SOLANGE – WHEN I GET HOME
Un regreso que nos pilló por sorpresa. Sabíamos que Solange Knowles estaba manufacturando algo, pero no teníamos ni idea cuándo, y cuándo le das comienzo a «When I Get Home» uno entiende porqué. La cantante se dedicó por completo a sus raíces, de manera devota y buscando retratar en sus pasajes sonoros toda la herencia musical de la escena musical de Houston, en la que el rap de allá consigue ciertos milagros al entremezclarse con el R&B de Knowles.
Lo conseguido es un álbum de alto nivel idiosincrático y cultural, en el que el esquema neo jazz –conjugado usualmente en loops y repeticiones– matizando de las más diversas maneras el rap invertido, para que así la voz de Solange encuentre nuevos esquemas en los que desenvolverse.
«When I Get Home» es un disco que a la primera se presenta bastante reservado, lo que de cierta manera hace parecer este disco algo exclusivo y difícil de comprender, pero ciertamente la historia a comprender es de carácter biográfico. Así, nos inmiscuimos en un mundo nuevo conseguido entre el punto de convergencia entre la evolución y ambición de Solange, y su origen mismo. Aquí, Solange no está interesada en hacerse con el spotlight, quiere relatar una historia de manera desinteresada y al mismo tiempo, experimentar y darle cabida a este sonido.
No esperen otro «A Seat At The Table», ese es otro tipo de disco. «When I Get Home» no se repite a sí mismo, y ciertamente consigue sus propósitos a cabalidad.
LAURELA – EMPERATRIZ
La cantautora alcanza horizontes y confines inesperados en «Emperatriz», un álbum que se representa como toda una onda a la introspección e intimidad en la que Laurela consigue traducir su sentir en bellos acordes que esbozan una brutal honestidad. Loreto, la gran artífice, ha pulido tanto su voz como su manera de expresarse, consiguiendo un nivel de interpretación tal que es imposible mantenerse impasible antes las reflexiones de «Emperatriz».
Este álbum se presenta como un receptáculo de los vulnerables, un hogar en el que sentirse cómodo libre de toda ansiedad, cobijándonos en la suavidad de la voz de Laurela.
SELF ESTEEM – COMPLIMENTS PLEASE
«Compliments Please» es el debut finalmente logrado por Self Esteem, después de tanta espera, lo que al fin nos permite investigar algo del imaginario de Rebecca Taylor, la arquitecta de este monumento de álbum. Por empezar con algún punto de partida, el esquema estructural sería un pop de corte independiente y alternativo, pues si algo han de tener claro, es que este disco es una bomba de ideas de los más diversos colores, entre infusiones R&B –y algo de gospel, porqué no–, embellecimiento orquestal y lógica operática y un pop de alturas –que ve su fuerte en la empatía–.
Así las cosas, «Compliments Please» es un debut exitoso que se muestra con la amabilidad suficiente para ser capaz de analizar cada arista de belleza, que ojo, se muestra impredecible.
MAMMOTH WEED WIZARD BASTARD – YN OL I ANNWN
El nuevo álbum de los galeses es uno que presenta desafíos, cuestionamientos, y por supuesto, los responde: «Yn Ol I Annwn» concreta un doom metal bastante severo, pero de una visión clara y fascinante al explorar tópicos repletos de demencia y teorías conspirativas.
La voz de Jessica Ball se interpone ominosamente, repletando los infinitos paisajes que materializan los riffs y arpeggios, y al mismo tiempo, se expresa de una manera desdibujada como si intentara borrar los límites entre lo humano y divino –y llegando a algo cercano al shoegaze–. Eso es algo bastante adictivo, no sólo por el concepto logrado y el esquema rupturista de la voz, sino que dichas innovaciones se homogeneizan excelentemente con los pequeños cambios de perspectiva en lo musical –en cuanto al standard del género–.
Lo logrado es algo realmente fresco, lo que termina por ser increíblemente sorprendente ya que la visión ostentada le permite a Mammoth Weed Wizard Bastard conocer los elementos exactos para crear una nueva manera de hacer doom. La escuela de Black Sabbath sigue expandiéndose con este grandioso álbum.
LÉON – LÉON
Otro debut añorado, en el que al fin vemos como LÉON se sale con la suya con el pop más contemporáneo. Así, la sueca proyecta con su sedosa voz cierta resolución ante el imbatible desamor que describe de una manera tanto poética como cotidiana, manteniendo la gracia en todo momento. Y es que justamente ese es el tema, mantenerse cercana a sí misma, lo que, aún en su vacilación emocional, denota seguridad en el paso del álbum. Además, qué onda «Hope Is A Heartache«, es un temazo.
VIXA TORI – AMULETO
La argentina nos entrega un álbum de grises, en el que somos testigos de la ácida visión de Vixa Tori: uno que busca crudeza como manifiesto principal de expresión. Dicha directriz nos dirige ante reflexiones reales, agrias y bellas planteadas con un rock sutil y bastante humeado, con cierto encanto psychedelic que camina de la mano junto al carácter urbano de la ciudad de Buenos Aires.
Dígamoslo así, el imaginario de Vixa Tori es algo de temer, y más aún su capacidad de crear canciones que forjan su calidad de cantautora de manera agresiva como honesta, con una sencillez tal que le abre la puerta grande a su inagotable genialidad.
MARK MORTON – ANESTHETIC
El otrora guitarrista de Lamb Of God nos brinda «Anesthetic», un LP debut que se decanta por un despliegue clásico de metal moderno bien actualizado. Cómo no, si su banda madre ha cumplido un rol no menor en la contemporaneidad del sonido, pero vayamos a los encantos que nos propone en este álbum.
La gran gracia de este álbum es como Mark le hace honor a sus influencias, y ajusta su sonido ante los distintos vocalistas invitados que tiene, comprendiéndolos y presentándoles el esquema perfecto para que posen su voz a diestra y siniestra. Eso claramente genera un álbum ecléctico y variado, pero tiene éxito en su tarea, permitiendo que el álbum funcione igual, y vaya de qué manera.
Existe el hilo conductor claro de su estilo –y obvio que conectamos con Lamb Of God–, pero es curioso ver como no sólo le hace honor al thrash que necesita Chuck Billy (Testament), o al melodic death que requiere las figuras de Alissa White-Gluz (Arch Enemy) y Randy Blythe (Lamb Of God), sino que para nuestra sorpresa, también se luce recreando un rock portentoso a Myles Kennedy (Alter Bridge), o al temazo que se manda con Mark Lanegan (Screaming Trees). Además, ser capaz de conseguir la rabiosa voz de Chester Bennington a casi dos años de su muerte es algo inolvidable –y ojo que hace mucho que no se le escuchaba tan agresivo al difunto vocalista de Linkin Park–.
Puede ser que Mark Morton acaba de liberar su habilidad y capacidad que tiene como productor.
SUNDARA KARMA – ULFILAS’ ALPHABET
Sundara Karma se encaramó de inmediato en un camino mucho más interesante, dejando el cliché del indie rock de himnos –en el que eran bastante buenos y sobresalientes–, pero prefiero hacer caso de sus ambiciones musicales y desafiar el mainstream de la industria a pura genialidad. Así, cambiaron su manera de componer, escribir y activaron su amor por David Bowie y Arcade Fire en su ADN y el resultado final es un despliegue de indie pop tan artístico y maravilloso, repleto de encanto, vida y una carrera que despega con seriedad e instalándose de inmediato como un futuro ícono del género. Cuántas cosas buenas se vienen para esta banda dios mío.
OWN OMNIPRESENCE – THE COMMON PATHS OF ANGER · EP
«The Common Paths OfAnger»profesa un technical death metal del más alto calibre del que pudiese apreciarse, y aún manteniendo una prolífica manera de componer. ¿A qué me refiero? bueno, pues los chilenos dejaron libre toda su ira en un álbum increíblemente brutal que se mantiene insano y demente, pero se dirige fielmente según su filosofía, manteniendo una racionalidad que permite maximizar toda la belleza de este sonido tan colosal. Además, aplican lúcidamente el deathcore olvidando todo cliché que pudiese conllevar dicho sonido, y logrando un epé que consigue todo lo que bandas como Cryptopsy se propusieron, pero de manera excelsa.
MINT FIELD – MIENTRAS ESPERAS · EP
Las mexicanas nos presentan un epé sumamente gélido en el que traducen en una variedad de elementos, los diversos pormenores y ansiedades respecto de la incertidumbre, tratados con una melancolía claustrofóbica y otoñal. En dichos elementos vemos una riqueza de sonoridades en el que Mint Field ha logrado escabullirse para cumplir con sus propósitos, así vemos como su peculiar shoegaze se conjuga de igual a igual con el post rock, logrando una instrumentación soberbia que en ocasiones toma elementos del folk o del post punk más moderno, decantando un sonido prevaleciente que sólo suma credenciales a la acelerada carrera de Amor Amezcua y Estrella Sánchez.
SORI SAWADA – HIRUHINAKA
Lo de Sori Sawada es un trabajo que se encumbra entre sonidos vulnerables y cándidos en el que su voz refleja luces de historias embelesadas a pura magia. Es que eso es lo que Sawada consigue en estas siete canciones, una interpretación sin igual que toma cada uno de los acordes hechizantes del piano y la guitarra, y con un toque artístico único, hace un retrato realista desde la cotidianidad del corazón.
WHILE SHE SLEEPS – SO WHAT?
Siempre hemos de valorar cuando una banda de metalcore exitosa busca nuevas maneras de hacer sus cosas, considerando lo estancado que se encuentra el género en estos momentos. Pero hay algo cierto, y es que existen bandas que están renovando los límites y buscarle nuevas perspectivas al asunto, y ciertamente While She Sleeps es una de ellas. Aquí, en «SO WHAT?», existe un conocimiento pleno de lo que es rock de arenas y estadios, y si bien eso es algo vilipendiado en estos días, este no es el caso pues la banda se expresa a paso seguro con absoluta gracia, y por sobre todo frescura. Sí, ese es el mejor calificativo, mantenerse fresco, que la sensación de que algo más grande se está cosechando persista y que el portal a nuevos sonidos se mantenga abierta.
STA. ROSA – LEMBRANÇAS QUE NÃO DOEM MAIS
Los brasileños se remiten a sus emociones más ocultas para obtener los recursos necesarios para su música tome forma, una que está entre la inmensidad del dream pop, el enganche terrenal del indie rock, y la melancolía humana del emo. El resultado logrado es una conexión inmediata al alma, permitiéndose dejar salir esa sensación de aflicción y liberando cargas que al mismo tiempo nos permiten sanar. La humanidad retratada en la voz –una tan suave que sólo pudiese lograrse con los pulmones– refracta un centenar de emociones dispuestas a envolvernos en sus brazos, sosteniendo nuestras lágrimas, y nosotros las de ellos.
CRYSTAL FIGHTERS – GAIA & FRIENDS
Aunque los Crystal Fighters sí tienen ojo para saber como colorear su música de la manera correcta –con sabores latinos, y uno que otro beat de la música urbana actual–, fallan descabelladamente en la ejecución, al no querer ceder su faceta media-surf-fogatera-hippie lo que termina por hacer su álbum increíblemente predecible, aún con una que otra buena idea. Ojalá retomen el rumbo, aunque por ahora, se ve algo difícil.
SISTERS OF SUFFOCATION – HUMANS ARE BROKEN
Las Sisters Of Suffocation se plantean a sí mismas de manera inquieta e inconformes, para conseguir dinamizar y replantear algunos esquemas tácticos/clásicos del death metal, y así inyectarle de quiebres urgentes que nos adentran al laberinto que es «Humans Are Broken». Aquí uno no busca la salida, ni los patrones conocidos para llegar a ella, sino que uno busca las sorpresas y reveses que de una u otra manera nos llevan a un final aún más deseado y fascinante, en el que su death puede manifestarse tanto incisivo como inmenso.
HITORIE – HOWLS
Lo de Hitorie se remite al quiebre de visión a la hora de componer sus canciones, en lo que es una búsqueda constante por distintas maneras de hacer pop, y en dicha tarea cada uno de sus aullidos son escuchados y le permiten despachar divertidas canciones repletas de pasión y que se pasan por una variedad de sonidos como el funk, disco, y rock dándole cuánto terreno deseo su guitarra para expresarse, con técnicas y riffs que no acostumbramos a escuchar. Necesitamos más.
WEEZER – WEEZER (BLACK ALBUM)
Para los que conocen a la banda desde sus inicios, estos estandartes nerds son amigos de toda la vida, aún a la distancia, y jugando con ritmos poperos, si uno le dedica tiempo al disco podrán notar que algo queda. Es la dolorosa tensión vocal de Cuomo sobre grandes melodías con mucha guitarra, lo que nos trae a ratos, una oleada de nostalgia que mira de lejos a los entrañables tiempos mozos. Al menos me sirvió para poner el CD de Pinkerton a todo volumen cuando llegué a mi casa.
NADRÁN – ALIBERTA · EP
El proyecto de Rocío Contreras nos invita a un viaje con nuestros fantasmas, una cita con la belleza etérea, que como un alma incorpórea se pasea en el silencio brumoso capaz de implosionar entre tecla y tecla, de un piano que llora pero que busca limpiarse en cada lágrima. El viaje con nuestros fantasmas se torna cíclico, y es de esperar que en su próximo trabajo los despeje en un vital rayo de luz.
POM POKO – BIRTHDAY
La banda indie rock noruega debuta en LPs con un sonido rápido y ruidoso lleno de confianza contagiosa. Dentro del caos sonoro, distorsiones varias y quiebres de ritmo, el conjunto de músicos se escucha impecable desarrollando con éxito la complejidad técnica de cada tema. Si bien la fórmula frenética pierde fuerza llegando al doceavo tema no puedo dejar de definir esto como divertido, impredecible y lleno de carácter. Respecto a este último punto hay algo de viveza infantil que impregna todo el trabajo, así que todo un acierto el nombre del grupo, una hermosa película de Isao Takahata y el Studio Ghibli.
HAND HABITS – PLACEHOLDER
El trabajo de Meg Duffy bajo el nombre de Hand Habits nos convida un folk de autor puesto en una colección letárgica de rock suave placentero, libre de excesos, con guitarras acústicas delicadas de emotiva vocación melódica y una estética estructurada, bien definida y fácilmente identificable. Aquí es donde esta obra toma forma y emerge en un viaje memorable de dedicada atención al detalle y cuidadosa composición.
BLOSQUI – SECO · EP
El año pasado reseñamos Blosquing, un loco disco de remixes vaporwave de clásicos del pop. Pues bien, las etiquetas y el encasillamiento en géneros no van para nada de la mano con este inquieto creador, quien en esta ocasión expande su paleta de estilos, texturas y sonidos, tomando pop de dormitorio, electrónica y guitarras acústicas para componer su humanidad que es lo principal de este nuevo trabajo y el paso adelante: La capacidad de abrirse y exponernos sus penas y alegrías con total honestidad vocal.
POND – TASMANIA
Los australianos concretan lo que sería su octavo álbum de larga duración, con la ayuda de un conocido Kevin Parker (Tame Impala) en lo que es la parte de la producción -Y que se nota con demasía-. Tasmania es un disco prácticamente synth-pop con características del new wave de antaño -Con toques sacados de canciones de David Bowie, incluso con homenajes por la admiración que tiene el líder australiano por el mítico personaje-, es su registro más accesible al oído, pero que no se malinterprete, no quiere decir que tampoco se experimente. Las nociones intergalácticas que promueven sus tracks y que tienden a dejar esa atmósfera dreamy y espacial, que consuelan el oído con grandes sonoridades orquestadas y el gran uso de efectos en las guitarras junto con la profunda utilización de los sintetizadores, que conllevan el ritmo del bajo en todas sus canciones, fluyendo simple y funky también. Tasmania concuerda con la banda, suena como la banda y sigue ese camino que persiguió por sus años, un poco más renovado que antes y con ideas que siguen siendo lo absurdamente buenas en la calidad sonora, pero que también calan en el sentimiento y que nos llevan a lugares llenos de ácido y experimentación. Tasmania, podría ser como un cierre a su registro anterior The Weather, pero con más accesibilidad, quizás uno de sus mejores álbumes hasta el momento.
DEVIL MASTER – SATAN SPITS ON CHILDREN OF LIGHT
Los hijos del diablo, Devil Master, compendian en Satan Spits on Children of Light, su debut como duración larga su primordial esencia, corromper el género del Black Metal, combinarlo con un Punk acelerado y sin respiro. Satan Spits on Children of Light condecora la suciedad armónica, pero en sentido estético de la producción, es que las guitarras son tan distorsionadas y atmosféricas que son un ruido de sonido, un muro de concreto. La voz típicamente black metal, que desgarran esa última pizca de humanidad y la transforman a ese grito infernal. El plus que le da combinar estilos, conservar un ritmo acelerado y que no deja respiro en ninguna canción es quizás su sello más distintivo e interesante. Devil Master se manifiesta en este álbum que sabe construir de a poco su estilo, de a poco pero chocante. Es posible que el fanático de Ghost le guste este álbum y los más adentrados en el género del Black o incluso del Punk, un álbum recomendado.
TACÁN – LA TORMENTA · EP
Haber, un EP con sólo dos canciones por lo general es demasiado corto como para establecer una crítica o reseña plausible, pero en este EP es otra cosa, con sólo dos canciones generan una gran cantidad de arreglos y cambios rítmicos, experimentando completamente en una suerte de jazz-fusión conjunto de un ambiente misterioso y de ficción. La Tormenta, de Tacán es justamente todo lo contrario a lo que uno piensa, la banda chilena se entrometió ambiciosamente en un estilo complicado y salió ganando. El EP comienza con El Que Atrae a la Tormenta, que empieza con un compás jazzero de estilo película italiana que cada vez te lleva a una zona más progresiva y misteriosa, contemplando en un momento el quiebre por completo de la progresión y arrinconándonos en una atmósfera onírica junto con el palm-muting de la guitarra y los arreglos melódicos de los vientos, quebrando la noción de la canción y explotando el lado más progresivo, que luego vuelve a lo que nos introdujo. En Ratas y Alcohol, sigue ese estilo, pero a un toque más western y bluesero que va acompañando el arpegio guitarrero y la intromisión de vientos semblantes, que luego sorprenden a un toque más rockero. Un total viaje expresivo en sólo dos canciones, muy recomendado.
SEKAI NO OWARI – EYE
La banda japonesa, oriunda de Tokio y formada en 2005, nos trae por partida doble sus álbumes EYE y LIPS sacados el mismo día 27 de febrero. Tras haber conseguido bastante material grabado en 4 años de espera tras su último álbum Tree, se propusieron a contemplar dos álbumes marcados en géneros un poco distintos. En el primero, EYE consiguen la parte más experimental de la banda, encasillando distintos estilos provenientes desde el techno, jazz, rock, indie y música orquestal incluso. Este lado más intenso en su composición y ritmo -Agresivo también- comparte esa versión trascendental de estilos que van mezclándose con fluidez, sin perder esa cohesión característica de las bandas japonesas a pesar de la gran cantidad de cambios. Comenzando con LOVE SONG con un arreglo fino de cuerdas orquestadas, con ese toque medieval que luego se va traspasando a un ritmo marcado por el bajo y los arpegios pianísticos. Doppelganger, una canción únicamente del género jazz que va versando y fluyendo dentro del disco, cosa que comparte con Monsoon Night con arreglos más latinos y ska. Re:set es la versión más inclinada hacia un trance/EDM agresivo y de ritmo acelerado. Todo esto contempla EYE en un registro experimental y único.
SEKAI NO OWARI – LIP
Una versión más calma y clara de lo propuesto en EYE. LIP contempla todo lo que es la sazón del J-Pop, pero también asegura su sonido a las baladas y tracks de ritmo suave y reflexivas. Sin perder ese grado experimental y sonoramente exquisito en cuanto a la composición y la atmósfera que intenta entregarnos la banda, LIP es toda la parte más pop de EYE. Aún así hay espacios para mezclar ciertos estilos, lo que no se aleja de su contraparte, pero esta vez es en gracia de concretar ese sonido claro y comprensivo. LIP es todo otro viaje musical por la banda, que se lee como una suerte de dualidad con EYE.
THE JAPANESE HOUSE – GOOD AT FALLING
Un álbum debut que sorprendió a la crítica, The Japanese House es el proyecto en solitario de la compositora y productora inglesa Amber Bain que ya contemplaba con cuatro discos EP en donde ya se veía el camino que tomaría para su exitoso debut. Con un sosegado uso de sintetizadores e instrumentación más minimalista en donde profesan las guitarras y arreglos sonoros, la aterciopelada voz de Amber que envuelve la mística de la atmósfera, el uso contrariado de ritmos y bajos potentes que rellenan el espacio auditivo junto con las desesperadas y desenamoradas líricas, llenas de tristeza y limbo que generan ese ambiente oscuro y mentalmente depresivo, la consecuencia de una ruptura -De lo que se basa Amber para crear este álbum- que conmueve y consigue entrometernos en su vida a base de ser unos meros espectadores de su música. Good at Falling es todo un descubrimiento lleno de Indie Pop, Dream Pop y todo lo Pop que pudiese ser, la producción casi al tope, pero que desenvuelve en un disco únicamente personal y pasional y que transmite ciertos temores e inseguridades del artista, que lo hace más importante. Lo que sigue en su carrera estará por verse, pero ya de partida esclarece y determina la vara en la que está.
QUEENSRŸCHE – THE VEREDICT
La veterana banda progresiva pasó por varias dificultades cuando se concretó la ida del principal vocalista y líder Geoff Tate. La búsqueda de un nuevo vocalista y nueva formación con Todd La Torre y, tras 7 años donde consiguieron dos discos: Queensrÿche (2013) y Condition Human (2015), pareciese que con The Veredict comprendieron y realzaron esa figura antecesora y prístina que llevó a la escena musical progresiva y más rock de los años 80’s a Queensrÿche. The Veredict tiene ideas acabadas y agresoras en comparación con sus trabajos anteriores, es la renovada versión de la banda en su consenso de regresar a la escena y promover ese talento que aún siguen teniendo. El registro consigue ese sonido con riffs directamente sacados del heavy metal progresivo y power metal antiguo, con la impecable voz de La Torre -Incluso liderando también la batería y de una manera asombrosa- y las demoledoras melodías de la guitarra que guían y sacan a flote esa banda cansina que sufrió el peso de la edad, concretando también ese estilo progresivo como en la canción Light Years y lo más furioso en Propaganda Fashion. Resurgir e intentarlo, ese sería el veredicto.
TXT – THE DREAM CHAPTER: START · EP
TOMORROW X TOGETHER, así se llama el debut de la esperada boy-band coreana de k-pop, oriunda de la compañía Big Hit Entertainment, la casa del gigante BTS. Por ahora, TXT no se parece en nada a sus antecesores, es más los rookies comparten una suerte de sonido parecido a lo que haría en estos días NCT Dream, donde exacerban más y contemplan el sonido más fluorescente y pop en base a ritmos EDM y trap, con coros y estribillos pegajosos y ritmos dance que consiguen fácilmente entrar en el mercado. CROWN se titula el single debut que, acelerado y melódicamente pegajoso, donde se van a la segura, pero es disfrutable. Mención honrosa a Cat & Dog donde exploran ritmos sumamente traps y con bastante uso de tripletes.
YVES JARVIS – THE SAME BUT BY DIFFERENT MEANS 
Jean-Sebastien Audet, un compositor de la ciudad de Gatineau, que antes se denominaba como Un Blonde y que ahora es conocido como Yves Jarvis, promete como un productor lo-fi magistral. Yves Jarvis detona todo su arsenal creativo y de producción en The Same But By Different Means: Un álbum cálido e íntimo que cuenta con unas progresiones jazzeras y sincopadas a lo largo, donde se hace presente melódicamente las capas y capas de su propia voz, dando un coro portentoso en cada canción. El uso de armonías jazzeras y arreglos de piano, junto con la intromisión de sampleos o sonidos directamente y provocando con el uso de instrumentos de bronces que resaltan encarecidamente la preocupación del artista en afinar cada detalle de su álbum. Intimo y preciso, donde la calma abunda y consume. La suavidad de las texturas y complejos armónicos codiciosos y ambiciosos son profundamente acabados y terminados. Una composición tanto austera como rica en sonoridades, un álbum que impresiona y que nos vitaliza bastante.
MAURICIO IBÁÑEZ – A DREAM INSIDE OF A DREAM
Mauricio Ibáñez es un compositor y artista de la escena nacional, el cual independientemente ha sellado su estilo en cuatro discos de larga duración. A Dream Inside of a Dream, su cuarto disco, es de propias palabras del autor “su disco más etéreo” de ahí sale la nomenclatura, en este álbum revisita ciertos temas y sonoridades experimentales, influencias de grandes artistas como Steven Wilson, Anathema o Radiohead, en el cual explora la musicalidad y transmitir y evocar conjuntos oníricos y melancólicos, con un cierto toque de tristeza. Las líricas en inglés presentan y envuelven el ambiente dreamy y calmo. Un álbum con bastantes ideas acabadas y resueltas que esclarecen y complacen también al oído.
BRYAN ADAMS – SHINE A LIGHT
Que esperamos de una figura icónica del Rock y Pop mundial, alguien que ha vendido ya 100 millones de álbumes en el mundo y que compuso himnos como Summer of 69’, (Everything I Do) I Do It For You o Run to You. Pues esperamos con las más altas expectativas e ilusiones del mundo. Bueno, en Shine a Light, ese deseo de volver a ver a un Bryan Adams radiante e icónico se desmorona. De partida, no es un disco que sea de por sí malo, pero que tiene otra cosa que quizás lo hace aún peor: Olvidable. Es desconcertante y, que si bien tiene algunas canciones que pueden repuntar en su puntuación -Unas cuatro canciones que recuerdan ese rock ‘n roll conservativo y vivo de antaño, como en No Time For Love o Driving Under The Influence of Love– tiene baches que son imperdonables -La misma Shine a Light y el dueto con Jennifer López lo desmoronan todo, incluso su Highway to Hell propia que es All or Nothing-. El pecado de intentar hacer un disco relleno, intentar entrar en el mercado americano nuevamente, pero con ideas no acabadas son pan de cada día y esperamos que, a futuro, pueda remendarse de cometer errores y seguir ese camino que lo hizo grande alguna vez.
IN FLAMES – I, THE MASK
Los pioneros del death metal melódico de Gotemburgo, una banda legendaria del género que más de alguna ocasión pudo ser criticada por su cambio de estilo a una línea ubicada en lo más mainstream que lo death metal, bueno es entendible sabiendo la característica del fanático acérrimo del género. I, the Mask se convierte en el decimotercer disco de la ya veterana banda, y concluye en un sonido bastante americanizado como ya habían evolucionado en sus trabajos anteriores. El disco es mucho más logrado que Battles (2016), su anterior registro, pero todavía sigue pecando de algunos matices que, en este caso concordamos con el fanático, poco inspirados y que no tienen mucha relevancia en su estilo, el metalcore. In Flames sigue la tendencia de querer hacer las cosas a la ligera, sin importancia y sin inspiración. I, the Mask es un álbum con una buena producción y con algunos puntos que pueden ser rescatados, como por ejemplo su canción homónima, pero de aquello, es poco más lo rescatable concordando que se esmeran en conseguir un sonido mainstream, pero no de la manera adecuada, sino que conllevar a copiar y pegar progresiones y variarlas un poco con la voz clara y gruñida de Anders Fridén, pero sin sustento. Un álbum que sigue con las decepciones, pero bueno, aún sigue una luz de esperanza a futuro – Considerando únicamente sus brutales discos que algunas veces hicieron-.
2 CHAINZ – RAP OR GO TO THE LEAGUE
Dejando de lado el aspecto más abstracto de las líricas habituales del Rap moderno, 2 Chainz reclama un trono perdido sin siquiera ponerse la corona; más bien un recordatorio de porqué el género es una inspiración absoluta en cuanto a lo que es capaz de transmitir. Digamos que el Rapero de Atlanta toma consciencia de su lugar como veterano del género y en un disco completamente interesante, arriesgado y pomposo, reflexiona de una manera lúcida sobre diversos temas, que parece imposible no poner atención a lo que dice. Varios mensajes entrelazados con unos beat que aportan de buena manera al desarrollo del álbum, siendo un condimento bastante relevante al cohesionarse en un todo. Rap or Go to the League nos pone al tanto de las buenas cosas que pasan por la cabeza de un Rapero al cual todavía no se le extingue la llama.
HOZIER – WASTELAND, BABY!
En Wasteland, Baby! nos encontramos con un compositor que pretende traspasar parte de sus vivencias, espíritu y pasiones, en un compendio amplio de sentidas canciones que transmiten el dolor como la más terrible de las emociones, el amor como el motor de nuestras vidas y los recuerdos con una nostalgia abundante en relevancia. Quizás el único pecado de Hozier en este álbum, es la falta de aventura. Se nos hace un tanto repetitivo escuchar las mismas canciones siempre, sin embargo no por esto deja de ser un buen disco. Cumple, emociona y nos sonríe a la cara cuando nadie más lo hace. Un trabajo para acompañarnos en todo momento, a pesar de carecer de una búsqueda en comparación a sus anteriores obras que contaban con elementos similares.
LITTLE SIMZ – GREY AREA
No hay mejor manera que replantearse un sentido artístico que creando música. Así lo sintió Little Simz al sentirse desorientada, confundida y perdida en medio de un tumulto importante de ideas. El proceso parece haber sido largo, tedioso y sobre todo trascendente para una persona que se involucró de una manera cruda, enérgica y salvaje, a la vez personal y emocional en un tercer acto que merece el mayor de los reconocimientos. GREY Area es un espacio en donde la artista toma el control de las cosas, dejándose llevar por la euforia de la creación en un estado puro y potente. La cuna de su vida, se traduce en no más de 10 canciones, las cuales diversifican a más no poder un género que a veces sentimos un poco atrapado en los egos. Aquí lo importante es desarrollar un monstruo tan grande, que es imposible pararlo, difícil hacerle frente y gustosamente, fácil de enamorarse. Porque sí, en este disco entendemos a la perfección las maravillas que salen desde la mente y el alma de una cantante abundante en líricas ingeniosas, un juego orgánico de instrumentación plenamente aplicado y por supuesto, la maestría de una personalidad que se ha despachado el mejor disco de Rap de lo que va del año.
RENJÄ – PARASITE FALLS
El misterioso Renjä se inmiscuye en un viaje replete de momentos para atesorar. Dentro de la tónica de un jugado calendario musical ligado a la electrónica, los ambientes y los destellos de sabiduría sintetizada, transcurre el tiempo y nos vemos extasiados con un exponente intenso y abrumador de melancolía, reflexión y música para ahondar en sí mismo. En Parasite Falls la palabra soundtrack toma un lugar importante dentro del concepto del disco, siendo su carácter experimental y soñador, el consuelo necesario para afrontar la vida con un conjunto de sonidos tan bien reposados y confeccionados.
CZARFACE – DOG DAYS OF TOMORROW · EP
Dentro de la locura certificada de CZARFACE, se esconden ideas que a veces no comprendemos mucho, pero que suenan muy bien, y en el fondo una de las características más grandes de esta vieja nueva escuela, es precisamente el como los beat construyen las canciones, en donde los MC nos narran diversas historias de todo tipo. Ficción o no ficción, la banda las hace bien y con este nuevo EP Dog Days of Tomorrow, expanden el comiquero sentido de Czarface Meets Ghostface, disco lanzado hace solo algunas semanas. Productividad al máximo. Sello Wu-Tang garantizado.
TCCV – ASOCIACIÓN DE ASTRONAUTAS AUTÓNOMOS
Los últimos vestigios humanos de unos astronautas perdidos en algún lugar del universo, de la máquina, del sentido conceptual puro, plagado de ruidos, misterio, viajes .exe bastante bien ejecutados y programados. La mano se nota entendiendo que los implicados del proyecto son Tomás Cumplido y Charlie Vásquez (Orquesta Pandroginia), experimentados sensoriales capaces de guiarte por mensajes sci-fi anti capitalistas y gubernamentales. En la Asociación de Astronautas Autónomos, los chicos escriben su propio Metropolis distópica que hace quedar a Muse en ridículo, explayando un espacio de entendimiento personal, como arma para reaccionar a tiempo antes de que nos perdamos en el juego. Anti sistema puro.
NIÑA COYOTE ETA CHICO TORNADO – AITZSTAR
A diferencia que en Chile, en España las niñas y los chicos juegan con el Rock, especificamente con una vertiente del Stoner tan buena que no veíamos hace rato. Un sonido árido, crudo, de carretera, totalmente cargado de destreza que juega con el sonido de Bar, para que distrutes al máximo la experiencia. Aitzstar es una cumbre para la banda, que de seguro les valdrá hartos elogios durante el año. Acá radicalizan los caminos, con más violencia y buen sentido de las guitarras. Un triunfo totalmente. De esos que huelen a cerveza los sábados.
Escritas por:
Jota: Desde Solange hasta Hitorie.
Ernesto: Desde Weezer hasta Blosqui.
Hernán: Desde Pond hasta In Flames.
Felipe: Desde 2 Chainz hasta NIÑA COYOTE eta CHICO TORNADO.
