Escritas por:
Hernán: Desde Porridge Radio hasta Jhene Aiko.
Jota: Desde Code Orange hasta Phantogram.
Felipe: Desde Jay Electronica hasta Don Toliver.
Porridge Radio – Every Bad 
Lo que sería el quinto título de la banda independiente Porridge Radio, se convierte en una gran manifestación de indie rock con matices de post-punk y grandes líricas que mantienen una agresividad sugerente tras todo el extenso. Con una atmósfera mántrica y reverberante, Every Bad adquiere todo un concepto lo-fi en donde la magia reside en su instrumentación y la parte vocal de la frontman Dana Margolin. Every Bad persigue un contenido sincero e insidioso, con grandes arreglos arpegiados y bastante sutileza musical, que a su vez se siente muy genuino y honesto con la atmósfera y producción apegada más a bandas como The Cure. La zona angustiosa y rabiosa también se puede manifestar y, aunque no sea intuitivo, es un gran disco para escuchar en estos tiempos de cuarentena.
Rubio – La Pérdida · EP
Rubio regresa tras el gran disco Pez (2018), esta vez con un EP significativo, La Pérdida. En este fragmento, Rubio sigue con esa ambientación oscura, donde la voz distorsionada y semi-humana se hace presente, la instrumentación apegada a un synth-pop o dream-pop que sastisface esa presencia cibernética, se limitan a 5 canciones únicas. La Pérdida demuestra otra vez el vanguardismo y el art-pop presentes en la esencia de Rubio, el existencialismo que lo sumerge y la sincera bohemia y experimentación que lo hace frágil y único.
Four Tet – Sixteen Oceans
Kieran Hebden A.K.A. Four Tet, convertido ya en un veterano DJ de la escena IDM británica, lanza lo que es su décimo disco de estudio llamado Sixteen Oceans. En un recurso de seguir una tonalidad mucho más minimalista, donde los sonidos se concentran en una gracia de entrar y salir de un estado más ambient que nada, asegurando detalles de producción tremendos y gran “espacialidad” del sonido mismo. Sixteen Oceans presenta esos elementos de OST clásicos de los videojuegos, una zona que es casi de confort para disfrutar de este LP. Con algún que otro aspecto más apegado al Dance, pero sin romper esa habitual y mágica ambientación minimalista o “microhouse” como lo denominarían. Un buen álbum para disfrutar.
Cami – Monstruo
La cantautora y compositora chilena Cami lanza su segundo álbum de estudio tras Rosa (2018). En este disco Monstruo, Cami revela todo el arsenal de ese estilo único de fusiones, donde representa y rememora el folclore chileno y junto a su portentosa interpretación conmueve con una evolución pristina de su carrera. Con grandes canciones (Funeral ft. WOS) e interpretación, Monstruo respeta esa intimidad e intensidad, con líricas feministas y sencillos potentes en una oda hacia el folclor chileno.
CJ Fly – RUDEBWOY
Un gran paso para CJ Fly en su álbum debut RUDEBWOY, donde consigue esa amalgama old school del west coast rap con un interludio instrumental más contemporáneo. La solidez tremenda que demuestra en sus líneas y rapeos pegadizos y tónicos lo hace más interesante para consolidarse como un nombre importante en la escena en los próximos años. RUDEBWOY nos mantiene con su producción nostálgica y suave, con tintes jazzeros también y sampleos movedizos.
majiko – MAJIGEN · EP
La compositora japonesa majiko revela MAJIGEN, su cuarto EP. En una oda a su anterior disco Sabishii Hito ga Ichiban Erainda (2019), vuelve esa magia J-rockera y jazzera energética de la cantautora. Con grandes interpretaciones de la batería, una mezcla de sonidos acústicos y eléctricos, la utilización de arreglos orquestales en ciertos pasajes devela en un registro sumamente caótico en el buen sentido de la palabra. El carácter nipón sobrefluye dentro de MAJIGEN, la utilización de ese canon estético asiático y rompedor de esquemas, ciertos cambios de ritmos y composiciones clásicas lo sobreponen , junto con la poderosa voz, en una zona alta y única de los releases japoneses.
Estación Cinema – Brilla la Noche · EP
La banda chilena Estación Cinema hace su debut al público con Brilla La Noche, un estudio intensivo de synth/indie-pop en donde manejan a placer las sonoridades y puentes. Brilla La Noche nos recuerda ese estilo del pop sintético que reinó en la escena chilena, las influencias de bandas como Fármacos o incluso el Corazones de Los Prisioneros se reflejan de manera única en este LP. Brilla La Noche sumerge en una atmósfera onírica y letárgica con insumos de reverberancia y cajas de ritmo movedizas. Las melodías pegajosas con bajos prominentes también mantienen la dinámica del disco. Muy Bueno.
Horse Lords – The Common Task
The Common Task, siendo el cuarto disco de estudio de la banda Horse Lords, nos ha sorprendido a más de alguno con su sonido sumamente pulcro y perfeccionista. Siendo 2019 donde se explotó con creces el género math con el disco Schlagenheim de Black Midi, parece ser una encrucijada similar con The Common Task para este 2020. Con aspectos totalmente vanguardistas, sacando reliquias del krautrock, generando quiebres rítmicos interesantes y melodías disonantes atípicas, junto con la experimentación -El uso de gaitas y otros instrumentos pocos convencionales-, la producción brillosa y delicada en cada aspecto, la utilización de cajas de ritmo de manera creativa y la gran capacidad de mantener sumergido al oyente en un disco con pocas canciones, donde se vuelve progresivo y ligero también -No sobreproducido- es una de las cosas más llamativas de este disco de Horse Lords. Uno de los experimentos del math rock más atrevidos que podrían salir de este año y que les gustará a los fans acérrimos de Black Midi o del math en general.
Natalia Lacunza – ep2 · EP
La cantautora española lanza su “episodio 2”, un fragmento relacionado al pop más mainstream pero que incita a un estilo elegante. En ep2, la sencillez y elegancia se mantienen en el aire, junto con ciertos pasajes donde intersecta en coros en inglés, pegajosos y con bastante más soul de lo que uno cree. Natalia Lacunza lanza un pequeño disco con una estética cohesiva y limpia, con una seguridad también destacable en su contenido, líricas bellas y bastante honestidad.
Serpent Column – Endless Detainment · EP
La banda americana de Avant-garde Black Metal sorprende con un EP este 2020, tras su registro en full-lenght, Mirror in Darkness del año pasado. En esta ocasión, experimenta con ese mismo sonido único de la banda, el uso de blast-beat y riffs saturadísimos con voces inhumanas y composiciones insanas. Si bien es destacable eso, hay pasajes en donde el mix y la producción no se reflejan tanto como en los otros discos, pero aún así mantienen esa euforia clásica. La brutalidad misma de Serpent Column se manifiesta en Endless Detainment, donde consigue generar un muro de sonido indistinguible con una sofocante sonoridad y monstruosos arreglos por doquier, que casi no pertenecen al género mismo.
Lauv – ~how i’m feeling~
En el ámbito del pop más mainstream, Lauv debuta con su álbum de estudio how i’m feeling. En una suerte de convertirse en una superestrella de radio, donde el fuerte de Lauv reside en los singles adictivos y mayormente en las colaboraciones (Troye Sivan, Sofía Reyes, BTS, Anne-Marie), how i’m feeling parece ser un disco más logrado a ese estilo radiofriendly y que no tiene riesgo alguno como su EP debut. Como canciones independientes funciona muy bien, los singles son bastante recordables y bien producidos que mantienen ese momentum de soft-pop sencillo e inofensivo, aunque con cierta carga emocional y nostálgica que a más de alguno le hará caer.
Stephen Malkmus – Traditional Techniques
El miembro fundador de la ya extinta Pavement, Stephen Malkmus, procede a lanzar su tercer álbum consecutivo desde el 2018, Traditional Techniques. Entramado en una atmósfera hogareña de folk-rock y incentivando una madurez ya única del cantautor, este extenso parece distinto en la trilogía ya expuesta y con altos y bajos totales, aunque la esencia más suave se mantiene bien fresca a lo largo de los 41 minutos del extenso. Traditional Techniques rememora esa escena serena del folk, las cantidades de tonalidades cálidas y hogareñas, muy marcadas y sencillas de escuchar y que nos mantienen en un trance único y placentero.
Jhene Aiko – Chilombo
La cantautora estadounidense Jhene Aiko revela su tercer álbum de estudio, Chilombo, donde se enfrenta a una lectura personal e introspectiva y conjugando una calidad de producción y estilo más único que nunca. Chilombo demuestra la calidad vocal de Jhene, con un melisma y sonoridad atrayente, la atmósfera neo-soul y R&B delicada y pasiva, con algún que otro hit de trap y la grandiosa selección de features (H.E.R., Nas, Future, Miguel, John Legend, etc.) hacen un álbum redondo y llamativo.
Code Orange – Undearneath
La carrera de Code Orange ha sido de lo más explosiva. Desde su temprana consolidación con el tremendo “Forever” (2017) que la banda ha marcado a fuego cierto hito en el que ciertamente ha habido una creatividad exorbitante en las nuevas corrientes de hardcore y nü metal. De ello que cada paso que da Code Orange marque pauta, y este “Underneath” no es la excepción en absoluto.
“Underneath” es un trabajo muchísimo más complejo, en donde la visceralidad toma cierta narrativa sci-fi y toma los trucos de “Forever” llevándolos a otro nivel. Con adiciones y cambios estructurales en la banda, Code Orange desarrolla de manera más balanceada la relación entre el hardcore y el metal, desarrollando intensivamente el espectro de matices, sin escatimar esfuerzos en detalles, silencios súbitos, matices y decisiones rítmicas que rozan la demencia.
Pero ciertamente las novedades no quedan allí. Code Orange está pensando a lo grande. Ya no son sólo unxs niñxs rabiosxs, ahora existe una sed de creatividad aún más abrumadora. Canalizaron todo su Slipknot interior, brindándonos himnos más melódicos –de mano de la voz única de Reba Meyers– que no desperdician brutalidad en ningún momento; o bien, revistiendo sus sonidos de un industrial vertiginoso, renovado que no obedece patrón ninguno.
Así, Code Orange renueva todos esos trucos clásicos del género –en un nivel histórico–, y les da su propia lectura, destrozando su nomenclatura desde su propia genesis, y generando nuevas formas de crear las cosas. Sí, “Underneath” es una mirada frenética al futuro, dándole una mayor trascendencia al pasado, manteniendólo al fuego vivo mientras van creando su propia historia. No se extrañen cuando comiencen a llenar arenas y encabezar festivales, pues van directo para allá. Discazo.
I.O. – Ciénaga
Isidora O’Ryan nos brinda una lectura de ensueño sobre las posibilidades del pop, siendo este “Ciénaga” el argumento perfecto para materializar la convergencia entre el género, junto al abanico abundante de influencias del folk, la electrónica, y la música clásica, jugando un papel clave la formación de I.O. como violonchelista.
Es que claro, la artista desmenuza las estructuras fundantes de su background musical, para apostar por ciertos giros argumentales que opten por la armonía, los arreglos, percibiéndose en el imaginario claros trucos del ambient y el post-rock. ¿Cómo decirlo? “Ciénaga” es un trabajo de joyería fino en el que extremo cuidado en el detalle, en cada capa de sonido, nos brinda una obra compleja de características oníricas –sin sacar los pies de la tierra–. No debiera extrañarnos en absoluto que este disco marque un punto de partida para nuevas aproximaciones del pop, donde el tono experimental y vanguardista prevalezca. Realmente un disco precioso.
ITZY – IT’z ME · EP
Las ITZY siguen en su acelerada carrera que en esta nueva ocasión nos deja un puñado de canciones que ciertamente demuestran dichas intenciones. A fin de cuentas, aún no estamos a miras de un LP aún, por lo que aquí se dedican a desarrollar y dar cierta solidez a lo que ya venían haciendo, un pop con una actitud avasalladora con una producción rimbombante –aunque sí pierden el factor sorpresa–. De una forma u otra, ya están más que graduadas en el arte de crear hits adictivos que funcionan como sólidos cimentos de una carrera con un tremendo potencial.
U.S. Girls – Heavy Light
No exageramos al decir que U.S. Girls es la mejor herencia de lo que el pop –en un sentido artístico– ha logrado dentro de toda su historia, y es que “Heavy Light” se dispone desde una vereda distinta a la que existía en el trascendente “In A Poem Unlimited” (2018) –más centrado en la posición de la persona en el mundo actual–, pero con el mismo sentido detallista sobre los placeres del género, dejando denotar todas sus influencias que vienen directamente de la época de Kate Bush, Blondie y David Bowie, pero con un toque vanguardista único que nos recuerda a un expresionismo tipo Fiona Apple o bien toques psicodélicos que derriban lo que pensábamos del género.
Así, la verdad sobre U.S. Girls es esa conexión entre esa época dorada y el ahora, su propio imaginario y su creatividad inquieta que no se cansa. “Heavy Light” puede ir desde la abundancia y la excentricidad hasta el minimalismo mismo, y el sentido entrañable pero algo exasperante de la conciencia de su persona sobre lo que ocurre, se traduce a la perfección en ello. Escúchenla, por favor.
Celeste Shaw – Cristal · EP
“Cristal” es el fruto de las reflexiones de una Celeste Shaw en un plan de autodescubrimiento lleno de emociones intensas que se traducen en una su exquisita visión del rap y el hip hop. Saborizado en el toque neo-soul –que ya representa parte de su sello personal–, Celeste deja entrever una nueva noción de intimidad, trazando su complejidad con nociones de jazz que consolidan su carácter trascendente y elegante.
Esta nueva aproximación deja a Celeste Shaw en una posición mucho más que auspiciosa. Hablamos de ser de las caras del género, generando los esquemas, y abogando por la evolución, la propuesta, y también –y muy importante– por la faceta orgánica del género. Un EP más que grandioso.
R.A.P. Ferreira – Purple Moonlight Pages
En “Purple Moonlight Pages” el rapero lo deja salir todo. Sin límites ni presiones, y con una profunda y comprometida postura ante su independencia. Tanto de los clichés del género, como de la competitividad y la lucha de egos. R.A.P. Ferreira se libra de su pasado como milo y comienza una nueva historia en la que exista cierta romantización del underground. Si hasta se desprende las tendencias que existen en el under en estos momentos –como el slUms–.
Por supuesto, el rapero no es un mero producto de su obsesión por mantenerse aparte y tranquilo –aunque eso ya de por sí es algo nuevo de ver, cosa de poner atención a sus líricas-, sino también el trabajo instrumental que genera un equilibrio muy balanceado entre lo orgánico y lo sintético, renovando la idea del beat, y dejando caer pura maestría directa desde el jazz, obrando por arreglos que cobran protagonismo. Mucho de la escuela de A Tribe Called Quest aquí. Discazo.
amazarashi – BOYCOTT
Quizás una de las bandas más prolíficas en el pop nipón es amazarashi, quienes siempre se han aferrado con un compromiso férreo a su propia propuesta, con un sonido que se distingue en la escena.
En esta nueva ocasión, «BOYCOTT» nos brinda, quizás, el rostro más oscuro de la banda. O sea, siempre fue de pleno conocimiento que los tópicos tristes y melancólicos son la constante, pero en este nuevo álbum existe cierto aspecto más terapéutico, como si fuera una búsqueda trágica por exorcizar los demonios propios. De ahí el aspecto grisáceo de este disco, como demostración fidedigna de la aceptación de dichas emociones.
En el plano general «BOYCOTT» mantiene esa relación equilibrada entre los arreglos, con una importancia de igual a igual entre los diversos instrumentos –en especial la guitarra y el piano–. Pero aquí hay un nuevo invitado, la electronica (en verdad no tanto, pues cada vez su presencia era más notoria), pero en este nuevo álbum cumple un rol más bien protagónico y estructural, entregando nuevas texturas e ideas, que renuevan una vez más lo obrado por amazarashi.
Shabaka and The Ancestors – We Are Sent Here By History
«We Are Sent By History» es una materialización en clave jazz de nociones esenciales de la vida, bajo conceptos prácticamente filosóficos y filosos que critican la sociedad actual, aún con tremendo caos que se genera, sí existe cierta esperanza. De dicha premisa es que la liberación se transforma en la máxima de Shabaka and The Ancestors, obrando a través de la vanguardia y la fusion –aunque éste en un sentido más bien minimalista–. Así, permanece cierta conexión con el Miles Davis más caótico, pero al mismo tiempo, esta exploración representa el espíritu moderno del género, que dentro de su intensidad, responde a la urgencia de estos tiempos. Discazo por donde se le vea.
Timbuka – La Conquista
Si existiese alguna manera de identificar la propuesta de Timbuka en «La Conquista», quizás el término que más se acercase sea el de space folk, aún cuando exista alguna falta de precisión porque los colores que el cantautor toca van mucho más allá, en un aspecto onírico que sin dudas cobra un carácter íntimo como también puede ser trascendental.
Así, Timbuka usa ciertas nociones de rock y pop, para generar una propuesta acústica que se entrelaza con nociones psicodélicas, ambient, o bien dream pop, en lo que termina siendo una obra que dentro de su sencillez, cobra complejidad y profundidad. Nuestra curiosidad se alza por la intriga que estos muros de sonido presentan.
The Garden – Kiss My Super Bowl Ring
«Kiss My Super Bowl Ring» es caos puro. Entre la evolución misma o la ironía. El desinterés o el meme. Lo cierto es que The Garden nos entrega un esfuerzo histriónico que en su genialidad, simplemente viaja de manera explosiva y deliberadamente llamativa por distintos aspectos del rock. Es algo difícil de describir considerando su carácter sumamente mundano, pero creo que la analogía más exacta es que The Garden bien que podrían ser los Death Grips del género. Esto es puro caos, pero fascinante. Math, lo-fi, indie, blast beats, post-punk, etc. No tiene caso intentar describir, tan sólo sumérjanse.
Magdalena Bay – A Little Rhythm and a Wicked Feeling · EP
La escuela de Grimes comienza a darse a notar, y es que Magdalena Bay nos da un fresca noción de dichas ideas, entregando un aproximación más directa, edulcorada y bailable. Dándole más al dance, aparecen las atmósferas y triquiñuelas de un electropop que inunda todo a su alrededor, creando cierta dualidad entre el sabor y la magia del momento. Entre el baile y lo volátil. Recomendadísimo.
Tainy – NEON16 TAPE: THE KIDS THAT GREW UP ON REGGAETON · EP
Mucho se habla de Bad Bunny o Daddy Yankee, entre tantos nombres importantes del reggaeton y los sonidos urbanos latinos, pero si hay algo real es que la gran mente maestra que más éxitos ha cosechado desde las perillas es Tainy, quien en esta ocasión ha optado por dar partida a una carrera como solista, que desde las perillas nos da las claves de los sonidos que va cosechando, donde las texturas quedan selladas definitivamente como su marca registrada.
Para dicha tarea, se armó con distintas estrellas del género, mirando al pasado, presente y futuro. Aparecen nombres como Cazzu, C Tangana, Sean Paul, Justin Quiles e incluso Kali Uchis. Todo un visionario que nos brindó una colección de canciones acaloradas que cobran carácter de hit instantáneo.
Lil Uzi Vert – Eternal Atake
Creo que una pregunta responde a todo. ¿»Eternal Atake» respondió a todo el hype? Sí, y no. Es decir, Lil Uzi Vert realmente tiene una imaginación única y todo el concepto descabellado que retrató acá es de lo más llamativo –y algo difícil de entender–, y al mismo tiempo demuestra lucidez a la hora de crear bangers, eso no se puede negar en absoluto.
Quizás en cuanto a letras no sea un genio, pero en cuanto a la instrumentación y bases en general queda la noción de que sigue haciendo lo mismo. Una pena considerando lo que proponía en cuanto a contenido y visuales, pero con una correlación estrecha a futuro podría lograr grandes cosas, y bien, a fin de cuentas, igual son temazos. Quizás el tiempo diga otra cosa.
Phantogram – Ceremony
En breve, «Ceremony» sin duda representa el peldaño creativo más bajo de la carrera de Phantogram. Aunque no es algo necesariamente relacionado a lo musical –en lo estricto– sino más bien a la dirección mainstream, que quitó el factor sorpresa por canciones que bien son algo predecibles. Pero, dejando eso de lado, la producción sigue en punto, y la contundencia a la hora de enhebrar melodías de un indie pop vívido sigue fresca. Optamos por ver esto como una jugada para ampliar su campo de acción, ya que hits son hits al fin y al cabo.
Jay Electronica – A Written Testimony
Años esperando el momento en que por fín escucharíamos el debut de Jay Electronica, ese artista distinto pero inacabado debido a su enorme potencial pero nula actividad discográfica. Quizás no pudo haber mejor momento para presenciar ese épico grito reflexivo, histrionico y elevado que significaría A Written Testimony, un álbum distinto en sonido, a ratos vanguardistas en el cómo transcurren los samples, los versos y las ritmicas que Electronica -junto a un presente pero no acreditado Jay-Z- va comulgando como un verdadero pastor.
Este trabajo posee una sustancia atemporal capaz de extrapolar los tópicos más diversos de esta fortaleza espiritual, fusionando beats agresivos, nostálgicas postales melódicas y la realidad más cruda/romántica de tiempos turbulentos. Un viaje por la siempre conflictiva mente de un creador excelso que tomó tiempo en finalizar su obra. Verdaderos testimonios como «The Neverending Story», «Flux Capacitor» o «The Blinding» son solo parte de este perfecto trabajo.
Pedropiedra – Aló!
Tal parece que Pedropiedra se niega a ceder un paso en su constante búsqueda de cómo sonar actual, relevante y algo más. Aló! es de esos trabajos en los que se nota con demasía las ganas de explorar, llevando la radio a la aguda lírica de «Amar en silencio», la sucia enigmática narrativa y pulsación de la canción de da nombre al álbum o la nocturna «En llamas» que se pasea por una dinámica más introspectiva, son solo parte del imaginario inquieto de un músico que otra vez nos vuelve a sorprender. Sí para este álbum decidió reclutar a Cristián Heyne, es porque la cosa iba bien en serio, siendo un disco más que asertivo y novedoso.
Pantha Du Prince – Conference Of Trees
La conexión de Pantha Du Prince con la música siempre ha sido algo bastante especial. Colador de ambientes, producciones cuidadas y un alma en cada nota, Conference of Trees nos sumerge en un latente espacio de comunicación entre percusiones artesanales de madera, sintetizadores, xilófonos y cuerdas, donde el productor busca la inspiración desde el lenguaje musical de la naturaleza, en específico de la sabiduría milenaria de los árboles, casi como si la música hablara desde el punto de vista de éstos. Una obra para repasar los secretos del universo.
NCT 127 – NCT #127 Neo Zone
En este NCT #127 Neo Zone las aspiraciones musicales se tiñen de sonidos cercanos al R&B y Hip-Hop, encontrando un equilibrado pero auténtico compilado de canciones explosivas, audaces y sobre todo entretenidas. NCT 127 explora con una versatilidad vocal clara y concisa, los momentos a través de los cuales se va moviendo el álbum, dejando caer todo tipo de hits de diversos colores y tonalidades, siendo en cada momento un puntal de emociones y sensaciones. La esencia de cada canción va rotando su nomenclatura, yendo desde la frescura y el impacto hasta temas más pausados y reposados, funcionando desde lo mainstream hasta las revueltas del Pop.
Jazmín Gómez – Antes de Dormir
En reiteradas ocasiones la noche es la que alberga parte de nuestros mayores secretos, confesiones, deseos y miedos, además de representar un encuentro más honesto con la inspiración creativa. A Jazmín Gómez le vino bien tomar estas recomendaciones nocturnas y se embarcó en un cancionero sincero, revelador y apasionado en donde brotan diversas fusiones entre el sentido Pop de las canciones en Antes de Dormir, las cuales se mueven con toda propiedad y autoridad por todo tipo de recursos que no hacen más que aportar al sonido y la presencia de este tremendo álbum.
Canciones como «Del verbo amar» hasta «Tornasol» son parte del imaginario de una obra repleta de grandes composiciones, en donde la calidad interpretativa vocal de la artista busca en cada rincón de la expresión, las mejores conjugaciones con las cuales colorear este mágico registro.
Caroline Rose – Superstar
Curioso resulta este cambio de motor en la música de Caroline Rose, pasando de las corrientes más Folk de factura espontanea al cuidado de cada aspecto de una obra problemática y desafiante para ella misma. Y el resultado de Superstar parece ser una innovadora capsula de humor ácido, estéticas sintetizadas futuristas y un juego de inquietas progresiones las cuales interactúan desde el Pop vanguardista -con reminiscencias al homónimo de St. Vincent- con un explosivo cúmulo de momentos memorables y paisajes aclimatados a lo radial. Bastante bien le vienen estas dinámicas a la artista, siendo este disco un tesoro a recorrer de principio a fin.
Grimm Grimm – Ginormous
Koichi Yamanoha suena tan envolvente y provocador en este nuevo escalón dentro del Neo-Folk llamado Ginarmous, en donde pareciera respirar melodías y significados al son de un Pop de cámara exprimido bajo el alero de una irradiación sintética de templanza acústica. Grimm Grimm renueva sus alcances experimentales de la canción Pop en un imaginario potente y versátil, acuñando parte del significado mismo de evocación junto a la selección más extraterrestre de ambientes y capaz.
Anna Calvi – Hunted · EP
El hecho de revisitar tu último álbum solo puede significar una cosa: que algo ha quedado por decir. Y tal vez ese Hunter de 2018 parecía la oportunidad perfecta para admirar el genio creativo de Anna Calvi, sin embargo esta colección de canciones con nueva vida simboliza un paso más a la consolidación, dejando entre ver el potente cúmulo de ideas con las cuales trabajar. Para la ocasión nombres como Courtney Barnett, Charlotte Gainsbourg, Julia Holter o Idles hacen eco de sus presencias en un Hunted que florece con luz propia, lejos de cualquier búsqueda del pasado, simplemente canciones tan grandes para mirar a través de sus cualidades artísticas.
Dogleg – Melee
El gran mérito de un trabajo como Melee radica principalmente en configurar una inyección de vitalidad y frescura al Post-Hardcore, adoptando un fuerte carácter melódico a unas canciones que funcionan desde la apertura a lo simple, para así evolucionar un sonido donde cada nota parece estar destinada a la grandeza. Dogleg se ha encargado de encarar el presente con un álbum que no descubre nada, sin embargo indaga más de lo debido en las principales fortalezas musicales que pueda ofrecernos el género, apostando por renovar sus matices y caminos en pos de la trascendencia.
Tomando como inspiración el Super Smash Bros (N64), la banda de Detroit se anima a aventurarse en una lírica cotidiana y de bastante personalidad, acuñando todo un sentir de eufórica revolución con un sentido de urgencia dispuesto a hervir la sangre más joven, y encender el espíritu apagado de la normalidad.
Megan Thee Stallion – SUGA · EP
Megan Thee Stallion abraza con fuerza el presente de la música, deliberando una propuesta que abarca tanto en tan pocas canciones, siendo SUGA una especie de vía de escape en donde comparte su letalidad en el verseo del Rap, y a la vez germina una apertura total a otros géneros. Este EP no solo abraza una fuerte carga sexual, también procesa el deseo como símbolo de libertad e integridad, por lo que el sentir de cada canción se siente como un momento total de liberación. Después de este pequeño adelanto, no queda más que aumentar el hype por un primer disco de estudio o algún otro mixtape.
Crazysusmonkeys – Crazysusmonkeys · EP
En Chile existen buenas bandas que son capaces de sentar todo un fenómeno musical desde la apertura de géneros, siendo Crazysusmonkeys una nomenclatura de diversas oleadas musicales que transitan sin problemas, por el oleaje de sus dinámicas canciones. Con un pie puesto en los vicios del sistema, las desgracias e injusticias, y el otro en buscar caminos para colisionar sus diversas miradas artísticas, este EP formula un tremendo golpe que no hace más que desear más de esta banda Talquina.
Human Impact – Human Impact
Con Chris Spencer (Unsane) y Jim Coleman (Cop Shoot Cop) a la cabeza, Human Impact lleva el sonido crudo pero sofisticado del Rock por caminos tan diversos, siendo casi un contacto con el espíritu más inquieto de los principios de carrera de cada miembro. Este debut fusiona variados cambios de ritmo, con toques progresivos al filo del Noise, cortesía de la escuela de Swans que viene a completar esta alineación dorada repleta de tremendas y potentes canciones. El cuarteto trasciende de cualquier contexto y se posiciona como una bocanada de excelente técnica e interpretación llena de una profunda y delirante complejidad.
Body Count – Carnivore
Se le podría recriminar a Ice-T y sus Body Count que siempre traten los mismos temas, sin embargo sus líricas violentas y realistas parecen trascender cualquier época, siendo esto los tiempos donde quizás mejor se les puede entender. Carnivore comienza, se desarrolla y finaliza como un verdadero golpe a nuestros oídos, a medio camino entre lo extremo y la frescura de un cantante cada vez en mejor forma. Es Body Count in the house en pleno 2020, como si la propuesta de la banda no fuese suficientemente potente, deciden endurecer todavía más su música, la cual se escucha más viva que nunca.
Don Toliver – Heaven Or Hell
Don Toliver parece beber a toda costa del movimiento musical que significa hoy en día Travis Scott. Su relación con el Rapero pareciera haber influido en este tratado melódico y psicodélico de un Rap bastante pasado en humo y alucinógenos. La personalidad de Toliver parece encajar a la perfección con este tipo de ambientes, y Heaven or Hell no hace más que reforzar esta idea, lo que puede finalmente jugarle una mala pasada pues a pesar de su gran sonido, no termina de explotar o cuajar. Es un buen álbum eso sí, recomendado si te gusta harto el Astroworld.
