de la herencia cultural de cada una–, sino también por esa oscuridad avasalladora bajo el alero del noise.
Cabro Artico – Plaza viva
Quizás lo más fascinante que reside en «Plaza viva», es como este Cabro Ártico se las arregla para dar una muestra única de lo que el jazz puede hacer, así como su alcance infeccioso en dominios de distintos sonidos y estéticas. Sí, y es que más allá de la naturaleza lo-fi que entrega una sensibilidad especialmente humana, el fenómeno realmente particular es cómo en la calidad del jam el artista maniobra distintas formas como la estética nipona o bien la calidad del beat, entregándonos un trabajo de alta gama que tiene una mira fija y voluntariosa en el futuro de estos sonidos. Realmente un discazo.
Day6 – The Book Of Us: The Demon · EP
En esta nueva etapa de Day6 reside un carácter íntimo que empapa de una emotividad única toda dimensión de este EP, en donde la banda de cierta manera maximiza este contraste único entre las formas del rock y los encantos del pop, articulando un sonido exquisito y fresco en materia de producción –pues el aspecto orgánico entrega cierta sustancia a sus canciones–, y que en su obsesión por encontrar melodías por doquier se convierte en un trabajo totalmente magnético en el que da gusto perderse.
Ida y Vuelta – Una Honda Pena Marchita La Pirámide De Rosas, Claveles Amarillos Y Azucenas…
La melancolía que azota los diversos recovecos de un álbum sensible y vulnerable, sin intenciones ocultas ni artimañas grandilocuentes. Aquí, Ida y Vuelta presenta versos de amor y desamor, pena y alegría, en lo que deviene en un contraste constante que de cierta manera simula lo que es la vida en el fondo: aceptar dichos sentimientos y sentirlos propios, algo a lo que en este álbum se materializa en canciones que posan melodías delicadas en un formato folk lo-fi de texturas y sabor popero. De cierta dulzura entrañable en lo que se vuelve un puñado de canciones para sentir en el cobijo de nuestra solitud.
Backxwash – God Has Nothing To Do With This Leave Him Out Of It
Que un género que se creía que nació para morir rápidamente como lo es el horrocore esté tomando un punto tan esencial en el panorama rap, es sólo reflejo de la integración sagrada de la evolución y proponer constantemente que artistas como Danny Brown y clipping. se han preocupado de lograr –y vaya de qué maneras–. Así, dentro de este mismo campo aparece esta obra contundente, punzante y peligrosa de Backxwash, rapera que en las influencias del noise, los decibeles saturados, las melodías escabrosas y una herencia oculta en el heavy metal nos entrega una visión directa y al grano del género, que opta por dejar los experimentos a las atmósferas creadas en su conjunto, generando banger tras banger en lo que es un álbum fascinante de principio a fin, repleto de plot twists.
Aquiestawally – Penita Nocturna · EP
Desde la misma proposición de un título que ve en las penas bajo el velo de la noche, se desprende un carisma particular que quizás sea a causa del tremendo entendimiento y empatía que refieren tanto en sus versos como en las melodías y notas esbozadas, pero, personalmente, creo que las atmósferas nos atrapan por el carácter magnético que tiene la evidente influencia latina, entregando un color particular y adictivo a un pop alternativo que tiene ese calorcito rico con el que dan ganas de bacilar, incluso dentro de nuestra intimidad –como una especie de reivindicación sobre el sentirse triste–. Aquiestawally nos maravilla e hipnotiza con un festín colorido e inyectado de emociones intensas.
Artistas Fifí – Playa del Demonio
Apocalíptico y acalorado. Intenso y cotidiano. Estruendoso y melodioso. La «Playa del Demonio» de los Artistas Fifí nos entrega una revisión cotidiana a través de sátiras y realidades en la que el garage rock se expresa con sencillez y un carisma inconfundible, en donde cada riff y cada golpe a la caja marcan el paso de la música del fin del mundo. Pero siempre con esa esperanza que deviene de esta unidad de lo popular, para disfrutar de dichos placeres cotidianos, vacilando de pana un vinito en caja coreando cada una de estas piezas para recordar –y celebrar, porqué no–.
Mielgabriela – La Flor del Aire · EP
Existe cierto aspecto trascendental y espirituoso en cada uno de los acordes esbozados de «La Flor del Aire», un epé que recita una forma absorbente y compleja de un folk que opta por enredarse y encaramarse en pesadas atmósferas y detalles ocultos a la primera escucha. El carácter onírico y hasta filosófico que ostenta Mielgabriela, toma un tono particular a la hora de comprender la nomenclatura que se forma al contrastar las diversas texturas y tenues muros de sonido con la sentida interpretación vocal que, honestamente, estremecería a cualquiera.
Richie Martins – Saudades II · EP
«Saudades II» se alza con un trabajo de texturas al filo del art pop más seductor, en lo que es un despliegue constante de detalles, arreglos y metáforas que relucen por su pulcritud –qué onda esa producción!–, dejando el escenario más que listo para que las voces se entrelacen en un vaivén sinfín de experiencias cautivantes, bajo una narrativa sutil como intensa. Así, Richie Martins se anotan con un trabajo de excelso carácter, manufacturando una amalgama de sonidos llegando a rozar la homogeneidad con un papel importante de la producción, la electrónica y la genialidad que desprende los distintos arreglos a lo largo de esta magnífica obra.
yonige – Kenzen na Shakai
En este avance constante y seguro que han hecho yonige en las grandes ligas, nos brindan «Kenzen na Shakai», el cual es, fácil, su obra más sensible y que expresa su muestra más humana, delicada y vulnerable. Dueñas de un expresión minimalista explosivo en melodías, este nuevo elepé toma una noción decantada por más precisiones y arpegios a los clásicos y estridentes riffs, en lo que viene a ser un exquisito trabajo de melodías danzarinas que fluyen al paso de un carismático indie rock. Una obra realmente preciosa que pone en la palestra el rol de la honestidad en las composiciones, denotando con fuerza dicho precepto al comando de la interpretación tanto vocal como instrumental.
Caligula’s Horse – Rise Radiant
«Rise Radiant» es una obra que descansa en el aspecto más grandilocuente del metal progresivo, algo a lo que Caligula’s Horse responde con una lucidez inusitada en torno a la expresión viva del goce dentro de esta música. Dicho de otra manera, los australianos hacen gala de su virtuosismo pero como catalizador –o bien herramienta anexa– a la expresión de una narrativa que no escatima esfuerzos en sonar ominosa. Tampoco cae en pretensiones absurdas, siendo una buena obra que solidifica el legado que la banda viene conformando hace ya un tiempo –junto a otras bandas insignes de esta nueva ola del prog como Haken y Leprous–.
India Jordan – For You
El aspecto frenético de «For You» ve en la electronica una forma de expresión que más allá del carácter infeccioso del house y el trance, borda minuciosamente las distintas manifestaciones de un imaginario sumamente colorido y excéntrico que se muestra afable en torno a armar la fiesta desde lo que es un estallido de personalidad. Dicho en otras palabras, los beats no van meramente en función del baile, sino más bien de derrochar personalidad por doquier, lo que despierta la curiosidad de cualquiera. Discazo.
TOMORROW X TOGETHER – The Dream Chapter: Eternity · EP
Al parecer no tomó mucho para que TXT se desprendieran de esa faceta edulcorada juvenil para entregarse a una propuesta mucho más acalorada y repleta de actitud, con un groove constante que mantiene la llama ardiendo en todo momento. Sí, y es que TOMORROW X TOGETHER se gradúa desde ya a la hora de generar bangers que propicien un carácter más prominente, con texturas mucho más ricas y que de cierta manera genera una amalgama casi perfecta entre un pop que absorbe por igual las ventajas de la electronica, el rap, el rock y una noción irresistible de r&b.
Christian Lee Hutson – Beginners
Producido por la mismísima Phoebe Bridgers, el cantautor Christian Lee Hutson nos da una obra franca y honesta de un folk narrativo de experiencias con una presente influencia idiosincrática filtrada bajo un carácter más bien alternativo –donde es posible apreciar ciertos amagues a la Sufjan Stevens–. Así, la composición y ejecución se torna dinámica dándole un rol presente y protagónico a una guitarra que posa una y otra vez notas y melodías aquí y por allá, embelleciendo el relato del artista.
Yung Lean – STARZ
El asunto con «STARZ» se remite a dos cosas. Quizás su implicancia más negativa sea el hecho de que algunas ideas parecen prematuras, lo que merma un poco el flujo del disco, pero dejando eso aparte, Yung Lean manifiesta un entendimiento claro en esta noción más sad del rap, articulando una noción popera irresistible y magnética por las distintas texturas que se mantiene apacibles y agradables, como para entregar el espacio seguro necesario para mostrarse vulnerable. Definitivamente un disco más que disfrutable y que sienta más precedentes para tener en la mira al rapero.
Austra – HiRUDiN
«HiRUDiN» nos muestra el rostro más curioso y místico de una Austra que convierte su synthpop en un catalizador de todo sonido advenedizo de terrenos particulares al art pop o al pop barroco, mostrando claras conexiones con Florence + The Machine y la Kate Bush más experimental, así como una que otra conexión con el carácter ominoso que presentan artistas como Björk. Así, la artista se manifiesta frenética depositando hechizos aquí y por allá, alzando el rol del sintetizador en lo que es un estallido de arreglos elegantes, complejas fórmulas y un inspirador paso narrativo que desafía a las almas a aventurarse en estos terrenos frondosos y espesos de su imaginario.
Lady Gaga – Chromatica
A estas alturas cualquier disco que lance Lady Gaga será un suceso, para bien o para mal, y es que ARTPOP y Joanne habían sido grandes trabajos a su manera, pero confusos en cuanto a recuperar ese alto impacto que habían significado sus primeras obras. Pero al mismo tiempo la artista siempre fue fiel a lo que ella quería explorar y lograr, significando quizás uno de sus triunfos más importantes todo lo sucedido con la cinta ‘A Star Is Born’ y el impacto que tendría ese hit de karaoke llamado «Shallow», así que las expectativas eran altas y confusas a la vez. Y resulta que desde el primer minuto de publicado Chromatica, ya se comenzaba a percibir ese subidón de energía, potencia y ritmo que significaría un álbum tan prendido, emocionante y de ensueño como lo es este sexto disco.
Chromatica saldría al paso de todas las tendencias imperantes en el panorama actual y comulgaría uno de sus cantos más inmortales, sonando inspirado, emotivo y hasta clásico, pero en el sentido más puro de que será un hito recordado en el futuro. ¿Electro-Pop? ¿Dance? Esta obra está hecha y pensada para los clubes, pero resulta fascinante en los escenarios más variados puesto que su universalidad, radica esa locura de querer olvidarse un rato de todo lo que está ocurriendo y ponerse a cantar y bailar a través de un cancionero que te llevará por un universo de maravillas curado solo como una artista como Gaga podría concebir en este tiempo.
Existe un desarrollo totalmente coherente, rápido, entretenido y pop en su sentido más amplio, imaginando todo tipo de ambientes donde su buen gancho vocal plasma con grandeza y propiedad los terrenos más prendidos del dance. Ahí temas como «Stupid Love» -la cual se siente mucho más grande en el contexto de la obra-, «911» o «Alice» se encargan de elevarnos con unos golpes certeros, dejando espacio para que pesos pesados como «Sour Candy» junto a Blackpink o «Rain on me» con Ariana Grande se instalen como verdaderos himnos, aunque la emoción más pura de «Fun Tonight» o «Plastic Doll» terminan por entregarnos el cariño restante a un álbum que nos ha acompañado bien en la cuarentena, y que de seguro volverá a explotar cuando podamos encontrarnos nuevamente.
Perfume Genius – Set My Heart On Fire Immediately
La inmensidad del discurso sobre diversas problemáticas sociales imperantes en la constante prerrogativa lírica de Perfume Genius, resulta una cuestión trascendental a la hora de abordar cada nueva obra, sin embargo en Set My Heart On Fire Immediately convergen de una manera tan especial, emotiva, detallista, expresiva, luminosa, oscura, barroca y provocativa que resulta curioso no darle el merito de impulsarlo lo más alto posible gracias a su concepción sanadora esculpida con una suavidad dramática y deslumbrante.
La danza interpretativa juega un rol importante en toda esta nueva disposición interpretativa que ofrece el artista a la hora de moldear cada composición, fluyendo naturalmente como un conductor de ritmos, melodías y expresiones sentidas desde los movimientos del cuerpo. Su balance y dualidad llega a tales extremos que muchos de los silencios espaciales, ambientales y perceptivos contrastan con ejemplos más lúdicos desarrollados a través de notas más amigables, constituyendo el grueso interpretativo que Mike Hadreas expone como una compleja coreografía todo tipo de intensidades que retumban a ratos cada ángulo de lo que estamos escuchando, y en otros contempla la espacialidad de sus alcances.
Perfume Genius representa todo un mensaje contra los prejuicios llevados a cabo a través del conservadurismo, las creencias religiosas y las acciones discriminatorias implantadas desde la sistematización de los abusos de poder y género, maravillando desde la construcción de su crítica fundamentada y experimentada con su propia experiencia. Así este viaje resulta el conjugado más accesible, cercano y relevante de todas sus obras, respirando una naturalidad evocadora y sensible en «Jason» o la belleza de apertura que significa «Whole Life», explorando los sonidos más duros en «Your Body Changes Everything», fluyendo en planos más existenciales, sintetizados y reveladores en «Nothing at All» o mostrándose más enérgico y bailable con «On the Floor».
‘Set My Heart On Fire Immediately’ transgrede desde su ambición más pura, interpretando la música desde una conexión corporal que resulta conmovedora en demasiados aspectos, elaborando un sentir de sabores a flor de piel. Me recuerda un poco al impacto que tuvo el I Am A Bird Now de Antony and The Jonhsons en su momento.
Carly Rae Jepsen – Dedicated Side B
Dedicated Side B no solo viene a a ser una nueva revisión a aquellos cortes que por algún motivo u otro no entrarían en el Dedicated del año pasado, si no que además confirma ese carácter independiente que Carly Rae Jepsen ha sabido cuidar desde el corazón mismo de su esencia. Si con Emotion ya se manifestaba esa sensación de adaptación a cualquier ambiente y género, con este álbum la artista cautiva a tal punto de dejar constancia que ella es el eje principal de todo lo que transcurren en sus discos.
Estos lados B no se sienten para nada como descartes, al contrario representan un punto tan alto (o incluso más) que su pasado trabajo, quizás por la libertad con la que Carly toma estos 12 nuevos cortes que transcurren como un viaje entretenido, dinámico y repleto de una personalidad única. Tomando las influencias de la música pop en sus más variadas eras, la artista confiere un estado pegadizo, voluble y abierto a relatar como un cancionero completo de pistas para bailar y hacer karaokes, el trazado más fulminante en su definición de interprete, llegando a exponer un espacio soñador de definiciones sobre la música pop, que en su afán de re-descubrir las influencias de los 70’s y 80’s, le brinda esa importancia y relevancia que tanto merece. Basta de hacer oídos sordos.
A esas dos caras de una misma moneda presentes en «Felt This Way» y «Stay Away, le sumamos la movida «Let’s Sort the Whole Thing Out», llegando a una «Summer Love» estimulando desde una pasada surfera psicodélica las influencias más notables de Brian. Y es que ese caracter soleado y luminoso se siente a lo largo de todo el trabajo, le hacen accesible, para nada tedioso, en donde pasa un tema y ya quieres otro y así sucesivamente. Nuevos clásicos como «Window», «Heartbeat» -con aires sonoros a la Solange del ‘A Seat…’- o «Comeback» junto a Bleachers (Jack Antonoff colabora en algunas producciones) dejan constancia de lo inmensa que es Carly Rae Jepsen. Un trabajo que se graba rápidamente en la memoria.
Chips y la Gran Ciudad – Ensayo para la Angustia · EP
Ensayo para la Angustia no es más que un profundo relato por los aspectos más personales de un autor buscando respuestas y cuestionándose certezas. Sus motivos íntimos le brindan un tono mágico a la hora de abordar cuestiones emocionales, sin desviar la atención de aquellas practicas abusivas e injustas que pueden estar presentes de algún modo u otro en la vida diaria, vislumbrando todo un abanico de expresiones indagadas con sencillez y relevancia. Chips y la Gran Ciudad cuida cada aspecto de su obra, pasando a ser más que un ejercicio creativo, una declaración de principios.
BAEKHYUN – Delight · EP
Delight no solo viene a romper récords (obra más pre-vendida de un solista en la historia de Corea del Sur), si no que además se hace merecedor de todo un culto inmediato, puesto que en su fresca esencia, radican los mejores esbozos de un artista puliendo sus limites con una sofisticación salvaje y contenida. BAEKHYUN parece haber estudiado cada aspecto de este trabajo, envolviendo en su fino sentido de profundidad, un híbrido moderno entre las aspiraciones pop del cantante y las vertientes más propias y originales de su trascendencia. Un mini-álbum que pone al integrante de EXO como un nombre abundante en ideas a desarrollar, certificando sus dotes interpretativos a niveles sorprendentes.
Future – High Off Life
Es innegable la importancia y relevancia que posee Future en el panorama del rap más cercano al trap, innovando (junto a Young Thug) en toda una generación flipeada por su melódica propuesta plagada de autotune, hedonismo y personalidad. High Off Life es otra muestra de los alcances del rapero de Atlanta, gestando desde la melancolía, sensibilidad y pasión los aspectos más oscuros, personales, aventurados y sensoriales de su experiencia flotante y enérgica, resultando una obra de excelentes producciones y grandes momentos que te dejarán pegados al techo. Puede que sus líricas a ratos misóginas generen un problema en el auditor, lo que puede opacar un tanto la percepción final, pero en todo lo demás sobre sale, dejando un sabor extraño, medio amargo.
Cocolisx666 – Coqui Era Su Nombre · EP
Cocolisa666 resulta en sí todo un enigma a la hora de describir su principal esencia artística, aunque el ejercicio de revelar su importancia procede principalmente en su carácter más abstracto y ambiguo, donde yacen las fortalezas sonoras con las que se planta de cara a temáticas como la ansiedad, el fracaso, las frustraciones, entre otras. La perspectiva de género y disidencia ejerce como una constante a la hora de abordar sus propias problemáticas, enlazando estas con un desarrollo lo-fi de ambientes oníricos, suavidad agridulce y contemplaciones pop de aspectos personales. Estas cuatro canciones presentes en ‘Coqui Era Su Nombre’ son de un realismo mágico crítico y político.
Sunny Day Service – line!
la sutileza con la que Sunny Day Service va revelando las aristas predominantes de su composición musical, son de una soltura y fluidez bastante emparentada con el uso melódico de las vocales que en sus manos, resultan un punto de vitalidad familiar totalmente refrescante. Y es que a pesar de ya no contar con su baterista de siempre fallecido hace pocos años atrás, el trío continua con un sentido memorial de continuidad llevando al límite de las emociones, esa pasada evocadora ofrecida en line!, plasmando entre distintas intensidades, un movimiento alegre y dichoso para sentirle el peso en sus nueve canciones.
No Tan Humano – Beddorūmu · EP
No Tan Humano han sabido sacarle provecho a estos días de cuarentena, mitad motivados con la idea de tocar, mitad para no morir en la angustia de todo lo que está ocurriendo. Así nace Beddorūmu concebido con el sabor a dormitorio de cada integrante, explayando los diversos océanos de emoción musical en versiones para perderse en sus dimensiones más amigables y torcidas. Estos cover de nombres como Homeshake o Mac DeMarco puede significar una propia conexión de la banda con estas canciones, pero a la vez resalta el enorme umbral de posibilidades mágicas que radican en ese aura onírico lo-fi experimental y hermoso en todas sus latitudes. Atípica calidez.
Bad Bunny – LAS QUE NO IBAN A SALIR
Bad Bunny no conforme con haber lanzado ese disco imborrable en la memoria colectiva que significó YHLQMDLG, se mandó la tarea titánica de lanzar 10 canciones más ideales para aquellos que nunca quisieron bajar de esa nube de estímulos y complicidades provenientes de su segundo álbum. LAS QUE NO IBAN A SALIR no solo viene a poner a la palestra diversos cortes que pese a no estar en el resultado final, siguen siendo tremendas de buenas, contando tal vez con una producción más típica que en más allá de todo, están hechas pa’ prender la pista de baile y las calles, si no que además elevan a un nivel todavía mayor a Benito. 2020 lleva el nombre de Bad Bunny de muchas maneras, y estos track que al final terminaron saliendo, vienen a aplacar cualquier duda al respecto.
Kaze Fujii – Help Ever Hurt Never
Los momentos más altos de Help Ever Hurt Never se sostienen principalmente por la capacidad interpretativa de Kaze Fujii, quien irradia un temple victorioso a la hora de recoger aprendizajes e ideas, plasmando todo un animoso catastro de influencias variadas con las que va enganchando paso a paso por cada track. El sentido pop presente a ratos, se alimenta de todo un arsenal de sonoridades sintéticas y rítmicas abundantes en sofisticación y personalidad, desvelando cada composición como una oportunidad nueva de atraparte entre las aventuradas lineas melódicas elaboradas en la obra, oficiando el disco con un acto de presencia admirable.
KA – Descendants Of Cain
La frondosa encrucijada de elementos flotantes en este Descendants of Cain, visualiza una jugada maestra un tanto silenciosa dentro del mundo del rap, pero que cobra un sentido y relevancia maravilloso en cada pista que el rapero de Brooklyn va montando desde las profundidades del saber memorial persistente en su enigmática lírica. Versos arraigados a lo bíblico, repleto de referencias personales que alcanzan a cubrir gran parte de una obra inamovible en esencia, construida con una altura de miras bastante sorprendente, reflejando la realidad de las calles en una exaustiva propuesta de bagajes experimentales que logran aportar una sustancia extra a las profundidades y consistencia.
Entre percusiones abstractas -minimalistas a rato-, KA procura conmover, revelar y narrar toda variante de episodios que miran a ratos el desarrollo de los eventos presentes en el álbum, con la mirada de un niño atrapado en la crudeza de la realidad desde sus tempranos ojos. Una innovadora muestra de un rapero consciente pero arriesgado.
Cristóbal Briceño – En Mi Rincón
Briceño merece una mención especial a la hora de iluminar la escena con sus poéticas, dramáticas, realistas y personales composiciones más allá de lo conseguido con los Ases Falsos. Su fructífera carrera como autor de nuevos clásicos para atesorar, a la larga puede saturar y ‘En mi rincón’ se siente como una vía de escape, no solo de las presiones nacidas en la cuarentena, si no que además de sí mismo. En este solista Cristóbal se siente libre, natural y sencillo, encontrando quizás un reflejo de sí mismo en un puñado de composiciones creadas desde el encierro, las cuales transmiten las emociones más puras y honestas en una clave cercana de guitarras acústicas para fogatear en casa.
Paradise Lost – Obsidian
Con una corriente de aspectos góticos un tanto recuperados por la banda, aparece Obsidian como un álbum para profundizar los aspectos más melódicos dentro del oscuro y cavernoso universo plasmado musicalmente por unos Paradise Lost que ya gozan de un estatus de culto, y que con cada nueva entrega van acrecentando su legado. El clásico sonido de la banda se dispersa entre corrientes que fluyen desde el ya mencionado gótico, esbozando con una integridad tenebrosa los cánticos eternos que retumban con firmeza en los rincones más pulcros de su esencia, forjando una obra de la mejor herencia doom metal, situándola en el umbral de lo clásico y un futuro que parece todavía guardarles un espacio.
Sevdaliza – Joanna · EP
Explorando los vestigios más llamativos de un pop electrónico de ambientes caóticos y sinfónicas reminiscencias, se alza este perfecto y balanceado Ep de tres canciones llamado Joanne, con el cual Sevdaliza plasma una filosófica sacudida de introspectivas quejumbrosas capaces de alterar el orden de los factores, sin tranzar ni un ápice de belleza. La artista iraní trabaja las distintas ideas que van depositando sus canciones con una coherencia deslumbrante, sonando actual, radical y extraña sin siquiera variar demasiado de sus anteriores pasos, encumbrando su carrera con un fuerte sentido de permanencia artística por los paisajes avant garde de su peculiar visión. Toda una sacudida para contemplar y echar correr la imaginación.
JuanJuan – No Tengo Un Ejército Pero Tengo Calcetines
No se si lo que me sorprendió de esta obra lanzada por JuanJuan radica en la excelente oratoria con la que el artista va desvelando todo un universo de complejidades personales, a un ritmo vertiginoso y camaleónico, o tiene más que ver con la forma novedosa con la que se planta creativamente hablando. Lo cierto es que estas temáticas van encapsulando las emociones mismas de un autor dinámico, dispuesto a interpretar las distintas historias y vivencias de Latinoamerica a través de todo tipo de temas situacionales, tocando fibras angustiantes, otras más amorosas, hallando un profundo sentido de comunidad entre estas narraciones emparentadas en gestación, aunque cada una con su propio valor agregado. ‘No Tengo Un Ejército Pero Tengo Calcetines’ es uno de esos discos para atesorar en cada momento del día.
Casero – Grabo Luego Existo (Demos y Descartes I, II)
Existen nombres que perfectamente pueden quemar toda una variedad de discos distintos en su propia autoría, alcanzando perfectamente para llenar esos vacíos que nos propicia el no tener más música de ese artista/banda que tanto nos gustó. Algo así sucede con Casero, quien ya nos había dado tremendo volúmenes y que ahora convoca todo un ejercito de grabaciones, demos y descartes en su magnético ‘Grabo Luego Existo’, tocado por esa noción mágica con la que Gabriel suele tocar sus discos al límite entre la experimentación más extrema y la concepción popular de sus temas. Viajes de toda envergadura entre mezclados en un orden de aparente normalidad y extraño alcance. Joyita.
Drake – Dark Lane Demo Tapes
Drake ya es todo un gigante en la industria del rap y la música pop en general, teniendo alcances planetarios que mezclan momentos r&b con tendencias replicadas tanto en las listas de lo más escuchado como en las redes sociales que buscan cada día un poco más de su fórmula mágica. Sin embargo al hablar de sus discos los que pueden resultar más entusiastas son los mixtape, vereda por la cual transita de la mejor manera posible, indagando más allá de un gancho comercial, en las formas variadas con la que trabajar las canciones. Este Dark Lane Demo Tapes muestra encanto y al mismo tiempo peca a la segura, siendo un buen álbum pero un poco más limitado teniendo en cuenta el nivel de otros como ‘More Life’.
SAKI – The One
La épica con la que resuena la grandilocuencia de The One radica principalmente en los factores más clásicos del Heavy y Power Metal, sin embargo su moldura no guarda composturas y se las ingenia para moverse por terrenos novedosos, apostando por cambios de ritmicas impensados, riffs demoledores en intensidad y una interpretación monstruosa. SAKI congenia todos estos elementos y mucho más en una obra soñadora, intercalando narraciones de un carácter extraordinario con arreglos constantes por donde transitan esos cánticos e himnos para inmortalizar el presente de la cantante. Allí queda expuesta para ejemplificar una pieza gigante como lo es «FIGHT».
Perrogato – Jardín de Plástico · EP
Jardín de Plástico define a la perfección lo que es hacer un buen álbum con los recursos que se tienen y las circunstancias imperantes en las vidas, montando todo un espectáculo de tonadas pegajosas e inocencias arraigadas al espíritu más fluido y honesto de la banda. Perrogato arma un pequeño gran collage de emociones a experimentar, aventurándose entre creativas muestras de salud personal inspiradas por la sola necesidad cándida y pueril de expresar las dinámicas musicales que moldean al grupo, hallando el balance perfecto como bien lo describen entre sus raíces y el salto al vacío de la imaginación. Un Ep bonito y con canciones tan bacanes como «Guau Guau Guau».
Cocó – Estilo Libre: Canciones de cuarentena · EP
Tómense de las manos y súmense al vertiginoso espacio de creación concebido desde la más pragmática locura imperante en las diversas ejecuciones sintéticas de Cocó, quien liberó a través de un ejercicio de concebir cuatro temas en dos semanas, la razón de ser que ahonda en su propuesta experimental pero abierta a todo tipo de público. Y es que su música resulta tan especial que se hace imposible prever sus alcances, revelándose con un lenguaje único que transita entre la difuminación sónica del sonido y los punzantes ambientes presentes en las composiciones que dan vida y forma al Estilo Libre: Canciones de cuarentena. Una colección de sensaciones abstractas indescifrables pero prominentes en encanto.
Un Festín Sagital – Errabunda
Dotando el camino de la música de una compleja sesión abstracta de estructuras uniformes, van naciendo esos pequeños encuentros que finalmente en medio de todo este terreno inhóspito, resultan ser un cálido refugio de ideas y sentires de todo tipo, los cuales se ven replicados bajo una voz instrumental única entre las cuatro estaciones que forma ‘Errabunda’. Un proyecto ligado de lleno a lo avant-garde, cultivado más bien los aspectos emocionales conectados en este viaje de experimentales sucesos correlativos y progresiones tan difuminadas que guardan la belleza más pura concebida por Un Festín Sagital.
Ruboc – Distant Textures
Concebido con un especial viaje de todo tipo de texturas, este catastro de ideas y reflexiones ambientales resulta ser todo un suceso tanto para la carrera musical de Ruboc, como para la escena nacional en general. Distant Textures inunda cada ambiente desde una fina procesión de eventos, los cuales argumentan a su favor el mejor espectro de sensaciones para abordar y explorar la música con una visión muy variada y bastante fluida. El artista nos lleva por circunstancias reiterativas de emociones esbozadas a través de la libertad, moldeando cada movimiento con una soltura y naturalidad honestamente concebida, frágil y grandilocuente en su sola concepción.
Little Simz – Drop 6 · EP
Bastante entusiasmados nos quedamos con el fabuloso álbum que Little Simz lanzaría el año pasado, y es que Grey Area representaría la apertura definitiva o el salto para llegar a más gente. Sin embargo su carrera ya había hecho cierto ruido, sobre todo en el mundo de los mixtapes o los Ep’s de corte más independiente, donde la rapera se muestra más auténtica, incisiva, fiestera, agresiva y vibrante, mostrando todo su potencial artístico casi como una manera de expresarse, a ratos impulsiva en otros más meditativa pero sencillamente fascinante por donde se le aprecie. Drop 6 continua la seguidilla de trabajos que llevan este nombre, manteniendo la forma incluso yendo mucho más allá, dando entender que ella es un nombre de peso en las rimas y los beats.
MONSTA X – Fantasia X · EP
¡Qué manera de empezar un álbum! MONSTA X se define a la perfección con el potente y deslumbrante Fantasia X, obra que desde un comienzo aparece con el magnetismo más incendiario de versos pegajosos y ganchos adecuados a cada miembro, dándoles una versatilidad que mantendrían a lo largo de este disco. Una obra ardiente, directa, al grano, sin muchos mantos que cubran la esencia más desenfrenada de la agrupación, atrapando con la exótica muestra de melodías atípicas, mezcladas con tanta lógica en las canciones dispuestas en este mini-álbum de manera impactante, haciendo rap, coros pop y tremendas producciones al mismo tiempo. No defrauda.
The Soft Pink Truth – Shall We Go On Sinning So That Grace May Increase?
El concepto minimalista e imponente desarrollado por The Soft Pink Truth obedece única y exclusivamente a la mirada memorable con la que se quiere trabajar esta fusión de sonoridades, ritmos y tiempos tan magníficamente construida. Hay cierto interés por reforzar la épica desde la nebulosa del jazz, la cual pocas veces se ha sentado a contemplar el silencio como lo hace en este disco, capturando las notas necesarias con las que Shall We Go On Sinning So That Grace May Increase? va en búsqueda de ese ambient más evocador, sin miedo a conectarse a ratos con las rítmicas más house de esta obra.
Una mirada a la belleza majestuosa y enigmática, difícil de comprender en todas sus latitudes que resulta el arte cuando más trabaja lo desconocido. El riesgo puede ser sinónimo de aventurarse por tierras conocidas, y así lo dicen los marcados ritmos envolventes con tanta gracia por ejemplo en «We», tema que resume el aspecto más «dance» si así se le puede llamar a esta efervescencia pura de composición, al lado de «So» con esa visión del ambient místico, de despertares en la vida. Todo un referente de samples que rompen esquemas y a la vez te encariñas.
Jeff Rosenstock – NO DREAM
¿Qué es el punk si no la experiencia más inmediata de unx mismx? Pues con tan solo una o dos canciones de habernos introducido a este ansioso, rápido y épico viaje de energía y mensaje llamado NO DREAM, notamos la forma honesta y peculiar con la que Jeff Rosenstock va dando vida a sus composiciones generacionales para todas las épocas. Los temas son lo sufuientemente innovadores a la hora de tomar lo familiar, y darles una percepción dinámica de como sonar, desarrollarse e impactar, pegando de lleno con el postulado socio político imperante en el álbum, donde nos hablan tanto de aquellos «perdedores» concebidos por la maquinaria de competencia que impone el sistema, y al mismo tiempo a través de la perspectiva de un protagonista más de toda esta triste historia. Una joyita para los nuevos tiempos.
Kota the Friend – Everything
Everything es principalmente un trabajo de muy buenas vibras donde las canciones fluyen a través de todo tipo de escenarios y beats, por los cuales el rapero haya un espacio de interpretarse a sí mismo, sin más que una lírica exquisita en flow y producciones sencillas pero inquietas. Kota the Friend toma distancia y se enorgullece de su paleta alternativa, siguiendo su propio instinto, hayando una voz que lo representa, en la que e siente cómodo dandose el lujo de reclutar por ejemplo a la actriz Lupita Nyong’o, colaborando con Bas o Joey Bada$$, entre otras cosas. Este disco posee una energía optimista que te toma por sorpresa, ideal para perderse un poco de lo charcha que puede resultar la pandemia y el enclaustramiento.
Behemoth – A Forest · EP
Behemoth ya es una banda totalmente consagrada en el Black Metal, y lo mejor de todo es que con cada nuevo lanzamiento mantienen el nivel o hacen algo similar en impacto. Sin embargo con A Forest sorprenden a la hora de reversionar esa clásica pieza de The Cure, dándole un sentido mucho más extremo y potente (hasta épico) a la visión ya de por si dark que tiene, añadiendo además dos canciones más (y un en vivo del cover) plantándose como una banda que a estas alturas hacen lo que quieran. Más que un buen regalito.
Las Margaritas – Invierno
El álbum de Las Margaritos debo decir que yace en un lugar especial de mi corazón. Fue un trabajo que acompañó principalmente los últimos dos meses, entrando desde el comienzo con una gracia única, melódica, cercana y totalmente invernal, desplegando emociones con una parada ingenua en lo musical pero expresiva y melancólica, de una dulzura enternecedora y a ratos conmovedora, desafiando los estandares del indie pop de viajes de guitarras que haya la voz y sonido necesario para trascender en algo popular.
Las Margaritas vino a hacer de esta cuarentena un periodo de tiempo no tan malo, acompañando, cantando al oido en los momentos más íntimos de nuestra angustia y frustración, en otros dando el ánimo necesario para llevar a cabo las tareas del hogar; principalmente llevándonos un rato lejos e imaginarnos las historias que narra Mai de manera tan natural, colorida y sobre todo creativa. Un trabajo para lxs amantes empedernidxs del sonido más sutil, sensible y llamativo que pueda ofrecernos la música.
Winters of Blue – 3084
En 3084 las atmósferas evocan una conexión profunda a la hora de establecer todo tipo de críticas y reflexiones que nacen desde la alienación social, los vicios de poder, la poca empatia entre comunes y con otras especies, formulando un propio ecosistema de emociones flotantes, al filo de detalles esbeltos con una sutileza mística de inmensidades y potenciales infinitos. El jugado uso de cuerdas vislumbra la curiosidad con la que Camila -tras este proyecto llamado Winters of Blue- va armando entre encrucijadas, meditaciones y expresiones la música tras el disco de manera autodidacta, reflejando el completo nivel de participación y entrega con el que se cruza el mensaje con el más hermoso de los cantos. Esa voz abstracta, sacude las tensiones y no solo lleva al auditor por un viaje de proporciones cósmicas, si no que además entrega razones suficientes sobre el cuidado del ecosistema, en una producción sin igual.
Migliz – Migliz
El retrato personal conducido con un aura mágico, de resonancias silenciosas y voces inmortales que rompen de sobre salto este pregón de tonalidades construido tan hermosamente por Migliz, resulta todo un entendimiento de cortes gigantescos. Si «Canto de ordeño» ya nos avisa del canto popular desde la expresión misma de la voz, «Tún Tún» recoge las memorias mismas de la sabiduría explayada con una fuerza formidable sin necesariamente sonar fuerte o enrabiada, más bien como una perfecta narradora de historias contadas por los tiempos, encontrando una resonancia poética más allá del umbral típico de los moldes. Se siente como libertad, compañía, angustia, melancolía y corazón, de letras existenciales y reveladoras, de las que te dejan pensando un buen rato. Emoción robusta en coraje, inmersa en su propia autoria y quizás por esto se siente tan gigantesca.
Javuligan – Isla
Javuligan actua como el informante más innovador, el de las novedades habladas en otras lenguas, reflejo nato de su particular forma de llevar a cabo el riesgo y las ideas. Isla transita con un constante avance por entre los universos más implicitos en sus nubosidades, adaptando diversas formas por las cuales llevar la trama musical y coherencia con la que se desplega el álbum, variando los ritmos, las pulsaciones y melodias sin dejar de lado sus estandares integros y esenciales a la hora de producir su música. Se siente una madurez increible en todos los aspectos, erradicando hasta la más mínima molestia en pos de sentirse totalmente liberado, de alcances inagotables que suceden una tras otra como capaz sintéticas sobrepuestas en su complejidad de niveles.
Flora – Microclima · EP
Solo tres canciones bastan para empuñar las aptitudes necesarias a la hora de confabular esas verdaderas experiencias de emociones festivas que resulta este Ep llamado Microclima, proponiendo desde la inquietud y la experimentación, la base ideal con la que dejarse llevar al momento de expresar la música. Flora toma como referencias sus motivaciones principales al momento de comunicarse con los sonidos, generando un mar enigmático de tonalidades y dualidades a explorar, resaltando un lado poético que engancha con la creatividad por la cual transcurren estas composiciones. Hay ganas de escuchar más.
