Post Malone – AUSTIN
pop rock · alt-pop
El regreso de Posty significó un fuerte cambio estético dentro de su propuesta a nivel generalizado, y es que si bien las emociones y vivencias que residen tras las letras del artista siempre han gozado de cierto carácter personal –y también algo melancólico–, es en AUSTIN’ donde desnuda al completo su intimidad.
Dentro de dicha fragilidad, no es sino lógico que la música respondiese de la misma forma, implicando una transformación por completo a sensibilidades directamente pop, en el que la presencia importante de los acordes de guitarra toman un lugar protagónico –lo que se veía venir en todo caso–. En ese sentido, el gen trap y pop rap permanece únicamente en los colores que hay en las cadencias vocales de Post Malone, ya que la forma en como se resuelven las distintas particularidades creativas, y, en general, los hits, ya no persiguen dichas intenciones que aún se veían –aunque en menor medida– en el trabajo del año pasado, ‘Twelve Carat Tootache’.
Ahora, existe un sector detractor de ‘AUSTIN’ que arguye la falta de originalidad que adolece este disco, lo que, según ellos, recae en lo genérico que estos tracks pueden ser. Si bien no es algo del todo incierto –pues sí hay un puñado menor de canciones que pudieron ser filtrados para una mejor salud del disco–, sí hay que entender que el factor más popero siempre ha estado presente en la discografía de Post Malone. En ese sentido, el cambio estético puede ser shockeante, pero al mismo tiempo, representa un sinfín de oportunidades para el artista, que se aventura en texturas folk pop y alt-pop para sus fines.
Dicho de otra forma, los problemas que presenta ‘AUSTIN’ son los mismos que ha tenido la totalidad de la obra de Posty –en especial post ‘beerbongs & bentleys’ (2018)–. Trazos líricos olvidables –aunque no del todo constantes en ‘AUSTIN’–; una producción algo blanda en los temas que no son pensados como singles, aunque este punto se podría llegar a rebatir por los cambios originados en la llegada de nuevos sonidos; y, muy de la mano con este último, la necesidad casi imperiosa de filtrar el tracklist para un trabajo más pulido.
Sin embargo, ‘AUSTIN’ reinyecta la carrera de Post Malone con ese aspecto infeccioso e irresistible que ‘Twelve Carat Tootache’ había perdido. Además, la producción –en términos de sonido– vuelve a estar en punto.– Juan Pablo Ossandón
Aphex Twin – Blackbox Life Recorder 21f / in a room7 F760 · EP
idm
Richard D. James está de regreso después de 5 largos años del lanzamiento del EP ‘Collapse’ (2018), el último trabajo –sustancial– que el afamado productor y DJ nos dejó, razón por la que ‘Blackbox Life Recorder 21f / in a room7 F760’ tenía tanta atención encima. Es Aphex Twin de quien hablamos.
Yendo a lo que nos convoca, este breve puñado de piezas presenta al artista en uno de sus rostros más minimalistas –y hasta pragmáticos– en el que se le haya visto por mucho tiempo. Después de todo, ‘Collapse’ era un trabajo fascinante, pero difícil de roer por su exuberancia intrínseca.
Y es que no es que ‘Blackbox Life Recorder’ goce de menos complejidad per sé. La razón que podría recaer detrás de su aparente sencillez es porque el IDM que nutre todo este trabajo ve su columna vertebral en otras formulaciones. De ahí que este EP presente una suerte de back to basics, al optar por la yuxtaposición de sonidos mecánicos y samples sospechosamente realistas –como esa suerte de ‘cowbell’ que hay en “in a room7 F760’–, en conjunto con texturas difuminadas y acuosas de carácter más ambientales.
De esta forma, lejos de querer retorcer los conceptos de la electrónica –como si no lo haya hecho muchísimas veces ya–, Aphex Twin entrega un trabajo dinámico y entretenido de un IDM increíblemente accesible. Puede que las propias texturas de varios beats y samples apelen un poco a la nostalgia de los ’90, o al producir con “pocos recursos” como Burial y el mismo Richard ya hicieron en su momento, pero de ahí el encanto. Ni más ni menos.– Juan Pablo Ossandón
Laurela – Terracota · EP
indie folk
Si bien, al conocer a Laurela resulta tentador categorizar su música en el indie-folk, al adentrarnos en su discografía, su sonido habla por sí mismo, y se vislumbra su identidad que nutre una propuesta que, hoy por hoy, es referencia dentro del circuito independiente. Y así se demuestra en ‘Terracota‘, su más reciente entrega.
Desde el track que abre este EP de seis canciones, el ambiente sonoro absorbe al oyente y lo invita a adentrarse en un recorrido de texturas formadas por elementos que pasan desde lo orquestal hasta lo minimalista, sin perder la cohesión. Con un sonido que aparenta estar diseñado meticulosamente.
El poético relato que extiende la cantautora nacional se sustenta de su melosa voz que, en conjunto a cuerdas y capas de elementos, forman boscosas atmósferas que se embrollan hasta llegar a un momento de bonanza, el cual permite apreciar la simpleza detrás de todo, y comprender el sentido de cada pieza que compone este bello rompecabezas.- Nicolás Rosales M.
Jessy Lanza – Love Hallucination
synthpop · alternative r&b · uk bass
Dinámico, aventurero y curioso son palabras que quedan cortas para definir el nuevo material de Jessy Lanza, ‘Love Hallucination‘, quien con su voz que calza a la perfección en el R&B, se aventura en ritmos propios de la electrónica, y explora una inmensidad de sonidos ligados al dance, el techno, el synthpop, entre otros subgéneros.
A través de once tracks, la artista canadiense se nutre de elementos sintéticos para abrir un abanico sonoro muy amplio, que a ratos pareciera convertirse en un popurrí. Pero que al verlo en perspectiva, es una demostración más de un aparente afán de explorar los sonidos que componen la amplia gama sonora englobada en lo electrónico.
El contraste que se genera entre lo instrumental y lo vocal es el elemento que más resalta a lo largo de toda la entrega, denotando así la versatilidad de la intérprete, cuya melosa y reconocible voz termina por ser el nexo entre canciones que fácilmente pueden valerse por sí solas. Y que, de forma independiente, en su mayoría son piezas destacables, pero que al englobarse en un formato álbum, no logran generar un sentido colectivo en materia sonora.- Nicolás Rosales M.
Carly Rae Jepsen – The Loveliest Time
dance-pop
Carly Rae Jepsen regresa a la escena musical con su nuevo álbum ‘The Loveliest Time’, que se podría considerar como el «hermano» de su proyecto anterior titulado ‘The Loneliest Time’. Este disco presenta algunas de las creaciones musicales más singulares que han surgido en su extensa discografía, manteniendo su característico sonido pop inalterado.
En la mayoría de las canciones, se aprecia una evolución lírica que refleja la madurez artística de Carly. Mientras que en su proyecto previo exploraba la temática de la soledad, en esta ocasión, Carly se sumerge en el territorio del amor, aunque esta temática puede considerarse un tanto trillada, la manera en que aborda el tema resulta encantadora.
Continuando en la línea trazada por ‘EMOTION‘, ‘The Loveliest Time’ se posiciona como un álbum de notable intensidad y autenticidad dentro del género dance-pop. Sin dudas, uno de sus mejores álbumes dentro de su repertorio.- Pzai C.
ITZY – KILL MY DOUBT · EP
k-pop · electropop
Una breve trayectoria de 4 años les ha bastado para demostrar su talento. ITZY deslumbra una escenografía abismal, acompañada de unos sonidos pegajosos que ha marcado totalmente a su fans, los MIDZY. El mini álbum ‘Kill my Doubt‘ es una propuesta arriesgada que aborda toda duda que exista sobre el grupo.
Al ritmo del trap, el kpop y una exploración en el pop rock, ITZY muestra un concepto enfocado en la determinación inquebrantable para superar sus luchas. Un álbum que reseña el entusiasmo y la versatilidad, a pesar de la juventud del grupo, lo que muestra signos positivos para el futuro.- Jocsán Sánchez
George Clanton – Ooh Rap I Ya
neo-psychedelia – baggy – chillwave
‘Ooh Rap I Ya‘ viene a posicionarse como el cuarto larga duración de George Clanton, celebrado artista que lleva sorprendiendo desde el 2015 con su particular forma de ejecutar el synth-pop y chillwave. No es que haya inventado esta intersección, pero le dio un cariz tan propio y de buen gusto que terminó volviéndose irresistible. En su primer larga duración, 100% Electronic, no solo deslizó esta formula que mezclaba los dos géneros mencionados de forma exquisita y bastante perfecta, sino que además la acompañó de un cuidado proceso de composición que ciertamente hace funcionar la paleta sonora en un contexto provechoso.
Y hasta hace un mes, se había hecho cargo de perfeccionar el sonido que lo llevó a la fama. En ‘Slide’ (2018) perfila y mejora todas sus sensibilidades con una cuidada elegancia. Y tras una accidentada colaboración con Nick Hexum publicada el 2020, si se podía esperar que lo que viniese próximamente apostara por superar el resultado del ‘Slide‘.
Toda esta historia es digna de mencionar antes de llegar a ‘Ooh Rap I Ya’, precisamente porque mucho de ese sonido está derechamente abandonado, pero no así necesariamente desaprovechado. Esta vez Clanton tomó la experiencia de escribir canciones bien logradas y reconocibles, pero se fue al maximalismo. Y es que este último disco es una bomba de saturación directa al cerebro cargada de múltiples formas de abordar el synth-pop, pero siempre con la prudencia de velar por la identidad de la canción.
La verdad es que llega a niveles increíbles. Clanton es un cantautor que sacó todas sus garras de productor para brindar una experiencia que desborda las cualidades positivas estilísticas del género, pues también parece cruzar una brecha tecnológica en su misión de crear un soundplay que parece un sonido genuinamente nuevo.
Quizás se puede decir que el flow que antes tomaba prestado de las influencias del chillwave, ahora viene desde un ritmo y una fluidez muy particular de un género ochentero/noventero llamado baggy. Es un tipo de pop que dejó altas obras, como el trabajo de The Stone Roses, The Charlatans o Flipper’s Guitar. Pero también tuvo influencias tangibles en espacios como el britpop, el alternative dance o la indietrónica. Incluso en el dream pop, como lo probó con absurda certeza Hatchie en su disco ‘Giving The World Away‘ el año pasado. Bueno, pasa que Clanton toma este género un poco en la filosofía de Hatchie, es decir, pensando en las posibilidades que le significaría incorporarlo en su obra. Y vaya resultado. Más cuando vemos un entendimiento tan profundo de las posibilidades de producción que permiten los elementos puestos sobre la mesa.
Increíblemente, toda esta locura se complementa permanentemente de una inclusión de múltiples elementos eclécticos e impredecibles que solo hacen la escucha cada vez más interesante y fascinante. Difícil presentar un disco de pop de este año que apunte al mismo nivel.- Nico Merino
Kogarashi – Kogarashi
ambient pop · art pop
Luego de un tiempo, y tras una seguidilla de sencillos, Kogarashi decide dar un nuevo gran paso, y lanzar su primer álbum debut. Activo desde 2021, el artista chileno oriundo de Coquimbo, se radica en la electrónica y los sonidos pop, siendo unos de los principales exponentes actuales de géneros como el hyperpop, posicionándose como un gran productor dentro de la escena chilena, tanto en ritmos pop como electrónica.
‘Kogarashi’ es el nombre de su nuevo albúm, en el que se decanta por pop ambiente, y un estilo característico del art pop, fusionando sus grandes habilidades dentro de la electrónica, para crear un sonido único, distintivo y que viene a reafirmar, su faceta como artista en solitario. Centrándose en la creación de un ambiente efímero, distintos sintetizadores son ejecutados para romper una burbuja de sonidos claros y pacíficos, desatando una tormenta de ritmos cercanos al hyperpop, la que permite evolucionar la melodía constantemente.
Con 36 minutos de duración y 9 cortes dentro del álbum, lo mencionado anteriormente cobra aún mayor relevancia puesto que, a excepción de solo un track, el resto supera completamente los 3 minutos duración, lo que da cuenta de la importancia del desarrollo de cada canción.
El álbum también en ocasiones se acerca a esa ola de pop alternativo que tuvo auge un par de años atrás en nuestro país, y es por esto que los mejores elementos de aquello, son rescatados y puestos dentro del proyecto, algo que se complementa muy bien con la dosis de electrónica, y rápidos ritmos colocados en el álbum.
‘Kogarashi’ es un trabajo que marca firmemente el camino para su creador homónimo, mostrándole al público una cantidad de habilidades y sonidos que solo se pueden conseguir a partir de la experiencia como uno de los importantes productores del momento. Ejecutando una dosis de ambient pop, poco vista en nuestro país, y por tanto, se siente fresco y novedoso.- Tomás Pérez
MISAMO – MASTERPIECE · EP
k-pop · contemporary r&b
‘MASTERPIECE‘ es el primer EP de MISAMO, subunidad del grupo TWICE que se encuentra conformada por 3 de sus integrantes: Momo, Sana y Mina. Con 7 cortes y una duración de 22 minutos aproximadamente, este primer proyecto marca una clara diferencia del grupo inicial. tanto en estructura y sonidos. El trío de idols le otorga una identidad propia a este primer EP pero sin perder esa esencia característica del género que les ha entregado el llevar tanto tiempo en la industria.
Conservando esa sonoridad pop y una definición vocal que encanta desde la primera escucha, esta vez MISAMO decide deambular e incorporar a sus sonidos, gran cantidad de elementos que se podrían encontrar en el r&b, generando constantemente un ritmo pop calmado, que se va desarrollando a lo largo de cada canción, y permite sacar los mejores aspectos vocales de cada una de sus integrantes. Adaptando cada una de sus voces a una diversidad de sonidos dentro del espectro pop, la capacidad de manejar cada uno de los tiempos no conoce diferencia entre sonidos, instrumentos y sintetizadores.
A pesar de marcar una diferencia en alma y estructura, el proyecto no se encuentra carente de bangers. «Do not Touch» es la canción que conserva ese poderío capaz de romper listas semanales y reproducciones, bajo el concepto del Consentimiento, el grupo arma una pegadiza y completa canción. Entregando una combinación de r&b y el más poderoso de los ritmos k-pop, el inicio del EP es uno de los puntos fuertes del trabajo, que poco a poco va mutando y entregando la faceta más técnica y melódica.
El debut de MISAMO viene como una renovación de sonidos para la escena del k-pop, además de buscar marcar la diferencia desde el primer momento, ‘MASTERPIECE’ es una propuesta que se decanta por el lado más melódico y que saca a relucir los talentos no tan visibles de cada una de sus integrantes.- Tomás Pérez
HANABIE – Reborn Superstar!
melodic metalcore
10 canciones y una travesía de sorpresas es lo que Hanabie presenta con ‘Reborn Superstar’. Incluso siendo el metalcore su género predominante, se genera una fusión tremenda de éste con géneros tales como el j-pop, hyperpop y edm. Sorprendiendo desde el comienzo, con “Blast Off”, una canción de un minuto de la electrónica más pura, para pasar a metalcore en el resto del álbum en un cambio abrupto, que logra hacerte tomar atención desde el primer momento que lo escuchas.
Con el crecimiento en exposición de bandas metal femeninas que mezclan el género con lo kawaii –tales como Babymetal–, Hanabie no es la excepción. El contraste de sonidos tiernos, gritos dulces y de emoción se enlazan con los guturales y fuertes instrumentales y riffs, generando un balance coherente y sorpresivo a la vez, tal como se puede ver en “お先に失礼します。”.
Hanabie, con su propuesta, evidencia ser la banda talentosa y multifacética ideal para probar que la sorpresa puede ser algo bueno, en un género que suele tomar recursos más serios, demostrando que está bien simplemente pasarla bien de vez en cuando.- Constanza Machuca
Easykid – Sorry, Estoy en mi Darkera
reggaetón
Con una creciente notoriedad en la escena urbana, Easykid trae su álbum ‘Sorry, Estoy en mi Darkera’ como una propuesta completamente novedosa y experimental a los oyentes, mezclando durante casi 30 minutos el clásico perreo del reggaeton con elementos bailables de otros géneros, tales como el house.
Haciendo un viaje temporal a niveles instrumentales, Easykid logra encapsular de manera complementaria el reggaeton old-school (demostrado, por ejemplo, en “La Que Pichea”) con el más reciente flow, utilizando recursos de producción que invitan a recordar a ese pasado, pero a su vez de la manera más moderna posible, consiguiendo el balance perfecto de estos.
A su vez, acuña esta “Darkera” como un adentramiento a su persona interna, con melodías mucho más experimentales, tal como en la canción del mismo nombre, y hace un recorrido sentimental, con líricas envolventes para el oyente. Haciendo que perfectamente éste pueda bailar y pasarla bien, mientras se ve capaz de recordar momentos identificables de su vida. Definitivamente uno de los álbumes más destacados del reggaeton del presente año.- Constanza Machuca
Celyne – Aurora
contemporary r&b – trap
Como su debut en formato EP, Celyne presenta ‘Aurora‘. En palabras mismas de la artista, aurora significa “la luz que sale antes de la salida del sol”, integrando este significado en cada canción, que refleja un sentimiento de esperanza a futuro, a pesar de estar pasando por un mal momento.
El EP es un himno al sentir profundo, abordando temas como la dependencia emocional, el dolor y la desconfianza dentro del amor, y, sin estancarse en un pozo sin fondo de sufrimiento, el proyecto escala construyendo un camino de coraje a levantarse. Haciendo un llamado al amor propio, tener visión y ambición a futuro, seguir adelante y a no quedarse callada frente a la injusticia, como también a las imposiciones de la sociedad sobre el rol de la mujer.
El aspecto musical puramente se destaca junto a la estructura del proyecto, teniendo una voz fina, suave y dolida, que en una mezcla con un flow trapero generan una mezcla de estilo atrapante, donde “Despedida” destaca como la mayor representante de esta ejecución. Sin duda como EP debut de Celyne, ‘Aurora’ demuestra que la propuesta de la artista contiene un mensaje preciso y claro, junto a una musicalidad y arte prometedor. EP que apenas termines de leer esto puedes escuchar.- Jorge Mesa Tobar
Travis Scott – UTOPIA
southern hip hop – experimental hip hop
Un panorama por lo bajo movido, antecedió la llegada del esperado cuarto álbum de estudio de Travis Scott, que se presume estaba listo o por lo menos muy avanzado hace un rato ya. Sin embargo, el punto de inflexión que significó la tragedia del festival Astroworld y el posterior limbo en el que estuvo inmerso, terminó generando un contexto distinto para la salida de ‘UTOPIA‘, y el impacto que tendría este 2023.
Desde que Travis Scott estrenó ‘Rodeo‘ (2015), siempre ha estado en el ojo público, tanto del mainstream a nivel general, siendo el artista trap más famoso y -tal vez- el más definitorio, como en los comentarios de la crítica especializada y el mundo melómano. En cierto modo, los méritos de dicho álbum impulsan una lectura desde afuera mucho más atenta, y porqué no, sobre juzgada de lo que hace el artista con sus discos, generando también una ambición en el propio Travis, yendo -casi siempre- un poco más allá en concepto, performance, producción, etc.
Y si bien, el un tanto olvidable ‘Birds in the Trap Sing McKnight’ (2016), así como el jugado pero inconsistente ‘Astroworld‘ (2018) ayudaron a cimentar su enorme éxito, hacía falta un trabajo que recuperara no la ambición que siempre estuvo, sino que la seguridad creativa. Lo curioso es que, dentro del panorama hedonista y nocturno que materializa ‘UTOPIA‘, su dinamismo complejiza en general la escucha. Claro, sin detenerla, generando una sensación de volver al disco y descubrir nuevos detalles, y esto funciona de manera efectiva y llamativa, gracias a la maduración de su confianza como artista.
Son varios los pro que presenta Travis Scott en este cuarto larga duración, desde una producción más consolidada en cuanto a su visión oscura, y algo más experimental. O por lo menos distintiva de su sonido, potenciando la profundidad de los bajos, a la vez que el aspecto rítmico adquiere una mayor versatilidad. Herencia de un hip hop sureño siempre en expansión, con ciertas incursiones en su característico trap, y por supuesto, ese surrealismo más cloud/psicodélico.
Otra faceta a destacar tiene relación con los feats, por lo bajo funcionando correctamente, pero si somos justos, la participación mayoritaria de invitadxs está a la altura. Desde Playboy Carti, 21 Savage, Beyoncé o Kid Cudi hasta SZA, Westside Gunn y Bad Bunny, son pocos los puntos bajos (¿The Weeknd?), aportando desde sus respectivas personalidades al trabajo en general. Sale del típico feat genérico pensado con la lógica “juntar nombres populares porque sí”.
Sin embargo, existen algunos puntos que suscitan mayor discusión respecto a ‘UTOPIA‘, como es el caso de su extensión. Y si bien, la experiencia en general es mucho más cohesiva a diferencia de ‘Astroworld‘, también criticado por esto mismo, hay momentos en los que más que perderse, estira el chicle. Canciones como “I KNOW ?” quedan un poco fuera de lugar (aunque ya quisiera Drake un tema así), mientras que “Topia Twins” más allá de ser a su manera un hit, se siente a la segura, apoyándose demasiado en la presencia siempre efectiva en los feats de 21 Savage.
Otras como “SKITZO” funcionan mejor por sus ideas que por la canción en sí, siendo la presencia de Young Thug un tanto desaprovechada debido al tratamiento desabrido de sus vocales, siendo que es un destacado en este aspecto. O lo que pasa con “K-POP” que sí, funciona un poco mejor en el disco que como sencillo, pero parece un tema hecho para Bad Bunny, con el propio Conejo Malo echandoselo al hombro.
Pero vamos, a diferencia de ‘Astroworld‘ en el que Travis Scott termina generando un cuento mucho menos interesante de lo que pretende ser, ‘UTOPIA’ es un disco atractivo, distintivo y mucho más redondo. Sobreodiado, juzgado por cosas que no intenta hacer, pero al final del día una gran obra.- Felipe León
TURQUOISEDEATH – Se Bueno
atmospheric drum and bass – shoegaze – indietronica
El disco estrenado hace pocas semanas atrás por TURQUOISEDEATH, se posiciona como uno de los debut más interesantes y mejor logrados de este año. En gran medida por el estimulante espíritu emotivo que encarna el proyecto de Londres, a través de una cruzada de implicancias ambientales y rítmicas que definen el tono mágico, cambiante y baja fidelidad de ‘Se Bueno’.
El caso es que TURQUOISEDEATH le da una vuelta a sonidos como el drum & bass de corte atmosférico y la profunda velocidad del jungle, llevando la experiencia por una cálida sensación nocturna, con matices progresivos y ruidosos. Así, los 9 cortes elaborados en ‘Se Bueno‘, disponen de melódicas búsquedas sonoras que limitan con lo onírico del dream pop, dando cuenta de un panorama nostálgico de apasionadas sensibilidades.
En el fondo, la esencia de este trabajo radica en lo evocativo que puede ser, en medio de una visión a ratos densa, pero que se la juega por hacer de sus complejidaades, un espacio creativo con fines preciosistas y sinceros. Generando un clímax ineludible a la mitad cuando suena “Guessabelle” y “Starfields”, dos maratónicas piezas que condensan lo mejor de este ‘Se Bueno‘, elaborado con gracia por TURQUOISEDEATH. Un buen punto de partida, y ya uno de los referentes a futuro de su discografía.- Felipe León
