TROPICS – NOCTURNAL SOULS
La manera en que Tropics se desenvuelve como una ventisca de aire fresco, ritmos seductores y un fino sentido de la elegancia, nos hace pensar casi de inmediato en Rhye, aunque la cosa musicalmente toma diversos caminos en Nocturnal Souls, siendo el imaginario sicodelico, parte esencial para que Christopher Ward pula sus producciones, desde diversas aristas que convergen como una ovulación musical en este disco. La voz entre flotante y terrenal, nos entrega el pulso necesario para que los beats emerjan como un engranaje introspectivo y sereno de un Downtempo crepuscular. Mucho corazón hay en Nocturnal Souls, ya sea como producto y a la vez, desde la sensibilidad misma de crear canciones como estas.
DRAKE – SCORPION
Quizás el gran problema con Drake, es que cada disco es más largo que el anterior, con más canciones en donde no sale mucho de su zona de confort pero seamos claros que encontró su fórmula, la reproduce sin tapujos, le agrega o quita cosas y le pone unas letras que sin ser del todo superdotadas, son las necesarias para seguir alimentando el mito y acrecentando la leyenda. Es Drake, ¿qué más esperamos? En Scorpion los dos lados en los que se distribuye (Rap y R&B) muestra momentos de alto impacto que resumen de mejor manera que el Canadiense ha ido preparando de manera paciente todo lo que hay acá. Verdaderas joyas como In My Feelings o Nonstop, se contraponen con el corte más comercial de God’s Plan o Don’t Matter To Me (la de la polémica con un corte inédito de Michael Jackson acreditado como feature), pero donde más brilla y donde vale la pena todo por dios! ES en Nice For What. Que buen tema, un clásico vieja escuela y un moderno pedazo de hit. Podemos hablar del tema de su hijo secreto nacido de una aventura con una actriz porno sacado a la luz por el beef con Pusha-T o del peso de la fama que nutre sus temas, pero más allá de eso, debemos entender que Scorpion no es el gran disco de Hip-Hop del año, pero sí, supera con creces esa paja llamada Views. Las polémicas las pueden encontrar en E!
YEARS & YEARS – PALO SANTO
Si tuviéramos que definir el nuevo disco de Years & Years, lo haríamos como una opereta sci-fi de alcances robóticos y mucho, pero mucho sentido Electropop. Claro, es más que eso, pero en el papel Palo Santo da un salto mucho más ambicioso para el trío, siendo a la vez, un tanto forzado en algunos momentos. No es malo, es entretenido y mágico, pero el concepto a veces es mucho más que la propia música y eso le resta mérito. Aún así podemos encontrar los mejores temas de la banda acá como por ejemplo All For You o el hit Sanctify.
RP BOO – I’LL TELL YOU WHAT!
RP Boo es un pionero dentro del lado más callejero de la electrónica, y en este disco, su tercero, lo deja más que claro. Dentro de lo experimental de su propuesta, nos hayamos ante una bandada de experimentos sobre experimentar. Suena raro pero lo entenderán con solo darle play a I’ll Tell You What!, en el cual resaltan los mensajes y afloran los ritmos, inequívocas muestras del embrollo musical que significa literalmente dejar la cagá. Como sus anteriores trabajos, no tanta predisposición, más que nada déjese sorprender y disfrute. Los análisis los hacemos después, con calma.
BJØRN TORSKE – BYEN
Cálido es la palabra que se me viene a la cabeza casi de manera automática al escuchar el nuevo disco de Bjørn. Acá resalta la sabiduría en formato electrónico que el músico le entrega al trabajo, decodificando cada aspecto de sensibilidad en las 7 canciones que aparecen de la nada, para amortiguar todos los males del mundo, y transformarlos en una exquisitez Dance con carácter y porfía; abrasador, más no sofocante. Byen es un álbum que dicta de formulas o de grandes ambiciones, y se establece como una mirada propia y directa, casi por inercia de lo que nos quiere transmitir este autor enajenado con los sonidos y los beats desde el alma misma.
DIRTY PROJECTORS – LAMP LIT PROSE
La astucia y calidad con la que Dirty Projectors pone a disposición del mundo su música, va de la mano con la siempre imparable fuerza que transmiten a través de sus canciones, siendo en reiteradas ocasiones, de un poderoso mensaje con carácter personal pero universal. Como si supieran una verdad trascendental para todos. Así se siente Lamp Lit Prose, un trabajo repleto de maravillas, ideas y cálidas muestras de esperanza que tanto nos hacen falta en días en que todo parece acabarse. La conjugación de sonidos y ritmos, acaba por ponernos al tanto de gran parte de lo que manda hoy a nivel musical en la industria. Algo así como una degustación por lo que pasa este 2018.
LOTIC – POWER
Estamos ante uno de los fundamentales de esta temporada, en cuanto a música de corte electrónico. Lotic, artista de Berlin entrampado en el poder de la seducción más oscura, nebulosa y pavorosa, nos hace entrega de una obra monumental, titánica, osada pero quizás demasiado compleja para los oídos más Pop. Power como bien dice su nombre, nos brinda un paseo por la idea del poder, en un mundo caótico, ensamblado bajo una quejumbrosa lealtad hacia los parámetros más experimentales y excitantes de la música electrónica, los ritmos vertiginosos y esas pausas desafiantes a la que nos expone desde su visión más profunda y combativa. Hagan el intento de escuchar el disco.
THE OPHELIAS – ALMOST
La transición entre ese Indie Pop denominado Jingle y la actitud meramente Punk adolescente, le da cierto toque de virtud a un trabajo carente de irregularidades. Almost es un llamado a ser tu mismo, una celebración que al mismo tiempo transcurre como un mensaje hacia los demás. The Ophelias ha rematado todo con un disco hermoso, a gusto con los tiempos y las edades más tempranas.
RICK ASTLEY – BEAUTIFUL LIFE
Rick Astley pasó de ser una mera anécdota, a mostrarle al mundo que el tipo sabe y mucho. Su último trabajo Beautiful Life sigue la buena racha de 50 (2016), sin embargo teoriza sobre la música Pop con raíces Funk a lo Chic, dejando espacio para un sonido mucho más moderno y bastante bien producido. Lo clásico se mantiene, la voz no le falla, al contrario, sigue impecable en todos los sentidos y lo mejor de todo, no se ve como un tipo que a sus 52 años quiere parecer de 20. Uno de los puntos a destacar en este disco es que Rick hizo todo. Sí todo, desde tocar todos los instrumentos hasta componer todas las canciones y que bien le ha salido.
GORILLAZ – THE NOW NOW
La gracia que tiene The Now Now, es que se aleja por completo de la abundancia y el desorden de Humanz, para dejarnos solo 11 canciones armónicas, a ratos electrizante y pacificas; un buen soundtrack veraniego. Se nota la influencia de los tantos lugares que visitaba Damon Albarn en sus giras, pues el disco captura cierto espíritu de localidades como Zurich o Kansas, dando paso también a un rencuentro con el lado más «infantil» de sus encarnaciones pasadas. Capaz que caga se haya mandado Murdoc para que esté en prisión pero créanme que no se extraña, al contrario los bajos de Ace de las Chicas Superpoderosas resaltan como un caramelo, dentro de un mundo de canciones dulces y puras buenas vibras. Se siente relajado, familiar, como en casa, de hecho la lista de invitados es mucho más acotada y resalta lo preciso, desde Snoop Dogg y George Benson, hasta Graham Coxon. Puros amigos.
HANA VU – HOW MANY TIMES HAVE YOU DRIVEN BY
Hana Vu viene de esa generación que con tan solo 17 años, ya está dando que hablar por la honestidad de sus canciones y por la buena perspectiva que le inculca a sus inspirados, melancólicos y aventurados pasajes por la vida. How Many Times Have you Driven By es por sobre todo, una colección de una juventud sónica que clama por despejar ideas y revelar secretos al mundo. En medio de un Dream Pop acampado en la fragilidad de un cohesivo producto Pop directo pero adornado con luces y fatalidades, Hana Vu nos hace acordarnos de que la edad muchas veces define el contexto, los pensamientos, el ánimo y por ende, las canciones. Un buen debut para presentarse al mundo como un llamado de atención.
CHINI AND THE TECHNICIANS – ARRIBA ES ABAJO
Arriba es abajo clama por la subsistencia, el trabajo, el empeño y las buenas ideas disfrazadas de canciones que bien nos pueden acompañar en una reunión con amigos, o matar de a poco desde la fragilidad de una sensibilidad a ratos hermosa, y a otros demasiado austera. Chini Ayarza y su colorido colectivo literalmente se sacaron la cresta para entregar una joya que en estos tiempos nos viene como anillo al dedo, y que poco a poco se hará más gigante e importante. Porque si tuviéramos que definir este LP en una palabra esta sería Importante. La importancia de las canciones, de las letras, de las decisiones, de las voces, de los ritmos, de lo que quieres trasmitir y de lo que a ti mismo te transmite. Hay un océano de cosas en este álbum, que no sabemos si comenzarlo desde arriba o desde abajo, pues uno de los puntos álgidos radica en las variantes que nos ofrecen las perspectivas sonoras que Chini y sus Technicians pacientemente ensamblaron la mayor de las dedicaciones.
Hay una cosa que se nota mucho en este disco, y es el trabajo colectivo, la multitud de opiniones y propuestas que cada uno de sus miembros expuso, es un plus para que la cantante arrasara con un control total de sus emociones y pensamientos, escribiendo, cantando y a ratos reflexionando, desde una aparente simpleza que se adjudica todos los méritos posibles para una compositora totalmente desatada. Chini and the Technicias creo una obra que es familiar, cercana pero que te puede agarrar de distintas maneras, según el estado de animo que lleves. Como es arriba es abajo y abajo a veces está muy cerca del suelo.
LOS VIAJEROS – ALMA DEGENERACIÓN
Los viajeros son curadores de una montaña rusa de emociones en su disco Alma degeneración, el cual resalta por su vaivén de emociones, como por la dualidad que profesa desde el ruido y la calma, la aceleración y las pausas, la ira y la pena. Dos caras de una misma moneda que vemos tirar unas 10 veces a lo largo de 45 minutos intensos y profundos. Se nota la inspiración y por sobre todo, las ganas de crear que los llevó a forjar una alianza con la música que después de esto, será difícil romper para sus miembros.
BODY/HEAD – THE SWITCH
Lo que hace Kim Gordon y Bill Nace, es algo así como desfragmentar un todo y armarlo de mil maneras, a través de un sonido que a ratos nos parece resonante y amplificado, y en otros casi como una avalancha de pasividad e inclemencias. Son amos absolutos de una bifurcación dentro del concepto de guitarras y música Pop, clamando por un espacio de experimentación sin sonar demasiado experimental. Body/Head es un culto a la música y The Switch el mayor de los sacrificios.
OBSCURA – DILUVIUM
Estos alemanes siempre entregan un respiro de aire fresco ante tanto lanzamiento sin alma enfocado únicamente en sonar fuerte, gratuitamente rápido, sin dirección alguna, o peor, sin personalidad. Obscura es un prócer del metal extremo moderno, y lo demuestran con creces en «Diluvium», una de sus placas más ambiciosas al abarcar y agarrar tantas aristas, moldeando algunas o simplemente destrozándolas, para recrearlas en un álbum que no teme, pues en su inquietud se vincula con otros géneros hermanos sin vicisitudes, llegando al goce de las cuerdas orquestales y a la demencia dosificada del jazz. Una labor bastante ardua, pero está en el ADN de Obscura la obsesión de superarse una y otra vez, buscando nuevos ángulos sin caer en experimentos fallidos. Muy por el contrario, es un verdadero manifiesto del espíritu del death metal técnico, ese que Chuck Schuldiner y su banda Death implantaron allá por los 90′, y vaya que ha generado buenos frutos.
BOA – TODO MUERE
Visceral, avasallador, potente y realmente peligroso. Lo nuevo de BOA, pesos pesados del metal nacional, juega desde la propia trinchera que se han encargado de construir a punta de groove y thrash, gritando al cielo sus máximas y principios que buscan constantemente estallar en un arsenal de canciones apocalípticas, agigantando su propio territorio, dominio que incluso bandas como Gojira, Sepultura y Lamb Of God llegarían a temer. Es justamente ahí dónde está el mérito de «Todo muere»: la cruda e incómoda honestidad con la que tratan sus letras, al ritmo de una música que juega a las grandes ligas, sin arrogancia alguna ni orgullos estúpidos ya que BOA es una maquinaria absoluta donde cada elemento y precepto encajan milimétricamente con exactitud, incluso con todo ese derroche de agresividad. Un gran disco, y definitivamente de los mejores que hemos escuchado del circuito nacional este año.
AIOLIN – STARDUST CRYSTAL
Ufff, ver como el violín destaca en una banda que recobra el aspecto más cautivante del visual kei es algo que siempre destacaremos. La facilidad con la que viajan entre lo alternativo, el metal y lo sinfónico nos hace preguntarnos porqué este aspecto de la música japonesa ha quedado tan relegada los últimos años, y bueno, al igual que el rock, simplemente es el momento en que otro sonido sea el que brille. Lo importante es, que existan bandas que forjen minuciosamente una base sólida que brille por sí sola, y ciertamente Aiolin lo está haciendo, con humildad y admiración infinita por bandas como Versailles o X-Japan, «Stardust Crystal» es de esas gemas que no queremos que pasen desapercibidas.
FLORENCE + THE MACHINE – HIGH AS HOPE
La maquinaria de Florence Welch se ha desmantelado, para rearmarse en algo más cercano e incisivo que nunca, con un personaje que ve en su titánica e imponente voz un catalizador que llega a las fibras más recónditas de cada quien, susurrando frases y palabras que derrumban montañas, cambiando paradigmas, tanto para nosotros como para ella.
Brillando como nunca en sus letras, y ahondando en el aspecto primigenio de las emociones en cuanto a melodías refiere, toma las riendas de la producción –junto a Emile Haynie– en un trabajo soberbio que llega en el momento exacto de su carrera. El álbum más impactante, a corazón abierto que confirma una vez más –como si fuese necesario en verdad– que Florence es fuente inagotable de buenas canciones tratadas con una sensibilidad omnipotente, bajo el alero de una dicotomía en el que la voz dirige por donde quiere y necesita a los instrumentos, dejándolos brillar cuando la canción lo necesita. Una verdadera belleza que rebosa en elegancia y sensibilidad.
SAKURAKO OHARA – ENJOY
Un álbum generoso en tracks tiene que tener el objetivo de entretener clarísimo, y como el título lo prevé, definitivamente es un disco que se disfruta a concho, y es que el manejo de los matices es hasta ambicioso. Encontramos synth pop, baladas, un rock y pop melosos como hiperkinéticos, disfrazando la influencia jazz en forma de beats alocados y pianos bien frenéticos, todo para brindar goce al oyente desde ese talento innato de Ohara, del agradable, del que proviene de una amiga al otro lado del globo, con una capacidad increíble de captar lo que queremos, sin saberlo. Para escuchar en cualquier parte del mundo, y que nos demuestra de una manera casi altruísta que el pop bien manejado no tiene límites.
IMMORTAL – NORTHERN CHAOS GODS
Después de 9 largos años, en el que presenciamos la salida del icónico frontman Abbath, las cosas con Immortal no se volvieron nada más que nublosas, confusas y llenas de incertidumbre. ¿Serían capaces Demonaz y Horgh de llevar adelante una de las bandas más importantes del género? Es aquí, con «Northern Chaos Gods» que podemos decir con claridad que sí, y con méritos de sobra.
Un álbum que juega directo a la fibra, esa que germinó allá por el 1992, del Immortal crudo y pesado que varios añoraban, pero esta vez con una producción de ensueño que permite apreciar cada blast beat y riff con claridad. No sólo eso, sino que se encargaron de mantener y moldear la esencia del sonido y concepto, uno más puritano tal vez pero que forja un álbum que funciona, que mantiene una carrera redondísima de los noruegos en alto y que entrega un puñado de canciones atmosféricamente rabiosas, que no abandonan del todo la melodía y nos traen de vuelta a estos melancólicos amantes del invierno, con un regreso estelar.
RED VELVET – #COOKIE JAR · EP
De sabores coloridos, brillantes y fluorescentes. Lo que hace Red Velvet, una y otra vez es una verdadera bocana de aire fresco, gracias a un desplante con entereza y meticulosidad que no se inquieta ante los arquetipos del pop más dulce; por el contrario, no escatiman esfuerzos en borrar, dibujar, difuminar y trazar nuevamente los límites de su música, resultando en sorpresas más que gratas, y por sobre todo, interesante. Inevitable no querer bailar, y aunque su virtud sea a la vez su pecado –al menos en Occidente, aún hay gente que se amedrenta ante la agresividad del k-pop– afirman con creces su puesto entre los grandes exponentes.
LUCIFER – LUCIFER II
Lucifer es una promesa viviente en esta nueva ola musical que apuesta por el revival de sonidos que marcaron al mundo en los ’70 para siempre. Tame Impala lo extrapoló al aspecto indie, Greta Van Fleet se arma de un nombre sólido en el hard rock, y Lucifer azota con una fusión rockera y doom, desde el infierno del underground mismo para quedarse. Este amor infinito por Black Sabbath y Blue Öyster Cult es algo que resulta en los más insanos y distorsionados riffs, con líneas de bajo estrambóticas y una batería que retoma el concepto original de los tambores: sonar fuerte. No es sólo que se trate una banda retro –sería injusto tratar de esa manera a este movimiento silencioso–, sino que consigue configurar el tono musical con identidad a luz de un impacto que aprovecha las bondades de la producción, y por sobre todo, la voz. La vocalista Johanna Sadonis se alza con una voz potente que nutre y se extiende por todas las arterias que circulan por el cuerpo de Lucifer, haciendo trabajar ese armatoste en un proyecto que definitivamente dará que hablar.
MASS OF THE FERMENTING DREGS – NO NEW WORLD
Lo que hacen estos nipones es jugar a lo original, al propósito real de la música independiente, ese en el que importa tanto la personalidad, el jolgorio y la cercanía con los sentimientos que todos escondemos ante lo mainstream, ante lo común, ante lo aceptado y lo mayoritario. MASS OF THE FERMENTING DREGS nos entrega un indie rock bien garage que pasa entre lo empático, amigable y popero hacia la locura total e impredictibilidad. La cantidad de opciones es hasta grotesca, y quizás lo único que nos gustaría es que fuese un álbum más largo, 26 minutos no son suficientes, y es que necesitamos más de esta genuina demencia, de esta genuina ambición, de este genuino amor por la música. Nos pilló por sorpresa, no lo vimos venir, y se ganó un lugar en nuestro corazón, y porque no, en los discos destacados del año, porque se lo merece, por abrir puertas, ventanas, pasadizos o tan sólo destrozando muros.
LET’S EAT GRANDMA – I’M ALL EARS
Este joven dúo ingles ha dejado salir toda ese imaginario inagotable, demente y ansioso que dejaron relucir al mundo por primera vez en «I, Gemini» (2016), pero ahora quisieron moldearlo y darle una estructura buscando cautivar con esa locura tan inmersa en todo «I’m All Ears», permitiéndonos la comprensión a nosotros, unos meros terrícolas, porque digámoslo, Rosa y Jenny no son de este mundo.
El synth pop que entregan nos pilla con la guardia baja, derrotándonos una, y otra, y otra vez, llegando a lo avant-garde con tanta facilidad como si fuese algo tan trivial, pero que, de alguna manera suena como el soundtrack de nuestras vidas. Han retratado todas nuestras ansiedades, deseos y miedos con una empatía prácticamente ridícula al son de su música que se desliza entre cuerpos celestes, sólo para llegar a nuestros oídos. Quién sabe desde cuán lejos viene. Bravo.
DEAFHEAVEN – ORDINARY CORRUPT HUMAN LOVE
Estos cabros de California, empeñados como nadie en estos tiempos en crear un sonido propio e inconfundible, han logrado en «Ordinary Corrupt Human Love» una obra maestra, demostrando que están en la epítome de su carrera. Sin abandonar bajo ningún precepto el concepto filoso del blackgaze, han tomado bastantes riesgos de los que esperábamos.
Aquí no sólo se dedicaron a potenciar de una manera casi obsesiva el aspecto melódico de su música –tanto en la composición en sí como el añadido de pianos y voces limpias– tornándose así más versátil el aspecto ambiental y a su vez íntimo de lo que nos suelen entregar, sino que han probado cambios estructurales realmente sutiles e indescifrables, pero que te hacen pensar que hay algo realmente distinto. La longitud de las canciones y su mismo orden está pensado de manera inteligente, dejando de lado el concepto de interludio y utilizando cada pieza como parte del rompecabezas de este álbum, bello en su individualidad y en su totalidad.
Existe además un crecimiento no sólo como banda sino como músicos, demostrando de manera dosificada y aún así tan destacable la pulcritud, creatividad y porqué no, virtuosismo de cada quién. Ver solos de guitarra de tamaña factura, enfocados absolutamente en el feeling dinamizan las sensaciones de las canciones tan largas, sin sentir el paso del tiempo gracias a la riqueza en matices que nos ofrecen. Que más podemos decir, es un discazo, un must, un candidato férreo a álbum del año.
UTADA HIKARU – HATSUKOI
La gigante del país del sol naciente nos entrega un álbum elegante en cada aspecto que el pop más entrañable permita descifrar. Con una preeminencia del soul más directo y contingente, ve en su fusión con ritmos urbanos y los arreglos orquestales una opción metafóricamente punzante, más meticulosa que ve en su voz el gran acto y clímax impetuoso que se adapta con facilidad a los cambios de tempo, desembocando en un neo soul con bastante clase. Cuánta pasión y oficio en doce canciones que a ratos vislumbran tímidamente el persistente deseo de Hikada de crear nuevos sonidos, abarrotados con un feeling en alturas.
CONVERGE – BEAUTIFUL RUIN · EP
Jamás ha existido un EP que le de un nuevo significado a la palabra fugaz, y es que este puñado de canciones no dura más de 7 minutos, y aún así es bastante exhaustivo, intenso y acalorado. Converge explota aquí el aspecto más hardcore, agresivo y fulminante de su música mostrando su juego que a punta de filosa honestidad, nos enseña lo que puede venir después. Contra la corriente, contra el canon establecido, contra el mainstream se destaca, como si de una aguja en un pajar se tratase, pero una incendiara que acalla con facilidad a los demás. Desordenado, tal vez y cómo no si llega a ser absurdo la existencia de un EP de cuatro canciones que no dure más de 7 minutos, pero ahí es donde siempre ha jugado la belleza de Converge, en lo repudiado, en lo incómodo y escalofriante, en la ruina misma.
BULLET FOR MY VALENTINE – GRAVITY
Bueno, no podemos negar que Bullet For My Valentine haya dejado en claro con anterioridad que este sería un álbum distinto, y ciertamente no es que moleste el hecho de querer abocarse al aspecto más popero del metal, ni tampoco molesta que no haya solos de guitarra. Lo que realmente molesta es el hecho de que hayan abandonado el potencial brillante que demostraron en sus primeros discos, resultando en un trabajo bastante genérico y predecible. Molesta porque suena como un disco standard emo, molesta porque el esfuerzo no se nota, repitiendo la misma estructura musical una y otra vez, molesta porque podría existir un ahínco en detalles, en romper fronteras, pero lamentablemente hace rato que Bullet For My Valentine se convirtió en el Coldplay del metal. Recuperen la identidad chicos, y si seguirán otros caminos, esfuércense en los detalles, empujen y busquen nuevas posibilidades, como lo que ha hecho Dance Gavin Dance.
LYNCH. – XIII
El trabajo de lynch. es de admirar, pues en cada uno de sus trabajos se nota su devoción, cariño y dedicación por el visual kei, actuando como estandarte moderno en el género, y que en «XIII» sus dardos apuntan en un 100% al aspecto más misterioso, bien agresivo y hasta sensual de este; del que mueve el piso, del que bebe de esa actitud placentera de Moi Dix Mois y de los estruendosos decibeles de Dir en Grey. Con una creatividad innata no sólo entregan temazos patentados, sino que hasta se dan el lujo de jugar un poco con las emociones quebrantando un poco los esquemas sonoros resultando en puntos altos como la grotesca «Joker«, la melancólica «Sense Of Emptiness» o la punketa «Five», lo que nos lleva a un álbum bueno de principio a fin.
THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA – SOMETIMES THE WORLD AIN’T ENOUGH
Un display divertido de buenas canciones que ciertamente nos muestran como el glam debió crecer, con un toque de locura y menos complacencia consigo mismo, pues es fácilmente agotable en sus opciones por lo que no es tan fácil crear éxitos, al menos no es tan fácil como parece. The Night Flight Orchestra apunta al aspecto más melódico de esto, con un claro objetivo de entretenerse un rato, pues para estos miembros de Arch Enemy y Soilwork –entre otras bandas– el metal extremo no lo es todo. Esa pizca funky e incluso disco que tienen algunas canciones definitivamente le entregan un plus que personalmente encontramos que deberían usar más, pues si optaron porque las guitarras no fueran el núcleo absoluto, el sabor que hubiese aportado esos elementos convertirían esto en algo más cautivante, y menos meloso, siendo esto último su pecado principal. El experimento funciona, pero hay que manejar los matices con inteligencia.
DEVILDRIVER – OUTLAWS ‘TIL THE END, VOL. 1
DevilDriver ha querido darse un pequeño capricho, haciendo covers de canciones country y folk, tornándolas propias, y a su vez, admirando a grandes como Johnny Cash, Willie Nelson o incluso The Eagles. Ciertamente cumplen el objetivo del concepto ideal del cover: versionarlo, añadirle algo nuevo o netamente una nueva arista. En ese sentido, no tenemos mayores quejas, pues se esforzaron en no sólo «metalizar» la canción, sino que entregarle nuevas posibilidades bajo el objetivo que se propusieron. No obstante fallaron en ciertas cosas, como quitar la esencia de algunas canciones, como también el orden y/o selección de los temas, lo que denota en demasía la calidad de experimento de esta placa, pero el potencial está. Esperamos que si hay un «Vol. 2», se preocupen en esos elementos para entregar un buen álbum de covers.
BETWEEN THE BURIED AND ME – AUTOMATA II
Esta banda simplemente no tiene límite alguno, y aunque la estrategia publicitaria que escogieron –de lanzar «Automata» en dos partes en fechas distintas– es bastante dudosa y hasta algo estúpida, no podemos negar que el producto logrado en «Automata II» representa a la perfección el concepto de soberbio, siguiendo la línea de «Automata I».
Aquí vieron en la metáfora de lo esquizofrénico un arca de Noé gigante, que guarda dentro de sí distintas aristas, elementos, influencias y ambiciones, unidas en una visión que conserva el propósito del progresivo, un concepto hasta clásico que no me detiene en retratar a esta banda como el Mozart del metal, y es que pareciera que no hay límites alguno en este álbum conceptual. Los actos se retratan con profundo detalle, bebiendo desde todo tipo de influencias a fines de crear la obra definitiva, y no sólo hay prog, death, djent, o groove, sino que también se dieron el lujo, el capricho de ahondar en la música clásica y el jazz, que incluso ven a lo largo del álbum un contenido infinito que muestra pinceladas momentáneas de música japonesa, futurista e incluso toques circenses.
La única lástima es la estrategia de lanzamiento, que sin duda desaprovecha las verdaderas bondades de los Automata‘s que podrían haber visto la perfección absoluta e irreprochable. No obstante, se ganó un lugar importante en el amplio espectro musical de este año, e incluso les puede valer para la posteridad el título de mad scientist en el género, como lo ha tenido Devin Townsend o Mikael Åkerfeldt.
BRADIO – YES
Un álbum aún más intenso de lo que suelen brindar, una verdadera paleta de colores fuertes que se entremezclan una y otra vez entre el funk y ska, y porqué no, ritmos latinos. Demostrando más que inteligencia, comprenden absolutamente el propósito de todo este sabor y no escatiman esfuerzos en demostrarlo, mientras se divierten y claro, nosotros ya estamos inmersos en esa fiesta que significa BRADIO.
«Yes» funciona casi como un curso de historia dentro de los sonidos en los que se entrometen, habiendo un poco de Michael Jackson por aquí, un poco de Bee Gees por allá, y claro, en absoluto suena como un tributo sino que nutridos en todo ese background entregan un álbum bastante ambicioso en sus principios, manteniendo el momentum desde la primera canción, el primer minuto, el primer segundo en un recorrido que remece impurezas para llegar al estado más prístino de los bailes festivos. Totalmente grandioso.
DIEGO PERALTA – BAILANDO JUNTOS
Un synth pop de intimidades y cercanías, de compañía e historias conocidas. Diego Peralta se inmiscuye en nuestra médula llegando al gen 0 tomando prestado nuestros recuerdos y anhelos, plasmándolos en canciones que iluminan y llenan pistas de bailes, de las underground. No sólo busca la complicidad con su oyente, sino que busca sacarnos de lugar con rimbombantes excentricidades en selectos segmentos de la placa para saborizar aún más la experiencia, tornándose espacial en repetidas ocasiones e incluso con imperceptibles guiños al rock latino y a la música nacional. El ADN de Chile se siente en todo su esplendor, y Diego lo moldea para nosotros, para bailar y llorar, para reír y estremecerse, destacándose a costa de su voz. Gigante.
CARNE DOCE – TÔNUS
Con este sí que me llevé una sorpresa. Siempre supe que Brasil tiene lo suyo en el aspecto independiente de la música, pero escuchar algo de tamaña calidad a cualquiera lo pilla desprevenido. Una música de texturas gentiles, sensuales y melancólicas que repleta nuestro foro interno y externo con canciones que deseamos haber compuesto nosotros, pues roban todo tipo de cosas que se nos puedan ocurrir entre tabaco y alcohol, aunque claro, con una perspectiva mucho más sofisticada. Prácticamente se dan el lujo de iluminar el camino que bandas como Cigarettes After Sex podrían seguir, como si estuvieran adelantados varias etapas más allá, en un nicho absolutamente adictivo.
CHELSEA GRIN – ETERNAL NIGHTMARE
No sorprende mucho que digamos. Si fuéramos injustos diríamos que es un álbum de deathcore más en el montón, básicamente motivados porque tenían todo para hacer las cosas de manera distintas, considerando el cambio en el line up de la banda. No obstante, el asunto no es tan así, pues si bien recaen en los clichés agotadísimos del género, ciertamente es un álbum bien estructurado y ruidoso de este tipo de sonido, disfrutable y directo al grano, así que depende netamente de lo que cada oyente busque. No hay sorpresas, pero si quieren un deathcore puro, es la opción.
Escritos por:
Felipe: Desde Tropics hasta Body/Head.
Jota: Desde Obscura hasta Chelsea Grin.
