En nuestro último listado con lo mejor del 2025 recién terminado, destacamos los grandes EP’s que dieron que hablar e hicieron avanzar a la música –desde sus distintos paradigmas musicales– en nuestro país, siendo un año muy provechoso para todo tipo de propuestas.
He aquí los mejores 50 EP’s nacionales de 2025:
- MARIAN – Sinapsis
contemporay r&b
‘Sinapsis’ se presenta como un proyecto de carácter introspectivo que entiende la música como un espacio de conexión y transformación emocional, -de ahí su nombre-. Concebido como una obra continúa, el proyecto articula sus canciones como fragmentos inter-dependientes, donde cada pieza aporta a un relato central, convirtiendo el trabajo
El EP se sostiene sobre una producción pulida y atmosférica, que transita entre la electrónica sutil, el pop alternativo y una sensibilidad autoral marcada. Las texturas y capas cumplen un rol central, construyendo paisajes envolventes que priorizan la atmósfera y el detalle, mientras la voz se instala como eje expresivo y conductor del discurso. La presencia de intros e interludios refuerza la noción del proceso, aportando fluidez y siendo una especie de hilo conductor.
En el plano lírico, ‘Sinapsis‘ explora la identidad, la transformación personal y el diálogo constante entre pasado y presente, como necesidad para la construcción de algo nuevo. Sus letras se mueven desde la vulnerabilidad y el cuestionamiento interno hacia la búsqueda del sentido, configurando un relato honesto y sin tapujos. El resultado es un trabajo que funciona como punto de partida, donde sonido y palabra se entrelazan para construir una propuesta sólida y reflexiva.– Tomás Pérez
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- Princesa Kuervo – El amor no tiene Kura
neoperreo
Luego de su presentación debut con el álbum ‘Odio el Verano’ (2024), Princesa Kuervo trae ‘El amor no tiene Kura’, un extended play que recopila, al ritmo del dembow y del neoperreo, la dulzura, naturaleza y dolores de los primeros amores.
Con un ritmo de reggaeton bailable pero a la vez nostálgico, Princesa Kuervo nos hace entrar emocionalmente en su corazón y mente, visualizando aquel amor romántico adolescente que la artista recuerda con nostalgia pero con dolor a la vez. Una apuesta que, en colaboración principalmente con Dalia Gal, nos logra hacer bailar y viajar internamente al mismo tiempo.– Constanza Machuca
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- Karma 94 – Karma 94
experimental hip hop
Este EP homónimo de Karma 94 se presenta como una síntesis directa y concentrada de su propuesta dentro del hip hop. Lejos de buscar desarrollos extensos, el lanzamiento apuesta por la brevedad y el impacto inmediato, articulando un conjunto de temas que funcionan casi como cápsulas sonoras, donde la actitud y el flow, desprendidas de su forma de rapear, son el eje central.
Musicalmente, el EP se sostiene sobre beats compactos y contundentes, con bases que privilegian el pulso rítmico y la simpleza estructural. Las producciones se mueven entre lo minimalista y lo agresivo, dejando espacio para que la voz se imponga con claridad y presencia. Abordando experiencias urbanas, estados de ánimo intensos y una mirada directa sobre el entorno y la identidad, tanto individual como colectiva.
Las letras se expresan desde el desahogo, la ironía y la afirmación personal, manteniendo un tono crudo pero honesto. En conjunto, el EP funciona como una declaración de principios: un registro breve pero efectivo que captura el carácter del proyecto y lo posiciona dentro de una escena urbana que valora la autenticidad y expresividad.
El resultado es un sonido frontal, sin adornos innecesarios, que enfatiza la energía y la inmediatez propia del hip hop chileno.– Tomás Pérez
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- Seatemples – Los Templos Marinos
gothic rock · shoegaze
“Los Templos Marinos» es un trabajo que consolida a Seatemples como un proyecto enfocado en la construcción de atmósferas densas y emocionalmente cargadas. El trabajo propone una experiencia inmersiva, donde cada canción funciona como un espacio sonoro que invita a la contemplación, manteniendo una coherencia estética clara a lo largo del EP.
El EP trabaja sus sonidos desde el goth rock complementándolo con shoegaze, y donde en ocasiones toma elementos y vertientes provenientes del post-punk y/o el darkwave para la construcción de esta presencia sombría en el ambiente, combinando guitarras envolventes y reverberantes con sintetizadores etéreos y bases rítmicas sobrias. La producción privilegia las texturas y la sensación de profundidad, generando escenas sonoras casi cinematográficas, que refuerzan una atmósfera nocturna y melancólica. El sonido no busca el impacto inmediato, sino una escucha sostenida y absorbente que poco a poco hace suyo al oyente .En conjunto, el EP se presenta como una obra coherente y evocadora, que profundiza en una estética oscura y sensible, reafirmando la identidad sonora de Seatemples.– Tomás Pérez
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- Aire plástico – PLÁSTICO
alternative dance
Hay que ser muy nerd para dar con el destilado del alternative dance. Históricamente ha sido así. Son proyectos que dialogan con la tradición en la que se manufactura la electrónica. Mucho buscar hasta encontrar, para luego reinterpretar. Identificar la esencia de una escuela para volver a imprimir en la misma tónica. Igual de ondero. Igual de atractivo. Es el ejercicio con el que Aire Plástico salió más que victorioso.
PLÁSTICO es una obra punzante. Directa y estilizada. No escatima en todos los recursos que sean necesarios para dar con el pulso perfecto en el momento perfecto. Un epé sintético y colorido que no tiene problemas en posicionar una hermosa forma estilística como principal atractivo. El estilo de los elementos, aplicados.– Nicolás Merino
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- Las Margaritas – Haru
twee pop
Paisajes florecientes, sol de verano, confesiones susurradas y memorias en polaroid. ‘Haru’ de Las Margaritas es un breve ejercicio de delicadeza ingenua contenida en formato EP, donde la melancolía se siente luminosa y las guitarras limpias del indie pop conviven con el juego sensible del twee.
Aquí germina la belleza de la sencillez, brotando gracias al riego cuidadoso de líricas de ternura y amor, como una carta romántica escrita y sellada a mano. Aunque la propuesta sonora ciertamente no busca innovar, las sensibilidades musicales encuentran su encanto en arreglos fantasiosos y dulces, que logran que ‘Haru’ destaque por medio de su claridad melódica –letras en inglés y una versión acústica incluidos.– Antonia Hernández
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- Dokusan – Yūgen
symphonic metal
El metal sinfónico no es para nada un subgénero sencillo. Es fácil perderse en la sobreproducción, o peor, quedarse en los clichés del mismo. Por eso es tan impresionante el diseño arquitectural de sonido que Dokusan logra en ‘Yügen’, una obra sumamente lúcida a la hora de construir canciones que se sienten tan gigantes como la magnitud de los tópicos dispuestos en este EP. Sí, esa inmensidad es algo que rodea cada elemento, entrelazados al fulgor de melodías entrañables que consiguen un particular éxito a la hora de retratar los paisajes enigmáticos y gélidos del extremo sur del país. Donde cada arreglo y línea vocal gozan de un sentir etéreo y espiritual al mismo tiempo.– Juan Pablo Ossandón
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43. Defragment – Made of Chaos
deathcore 
Quizá la mejor escuela de metal en Chile es la menos metalera. La menos solemne. La menos auto importante. La que va en la línea tanto espiritual como artística de Defragment. Una banda que, aún sabiéndose capaz de operar en niveles propios de las más altas esferas de la composición y la ejecución, igualmente tocan con una magia que aterriza el proyecto hasta lo terrenal. Lo pragmático. Lo importante. Políticos, al choque y sin concesiones al escucha. Una escuela de pensamiento y ejecución que ciertamente se ha diluido con el paso de los años.
Defragment brinda un deathcore ecléctico y elevado. Un sonido que, sobre todas las cosas, se aprecia libre. Es la gracia. Una banda que llena todos los rincones del silencio. Son cuantiosos los detalles que terminan por arrimarse sobre esos cimientos de lo más elocuentes para una producción de esta naturaleza. Cada una de las interpretaciones instrumentales viene dotada de una personalidad y brutalidad inusitada. Lo mismo las voces. Convergen en una sinergia ciertamente necesaria para una banda de estas características. El metal que, indiferentemente de si merecemos, necesitamos.- Nicolás Merino
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- No Basta Con Querer – Recordatorio
melodic math rock · post-punk revival
Un EP de compleja nomenclatura, en la que toman contacto un montón de sonidos que, si bien afines, en esencia son de códigos bastante claros. ‘Recordatorio’ muestra a los No Basta Con Querer paseándose con ligereza entre los puntos estilísticos del math rock, el post-punk revival, influencias del post-rock y guiños –muy guiños– de formas más aceleradas de punk. Una misión que el grupo santiaguino resuelve con sobriedad y suma inspiración, en tanto elaboran una amalgama de sonidos –por definición–, homogénea, llena de una luminosidad vibrante y emocionante.– Juan Pablo Ossandón
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41. Aeon Vex & Alondra Noctvrna – Bestia
hyperpop 
Aeon Vex, dúo debutante en la música, congenia plenamente con una de las más extrañas interpretaciones de Alondra Noctvrna, uniendo fuerzas en un EP colaborativo tan intenso como maquinal. Las 4 canciones que dan vida a ‘Bestia’ construyen una identidad coherente con los planteamientos del hyperpop, desechando lo más colorido para así darle una oscura profundidad.
Claro que hay experimentación, en todo momento, desde las ráfagas electrónicas al borde del colapso hasta la disruptiva vocalización, existe una notoria búsquedas por crear algo caótico dentro de los límites de lo convencional. Incluso entregando luces sobre tendencias bailables como el neoperreo.– Felipe León
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- Delirante suspiro – Transmutación
psychedelic pop
‘Transmutación’ se siente como un proceso más que como un destino. El EP avanza entre capas sonoras que se deforman y reconstruyen, dando la sensación de estar siempre en movimiento. Delirante Suspiro apuesta por un psychedelic pop envolvente, donde las canciones no se presentan de forma lineal, sino como fragmentos que dialogan entre sí.
La escucha se vuelve casi hipnótica, marcada por texturas que invitan a perder la noción del tiempo y a entregarse a la experiencia sin buscar respuestas inmediatas. No es un disco que se explique con facilidad, sino uno que se vive desde la percepción y el cambio constante. ‘Transmutación’ propone dejar atrás lo fijo para entrar en un estado de transformación continua, donde lo sonoro funciona como reflejo de un tránsito interno.– Anaís Cárdenas
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- Cóclea – Modus operandi
headcore
“Modus Operandi” funciona como una declaración directa de la identidad de Cóclea, un proyecto de headcore, que gracias a aquello, se mueve con soltura entre el punk, el noise rock y el post-hardcore desde una lógica claramente independiente. Concebido como un mixtape que reúne material de distintas etapas, el lanzamiento ofrece una lectura transversal de su propuesta, más enfocada en la energía y la actitud que en el aquí y ahora.
En cuanto a su lírica, “Modus Operandi» oscila entre la crítica social, el desencanto cotidiano y reflexiones más íntimas. Las letras apelan a imágenes directas y a una expresividad sin filtros, capturando estados de frustración, desgaste y lucidez momentánea.
Respecto a su producción, el trabajo se apoya en guitarras abrasivas, ritmos urgentes y una interpretación vocal cargada de tensión, privilegiando lo crudo y lo frontal, reforzando una sensación de inmediatez que conecta con el espíritu del underground: canciones que no buscan suavizar aristas, sino potenciar el ruido, la distorsión y el impacto emocional. En conjunto, el mixtape se presenta como una fotografía honesta del proyecto: visceral, incómoda por momentos y fiel a una rebeldía propia del artista y del género.–Tomás Pérez
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- Irina Doom – SOBERANA
boom bap
Soberana, de Irina Doom junto a Rod Roche, se siente como el punto de consolidación de una de las voces más potentes del nuevo rap chileno. Pero decir “nuevo” es injusto: Irina lleva años moviéndose en el underground, construyendo carácter, temple y una pluma que ya no necesita presentación.
El disco funciona como una declaración directa, casi amenazante. Las barras entran como cuchillas: precisión, rabia administrada, orgullo y una seguridad que no pide permiso. Rod Roche sostiene todo con producciones densas, oscuras, de tensión constante, que dejan espacio para que la voz de Irina golpee con fuerza.– Nicolás Silva
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- Nire – Detour EP
dubstep
“Detour” , concebido como un recorrido breve pero intenso, propone un desvío consciente de las fórmulas más predecibles del dubstep y la bass music, apostando por una escucha que combina impacto físico y detalle sonoro.
Construyéndose a partir de bajos profundos, ritmos quebrados y texturas electrónicas que permiten que cada pista desarrolle una tensión constante, donde el diseño de sonido cumple un rol central y las estructuras se adaptan al movimiento y la sorpresa. La producción es densa y precisa, logrando un equilibrio entre un sonido potente y un control que mantiene la cohesión del conjunto.
Las colaboraciones con BASSGALAXY y Marrow aportan matices sin desviar el foco del proyecto, ampliando el espectro sonoro y reforzando la idea de exploración colectiva dentro del universo bass. A nivel conceptual, el título Detour refuerza esta noción de recorrido alternativo, donde el riesgo y la búsqueda estética se vuelven parte del discurso.
En conjunto, el EP se presenta como una obra sólida y enfocada, que reafirma la identidad de NIRE y su capacidad para moverse con soltura dentro de los márgenes más intensos y experimentales del dubstep y la electrónica contemporánea.– Tomás Pérez
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- Olivia García – Te daría tanto
folk pop
El ejercicio lírico y la inspiración que rodea la prosa que emana de ello son importantes. De ahí que un proceso tan personal como lo es el autodescubrimiento, con las incomodidades que puedan venir de por medio, es una fuente gigantesca de creatividad, en tanto los estímulos se complejizan en matices que no conocen del blanco y negro. Ese es el caso de este EP de Olivia García, quien abre su corazón con transparencia, siendo el punto de origen de una instrumentación y composiciones más variadas, aprovechando hasta la última gota de la arista pop de su propuesta, logrando un abanico de canciones de detalles exquisitos de producción y melodías cándidas con profundidad, que dan espacio a canciones estremecedoras.– Juan Pablo Ossandón
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35. Alambre de púas – Que mierda esperan de mí?
hardcore punk 
¿Qué haríamos sin la identitaria raíz del punk chileno? Probablemente viviríamos más ordenados… y muchísimo menos vivos.
Este disco es un desorden hermoso. Hardcore punk chileno en estado primario; suena mal, entra torcido, se desarma… y funciona justamente por eso. No quiere agradar. No quiere explicar. Quiere existir, molestar, recordarte que la rabia todavía tiene cuerpo.
Las voces gritan fuera de lugar. La mezcla es sucia como vereda mojada. Todo está saturado, apretado, respirando mal. Y, curiosamente, ahí aparece la honestidad.
Las letras parecen exageradas —escapar de los pacos, garabatos, paranoia, “me quieren cogotear”—, pero el gesto es brillante: toman lo cotidiano, lo feo, lo ridículo… y lo convierten en identidad. No hay épica. Hay calle. Y la calle nunca fue elegante.
Este disco celebra algo que a veces olvidamos: que el punk no nació para quedar bonito en playlists. Nació para decir “aquí estoy” aun cuando todo se cae.
Lo mejor: la energía sin filtro, el humor negro, la sensación de que esto podría romperse en cualquier momento. Lo mejor también: no intenta ser otra cosa.
‘¿Qué mierda esperan de mí?’ es torpe, desbordado, verdadero. No pide permiso. No pide perdón. Y —por suerte— no lo necesita. – Hernán Carrasco
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- KUINA – konjuro
pop rap · funk melody
Siendo una líder en Chile de la diversidad, maximalismo y profundidad en producción melódica, KUINA nos da una pizca de lo que mejor sabe hacer. Ad portas –en ese entonces– del estreno del álbum ‘BUENOS VALORES MALOS MODALES’, un hitazo del año, la artista recorre de una forma más tenue diferentes elementos de su icónico e identificable pop rap, pero sumando elementos mucho más experimentales parte del funk melody.
Manteniendo la esencia de sus líricas cotidianas y recorriendo temas como la melancolía y sexualidad, pero ahora explorándolas a través de diferentes estilos, KUINA nos da una clase maestra de 12 minutos de cómo puede dominar la escena actual. Un tremendo lanzamiento –como muchos más que han salido y sin dudas saldrán– que expone la consolidación musical de KUINA.– Constanza Machuca
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- Matías Mieville – Un final
jangle pop
Atendiendo las claras influencias de proyectos precisamente chilenos, como Dënver o Alex Anwandter. No se puede dejar de reconocer el esfuerzo que hace Mieville hace un real esfuerzo por distanciarse lo suficiente como para imprimir rápidamente el sello de su propio sonido y, más importante aún, su propia retórica. Un final es un trabajo que no teme en ofrecer una batería de alternativas a los caminos más tradicionales del pop. No teme en escabullirse de la zona de confort del paradigma para decorar el paisaje con pasajes instrumentales, puntuaciones y distintos énfasis. El tipo de pop necesario para romper cadenas.– Nicolás Merino
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- Grito Subterráneo – El Round de los Ladridos
third wave ska
El Round de los Ladridos es el EP debut de Grito Subterráneo, banda proveniente de Puerto Montt, que introduce el proyecto desde una energía desbordante y una propuesta colectiva marcada por un maravilloso caos controlado. Concebido como una sucesión de “rounds”, el lanzamiento plantea cada canción como un enfrentamiento, reforzando una narrativa de tensión, descarga y resistencia a lo largo de todo el trabajo.
El EP se inscribe en el ska punk, pero expande sus márgenes con una instrumentación robusta y dinámica. La base rítmica avanza con poderío y cambios constantes, mientras los bronces —saxofón y trombón— aportan cuerpo, empuje y un carácter festivo que convive con la velocidad punk. El Round de los Ladridos aborda conflictos internos, vicios, miedos y estados de confrontación personal. Las letras funcionan como desahogos directos, conectando lo cotidiano con una sensación permanente de lucha.
La propuesta se apoya en la intensidad grupal, privilegiando la energía e interacción del conjunto por sobre el lucimiento individual.En conjunto, el EP llega como una carta de presentación sólida y frontal, que captura el espíritu combativo y visceral de Grito Subterráneo, posicionándolos como una voz emergente dentro de la escena ska punk chilena.– Tomás Pérez
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- Alicia y Las Hormigas – ARRESTO DISCOTECARIO
funktronica
Vibrante, extasiante, y fuente de júbilo para cualquiera que pose sus oídos en estas piezas de funktronica. Un EP que simplemente da en el clavo en el carisma que requieren canciones como estas, dirigidas directo a la pista de baile, en un frenesí enérgico y dinámico de parte de Alicia y Las Hormigas que, en la práctica, también entrega actualizaciones a varios trucos ochenteros y noventeros –percibidos especialmente en «KILL THE ROUTINE»–. De un groove irrefrenable, y una combustión interminable, ‘ARRESTO DISCOTECARIO’ es un trabajo avasallador en sus propósitos, asegurando la fiesta más grande de todas.– Juan Pablo Ossandón
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30. Clara Löffel – Lo que voy siendo
electropop 
Tantos trabajos musicales que, en esencia, son fotos. Tan pocos que, en esencia, son colecciones de postales. Afortunadamente, este último es el caso de Lo que voy siendo, una colección de postales urbanas sobre experiencias aparentemente mundanas, pero en esencia, profundamente vivenciales y decidoras sobre un cuerpo emocional de lo más interesante. Sobre todo si es abordado con este electro pop tan ecléctico y prudentemente recurso o según las necesidades de las canciones.
Clara Löffel opera con una retórica lírica de una honestidad que puede sugerir comedia. En realidad son exclamaciones respecto las más válidas inquietudes. Sus letras recuerdan a las de algún disco de Apes of the State. El anhelo. Las imágenes nominales. La honestidad descarnada. Como una gran redactora de ideas, aterriza la realidad en su esencia más pura. Y el círculo es completo. Si la realidad contempla una canción de Julieta Venegas… Bueno, la respuesta está en el epé.– Nicolás Merino
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- Onigashima – MIGRAR
shoegaze
MIGRAR es el EP debut de la banda proveniente de Valdivia, Onigashima.Con un trabajo que presenta al proyecto desde una propuesta directa y cargada de ruido e intensidad emocional, a lo largo de sus canciones, el lanzamiento articula una propuesta clara dentro del terreno del grunge y el shoegaze, combinando crudeza, energía y un enfoque visceral que atraviesa todo el material.
Sosteniendose sobre guitarras robustas y riffs de carácter confrontativo, acompañados por una base rítmica firme y veloz, que impulsa cada tema con una sensación de ira y enojo. Las composiciones privilegian estructuras simples y efectivas, donde la fuerza del grunge y shoegaze se equilibra con momentos melódicos que aportan contraste y dinamismo. La influencia del punk y el grunge se percibe en la actitud y en la intensidad de la interpretación, fuera de caer en estereotipos o apariencias.
MIGRAR aborda la experiencia del desplazamiento y el cambio, tanto en un sentido físico como emocional. Las letras exploran procesos de búsqueda, confrontación interna y adaptación, construyendo un relato honesto que conecta lo personal con lo colectivo. En conjunto, el EP funciona como una carta de presentación sólida y coherente, posicionando a Onigashima como un proyecto emergente dentro de la escena independiente, con una propuesta clara y una energía que se siente genuina desde el primer momento. Un disco propositivo y entretenido al mismo tiempo.– Tomás Pérez
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- 10 14 – En blanco II
sophisti-pop · new romantic
Guitarras melódicas, sintetizadores pulsantes, pianos suaves y otras cuerdas construyen en ‘En Blanco II’ un paisaje donde la emoción de la nostalgia se vuelve sonido. Con seis piezas que superan los veinte minutos, este EP se desplaza entre introspección y energía emotiva con éxito.
En clave de balada, canciones como “No todo es como Crees (Conmigo)” continúan con la aproximación personal iniciada en ‘En Blanco I’. A lo largo de esta escucha, se articula un juego inquieto entre pausas extendidas –como lo es “INTRO”–, para dar salto a momentos más expresivos de synth-pop en “Al Final de Todo”, que alcanzan su punto más alto en una reversión de “Cámara Lenta” de Javiera Mena, interpretada aquí con un pulso preciso que remite a The 1975, consolidando el trazo de pop alternativo de 10 14.– Antonia Hernández
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- Sarazul & Mrvs – Meta
neo-soul · pop rap
Esta súper breve colección de canciones no pierde el tiempo a la hora de emprender un viaje texturizado de neo-soul, con canciones que muestran una producción lustrosa que hace de los silencios parte de su propia fórmula interina, en un ejercicio de introspección de prosa móvil y con una voz tanto aterciopelada a la hora de cantar, y firme a la hora de rapear.– Juan Pablo Ossandón
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26. Ami – I
trip hop 
No es menor el hecho que aún se puede indagar en el mundo del trip hop, sin sonar repetitivo o mera copia de. Algo de eso sabe Ami, artista que decidió dar luz verde a una nueva encarnación del género, a partir de un coqueteo constante con su versión más vibrante, adoptando una postura maleable a las influencias del electropop que de vez en cuando aparecen en la escucha.
Junto al productor Oddo dan cabida a una misteriosa y seductora propuesta, desde un enfoque personal que aprovecha este tipo de música para expresar deseos y reflexiones con intriga. Si bien existe un álbum, ‘VTSNM’, que toma las 5 canciones del EP añadiendo algunas más, consideramos que en ‘I’ se encuentra la mejor versión del proyecto.– Felipe León
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25. Kréen – AURORA
atmospheric black metal 
Aurora profundiza en la propuesta de Kréen desde una mirada oscura, densa y profundamente atmosférica. Compuesto por piezas extensas, el trabajo se aleja de las estructuras convencionales para privilegiar el desarrollo de climas sonoros, proponiendo una escucha pausada y envolvente que apela tanto a lo sensorial como a lo emocional.
Fusionando los elementos del black metal con una sensibilidad ligada a lo ancestral y lo territorial. El EP apuesta por las guitarras pesadas y arrastradas, junto a ritmos graves y texturas envolventes, construyendo escenarios de gran carga expresiva, donde el peso y la lentitud funcionan como herramientas narrativas y colocan en marcha constando el proyecto. La producción enfatiza la profundidad y la amplitud, generando una sensación de inmersión constante.
Desde lo lírico y conceptual, Aurora aborda ideas de origen, memoria y resistencia, articulando un diálogo de agencia entre lo íntimo y lo colectivo. Las imágenes evocadas remiten a lo histórico y lo ritual, reforzando una identidad que conecta el metal extremo con referencias culturales propias chilenas. En este sentido, la reinterpretación de un clásico del cancionero chileno como “La Conquistada” amplía y hace crecer el discurso del EP, integrando tradición y relectura contemporánea. En conjunto, Aurora se presenta como una obra sólida y coherente, que coloca a Kréen como un proyecto que expande los márgenes del metal desde una perspectiva profundamente expresiva y consciente de las raíces propias de Chile. -Tomás Pérez
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- s u a a ve – des/balance
midwest emo
En un punto del indie chileno donde la calidad del audio, el acceso a buenos estudios de grabación y un acercamiento hi-fi se han transformado en la norma, s u a a ve se arriesga con un trabajo que sacrifica lo pulcro en pos de lo orgánico.
Son cuatro canciones que contagian de energía juvenil moderna, una que ya no es necesariamente optimista y bailable como lo fue hace una década, sino que ha sido criada por sonoridades y sentimientos del midwest emo y el post rock, ambas influencias notables a lo largo del EP.
Con este puñado de canciones la banda de Concepción se suma a un amplio listado de proyectos emo que, en este par de años, han conquistado a una fanaticada creciente, haciendo ruido en el escenario y también en los medios y las redes sociales con justa razón. Es un buen punto de partida para una banda que demuestra, más allá de lo rústica de la grabación, tener ya un dominio considerable de sus instrumentos.
Todos sabemos que el inminente disco debut dará de qué hablar. – Alexander Castillo
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- Saddhu – Pharos
alternative metal · gothic metal
El metal alternativo ofrece una amplitud de dimensiones y posibilidades que, se puede hacer el caso, están lejos de haberse siquiera acercado a terminar de explorar. Y esto es a nivel mundial. Es un escenario en el que se celebran desmedidamente discos del género por sus apelaciones a la estilización más destilada posible antes que por sus verdaderos aportes. Justamente lo contrario al trabajo de Saddhu en Pharos. Una catedral gótica que no escatima en recursos del lugar que sean necesarios. Incluso desde donde parece m{as obvio: el metal. Hay tanto que no excede al metal alternativo, como las variaciones de pulsos y dimensiones en las que se aborda la gran atmósfera de las cosas. Desde ahí hasta los puentes que se tienden con otros géneros, como el shoegaze o el subyacente metal gótico que acecha al epé por arriba y abajo.
Se alcanza a apreciar que Saddhu privilegió dar con un trabajo de metal bien acabado y de factura creativa mundial antes que uno determinado por las formalidades de su presentación. Sea epé o sea del género que sea. Aunque los aspectos formales están bien definidos y son la parte más obvia del trabajo. No es así necesariamente la disposición con la que el proyecto se entrega a estos. En Pharos mandan las canciones. Cada una explota en su medida hasta llenar los veinte minutos, que en ningún caso se sienten escuálidos. El metal a disposición del metal. En qué momento perdimos de foco de algo tan obvio.– Nicolás Merino
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- Yakuza 3000 – Error 202
post-punk
Caídos desde lo más profundo del arribo penquista, Yakuza 3000 pasa a ser un ente presente dentro de la comunidad independiente del Bío-Bío. ‘Error 202’ parece acomodarse sin dificultad a los vítores del post-punk barra dance-punk chileno, tal como en su momento lo hizo Dolorio & Los Tunantes.
Notoriamente posicionado en la vertiente más rítmica del post-punk ochentero, el álbum se sostiene en un bajo de carácter casi muscular, marcando cada línea con firmeza. La voz adopta un tono performativo, más incisivo que antes, mientras los coros basculan entre el alarido masculino y femenino, creando una tensión constante que sostiene el pulso. Sobre todo eso, las guitarras entran soleadas, llenas de reverb y punteos que se meten entre los espacios como si quisieran encender la habitación de a poco con un fulgor sudoroso.
Y al final, ‘Error 202’ deja esa sensación de movimiento continuo: canciones que avanzan, empujadas por el bajo y por esas guitarras que no paran de chispear. “…Nadie nos puede parar”, alardea el hablante lírico en “Hesoyam”, y se siente real, a banda que está parada en su propio impulso. No pretende ser más de lo que es —y justamente por eso funciona. Yakuza 3000 no anuncia nada grandilocuente; simplemente aparece, toca, deja el eco dando vueltas… y uno queda con ganas de volver a poner play.– Hernán Carrasco
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- cata teuber – no te lo tomes personal
power pop
Una colección de canciones que brotan de dulzura a la hora de abordar las asperezas de las tribulaciones del corazón. Un power pop versátil y multiforme que muestra a cata teuber sumamente inspirada a la hora de confeccionar melodías –y armonías– memorables, de cadencias que no se pierden –únicamente– en lo edulcorado, subiendo y bajando los decibeles con creatividad en lo que termina por ser, por sobre todas las cosas, un trabajo llenísimo de vida.– Juan Pablo Ossandón
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20. Puentes del Maule – …Y los caminos que construimos
melodic metalcore 
Los Puentes del Maule pueden ser la mejor banda de metalcore melódico chilena. Corta. Algunos epés y una tremenda participación en Biomecánica del Crecer son suficientes para establecer ese perfil. De hecho, no es tanto el trabajo. No eres tanto la presentación, es lo que presentaron. Un sonido legítimamente único. Apresurado. Hambriento. Ecléctico. Sin concesiones. Una superposición de ataques lo suficientemente sensibles para no quedarse tan solo en lo que esas palabras nominan. Hay un montón de emociones chocando, como si no encontraran su espacio. Hay que tener mucha química. Hay que tener mucha química para concebir química.
Tampoco es que el sonido de Los Puentes del Maule sea demasiado comprometido con las corrientes más contemporáneas de su género. Hay claras referencias al metalcore melódico clásico de la primera década del siglo, desde las instrumentales a lo Killswitch Engage hasta los intercambios vocales entre entidades que funcionan como muestras de las principales escuelas que tuvieron su gran apogeo hace ya cerca de dos décadas. Las grandes gracias del trabajo de Los Puentes del Maule radican en su dadaísmo a presión al que someten todos estos elementos. Crean una química sedienta de inmediatez permanentemente. Cada canción. Cada pasaje. Comprimido entre las fuerzas que lo rodean. Hechas por ellos mismos. Un epé en facultades de distorsionar y comprimir el espacio tiempo.– Nicolás Merino
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- Los Krapulitos – 123X NADIE
indie pop
Desde una energía lúdica y directa, ‘123X NADIE’ se presenta como un ejercicio fresco dentro del indie pop. Los Krapulitos apuestan por canciones breves y dinámicas, donde la espontaneidad se vuelve el eje principal del proyecto. No hay pretensión de solemnidad, sino una búsqueda clara por conectar desde lo cotidiano y lo simple.
El EP avanza con una actitud despreocupada, pero no descuidada: las melodías son pegajosas y los arreglos mantienen una identidad clara. Hay humor, ironía y una mirada fresca que se siente muy realista, sin forzar discursos. En su corta duración, el EP logra sostener una personalidad reconocible y deja la sensación de un proyecto que entiende bien su propio lenguaje, apostando por la cercanía y la energía antes que por la grandilocuencia.– Anaís Cárdenas
- Amanitas – Todo es circular
alt-pop
Con algo de darkwave, cuerdas y beats texturizados en clave trip-hop y una línea tambaleante y atmosférica de pop onírico, ‘Todo Es Circular’ condensa en veinte minutos una experimentación certera que equilibra con éxito su densidad sónica. El concepto transversal es aquí la transformación y sus ciclos, cada canción un paso significativo hacia un renacimiento que busca escapar del espiral emocional con elegancia.
El clímax de la canción titular “Todo Es Circular” se revela tras una primera exploración nebulosa y altamente texturizada en la primera mitad del EP, seguida por un arco que se siente etéreo en el sentido opuesto, sumando melodías pop y armonías que permiten la renovación espiritual que Amanitas decide buscar. Una escucha de un universo contenido, que te lleva a navegar el bello misterio que el cambio puede traer consigo.– Antonia Hernández
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17. Vestya – Sigilos
shoegaze · progressive rock 
‘Sigilos’ es música cargada de emociones, donde se vive a flor de piel la fragilidad demostrada en sus líricas durante veinticinco minutos de duración.
Vestya nos adentra en su propio mundo introspectivo que se musicaliza a través de un dreamgaze pesado y suave, que juega con un vaivén de estados de ánimos entre las seis canciones que componen el EP.
Es un trabajo que nos conecta con la música en un viaje catártico, donde la naturaleza pasa a ser un elemento fundamental de inspiración y expresión sentimental.– Consuelo Cruzat
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- Valentina Marinkovic – TAMBALEA
neo-soul
Como una de las voces certificadas en el neo-soul en Chile, Valentina Marinkovic levanta una producción gigante incluso en su breve duración, en tanto la artista perfila canciones que se ocupan de recorrer el frondoso campo de sonoridades a su disposición, incorporando una diversidad musical en las mismas bases de su gestación, con influencias del afrobeat y el funk, lo que termina en un trabajo vibrante de performances completamente formidable en todas las aristas.– Juan Pablo Ossandón
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15. Subir a Normandía – Luz de partida
dark ambient 
Aún si el trabajo es bastante penumbroso y lúgubre, ‘Luz de partida’ expone un páramo sonoro que se siente como un sueño febril en el que los recuerdos se difuminan, el sentido del ser permanece frágil, y la consciencia fuera de sí. Cada sample termina por representar un anhelo, una pulsión en la que habita una retorcida noción de humanidad. O quizás no tan retorcida, sólo una que no hace abandono de la tenue luz de partida que va perdiendo intensidad en la medida que el camino avanza, pero que, de alguna forma, sigue señalando el camino. Subir a Normandía no apela al sentido devastador del dark ambient, sino mas bien a su propia aceptación de la oscuridad como parte del ser humano.– Juan Pablo Ossandón
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- El abismo en mí – Palabra-Esquirla
screamo
Ocurre que ‘Palabra-Esquirla’ pareciera sortear cualquier convención sobre el espacio-tiempo, al momento de revelarse como un registro que fácilmente puede venir de hace 30 años atrás. Tal vez sea la baja fidelidad de su sonido ligado al screamo o la construcción misma de sus canciones lo que haga pensar esto, más no es una definición absoluta de su espíritu. Porque El abismo en mí justifica el valor de su existencia apelando precisamente a una característica intrínseca del género: la crudeza de su integridad.
Lo cierto es que sus tres canciones disponen de una visión similar, difiriendo en las ejecuciones como en los rumbos a seguir. Así “Arrecifes” ofrece algo más pausado y desgarrador, “Dagas” clama por un híbrido entre búsqueda y visceralidad, para finalizar con la introspectiva intensidad de un tema como “Quebrada” que cierra con broche de oro este muestrario de ideas.- Felipe León
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- Karla Cuevas – Pajarito Ruiseñor
progressive folk
Quizá suena medio cliché y hasta medio cursi, pero a veces hay canciones que se sienten como un cariño tierno al corazón y ‘Pajarito Ruiseñor’, la carta de presentación de Karla Cuevas —directamente de Panguipulli—, es justamente eso.
Hay un optimismo que se contagia a través de las bien construidas melodías, que se presentan en forma de vientos varios, capas de voces y pianos y los ritmos que comandan la energía a lo largo del EP. La gran calidad del trabajo en estudio —Estudios del Sur, para ser exactos— permite a las canciones hacer gala de estos matices y, al mismo tiempo, dejar la vara alta al prometedor futuro de la artista.
Estamos frente a una estupenda demostración de folk pop y, en estos tiempos complejos que vivimos y a los que pareciéramos acercarnos con violenta velocidad, quisiera rescatar esta frase de la canción “Adiós”: «Aprovecha bien tus días, goza bien tus alegrías, ama mucho, corazón».– Alexander Castillo
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- Francisco Riffo – Hyperme
ambient techno
‘Hyperme’ es un trabajo experimental e innovador que pasa por distintos tipos de electrónica, donde la progresividad es la mayor característica en común entre las seis canciones que componen el EP.
Podemos encontrar ritmos más ligeros tirados para el ambient como en “Elyc”, otros más complejos tipo IDM en “Hyperme” y otros más oscuros y potentes tipo techno y acid en “Bayonne” y “Holdandsample”. Esto hace que sea un trabajo versátil y llamativo, siendo una gran propuesta de Francisco Riffo para la música electrónica chilena.- Consuelo Cruzat
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- Aka.Balentino – Super
alternative metal · hyperpop
Lo de Aka Balentino con “SUPER” resulta en un proyecto realmente entretenido, que fusiona sonidos del metal alternativo junto al hyperpop, apostando por el impacto directo y la sorpresa, jugando con los constantes cambios de estilo. A lo largo de sus cuatro pistas, el lanzamiento funciona como una cápsula de energía donde el foco está puesto en la actitud, el ritmo y una propuesta clara respecto a la mezcla.
En el plano sonoro, el EP se construye a partir de beats contundentes y producciones precisas, donde el bajo y la percusión marcan el carácter de cada tema. Las instrumentales combinan momentos de crudeza con detalles melódicos que aportan dinamismo y variedad. La voz se mantiene al centro del discurso, reforzando una sensación de cercanía y control sobre el ritmo, pero que no teme explotar cuando la pista así lo propone
“SUPER” se mueve entre la afirmación personal, la confianza y la observación del entorno urbano. Las letras van sobre un lenguaje directo y sin rodeos, transmitiendo estados de ánimo intensos y una mirada frontal sobre la experiencia cotidiana. En conjunto, el EP se presenta como un registro breve pero efectivo, que pone a Aka.Balentino como un artista con una visión próspera para los sonidos actuales del género, manteniendo una voz propia y una propuesta sólida refrescante.– Tomás Pérez
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- anís – esto tiene un final
psychedelic folk · indie folk
El nuevo trabajo de la cantautora llega a puntos altos a través de la maduración de un sonido que consigue niveles de complejidad ad-hoc a las reflexiones agridulces que existen en ‘esto tiene un final’. Una forma de ir jugando a través de las propias dinámicas del psychedelic folk, con una riqueza sutil pero gigantesca al mismo tiempo a nivel de producción que embellece los distintos rincones de este trabajo, que puede tanto iluminar el camino o perderse en el vacío brumoso de los recuerdos retratados en capas de sonido. Simplemente bello.– Juan Pablo Ossandón
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9. Los Refrescos – Conozca a los refrescos
pop punk 
Se ha hablado mucho del factor Screeching Weasel en Los Refrescos. Otra forma de referirse al pop punk previo al Enema Of The State, de blink-182. No hay ningún problema con eso. Es más, es una coordenada necesaria. Los Refrescos operan en una dialéctica tan libre como tributaria a una forma determinada de hacer música. Una que, precisamente, destaca por sus ímpetus de libertad a través de la simpleza. Aunque no deja de ser curioso que Los Refrescos no solo adopten el sonido de una tradición, sino también el lenguaje. El desplante. La cadencia. Esas letras livianas pero vivenciales. Conozca a Los Refrescos es la manifestación de una filosofía artística muy específica, y la banda chilena la ejecuta con un nivel superlativamente alto para el panorama del pop punk nacional histórico. Incluso hay ejercicios que escapan del pop punk, como el pulso egg punk. Un género no demasiado desarrollado aún y al que Los Refrescos recurren en total comodidad. El punk, bueno. La retórica detrás, mejor.– Nicolás Merino
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- Matías Ávila – + o EP
indie folk · psychedelic folk
En ‘+ o -’, Matías Ávila explora un sonido que, aunque aferrado a lo íntimo, no cae en la desposesión de recursos. Son samples, líneas de guitarra solapadas, susurros sintetizados y texturas atmosféricas cercanas al drone, todo entretejiendo una suave urdimbre sonora, entramada con líricas que retratan la estética de la fragilidad cotidiana. Más en línea con lo visto en ‘Ahora o Nunca’ de Candelabro –agrupación matriz del artista–, pero apelando a la catarsis personal, ‘+ o -’ se presenta vulnerable en su inestabilidad reflexiva e inquieta, habitando un espacio intermedio que nos habla de saber ofrecerse a un otro, mirar hacia adentro, poder lamentarse y esperar.
Las melodías frágiles sostienen reflexiones honestas sobre la incertidumbre afectiva. Entre los pasajes, el gesto pausado de “Tierra Maldita”, en contraste a su versión redecorada en Deseo, Carne y Voluntad, termina por confirmar como las sensibilidades de Ávila están abiertas también a lo personal –músical y líricamente–, logrando reconocerse en la intimidad y el vaivén emocional. Aquí, aquello que se derrumba y reconstruye otra vez es el interior, más que el paisaje. Sin muchos filtros, este indie folk de florecimientos psicodélicos cimenta uno de los EPs más sólidos del año: un pequeño refugio desde la soledad, en sintonía con los otros trabajos solistas del artista.– Antonia Hernández
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- Arabian Kids FC – Stolen
drumless · grimey sound · conscious hip hop
Arabian Kids FC, más que un equipo, una familia. Cada track del proyecto funciona como un cruce de voces y estilos: Raven46, Yhoal Gunn, Sabú, Saeh, Delaisla y Anacronia (Hvvtt2666) se mueven con soltura entre el grimey y el drumless, cambiando de ritmo y flow sin perder la cohesión.
Las letras son competitivas y serias, a veces con tintes políticos, y otras veces llenas de juegos de palabras que entran directo. Esa mezcla construye un discurso común: una camada de voces clave para entender qué está tejiendo la nueva generación del rap chileno.
Sin duda, Arabian Kids FC va a dar que hablar —tanto en sus proyectos como crew como en sus trabajos en solitario— porque aquí ya muestran carácter, identidad y una mirada propia sobre el presente.– Nicolás Silva
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- Pluma Antonella – Diagnóstica
ethereal wave
Ciertamente no es exactamente regular el ritmo con el que aparecen lanzamientos de ethereal wave en Chile. Indiferentemente del nivel. En ese escenario, el último epé de Pluma Antonella rompe todas las expectativas a nivel país sobre el desarrollo de un sonido tan desafiante tanto para quien lo escucha como, sobre todo, para quien lo ejecuta.
Diagnóstica es un trabajo difícil de tomar con las manos. Muchas ambigüedades. Todas bien ejecutadas. Todas pragmáticas. Ninguna que invite al oyente a identificar una puerta de entrada concreta al epé. No más que la que otorga ponerle play. Es todo un universo sonoro dotado de paisajes que hacen combustión entre sí y, como si fuera poco, con el silencio en el que se pierden para volver a atacar. Qué decir del nivel de factura para agregar esa narrativa spoken word que empuja al trabajo. Sí, es una narrativa, porque las mismas condiciones del epé empujan a dialogar este elemento con su contraparte más convencional en la inflexión vocal. Un factor que se desenvuelve en forma locura onírica. Precisamente como lo es la integridad del cuerpo de trabajo de Pluma Antonella.– Nicolás Merino
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- Benjanubes – Xirimiri
jazz fusion
A estas alturas del partido la búsqueda por innovar en el jazz no es tal, considerando que en más de un siglo se ha revolucionado bastante el género. Ahora, no es impedimento para jugársela con crear algo más sustancial, lo que en cierta forma ocurre con el EP ‘Xirimiri’, lanzado por el guitarrista Benjanubes a mitad del año 2025, como una mezcolanza de ideas que remiten al corazón del género y más allá.
No solo se adecua al salón de honor más actual que impera en el mundo, pues interactúa con ciertos motivos que salen de la esfera del jazz fusión. Hay espacio para probar cosas, desde sensaciones cálidas y relajadas que habitan sus atmósferas hasta solos instrumentales, que sin salirse del camino adquieren un protagonismo mayor, llenando de matices una escucha de por sí enriquecedora, pero más importante aún aportando a la personalidad del proyecto.
Benjanubes ejecuta en cuatro partes una música que invita a la reflexión, a palpar la bonanza de sus dinámicas orgánicas y sucumbir al reflejo de su interior. Lo hace convencido de querer llevar su propuesta al mejor lugar posible. Basta con sintonizar sus 18 minutos de duración para convencerse que en ‘Xirimiri’ estamos ante algo más grande que un simple lanzamiento de jazz.– Felipe León
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- Rena en el siglo 40 – Cintoespaciotemporal
indie pop
Nadie se demoró demasiado en señalar las referencias a Mampato. Pero quizá el título del primer epé de Rena en el siglo 40 apunta antes a un concepto mucho más profundo que a simplemente llenar la placa de referencias a la obra de Themo Lobos. Cintoespaciotemporal es un título literal. Al menos ateniéndose al canon de los cómics.
Hubo una época en la que el indie pop chileno sonaba así. Hegemónicamente, aunque ciertamente en un nivel más bajo que el de Rena en el siglo 40. En promedio. Y cuando se fue el año del lanzamiento del epé, muchos perdieron la cabeza poniendo en perspectiva que el 2016 cumplía diez años. Así también todos los eventos culturales que no parecían tan lejanos en la línea de tiempo. Igual, ciertamente se pudo haber hecho el mismo ejercicio con el 2015, año angular para la denominada “escena indie” en la que proliferan todos los proyectos con este sonido. En este espacio tiempo, Cintoespaciotemporal es un cinto espacio temporal. Un dispositivo para viajar en el tiempo, con la salvedad de ir equipados con la madurez para revisar una época que tenía un sonido y una calidez inédita para la escuela sonora en cuestión. Ahora con la carrera completa a espaldas. Se dieron una vuelta de una década -figurativamente- para sacar el mejor tributo del año al sonido de la cacareada “escena”. Y es, por cierto, el mejor epé de pop del año. Y eso sólo ateniéndose a sus características contextuales.
Ahora, la música. Un pastiche de múltiples capas empalagosas y trabajadas con un perfeccionismo inusitado. La gente que está en este proyecto entiende perfectamente el pop y sabe cómo desenvolverse en ese espacio tiempo artístico y espiritual. Tan juguetón como serio. Tan nostálgico como futurista. Un artefacto de ciencia ficción pop manufacturado en el más alto de los niveles vistos alguna vez. Una cápsula del tiempo que no es tal. Como alguna vez escribió Tolkien: one to rule them all. La élite del pop independiente.– Nicolás Merino
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- Ana Tijoux – Serpiente de madera
boom bap
‘Serpiente de madera’ llega como un movimiento contenido, pero decisivo. Ana Tijoux no necesita demostrar nada. La reina del hip hop chileno regresa al boom bap noventero con el aplomo de quien entiende que la forma también puede ser un argumento. Bombo y caja al frente, palabra al centro y espacio para que cada idea respire.
La historia que carga no aparece como museo, aparece como un método. El legado con Makiza, sus discos solistas y el recorrido internacional están presentes, aunque todavía no terminamos de dimensionar su impacto en el circuito nacional y latinoamericano. En este EP, Tijoux —siempre filosa en lo político, siempre rebelde en su consigna— elige analizar antes que proclamar. Y en esa voz surge algo distinto: una introspección casi filosófica que bordea la idea de una redención —¿de algo, de alguien, de sí misma? — sin cerrarla del todo.
El sonido acompaña esa contención. La producción de Hordatoj es austera y deliberada. Ritmo firme, casi matemático, y guiños jazzísticos que colorean el clima entre lo dulce y lo bittersweet. Nada sobra y a la vez nada invade. Todo está dispuesto para que la voz cargue el peso del sentido.
Más que retroceder, el EP practica una suerte de relectura. La tradición funciona como una herramienta más que un refugio. En un año abundante en gestos expansivos, ‘Serpiente de madera’ recuerda que la madurez también puede consistir en decir menos, pero decirlo con una claridad que permanece.– Hernán Carrasco
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- Deshabitado – Dejen Tranquilo el Sector!
post-punk
El segundo epé de Deshabitado no promete, concreta. Materializan una dialéctica inusitadamente intensa para el panorama nacional. Tan dura. Tan empalagosa. No todos están en facultades de dar con ideas así de interesantes. Menos aterrizarlas. Menos a este nivel. Dejen Tranquilo el Sector! Es un trabajo de vital importancia para la música chilena. Corta. Es complicado encontrar gente que vaya tan de frente con su arte. Es necesario que haya gente yendo tan de frente con su arte.
“Esta va para los Estados Unidos. A ver cuando invaden Estados Unidos y se quedan ahí” proclama Evaristo Páramos al comienzo de ‘Johnny’ en la versión de …Vamos Entrando…, el disco en vivo clásico de La Polla Records. Es ese el nivel de energía punk que proyecta e inyecta Deshabitado. Está de más escribir cual canción dialoga con ese himno de La Polla. Lo que no está de más señalar es que la energía y la impronta con la que ejecutan su post-punk es bastante inédita (una pausa: de verdad es bastante inédita) para un escenario nacional en el que el género últimamente ha ignorado olímpicamente las vertientes más roqueras y en la cara que puede ofrecer esta hermosa expresión musical. Tampoco es que a Deshabitado necesariamente le interese la soltura de cuerpo de un proyecto como Gangs Of Four. Lo que les interesa es adelantarse. En sonido. En espíritu. En filosofía. Tampoco es que la banda luzca energía por energía. Ya les encantaría a muchos otros proyectos de cualquier paradigma dar con un coro antémico homónimo como el que ofrece la segunda canción.
Dejen Tranquilo al Sector! es un trabajo de una importancia que no es que no se pueda medir fácilmente. Simplemente no se puede medir. Y esto responde meramente al hecho de que la naturaleza de la materia prima -el epé- está en un nivel tan adelantado a cualquier expresión contemporánea de la famosa escena chilena, que los puntos de comparación se terminan haciendo francamente insuficientes para poner en perspectiva efectiva un material así. Un mensaje para los arqueólogos del futuro: Cuando haya que revisar el mapa de una nueva tradición abierta por Deshabitado, no dejen tranquilo ese sector.– Nicolás Merino
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1. Osmiini – A bocajarro
brutal death metal · twee pop
Creativo. Sin miedo. Hilando conexiones en dos sonidos que en su santa vida se visto las caras alguna vez. Una fusión heterogénea entre el brutal death metal en la instrumentación, y el twee pop en la voz, una ecuación inaudita, pero que se siente y se escucha coherente y cohesiva.
Tampoco hay que darse tantas vueltas para entender porque funciona. El análisis superficial es que tiene los dos lados de la moneda, lo extremo del death metal, pesado, abrasivo. Y también la cualidad bubblegum del twee pop, bien fluorescente en su modulación melódica. Es llamativo a la primera, excéntrico, atractivo. Como alguien que no teme a vestirse como quiera en una sociedad conservadora en términos de moda como la chilena. Que todo el mundo se dé cuenta, si al final, a quien le importa. Osmiini se están disfrutando la vida entera con ‘A bocajarro’, se nota.
La otra parte del análisis, algo más profundo, tiene que ver con que ambos elementos yacen a los extremos de sus propuestas. Casi como opuestos que, no sé si complementarios, pero los riffs pesados, los blast beats y la voz azucarada pueden convivir si comparten, en común, aunque sea en la abstracción de la sinergia misma de esto de moverse en los extremos de algo.
Un trabajo que puede despertar algo más grande, el potencial está clarito. Creatividad a flor de piel. Sin tapujos. Una verdadera bofetada de absurdismo.– Juan Pablo Ossandón
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