Chile es un país cada vez más y más competitivo en materia musical, siendo lugar de gestación de grandes obras que dan que hablar en los distintos frentes musicales. Algo que, naturalmente también, cada vez se hace más notorio en términos de cantidad incluso. En especial en un año como 2025, que sorprendió una y otra vez en paradigmas como el folk, el rock o el hip hop.
En Expectador hacemos un vistazo profundo de la realidad musical de nuestro país, con nuestra selección de los mejores 100 discos nacionales de 2025. Echa un vistazo.
- Nunca Hubo Temporal – Nunca Hubo Temporal
alternative rock
La banda santiaguina debutó este 2025 con un álbum formidable a la hora de extender la definición de los géneros musicales en materia de performance, pues, y aún sí esto se trata de un trabajo de rock alternativo con un dejo y regusto –importante– del mundo del hardcore, difícilmente se deja llevar por los esquemas estilísticos de cada cual. Una maleabilidad visceral que es completamente visible en las voces, con una impronta llena de cadencias intensas que podrían mandarse nombres como Cedric Bixler-Zavala, misma esencia que comparte el resto de elementos de la instrumentación. Vívido, crudo, vertiginoso y lleno de matices a ambos lados de la balanza.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Heráldica de Mandrake – Nunca bastó con rezar
epic doom metal
Fue un buen año para el doom metal en Chile. Trabajos como el de Heráldica de Mandrake comprueban dicha tesis, y es que «Nunca bastó con rezar» va más allá de cualquier ejercicio estilístico íntegro del epic doom metal –lo que podrían hacer con los ojos cerrados si quisieran, se nota–. Va más bien en la frescura y soltura de sus composiciones, inspiradas en todo momento. Monumentales. Sobrecogedoras. Una confección minuciosa que aprovecha la relativa suciedad de la producción, en un sonido brumoso que potencia el misterio que rodea la espiritualidad del álbum, hábitat en donde la ominosa voz de Francisco Rivera cobra todo su potencial con una de las mejores performances en español en el metal este 2025.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Vago Sagrado – Vermin
post-punk · psychedelic rock
Vago Sagrado, en otra. Han pasado por todas. Siempre con éxito. Ya habiéndose dado vuelta las múltiples expresiones del progresivo, la banda regresa con su disco más ondero. Canciones directas. Atrapantes. Atractivas. Un escenario sonoro que incluso evoca cierta visualidad respecto a un mundo al que no toda su audiencia tiene acceso.
El factor post-punk puede parecer una excusa para machacar rítmicamente. En realidad es más complejo que eso. Son conscientes de la historia del género y la usan a su favor como raramente se ve en una época más pausada para el diálogo de esta expresión musical con otras. Un disco generacional, para el que le sirva. – Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Leen – Sangre fría
electropop · dance-pop
‘Sangre fría’ se ve reflejado como un disco bastante personal e intenso; la carga emocional evidente en cada canción muestra el lado más privado de la artista. Al estar ligado directamente a vivencias íntimas, el álbum avanza con firmeza y sostiene con sutileza un relato que no se siente evasivo.
Es un disco que enfrenta lo vivido desde una postura directa, donde la fuerza y la introspección conviven y dejan en evidencia la identidad artística de Leen. Al adentrarse en el electropop y el dance-pop, utiliza estos estilos como soporte para un discurso emocional que se mantiene a lo largo del álbum, destacando por su poder creativo y honestidad al convertir la experiencia personal en canción.– Anaís Cárdenas
Escúchalo aquí
- LaFé – 11.11
pop rap
Como segundo álbum de estudio, “11.11 (2025)” de LaFé opta por subir un peldaño más en cuanto a ritmo y musicalidad. El rap, la base presente tanto en su trabajo anterior como en este nuevo lanzamiento, se reúne con nuevos elementos musicales; técnicas de canto, sonidos pop y colaboraciones con ciertos personajes de la correspondiente escena chilena, tanto en aspectos de producciones como en colaboraciones al momento de interpretar.
Desde el aspecto lírico, Fernanda explora y propone un espacio de autodescubrimiento, haciendo las paces con versiones propias del pasado, conectando con sentires del presente en pos de encontrar un mayor estado de bienestar, todo esto al son de rimas potentes y pegadizos versos . Revelando la posibilidad de mejorar las relaciones no solo con el mundo, sino que, también con uno mismo. Porque después de todo, ¿Si uno no está en paz consigo mismo, con quién lo está?.– Tomás pérez
Escúchalo aquí
- LonelyFriendly – Generación Perdía
cloud rap
Cloud rap como raramente se ve. Lejos de la vereda dialogante con el pop rap. Lejos de la vertiente más pomposa, esa que no hace concesiones con los cuerpos materiales. Pero sí cerca de la psicodelia empalagosa. Cerca de la técnica aplicada al estilo. Y del estilo al servicio de la técnica.
La obra de LonelyFriendly es brutal. ‘Generación Perdía’ no es la excepción. Una serie de paisajes distorsionados bajo el mismo nombre con el que alguna vez se tradujo en Chile una película de Schumacher que sacaba la cara por un montón de entes de la generación X que se sentían sin norte. Eso, estilizado. Y LonelyFriendly trae eso, estilizado. Pero a nombre de su generación, claro. Últimamente han sido cuantiosos los artistas que además de mantener un diálogo de cerca con la electrónica han intentado establecer una estética recursiva a lo que dialécticamente entenderíamos como nostalgia. En estricto rigor, es retrofuturimso. Y naturalmente, es lo que hace LonelyFriendly. Sacar la voz por una generación perdida que no se encuentra ni en el futuro, ni en el pasado. Yo solo tengo este presente, dijo alguna vez Jorge González. Nada más presente que un disco de LonelyFriendly en pleno 2025.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Costamora – Demás que vas a estar mejor
indie rock
En solo 30 minutos Costamora compromete sus búsquedas en la elaboración de un indie rock íntimo, resguardado por una instrumentación que no teme meter arreglos extras. Así como por la vocación de cantar sobre vivencias personales, para así transformarlas en canciones que perfectamente pueden ser coreadas.
Es tal vez la claridad de su sonido, la voz apasionada o su enfoque juguetón lo que repercute en la sensación general que deja ‘Demás qué vas a estar mejor’. Amigable y melódico registro que deja canciones como “Caretas”, “Para variar”, “Odio la navidad”, “No dejo de pensar” o las colaboraciones con Floresalegría y Gatajazz en “Otra vez” y “Qué te pasa” respectivamente. – Felipe León
Escúchalo aquí
- Zita Zoe – Alarme
boom bap · conscious hip hop
Maduración por definición. ‘Alarme’ representa el mejor rostro artístico de Zita Zoe como rapera, quien se desenvuelve en un entorno boombapero de fuerte tenor introspectivo, aunque no menos filoso en sus intenciones. Un storytelling que supera el mero atractivo, sino que inserta un relato bastante documentativo de la vida de la artista, desmenuzando la vulnerabilidad, la rabia, el crecer, y el habitar el entorno de forma concienzuda.
La producción es bastante lustrosa, con texturas aterciopeladas que contrastan con la impronta avalentonada de la emcee, aunque ojo, existe unas salidas bombásticas aquí y por allá en momentos explosivos del disco, haciendo de este trabajo uno bastante completo.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Catalina Navarro – Otras Palabras
folk pop
Luego de 5 años desde su debut en forma de álbum, Catalina Navarro estrenó ‘Otras Palabras’, disco que complementa el folk pop con elementos del pop chileno del siglo actual, trayendo consigo un sólido concepto que replica la calidez del folk nacional.
A través de ‘Otras Palabras’, Catalina logra expresar un viaje introspectivo sobre la búsqueda de la paz, aprender de uno mismo y vivir del amor interno y externo. Es un dulce y terapéutico álbum que logra conectar con el corazón de quien sea que lo esté escuchando, a través de canciones que con sus propios títulos explican el concepto, como “(C)alma” y “Solo un momento”.– Constanza Machuca
Escúchalo aquí
- Wiña – Fulgor
art rock · neo-psychedelia
El dúo conformado por Juan Desordenado y Daniel Ramos, entregó el 2025 su álbum debut, “Fulgor”. Un trabajo muy sólido, donde entre pasajes de art-rock y de neo-psychedelia, Wiña muestra toda su hambre por la experimentación total, sin miedos ni restricciones, encapsulando todo ese fulgor que los representa en ocho canciones con una duración total de 44 minutos.
Funcionando como una invitación a relajarnos y perdernos por un momento, ambos artistas muestran en este trabajo grandes versiones en sus instrumentos principales (Juan con la guitarra y Daniel con el bajo), mientras suman diferentes instrumentos electrónicos para potenciar su búsqueda sonora que une la improvisación y la intimidad.
Canciones como “Avalancha”, “Suculenta” y “Fulgor” demuestran ese espacio importante que toman los espacios instrumentales también, lo que en suma nos entrega un fabuloso primer disco del dúo.– Oscar Cortés Rojas
Escuchalo aquí
- Chercán – Chercán
progressive rock
Chercán presenta un trabajo homónimo intenso y cargado de carácter, donde las percusiones fuertes y la distorsión en la voz construyen un paisaje sonoro denso y expresivo. El disco está marcado por un cuidadoso trabajo de texturas, que se superponen y dialogan entre sí para generar una experiencia envolvente, a ratos áspera y a ratos profunda.
En este álbum hay un juego constante con la nostalgia, especialmente en la manera en que recupera elementos del rock progresivo de los años noventa y los reinterpreta desde una mirada contemporánea. Más que un ejercicio de recuerdo, Chercán logra traer ese sonido al presente, actualizándose con una sensibilidad moderna que lo vuelve vigente y potente.– Rocío Villalón
Escúchalo aquí
- Alma Pájara – VIVA
indie folk
KG5XFZISIBMLSGKNYYHVG5EO6U.0.1-9
‘VIVA’ es una obra profundamente emocional y sincera, que articula elementos orgánicos y digitales con raíces latinoamericanas, sonidos urbanos y folk, consolidando a Alma Pájara dentro de la escena independiente chilena. El disco invita a la idea de que “amar la vida” se vuelva un acto urgente.. Lejos de discursos idealizados, Alma apuesta por explorar la vulnerabilidad, lo sentimental, el amor propio y los ciclos mismo que la vida presenta a lo largo de esta –cuando algo se cierra, otra oportunidad se abre–.
Con 11 canciones, ‘VIVA’ reúne colaboraciones de la escena tanto chilena como latinoamericana; Pascuala Ilabaca, Dania Neko, Pablo Truquero y Almendra DelPilar. El espíritu del álbum apuesta por dialogar entre generaciones, mostrar aspectos como la vitalidad y conexión con la naturaleza desde la ciudad para todas las edades. La voz de Alma Pájara se despliega como un elemento sensible y vibrante sobre instrumentos de cuerda, capas vocales, ritmos contemporáneos y arreglos electrónicos, estructurando un ambiente que invita a sentir, bailar y contemplar. ‘VIVA’ posiciona a Alma como una voz emergente, sensible y propositiva en los paisajes del folk.– Tomás Pérez
Escúchalo aquí
- chicasoviética – GEMINI II 99.999Hz
shoegaze · noise pop
No es exagerado adjudicar a chicasoviética una de las construcciones de mundo sonoro más interesantes e inventivas del año. Su trabajo ciertamente excede a sus propios géneros sin nunca fallarle a las reglas. Aunque se ve una certera conciencia por la historia del shoegaze, el noise pop, y el diálogo entre ambos, también lo es por la narrativa sonora propia.
El disco es oscuro. Y sobre todas las cosas, sugerente. Que las voces estén enterradas no es accidental. Invita, precisamente, a tomar una atención particular sobre el trabajo lírico y la densidad en la que está inmerso. Para llegar al fondo, hay que perderse. Es para perderse. Hace mucho que no se publicaba un trabajo de shoegaze chileno tan cargado de emocionalidad y con un nivel de ejecución por encima de la media como este.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Chica Lunar – Transmutarse
sophisti-pop
Chica Lunar dio lugar al lanzamiento de su primer disco, al que le antecedieron diversos lanzamientos de sencillos que se incluyeron en su álbum, tales como; “Dejarte ir”, “Noche de luna llena” y “Corazón cegado”, entre los más populares. Esta propuesta llega desde el sophisti-pop, un género calmado y sonoramente tranquilo, a través del que se nos transmiten letras sobre los ideales del amor, una trayectoría en torno a este y reflexiones que nacen de esta experiencia.
La artista menciona; “… Retrato vivencias melódicas… INDIE POP ONÍRICO… Su propuesta no solo destaca por los matices del pop y las atmósferas oníricas cercanas al dream pop, sino también por la profundidad de su contenido: letras sensibles que abordan procesos de aprendizaje, transformación y autoconocimiento”, lo que sintetiza a grandes rasgos lo que trae en su propuesta, que revitaliza un pop alternativo, que sitúa las temáticas ya mencionadas en una atmósfera de autoexploración.
“Transmutarse” responde también a su propio título, presenta un proceso de mutación pero también de permanencia, desde el conocimiento de la experiencia amorosa que resalta los deseos pero también lo que se pudo saber desde el autoconocimiento.– Ricardo Parra.
Escúchalo aquí.
- Dromeda – Solitud
dream pop
Una caminata errante de noche, entre luces urbanas y reflexiones que solo aparecen una vez alcanzado cierto horario. ‘Solitud’ explora la soledad como un espacio contemplativo, utilizando leves capas electrónicas sobre un dream pop nostálgico que envolver en su encanto.
El aislamiento sereno no excluye a la melancolía, expresada sobre sintetizadores de raiz indie-rock y reflexiones sobre el cambio, la añoranza y una vida a la deriva. Dromeda postula aquí el andar solitario como un terreno fértil de pausa, donde el movimiento interno reemplaza al ruido exterior.– Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- Ignacio Ruiz – Corridos Chilenos, Vol. 2
corrido – bolero
Hay un tema con apoderarse de la música más tradicional bajo el prisma y la exigencia del rigor contemporáneo. Lo mismo que los proyectos que apelan al bolero o al jazz tradicional, sin apellidos, pero conscientes de que esto es 2025 y que las facultades del arte admiten creatividad que no necesariamente se condice con la tradición. Ignacio Ruiz es eso.
Una voz sólida y joven que esquiva las bases y abraza los arreglos. Que roza el oído con cada delicado expresionismo en los detalles. Música cálida. Para seguir de cerca. Ecléctica y abierta al diálogo. No es casualidad que funcionen tan bien las colaboraciones del disco. Que son bastantes. Es una obra dialéctica con muchos agentes. Pero sobre todo, con su sonido.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Laureles – Laureles
folk rock
Cuando se busca traer de vuelta ciertas reminiscencias de antaño de determinado género, las cosas no siempre salen bien. No es el caso de Laureles, que en su álbum debut homónimo se las arreglan para calcar ciertos aires orgánicos del folk rock setentero, con el fin de plasmar una propuesta personal que aterriza diversos dilemas centrados en la añoranza, la melancolía, la pérdida de rumbo o llanamente pasarla bien. Disfrutar el momento.
Las implicancias del disco acentúan la excelente química entre sus integrantes, dejando espacio para materializar un ejercicio de estilo que intercala instantes emotivos con algo más directo. Si las vocales destacan en piezas como “Hay algo” o “Direcciones”, otras como la sensible “La carta”, la blusera “Así es como quiero vivir” o la calidez del corte titular amplían el espectro de un álbum bien concebido.– Felipe León
Escúchalo aquí
- Fresasalvaje – DESTELLOS
afrobeats · pop rap
En ‘DESTELLOS’, Fresasalvaje confirma que su búsqueda de identidad sonora no es pose: es método. Su segundo disco se aleja de lo anterior y se forja en nuevos ritmos, explorando afrobeats, pop rap, boom bap e incluso guiños a los boleros, sostenido por una selección muy cuidada de beatmakers. Esa curiosidad no es solo estética: también es emocional.
Fresasalvaje se sumerge en sus propias sensaciones y cada letra funciona como una carta abierta, sacando la intimidad hacia afuera sin perder suavidad. El resultado es un disco esponjoso, cercano, donde el chanteo fluye con naturalidad y la búsqueda se siente viva en cada tema.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Escondite – La quebrada
indie rock · post-rock
Un indie-rock absolutamente atmosférico, las guitarras creando refugio sonoro de recogimiento y deriva. Centrado en las tensiones, en las multitudes del silencio y en el pulso lento de un paisaje oscuro, ‘La quebrada’ avanza como paseo introspectivo, invitando a la voz a fundirse con su entorno instrumental y sus susurros.
Los brotes de ruido –irrupciones de emoción– son más pequeñas liberaciones que quiebres abruptos, atisbos de fragilidad en una melancolía nebulosa. Repleto de texturas, el rock sintetizado de este segundo álbum de la agrupación se siente tanto delicado como avasallador, de la mejor manera posible.– Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- Anomie – Virtus Pereundi
melodic black metal
Lúgubre, pero con cierta luminosidad penumbrosa. Una construcción de diseño de sonido formidable que busca dibujar paisajes completos, al son de un black metal melódico que bien hace uso de todo el espectro sonoro en materia de matices, intensidades y ambientación.
He ahí su fortaleza, pues, si bien es bastante directo en hacer provecho de las bondades por las que se conoce este subgénero, la composición es formidable y provechosa, fuente de una riqueza gigantesca, ad-hoc para lo omnisciente que se siente este trabajo.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Traidora – Una mujer trans sin país
crustpunk · thrashcore
‘Una Mujer Trans Sin País’ de Traidora pone las letras al frente sin vueltas. Hablan de ser trans y queer desde el cansancio, la rabia y la incomodidad constante, no desde el orgullo bonito ni desde versiones amables de la experiencia trans. La disforia aparece como algo diario y repetitivo, que no se resuelve con aceptación social ni con palabras tranquilizadoras.
La idea de “sin país” atraviesa todo el disco: no encajar en un género, no encajar en una nación, no tener un lugar claro donde apoyarse. Las letras conectan la experiencia trans con la migración y la violencia de las fronteras de forma directa, sin adornos.
El lenguaje es seco, insistente, casi gritándose a sí mismo. No busca convencer ni explicar. Es un disco que habla desde la experiencia y el desgaste, sin pedir permiso ni ofrecer consuelo, y que deja claro que para algunas personas el hecho de existir sigue siendo una forma de resistencia diaria.– María Paz Carrasco
- Catalina Almendra – Transparente
folk pop · indie folk
Desde el 2023 Catalina Almendra ha publicado secuencialmente diversos sencillos como; “Más cerca”, “Siento Miedo”, “Camino del Mar” y “No canté otra vez”, forjando así el camino para el lanzamiento de su álbum “Transparente”, que incluye estos preestrenos y la adición de nuevas canciones.
La intención detrás de sus líricas se refleja directamente en el nombre del estreno, ya que las diferentes canciones se unen en esta idea o propósito, presentar diversas reflexiones y meditaciones que nacen de la vulnerabilidad, los arrepentimientos, los anhelos y las ganas de seguir viviendo. Esto sumado a su estilo folk pop genera una instancia íntima, que da lugar a conectar con estos sentimientos y reflejarse en la experiencia ajena pero a la vez cercana.– Ricardo Parra
Escúchalo aquí
- Vórtize – Vórtize
us power metal · NWOBHM
Nunca hay que juzgar un disco por los fracasos que puedan haber en el entorno contemporáneo del género musical en cuestión. Pero de cuando aparecen proyectos que dejan en evidencia la falta de originalidad –o de identidad– que pueden haber en otros lados al simplemente hacer un álbum notable y competitivo. Ese es el caso con el homónimo de Vórtize. Bueno, tampoco es que no los hayan, pero no es fácil ver bandas que sean capaces de superar los clichés estilísticos del US power metal y el heavy metal.
Pero basta de rodeos. Lo que hace Vórtize es algo digno de aplausos en tanto existe un balance entre la grandilocuencia de ambas aristas musicales, sin perderse en la tentación que puede traer la épica. No se equivoquen, la hay, pero el núcleo motor del disco va más bien en un despliegue narrativo que ralla en lo cinematográfico, que está presente en la prosa vocal pero, por sobre todo, en lo que sucede a nivel instrumental, con piezas realmente deslumbrantes como «MALARACHA», uno de los puntos más destacados del álbum. Tremendos.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- MISFITZ – 2
hardcore hip hop
Caos, desorden, descontrol. Jolgorio y algarabía. Hedonismo, emociones y una oscuridad que nunca termina de irse. Todo eso atraviesa la segunda entrega de MISFITZ, banda integrada por $lum y Yung Roska, ahora con Dolore$ en la producción.
La estética gore —cruda, exagerada, casi grotesca— convive con un sentido del humor que desarma cualquier solemnidad. El disco se mueve entre influencias californianas y neoyorquinas, entre lo gangsta y lo hardcore, deformando esas referencias hasta convertirlas en algo propio del grupo.
Es una propuesta ruidosa, incómoda y fresca, que entra a la escena local sin pedir permiso y empuja el rap hacia territorios menos seguros, pero no por eso menos digeribles.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Insika & Tashka – EVERYTHING AT THE SAME TIME
electro-house · electro-industrial
U2CMIUIA4KFGS5ODW7TJ6VRPGU.0.1-0
Una sacudida a los sentidos y a los límites en la música electrónica trae consigo Insika, en un álbum que hace de la exploración toda una filosofía a la hora de hacer música. Entrañable combinación de lenguajes que conectan tanto con el electro-house como el electro-industrial, sumado a la contribución de Tashka en labores de producción permiten cuajar un sonido intenso, glitchero y punzante.
La fórmula de ‘EVERYTHING AT THE SAME TIME’ promueve sensaciones nocturnas, bajo un relato dividido en apreciaciones atmosféricas y otras más cluberas, complementándose con un magnetismo fulminante. “Please God”, “Call me”, “Sweetest Doll” o “Find My Place” son solo algunas canciones que pueden dar una idea de lo que sucede en el disco.– Felipe León
Escúchalo aquí
- Manual de Combate – Para acabar con la repetición de lo existente
post-rock
Se puede decir que Manual de Combate supo construir, desde la faceta más DIY, una carrera vasta al margen del corolario más mainstream de lo “independiente”. La banda santiaguina comenzó asociada al post-hardcore, o al menos así se presentaban en su primer disco de 2020, ‘Mapas Auténticos del Mundo Imaginario, Mapas Imaginarios del Mundo Real’. Sin embargo, sería reduccionista llamarlos solo una banda punk.Ya entonces había una pulsión experimental que afloraba en cada disco y split, empujando el sonido hacia un jazz intrépido y nervioso.
En el nuevo álbum, el viraje parece inclinarse hacia un post-rock más definido. El espíritu experimental permanece, pero ahora convive con pasajes jazzeros y una presencia de sintetizadores que miran con decisión al krautrock. El cancionero avanza entre estructuras mutantes, habitando desde el spoken word más cotidiano hasta zonas abiertamente abstractas, siempre atravesado por esa línea de flauta que conecta cada pasaje como un hilo conductor.
En este disco, el lirismo se siente político, pero desde un lugar cercano y cotidiano. Más que levantar consignas, Manual de Combate observa lo que ocurre alrededor y deja que las imágenes hablen por sí solas. El trabajo, la ciudad, el cuerpo cansado y esa rabia que nunca termina de irse. La voz hablada entra y sale entre los pasajes instrumentales y arma un relato que se siente honesto, casi como una conversación. Y ahí aparece el encanto, porque la banda no sermonea y más bien invita a escuchar y a pensar, incluso cuando incomoda. Es un álbum que deja la sensación de un grupo que sigue creciendo, probando caminos nuevos y afirmándose con calma como una de las propuestas más interesantes del circuito independiente.– Hernan Carrasco
Escúchalo aquí
- Andy Moletto – Diamantes de una plaza con fiebre
gothic rock · slacker rock
Otro año, otro en el que escucharemos piezas formidables del inquieto y trabajólico Andy Moletto. Esta vez, en lo que es un verdadero sueño febril de disco, el artista se lanza a un panorama sonoro que hace del eclecticismo su mayor virtud, articulando los aspectos más notorios de cada sonido e idea que articula, y, de alguna forma, los cohesiona en un festín heterogéneo de rock amalgamado y lleno de asperezas. Lleno de momentos con escapadas de libreto que te harán levantar las cejas y pensar: «¿cómo hizo eso?«.
Un trabajo de lo más fascinante que, desde la baja fidelidad, hace libre uso de su humor ácido de cotidianidades. Bravo.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Cancamusa – DOPAMINA
pop rock
B6462HQZGQR62HTUIT4ZPY26JM.0.1-7
DOPAMINA marca un punto de madurez en la trayectoria de Cancamusa, quien en su tercer álbum despliega un sonido dulce y cuidadosamente construido. El disco se presenta como un viaje que recorre las distintas etapas del enamoramiento, capturando la emoción, la expectativa y la vulnerabilidad que acompañan a ese proceso. La guitarra eléctrica se convierte en una aliada constante, envolviendo las canciones con sutileza y reforzando la atmósfera íntima que atraviesa todo el álbum.
Con delicados toques de dream pop, DOPAMINA se siente como una fantasía sonora que flota entre la ilusión y el deseo. Cada canción construye un universo etéreo, donde las emociones se amplifican sin perder delicadeza, logrando un equilibrio entre lo onírico y lo cercano. El resultado es un disco coherente y envolvente, que invita a perderse en esa sensación luminosa y efímera que define el enamorarse.– Rocío Villalón
Escúchalo aquí
- Niño Cohete – Donde las serpientes toman el sol
indie folk
Niño Cohete es un proyecto longevo. Lo suficiente para haber construido una impronta propia y haber vivido en carne propia las transformaciones en el sonido imperativo del indie folk. Cuando Niño Cohete publicó ‘La Era Del Sur’ (2015), diez años antes de este disco, no solo la escena crítica que lo abrazó era otra, sino también el planeta era otro. Y como buen proyecto con miras al futuro, supo adaptarse a los tiempos.
‘Donde las serpientes toman el sol’ mide activamente el pulso de su entorno y de sí mismo. Máquinas de ritmo. Salidas de rock. Cierta remembranza por esa época que ya cumple una década desde que se fue. Quizá Niño Cohete puede expresarse con una autoridad particular por haber estado ahí construyendo a la hora que las papas quemaban. En cualquier caso, la misma melancolía y nostalgia de este disco viene a cerrar un círculo completo. Los que estuvimos ahí hace diez años sabemos cuál es.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- tomil4fleur – CARMESÍ
digicore · pop rap · experimental hip hop
La mezcla de estilos en tomil4fleur es esencial para su propuesta: se mueve entre ritmos frenéticos y caóticos, cercanos al trap y al rap experimental, pero también deja entrar guiños al reggaetón y a otros mundos musicales. Todo queda hilado por una producción que busca texturas diferentes y atmósferas cambiantes, donde los samples —como el de “Lento” de Julieta Venegas— aparecen como puntos de apoyo emocionales dentro del ruido.
A partir de esa base, tomil4fleur va uniendo los puntos con su voz: se adapta a cada instrumental y se permite jugar. Las letras, entre el desamor, el hedonismo y cierto descaro, abren un vacío que se siente cercano, casi íntimo. No se trata de ordenarlo todo, sino de moverse entre esas capas —ritmo, emoción y experimentación— y dejar que el disco te lleve.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Calipsø – Tus sueños, un destello intermitente
pop rap · alt-pop · liquid drum & bass
Calipsø hace lo que no fue capaz la otra gran artista de liquid drum and bass chilena. Bajar un cambio. Meditar. Adherir elementos de la empalagosa escuela contemporánea del pop. Esta última placa es atenta a los tiempos que la rodean. No escatima en recursos de vecinos temporales. Tampoco en salirse de las reglas convencionales respecto a lo que se supone que tiene que ser un pop apretado y sintético. Que por cierto que lo es. Pero así mismo, explosivo.
Una máquina de energía que congenia perfecto con las necesidades etéreas a las que el disco se eleva en cada canción. Hay una construcción de mundo que no es para mirar en menos. El mundo en el que habita este disco es el único admisible con las reglas tan basales y libres. Parece contradictorio. No lo es.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- FaceBrooklyn – no somos iguales
alt-pop · alternative r&b · reggaetón
El magnum opus de FaceBrooklyn llegó este 2025 de la mano de ‘no somos iguales’, un álbum en que se emancipa de cualquier todo de presión externa y, por sobre todo, interna, en donde el artista viñamarino hace el trabajo acucioso de explorar la propia complejidad de su persona, aceptando la dualidad del mismo, lo que se ve reflejado de forma fidedigna en este álbum, el mejor de toda su carrera –hasta el momento–.
Esta vez la producción apostó por un cóctel de sonidos que trabajan principalmente desde el pop alternativo, expandiendo la paleta sonora de FaceBrooklyn, motivados por una euforia que se vive desde los momentos más explosivos hasta lo más introspectivos y tristes. Altos aplausos para el segmento final del disco, con canciones dueñas de una honestidad sin ningún tipo de maquillaje, envueltas en capas de sonido gentiles y futuristas. Harto truco del hip house se pueden ver también en otros cortes.
Asimismo, FaceBrooklyn igual hace gala de su dominio creativo del reggaetón, incluso de sus formas más directas y bombásticas como en «el combito» o en «sssubelo» –con Taiko–, o bien bajo modulaciones más cándidas y texturizadas como en «meteoro» –con Young Cister– o en la creativa «cruela». Excelente disco.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Gamuza – LA AMISTAD HECHA BOLERO
bolero
El bolero es amplio. Bueno, bien lo sabrá el público chileno. Expuesto durante el 2025 a toda una serie de lanzamientos que cruzan el bolero con otras expresiones. A veces incluso de otros paradigmas. Es verdad también que un escenario así puede invitar a olvidar que existen producciones de bolero puras. Y su condición de contemporáneas las obligan, como se obliga a cualquier manifestación artística, a ponerse a tono con los tiempos.
‘LA AMISTAD HECHA BOLERO’ es un disco tan ecléctico como centrado. Centrado en el bolero y ecléctico en el mismo. Una conversación entre el sonido clásico y las exigencias del mundo contemporáneo, pero sin adornar de más. Entendiendo el género como una batería de recursos autosuficiente para dar con un buen disco. Es lo que hicieron.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Douglass – EVERY NERD IS A “GOD»
conscious hip hop · boom bap · drumless
Tal vez uno de los discos más esperados por los seguidores del rap chileno. Douglass se instala como un rostro de batalla para una nueva generación que quiere impregnar su conocimiento y su manera de vivir el rap. ‘EVERY NERD IS A «GOD»‘ recoge esa idea y la lleva más lejos: letras competitivas, conscientes de su propio lugar y del esfuerzo que hay detrás de cada barra.
Las colaboraciones —con nombres como Lil Supa, Chyste Mc o T&K— no aparecen solo como adorno, sino como parte del mismo camino. Acompañan y dialogan con la visión del disco, reforzando esa idea de que los “ñoños” también pueden estar al mando de esta escena. En conjunto, el álbum funciona como una bitácora del momento que vive Douglass y como consalidación de su nombre dentro del rap hispano hablante.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Y Vicente – Dejar partir
folk pop
Dejar Partir, de Y Vicente, se presenta como un disco luminoso y cercano, sostenido por melodías alegres, coquetas y bailables donde la guitarra asume un rol protagónico. El álbum se mueve con naturalidad dentro del folk, explorando un sonido cálido y accesible que invita tanto al movimiento como a la escucha atenta. Canciones como “Oye amor” destacan por su delicadeza y sensibilidad, transmitiendo una idea de amor tratada con sutileza y ternura, sin excesos ni dramatismos.
A lo largo del disco, Y Vicente logra resignificar el duelo desde un lugar inesperadamente bello, transformando la pérdida en una experiencia sonora que abraza más que pesa.– Rocío Villalón
Escúchalo aquí
- Las Pecadoras – La cueca de los placeres
cueca
‘La cueca de los placeres’ es fruto de lo que pasa cuando existe, por partes iguales, un amor a la tradición y una furiosa afrenta al mismo. Sin temor a abrazar la propia oscuridad que atraviesa esta expresión tan, pero tan apasionada de la cueca, Las Pecadoras cultivaron y cosecharon un trabajo que conoce de renovación, elegancia, y una noción burbujeante de rebelde vida que atraviesa cada rincón del disco. Una maravilla absoluta, de las que aportan directamente a la cultura.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Jamez Manuel – Full Special
g-funk · pop rap
Se dice que lo bueno se cocina a fuego lento, y «Full Special» de Jamez Manuel es la viva imagen de esta idea. Y es que tras un proceso de producción de casi dos años, el artista nos entrega uno de sus álbumes más completos hasta la fecha, volviendo a marcar porque es el referente que es.
Contando con 17 canciones, y colaboraciones con grandes artistas como C-Funk, Sinaka, Bronko Yotte, Marlon Breeze, Ceaese y mucho más, Jamez Manuel demuestra cómo encapsular de manera increíble ritmos como el g-funk, el pop rap y, obviamente, el hip hop.
Sin duda, este álbum logra una vibra distinta y especial, esa que solo logran los trabajos que vienen con toda el alma del artista. Todo perfecto para deja una huella imborrable– Oscar Cortés Rojas
Escúchalo aquí
- Josefina Espejo y Lxs Mirrors – Madre negra
indie rock
Es notorio cuando un álbum se cocina a fuego lento, dejando macerar cada ingrediente, cada canción, hasta que alcanzan su punto más alto. Eso es lo que Josefina Espejo y Lxs Mirrors entregan en ‘Madre Negra’, doce canciones que basta escuchar una vez para vislumbrar todo el trabajo que hay detrás de los arreglos y las composiciones.
El álbum debut de la artista y su banda —precedido por un EP publicado en 2020— se enmarca como una disfrutable colección exploratoria del espectro del rock y sus matices, anclándose en el indie y el alt rock como piedras angulares de un viaje que también contiene groove, psicodelia y folk. Canciones, como “Lo que siento” y “Rapé” que funcionarían tan bien en un entorno en vivo como habitando la parrilla programática de una radio nacional. Por ahí me recuerdan un poco a Daniela Gatica y el Fruto del Ruido, otra agrupación recomendable si vibras con este estilo de rock.– Alexander Castillo
Escúchalo aquí
- Agresso – La voluntad de actuar
skate punk
El año del skate punk chileno. No contemporáneo, histórico. La tradición del ala melódica del hardcore chileno históricamente ha proliferado más lanzamientos de hardcore melódico que otra cosa, incluso pop punk. En el 2025, también conocido como El Año Del Skate Punk Chileno no solo se publicaron una cantidad inédita de discos del género, sobre todo en relación a los números de otros años (cero), sino también en el marco de una calidad más que celebrable. Y entre esos discos, Agresso hizo el mejor.
Aunque nominalmente se pueda hablar de una estructuración de álbum homóloga a la de tantos otros discos clásicos, partiendo por la necesaria referencia de la época clásica de NOFX, Agresso sube la apuesta y agrega toda una serie de elementos propios de la tradición mundial e histórica del hardcore que nutren al disco de una complejidad y energía que no se ven en la delicadeza de otras producciones. Hay salidas más viscerales, sí, como tiene que ser. Pero también hay recurrencias a las facultades más técnicas que admiten el hardcore y el New York Hardcore. Un ska por aquí. Una más corta por allá. Un disco consciente de la historia del punk y que se muestra curioso en su ambición por llegar a todas las esquinas. Un disco de punk como pocos se ven en Chile y una piedra angular obligatoria para la historia del skate punk.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Segunda mordida – MUNDO
digital hardcore · experimental hip hop
Colorido. Caótico. Complejo. Sí, complejo. Más de lo que parece. Mucho más. No es solo que Segunda Mordida haya dado con un producto de nivel mundial al cruzar el digital hardcore con el hip hop experimental. Eso se ha hecho antes. Ellos van más lejos e incorporan una combustión temática. De principios musicales. Fuerzas que chocan. Estilos que se superponen. Una revuelta. Tan enérgico como lo permite la fuerza subyacente que lo eleva a su plano etéreo, y tan etéreo como lo permite la fuerza violenta que lo entierra en su plano desenfrenado.
Aún cuando Segunda Mordida no es un proyecto ajeno ni a la irreverencia, ni a la saturación, ni a ninguna fuerza que lo localice en el diálogo de proyectos como Food House, Jane Remover o incluso 100 gecs, hay algo en el desparpajo y construcción nihilista de los paisajes sonoros que lo exime de esa escuela tan bombástica. Las escuelas estéticas están más calculadas, dejando un espacio al sombrío devenir estilístico del proyecto.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Paracaidistas – El fin de la inocencia
twee pop
Paracaidistas no solo se ha ganado su sonido propio. También su filosofía distinguible. Una banda activamente política. Punk nominalmente pop. Pop espiritualmente punk. Es curiosa -aunque no exclusiva- la dicotomía. Lo suficientemente punzantes para levantar el espíritu y lo suficientemente dulces para elevar el espíritu.
La realidad es que una canción de pop bien lograda es tal aquí y en la quebrá del ají. Paracaidistas debe saberlo. La evidencia es el cuidado que le ponen a sus composiciones. No ceden un centímetro. Y la combinación de elementos propios de otros géneros aledaños con los que la banda es recursiva también aportan un carácter etéreo que no se ve tan seguido hoy por hoy, era del twee pop más enérgico y en diálogo con el indie rock. Es un sonido platónico, y con canciones a la altura difícilmente haya mucho más que pedir.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Javier Barría – Un cariño antiguo
sophisti-pop
Contrastar este álbum con lo último que habíamos escuchado de Barría hace casi diez años es un ejercicio interesante. Donde ‘Estación Pirque’ (2016) era, desde su portada en adelante, gris, lento y hasta melancólico, ‘Un Cariño Antiguo’ posee colores y un mejor ánimo, un groove que se desprende de las influencias de los 60 y 70 que permean a lo largo de sus diez canciones —”Tesoro”, que abre el álbum, es un claro ejemplo de ello—.
Habiendo desaparecido por casi una década para dedicarse a producir a tiempo completo (ha trabajado, entre tantos artistas, con Dulce & Agraz y Nando García), este álbum es un perfecto retorno a la forma de un cantautor interesante pero quizás no tan presente hoy en día en la consciencia de la nueva escena musical chilena.
Para su suerte, con canciones tan buenas y accesibles como “Una Clase de Amor” y “Maravilla de un Solo Golpe”, no será difícil entrar en el radar de nuevos oyentes.– Alexander Castillo
Escúchalo aquí
- Hiru – La esencia
pop rap · neo-soul
Hiru no es solo rapera: viene del canto y de proyectos como Dúo Pajarito, y esa raíz se nota. Hay una sensibilidad que atraviesa todo, una calma que convive con lo urbano y lo áspero sin chocar. Su forma de decir parece venir de otro lado, más ligado a la canción que a la competencia.
Con Camilo Aliaga —desde el jazz— y Oushet en la producción, el sonido cruza rap, pop y soul de manera natural. Las bases respiran, se abren, y le dan espacio a su voz grave para moverse entre el canto y el rapeo.
Las letras, en cambio, no tienen miedo, no exageran emociones ,sino que las muestran tal cual son: hablan de afectos, memoria y heridas con intensidad, pero sin perder claridad. Es un tipo de sinceridad que no grita: golpea despacio, se queda rondando y vuelve cuando terminaste de escuchar.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- DJ Daddy Yonqui – Emoji Unicode Beta
deconstructed club
La taxonomía del deconstructed club responde a una naturaleza más bien literal. Deconstruir una expresión de la electrónica, para volver a armarla. Pero retorcida, que se vea el rompecabezas. Dicho esto, hay que precisar que no es exactamente lo que hace DJ Daddy Yonqui. De hecho, lo suyo es un par de kilómetros más complejo.
Ladrillo sobre ladrillo. Nunca montados correctamente. No para estándares convencionales. La música de Dj Daddy Yonqui es un dadaísmo sonoro que usa y abusa del silencio como su lienzo. Impredecible incluso para su propia coherencia interna. Lo único que se antepone a atisbarse es la amplia capa de espectros sonoros, ejercicios de producción y el capacidad de asombro inherente al desarrollo narrativo de la serie de piezas concadenadas. Un big bang tan caótico como la base misma de la química con la que chocan cada una de las lineas micro y macro que atraviesan las diez canciones. La electrónica al servicio de las ideas y no al revés.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Yamán Sapodrido – Sapo crudo al dente
grindcore
El grindcore admite. Otra cosa es que en la discusión musical hegemónica del metal cada vez se fuercen más las gravitaciones hacia los actos clásicos que, naturalmente, forjaron su canon en maximalismo. Pero otra cosa es con guitarra y, guitarra en mano, el grindcore admite. La música admite y esa es la realidad del arte. Quizá sería bueno que se asumiera entre la escuela contemporánea del grindcore que insiste en una musculatura un poco sin asunto. Está más que discutido que, hoy, el mejor grindcore no reside solo en su casa local. Hablan por sí solos los discos que cruzan el género con el powerviolence o el metalcore. También hablan por sí solos proyectos como Yamán Sapodrido.
Una de las voces más creativas y estruendosas del panorama mundial. No digamos escena, porque no es lo que privilegian los metaleros -chilenos-, pero si una foto atenta del metal contemporáneo. Y si bien Sapodrido ha irrumpido anteriormente con proyectos quizá más rebuscados en su vuelta de tuerca, al integrar elementos del cybergrind o similares, nunca está de más un proyecto puro. Este es, aunque no necesariamente su trabajo más “metalero”, si que es el más intenso y, dirían algunos puristas: nailed to the grind. Una serie de balazos en cadencia automática cuya única oxigenación es, precisamente, la misma energía que levanta.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Futnes – Pepe
contemporary folk · indie folk
Una cosa es enhebrar folk contemporáneo delicado. Pop y delicado. Otra es hacerlo en plena conciencia de la escuela -también contemporánea- del indie folk más meditativo y emocionalmente potente y demandante para los sentidos del escucha.
Futnes opera con una delicadeza brillante. No va necesariamente en la paleta sonora del disco ni lo edulcorada que pueda estar esta. Sino más bien en lo cuidadas que son las composiciones. Una por una. Pensadas y acabadas para evocar una atmósfera rica en emociones. Cuidadosos como ellos solos, igual no tienen problema en evocar un nivel de complejidad un poco mayor del estándar para el género. O los dos géneros.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- HOLI RARE – El asqueroso mundo de Holi Rare
neoperreo
Reggaetón, pop, neoperreo y ganas de bailar son los elementos principales que trae HOLI RARE con su debut en larga duración, ‘El asqueroso mundo de Holi Rare’, el cual reúne una infinidad de productores y artistas de la escena.
En una innovadora puesta en escena y el revival dosmilero, la “sirena pokemona” utiliza el álbum para realizar una antítesis musical. Recorriendo conceptos líricamente profundos y de desamor en canciones como “Ebria de Vanidad”, con recursos más clásicos como el tinte de jazz al final de “Glitter Freak”, y la irreverencia lírica –la cual incluso no incluye rimas– y apropiación de lo queer de “Teknolela”, HOLI RARE demuestra que este popurrí puede tener total sentido, haciéndonos adentrarnos no sólo en un universo conceptual musical, sino también en la propia mente de la artista. Tal como ella indica, éste es ‘El asqueroso mundo de Holi Rare’ y nosotros vivimos en él. – Constanza Machuca
Escúchalo aquí
- Camila Moreno – La primera luz
folk rock
‘La primera luz’ destaca como un disco que se deja descubrir de a poco y que encuentra su fuerza en lo emocional y en lo identificables que resultan sus letras. El folk rock y la fragilidad sutil que entrega Camila Moreno logran que la experiencia de escucha se sienta íntima y cercana.
Hay algo muy terrenal en este disco: se escucha mejor cuando no se espera nada de él y es capaz de sorprender por sí solo en la calma que se refleja en su voz. La tranquilidad que conduce no queda atrapada en un sonido plano, sino que se abre a la libre interpretación con naturalidad, permitiendo que cada escucha encuentre un sentido distinto según el momento personal del oyente.– Anaís Cárdenas
- Ceaese & Utopiko – Focus Daily
drumless · grimey sound · boombap
Era 2015 y KSN marcaba una cuota de distinción dentro de la escena de rap nacional. Diez años después, con una carrera larguísima y llena de hits, Ceaese vuelve a mirar hacia el rap junto a Utopiko y retoma una idea que ya había explorado: juntar fuerzas para levantar escena.
Muchos comparan aquel ‘Utopía‘ (2018) con ‘Focus Daily‘, pero más que oponerse, parecen dialogar. Ambos proyectos —producidos por Utopiko— nacen desde la misma raíz: convocar a distintos exponentes y hacer de la colaboración una herramienta para empujar el panorama.
‘Focus Daily’ está plagado de invitados: aparecen nuevos rostros como Audigier y Douglass, nombres de vieja escuela como Ley20mil y Liricistas, la línea más alternativa con Bronko Yotte, el regreso de KSN y voces del nuevo rap chileno como Hermanos Desgracia.
Si bien el disco brilla por sus ritmos y sus letras, lo que termina pesando es el gesto: un proyecto que entiende lo generacional como reunión, cruce y construcción de cultura. Ceaese pone el cuerpo ahí —otra vez— y esa intención atraviesa todo el álbum.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Émile Dubois – Cartografía de las ánimas
folk rock
Escribir de algo así como una conciencia sobre la historia del folk rock no sería muy atinado. Tampoco sería de mucho tino hacerlo en el contexto de un comentario al último disco de Émile Dubois. Justamente porque hacen algo contrario a entenderlo: integrarlo. Como si corriera por sus venas. Cartografía De Las Ánimas es un disco tanto o más árido que sus propios paisajes. Duros como ellos solos. Secos como su propio sonido. La calidez que evocan es la misma que quema al oyente. Arma de doble filo.
Cartografía De Las Ánimas hace por el rock lo que pocos pueden por su respectivo paradigma. Es un disco que revive esas conversaciones seminales sobre la definición del paradigma y, más incómodo, su propósito. Las canciones son lo suficientemente directas para autovalerse. La discusión que puede evocar el disco, también. Ambos solo crecen. Lo bueno es que tienen espacio.
Punto aparte: la portada. Intencional o no, la única alusión a la sociedad post apocalíptica que proyectaban los mismos vaticinadores del colapso de la sociedad cuando se firmaban las reglas sonoras del folk rock. Si pasó o no pasó, igual quedó la música.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Paz Court – Casa
art pop
‘Casa’ es un disco que funciona como una inmersión profunda y reflexiva en la mente de Paz Court, invitando a una escucha atenta y contemplativa. A lo largo del álbum se percibe una coherencia clara, sostenida principalmente por el trabajo de guitarras que conecta cada canción como si fueran habitaciones de un mismo espacio emocional. El recorrido sonoro se siente íntimo y honesto, con una narrativa que fluye sin sobresaltos, permitiendo que las canciones respiren y se asienten con naturalidad.
Dentro de esa unidad, destacan algunos tracks que logran diferenciarse y dejar una huella particular, como “Solo Queda El Silencio” y “Sur” , piezas que condensan con mayor fuerza la sensibilidad del disco. La voz de Paz Court, armónica y serena, es el eje que ordena todo el conjunto y transmite una sensación de calma que atraviesa cada canción. Esa cualidad vocal no solo acompaña, sino que guía la experiencia completa, convirtiendo al álbum en un refugio sonoro que invita a la pausa y a la introspección.– Rocío Villalón
Escúchalo aquí
- Las 3 Marías – Inherente
neofolk
Las 3 Marías. Una nebulosa sonora densa. Un neofolk a la altura de los tiempos y la tradición más oscura y, aunque no estricta ni exclusivamente ocultista, igualmente ocultista. El proyecto hunde sus canciones en lo que parece ser una masa auditiva que, en realidad, sencillamente no lo es tal. El fondo dialoga con la forma. Mejor dicho, el fondo dialoga con la superficie y la presentación de la obra. Es para zambullirse y no parar de bajar nunca.
Un viaje al centro de la tierra inverso. Hacia el cielo y hasta el corazón de la nube más pesada.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Martina Montaldo – Ermitar
dream pop
Nunca ha perdido atractivo el cerrar un disco de un respectivo género con la materialización de un ejercicio de estilo puro de este mismo. Hay infinitas formas de agregar infinitos apellidos a una infinidad de bases. Pero hay solo una de no hacerlo. Es la que tomó Martina Montaldo en ‘Ermitar’.
No es que la composición necesariamente disponga las bases para enhebrar un trabajo de dream pop de ensueño. Es la ejecución. La paleta sonora. El cariz. Y eso es solo la forma. El fondo, por su parte, proyecta una inquietud por las sensibilidades más cálidas del folk contemporáneo. Lo que le otorga al disco una complejidad inusitada para su carácter doméstico y cercano. Nada es lo que parece en un sueño, ni siquiera las formas.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Tus Amigos Imaginarios / Metodomate – Todos ustedes contra mí solo Split
midwest emo
Presentado como un proyecto colaborativo o split album entre Tus Amigos Imaginarios y METODOMATE; ‘TODOS USTEDES CONTRA MÍ SOLO’ posee 6 canciones, donde se reparten en 3 tracks para cada banda, compartiendo juntas lo que viene a ser una breve intro de apenas 1 minuto.
Tus Amigos Imaginarios se mueven en la constante urgencia del midwest emo y el indie rock, al filo de guitarras quebradas y punzantes, con letras que sitúan la vulnerabilidad en primer plano. “Mansión Foster” y “Anilina” son los ejemplos perfectos de esa tensión permanente y delgada entre la melodía frágil y el desgarro inmediato, una marca expresiva que termina entregándoles su identidad dentro de este proyecto.
Por otro lado, METODOMATE se la juega por la extensión y la repetición como principio creativo. Piezas como “DAROVOE” y “NAMBA GARU” se expanden en capas de guitarra y patrones insistentes que rozan territorios del post rock jugueteando constantemente con elementos progresivos. El proyecto explora, aun siendo dos bandas distintas, un sonido compartido donde el ruido y el tiempo se vuelven una materia moldeable.– Tomás Pérez
Escúchalo aquí
- Martirio – Los siete sellos
metalcore · thrash metal
‘Los siete sellos’ es un disco peligroso, como un martillazo que llega a sacar chispas en un retumbar cavernoso. Más directo y gráfico imposible, y es que los Martirio se anotaron con un trabajo que consigue extremar recursos al máximo, al punto de desdibujar los límites aparentes entre las ideas desplegadas a punta de sudor y sangre –porque vaya que este disco ostenta de un nivel de fisicalidad altísimo–. Es como subirle a la abrasividad del metalcore al máximo, sin ningún tipo de resquemor, y dejar que eso bañe los extremos más incandescentes del thrash e incluso el death. No hay duda. Tampoco aviso previo. Al primer riff ya se revienta todo, y sólo hay que dejar que su maquinaria nos pase por encima. No hay cómo frenarla.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Perrogato – MEW
twee pop · shoegaze
‘MEW’ es la definición de lo que es hacer un disco creativo, y, de alguna forma, mantener la familiaridad de cada concepto sonoro dispuesto. Perrogato logra eso, y más. Encuentran un punto intermedio y tangencial entre el twee pop y el shoegaze, llegando a un sitio que añade complejidad sonora al primero, y una paleta de colores más dinámica al segundo, lo que da por resultado una colección de canciones con un espectro emocional más íntegro; una reproducción que toma distintas alturas y proporciones, con sorpresas sintéticas incluidas.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Juan Quintero & Julián Herreros Rivera – Pulso
contemporary folk
Juan Quintero y Julián Herreros Rivera traen a la escena un lanzamiento con mucha esencia y alma del contemporary folk y la tonada chilena. Sus canciones expresan, a través de sus característicos relatos, este sabor tan característico que ha trascendido las generaciones del folk chileno, incluso a nivel latinoamericano y andino.
‘Pulso‘ es una muestra auténtica de sencillez, ya que a nivel de composición todos sus componentes están al nivel acústico, lo que conforma una ambientalización única, lo que al sumarle las intenciones vocales de los cantantes armoniza una fórmula idónea para sus géneros, formando así un lanzamiento exquisito de degustar y de disfrutar a modo ambiental.– Ricardo Parra
Escúchalo aquí
- Niqi Zhine – Los Tiernos No Lloran
pop rap
Niqi Zhine hace un exorcismo de su propia persona, en un trabajo que destruye, reconstruye, analiza y rememora sus rabias, pensamientos y sentires. Definición de introspección. Y con el desmenuzamiento del ser, todo se torna en fuente de inspiración para alguien que está en profunda conexión con el presente y el futuro del rap. Por eso es que ‘Los Tiernos No Lloran’ hace gala de un pop rap que, en su tono serio, consigue darle ciertos reveses a este subgénero, al ser algo que aprovecha sus atractivos ápices estilísticos y los convierte en un espacio que no busca descuidar la importancia de la caligrafía y la prosa por sobre todas las cosas. Aunque claro, eso no significa que no hayan momentos que inviten al jolgorio –en su justa medida–. Esto es subirle el pelo al género.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Abril – Abril
neo-soul · jazz rap
Toda otra onda cuando un disco de jazz rap tiene jazz. Digo, pasajes de jazz. Toda otra onda cuando un disco de jazz rap tiene groove. Digo, pausas para sacar músculos de groove. Toda otra onda cuando un disco de jazz rap no se propone necesariamente apuntar al maximalismo ni a la desmedida ambición de enhebrar una obra to rule them all (cita: Tolkien) sino a la aterrizada pero brillantemente ejecutada misión de expresar en los mismos términos que lo haría cualquier otro álbum de hip hop solo que en la salvedad de que todos los elementos que rodean al mc están por sobre la media. Digo, es la propuesta de Abril.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- chicarica – Invierno en la playa
indietronica – ambient house
Desde hace un buen tiempo, chicarica viene demostrando que sabe construir su propio lugar dentro de la música chilena. Aunque su historia parte en 2018 con su primer EP, fue con ‘Arde lento’ (2021) cuando el proyecto terminó de instalarse como un nombre clave. El trío santiaguino ha trabajado con paciencia, afinando un sonido que se mueve entre la indietrónica, el downtempo, el ambient house y el indie pop, siempre con esa sensación de nocturnidad contenida y movimientos que aparecen de a poco.
Con ‘Invierno en la playa’, esa búsqueda llega a un punto muy claro. Es un disco que apuesta por una construcción paciente, apoyado en beats electrónicos que miran de reojo al downtempo y al house noventero y en una paleta llena de texturas nocturnas e introspectivas. Nada entra de golpe. Los espacios se van completando de a poco, y la voz —placentera, suave, casi etérea— funciona como guía, privilegiando el viaje del conjunto antes que el impacto de una sola canción. Se podría decir que es un disco que progresa y se transforma, sin necesidad de ser “progresivo”: crece, se expande y se mueve con naturalidad, sin perder nunca su pulso emocional.
Y claro, es un disco sumamente pensado. Desde el arranque con “Cisne”, con esos pulsos letárgicos y repetitivos, pasando por momentos como “Odisea” o “Parará”, el álbum va marcando colores distintos dentro de un mismo clima. Cada canción explora el costado más ambiental del house, pero siempre con ese toque que hace que el movimiento sea lento, hipnótico y casi meditativo. Al final, ‘Invierno en la playa’ no busca sorprender con golpes bruscos: apuesta por ir construyendo su mundo con calma, hasta que te das cuenta de que ya estás completamente dentro de él.– Hernan Carrasco
Escúchalo aquí
- Pascuala Ilabaca y Fauna & SdC Big Band – El secreto de los arbustos
latin jazz · vocal jazz
Tan inmenso y abundante como su título pueda dar a ver, este álbum colaborativo entre Pascuala Ilabaca y Fauna y la SdC Big Band hace un esfuerzo por expandir la noción de lo que se puede conocer como big band, y entregarle un prisma que opte por melodías y modulaciones que vayan por otros lados. Algo que lo termina trayendo al universo sonoro latinoamericano, y que es ejecutado –a la vista– entre una primera parte con mayor espacio a la voz, relatando vivencias veraniegas, o bien, exponiendo el dolor tras las heridas de Palestina en «Todo lo que borra una bomba», y una segunda sección destinada a los movimientos de «El secreto de los arbustos», generando una performance que lleva lo frenético y la elegancia a un entorno abundante y frondoso.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Angelo Pierattini – Angelo Pierattini
folk rock · bolero
Angelo Pierattini presenta un disco que se mueve con soltura entre la nostalgia y la honestidad emocional, construyendo un bolero moderno que va directo al corazón sin caer en fórmulas obvias. Las guitarras eléctricas dialogan de manera orgánica con la percusión, generando una fusión cálida y envolvente que sostiene relatos atravesados por tópicos universales como el amor, la pérdida y la traición. Cada canción parece escrita desde un lugar íntimo, pero con la ambición de conectar transversalmente con quien escucha.
El trabajo instrumental es uno de los grandes pilares del álbum, donde las cuerdas y las castañuelas adquieren un rol protagónico y enriquecen el paisaje sonoro con matices inesperados.– Rocío Villalón
Escúchalo aquí
- Cancerbero – Sempiternal Decay
death metal
El death metal chileno tiene un sonido. Eso no es un dato azaroso, es una realidad. La prueba empírica es una tradición que empieza con el ‘Tribulated Bells‘ de Sadism y que aún no termina. Han existido bandas que han movido la aguja hacia lugares lo suficientemente lejanos como para habar de otros géneros. No solo death metal. Es una conversación aparte cuando lo que se pone en el centro es, valga la redundancia, el death metal y solo el death metal. Y puede ser que no haya ninguna banda en la historia del país que alguna vez haya trabajado una discografía del nivel de la de Cancerbero. Y aunque ‘Sempiternal Decay‘ no necesariamente mueve demasiado el sonido natural de la banda desde donde estaba, si hace un esfuerzo consciente por sintetizar. Más directo. Más podrido. Más denso.
Un death metal que se arrastra lentamente al pulso de un ‘Blessed Are The Sick‘, de Morbid Angel. Intercambiado con una brutalidad tan inusitada incluso para un proyecto chileno, de los que siempre intentan ir arriba. Claro que Cancerbero opera con una sensibilidad artística especial que lo hace todo, franca y sencillamente, más interesante.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- PABLO VENENO & Noveroyy – MONTAÑA SAGRADA
drumless
Uno de los discos que pasó desapercibido este año —pero que marca una pauta— es Montaña Sagrada. Dentro de esta nueva ola del drumless hecho en SP-404, el proyecto se siente como un paso solemne y casi ritual hacia un punto de convergencia mística.
Noveroyy, productor y rapero de Hermanos Desgracia, junto a Pablo Veneno, logran algo particular: violencia y calma conviven. Los versos son directos, casi filosos, pero los cantos, las pausas y el aire entre las bases abren un espacio introspectivo, casi espiritual. Y ahí aparecen esos schopeos extraños, cortes raros, desacomodados, que —en lugar de incomodar— terminan confortando, como si la imperfección misma fuera parte del rito.
Es un disco austero, denso y cargado de sentido: no busca ruido ni brillo fácil, sino atmósfera y conexión. De esos que invitan a escucharlo con atención y dejarse arrastrar.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Javiera Mena – Inmersión
alt-pop · dance-pop
Nuestra reina nacional del pop independiente está de vuelta y con la misma fuerza de siempre. El adjetivo de “íntimo” se ha utilizado incansablemente para vender a ‘Inmersión’ —el sexto álbum de su discografía— como si la intimidad no hubiese sido anteriormente el núcleo de sus trabajos más aclamados como ‘Esquemas Juveniles’, cuyo aniversario número veinte está a la vuelta de la esquina.
Aun cuando los sencillos son una buena puerta de entrada a este nuevo universo, conformado en armonía por cuerdas, vientos, guitarras y, claro está, los destellos de electropop que impulsaron a Mena como uno de los pesos pesados de la música chilena, es en los cortes más profundos donde realmente se encuentra el corazón del álbum.
Una Javiera que explora los matices más calmos de su corpus musical, abordando la balada en la inicial “Palacio de Hielo”, la tiernamente cotidiana “Absurda” y el single “Mar de Coral” junto a Santiago Motorizado, pero nunca olvidándose de la pista de baile como queda comprobado en los compases de “Reina de la Selva”, “Entropía” y, mi favorita personal, “Esta Ciudad”.– Alexander Castillo
Escúchalo AQUÍ
- Catalina y Las Bordonas de Oro – De encuentros y ausencias
cueca · tonada
‘De encuentros y ausencias’ es capaz de tocar la fibra más sensible de la memoria, avivando el cancionero nacional e internacional a través del folclore latinoamericano. El disco se sostiene en la raíz popular, destacando la cueca y la tonada, que envuelven de manera armoniosa una propuesta marcada por la experiencia y la tradición viva.
Lejano a mantenerse anclado en el pasado, el disco se equilibra con el presente, conservando el cuidado y la sensibilidad tanto en las letras como en lo instrumental, reafirmando el folclor como un espacio en constante transformación. Las colaboraciones refuerzan el carácter detallista del proyecto, dejando en evidencia el trabajo conjunto y la dedicación detrás de un disco que representa la herencia popular como lugar de encuentro y continuidad cultural.– Anaís Cárdenas
- Diego Lorenzini – ¿Y?
folk pop
‘¿Y?’ es un álbum de fogata, en el sentido de que se trata de un proyecto atravesado por sus colaboraciones. Con las líricas juguetonas y satíricas propias de Lorenzini, y sumando –en esa misma clave lúdica y por reconocer algunas– a Princesa Alba, Chini.png y Rosario Alfonso en canciones como “Lo Siento”, “Musculosas y ricas” y “Es Broma, En Serio” respectivamente. Pero también en ejercicios más perspicaces a Simón Campusano, el mexicano Jósean Log e incluso a su pareja Maite Pizarro Granada en “Estoy Loco y no es por Ti”, “Cadáver Exquisito” y “Eso es todo amigos”.
Esta creatividad curiosa permea los diálogos folk-pop con experimentos indie, que se desenvuelven como conversaciones amistosas, entrelazando un pequeño espacio comunal de compañías artísticas. Aunque peca de ahogarse en su duración –más de una hora de suaves melodías–, sus 18 canciones resplandecen por su carácter genuino e intuitivo, que permite florecer también los pequeños detalles personales e íntimos de Diego Lorenzini, aún entre la multitud contenida.– Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- nata! – Lautaro
electropop · baroque pop
“Los seres humanos nos enamoramos con la excusa de no quedarnos solos ante la muerte (…) y por eso elijo acompañarte, por todas las veces que tendremos que enfrentarla una y otra vez”. Así comienza el debut larga duración de nata! con “PRELUDIO (INTRO CAMBIOS)”, definiendo perfectamente el resto de piezas que lo continúan. Lautaro mezcla poesía, baroque pop, bossa nova, electropop, boleros y mucho más, en una bella y minuciosa composición que genera un progresivo y moderno concepto.
Con canciones suaves y que transicionan perfectamente una con la otra como piezas de un rompecabezas, nata! evalúa la vulnerabilidad interna, el amor, el duelo, frustraciones y angustia, en una reflexiva obra que, incluso con sus dolorosas letras, te hace sonreír por la bella armonía que genera. Tal como el mensaje que nata! intenta dejar y la propia vida; vulnerable, incierta, pero dulce a la vez.– Constanza Machuca
Escúchalo aquí
- White MJ – HASTA PRONTO, HASTA NUNCA.
neo-soul · pop rap
Creo firmemente que con “Hasta Pronto, Hasta Nunca”, White MJ dio un paso más allá de solo aparecer como uno de los mejores trabajos del 2025, sino que marcó un antes y un después en su carrera. Una que ahora se siente más clara en sus intenciones, decidida a explorar un camino muy emocionante y con un concepto diferente en nuestro país.
Y es que además, en ese sonido fresco encontramos influencias del neo-soul, el pop rap y el r&b alternativo, entregando pasajes que en momentos son muy melódicos y melancólicos, pero que también logran explotar con gran fuerza sin perder ese equilibrio tan único que podemos encontrar en este proyecto.
Con 12 canciones y una duración total de 38 minutos, White MJ deja claro que no quiere complacer, sino que afirmar una visión artística clara, apostando por la emoción, el riesgo y la coherencia como ejes centrales. Sin duda, un aviso de que todo está recién comenzando.– Oscar Cortés Rojas
Escuchalo aquí
- La Chica de las Camelias / Retratos de heroína / Sunkel / Los Puentes del Maule – Biomecánica del crecer
screamo · melodic metalcore · sasscore
‘Biomecánica Del Crecer‘ es la foto de una forma determinada de hacer las cosas en el punk nacional actual. Y como cualquier foto, el encuadre no es hegemónico. Este split es antes un plano americano que uno general. No es un mapa del punk chileno como si una muestra de algunas de las expresiones más creativas del paradigma y la cacareada escuela emo. Tanto que se discute como concepto, y casi nunca con el dedo sobre los proyectos indicados, como este.
La Chica de las Camelias, Retratos de Heroína, Sunkel y Los Puentes del Maule forjan un mapa de géneros que no es necesariamente demasiado expansivo, aunque si lo suficientemente ecléctico como para presentar una cara más que digna de la amplitud de facultades que admiten expresiones como el screamo o el sasscore. Punto aparte para Retratos de Heroína.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Espermaticidio – Kalkutun
doom metal
‘Kalkutun’ es una muestra muy bien confeccionada de lo que se define por doom metal, con cada uno de sus valores llevados a la vida a este culto a la magia negra, con respeto a la tradición del género, pero también desenvolviéndose con cierta libertad interpretativa alrededor de este. Justamente porque los Esparmaticidio lo entienden al revés y al derecho, logrando un sonido cavernoso, comprimido y colosal en el que cada riff llena cualquier recoveco, ante la marcha de una sección rítmica impasible, espacio en el que la voz cumple como un punto de conexión entre lo que conocemos y lo que no. Una obra de alta factura que refleja que el doom gozó de buena salud en 2025.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- quediostesalve – Delaluz
art pop
quediostesalve se anota con un trabajo sumamente ambicioso, teniendo como premisa el retratar hasta el más mínimo detalle de forma pulcra de la complejidad que rodea y atraviesa este álbum, ‘Delaluz’. Una obra que ocupa el art pop más como una filosofía, pues las directrices sonoras son ejecutadas a través de bases más bien ligadas al electropop, e incluso dosificaciones de glitch pop, siempre expandiendo la extensión de la definición de cada cual a través de su propia personalidad. De ahí el enfoque cinematográfico que toma este trabajo, lleno de plot twists, que bien conoce de luces y penumbras –quizás más de estas últimas–.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Quivik – Manantial
alternative rock · progressive rock
Una obra prodigiosa en toda su ley. Quivik da en el clavo, a través de conceptualizaciones y modulaciones melódicas, sobre como unir dos mundos que suelen rehuirse, como son las aristas alternativas y progresivas del rock. Es impresionante porque, por una parte, podrían haber recurrido al modelo japonés del math rock/math pop que, a simple vista, puede tener similitudes. No obstante, lo que sucede a nivel estructural es más bien distinto, más allá de las influencias, en tanto lo alt y lo prog no muta, se homogeneiza, lo que es algo sumamente difícil de conseguir.
En ese sentido, está la soltura del alternativo, y las pretensiones y los empujes del prog, lo que, de forma gráfica, hace de este ‘Manantial’ un disco llenísimo de grandes momentos comandados por la luminosidad transversal que reside en este disco. Algo que se siente grande. Monumental, pero el peso pone la balanza en la cercanía y vulnerabilidad de sus composiciones. Un trabajo bastante único.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Hammuravi – El ocaso de la bestia
shoegaze · garage rock
Nati Lane. Artífice de una tradición literaria tan propia que excede lo literario. O al menos el papel. Es un hecho que el universo narrativo de Hammuravi es tan rico y vasto que admite la anhelada multiplataforma. En este caso, artística. También es un hecho que la energía con la que opera el hablante lírico que protagoniza los discos de Hammuravi excede cualquier concesión chilena contemporánea de los discos de rock. O los discos de punk nominalmente categorizables como rock. Como este.
‘El Ocaso De La Bestia’ es una obra tan dura y enérgica como la bestia misma. Nada de ocaso. Ni siquiera crepúsculo. Dotada de un ejercicio de shoegaze inédito para el estándar tan cuidadoso con el que se ejecuta el género hoy, la última placa de Hammuravi logra reventar no desde lugares inesperados, sino más bien desde su propia base. La cual es bastante previsible. ‘Del Crepúsculo Al Amanecer’ firmaron Tarantino y Rodríguez. Sí, este ocaso va desde el crepúsculo hasta el amanecer.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Easykid – I’m Part
reggaetón · rage · pop rap
‘I’m Part’ es un disco hermano de la vibe de ‘epistolares‘ (2024), Akriila abrió una ola de sonidos que podríamos definir como post-rap o post-reggaeton con tintes de pop no en vano aparecen nombres como Heartgaze o Dysbit pero tambien productores del mainstream como Taiko.
Poco discos se encuentran tan bien con los experimental y lo mainstream (por ende no es lo suficientemente raro pero si causa cierta extrañeza y sorpresa tras sus tracks). ‘I’m Part‘ es mucho más que el viral de «Shiny«, es un disco que logra ser para todos y colocar sonidos alternativos en la palestra e imaginario colectivo.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Niños del Cerro – Alma Tadema
dream pop · psychedelic pop
Dream pop de guitarras, hecho y derecho. En ‘Alma Tadema’, la agrupación vuelve con su cuarto álbum para demostrar una evolución más madura y sensible. Con dulzura, Niños del Cerro entona una propuesta mucho más contemplativa, ya distanciada de la urgencia y los retocados de angustia emocional del ‘Suave Pendiente’.
Las melodías folk y la serenidad de una psicodelia descansada, comulgadas con claridades pop modestas, permiten que canciones como “Cada cosa en su lugar” bordeen lo etéreo. En la introspección adulta hay una poesía de la nostalgia, “Aluvión” y “Narciso Negro” siendo ejercicios no sólo de esta melancolía satinada, sino de un ensueño reflexivo que recuerda el lugar integral de la banda dentro de la escena nacional.– Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- Sabales – Dar y mirar
indie folk
Dar y mirar es un álbum cálido, como recostarse en una habitación una tarde de verano, o como leer en tranquilidad observando la vida pasar, todo acompañado de la voz dulce y tersa de Sabales. La producción se encarga de balancear una ambigüedad entre lo acústico y apariciones esporádicas de texturas sobrepuestas, trompetas, y ritmos más inquietos. Baladas sad-pop precisas.
Con melodías ligeras y cuerdas con sensibilidades pop, Sabales establece una propuesta simple, pero efectiva, en la intersección entre folk e indie. Este debut –dentro de su encanto inocente– lo que hace es confirmar que a veces menos es más, y en los susurros de la intimidad se encuentran los destellos musicales más precisos.– Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- Safo – Cada vez que estás acá
dream pop
La conclusión de un ciclo que comenzó en 2021 con el lanzamiento de ‘Sin Señal’. El álbum debut de Safo se siente, en el mejor de los sentidos, como una reinvención de los ritmos y sonidos con los que en un principio se dio a conocer en el circuito del indie nacional. Son nueve canciones sin desperdicio alguno, ricas en matices oscuros y capas de atmósferas que revisten lo que es un corazón pop totalmente consciente de su habilidad para componer ganchos que se quedan en tu cabeza desde la primera escucha.
Es una pena que ya no existan espacios como MTV en la consciencia colectiva, porque canciones como “Monocromía” y “Cartas sin responder” son de esos diamantes que merecen toda la rotación mediática posible, con los vídeos más cortavenas.
No solo es una gran colección de temas pop, muy refrescante en un panorama indie dominado por el grito rabioso y masculino; ‘Cada vez que estás acá’ es música para quienes tenemos alma de emo y que felizmente hubiéramos sido pokemones de haber nacido un par de años antes.– Alexander Castillo
Escúchalo aquí
- SINAKA – EL NUEVO SONIDO
reggaetón
En una época donde el reggaetón chileno y los sonidos urbanos parecieran no variar en la escena mainstream, SINAKA viene a colocar una máquina del tiempo con ‘EL NUEVO SONIDO’. Lo del oriundo de la quinta región no es para nada suerte, ya que, desde hace un par de años el artista ha tomado notoriamente la decisión de acercarse a esos sonidos del reggaetón dosmilero y de principio de la década de los ´10.
Y es que la fórmula de SINAKA al momento de desarrollar este álbum, no es un simple copypaste como podrían pensar algunos. Desde líricas que no caen en el maleanteo y optan directamente por el perreo, hasta ese toque chilensis de ingenio al momento de cantar. El proyecto es consciente de sí mismo y no intenta ser más ni aparentar algo más complejo que el entretener. ‘EL NUEVO SONIDO’ tiene claro que no viene a imponer “un nuevo sonido” ni una nueva corriente, pero SINAKA adecúa el reggaetón a los tiempos de hoy, mejora lo que puede mejorar y trae de vuelta un sonido que todo simpatizante o fanatico del reggaetón extrañaba.– Tomás Pérez
Escúchalo aquí
- Narrativa – ¡EL RUSIO!
pop rap · experimental hip hop
Gente, el futuro del rap en Chile está en muy buenas manos si un artista como Narrativa está en nuestras filas. Producción a producción que ha sacado eso es palpable, pero acá en ‘¡EL RUSIO!’ se percibe una urgencia al respecto. Las influencias puede que, quizás, se pueden trazar hacia cosas como el ‘Yeezus’, Death Grips, JPEGMAFIA o clipping., también algo de Jane Remover aquí y por allá, pero Narrativa es un creador que está bien clarito de su visión y no viene a hacer copias.
El pop rap desplegado ya es adictivo de por sí, suficiente incluso para ser algo de suma consideración en un recuento como este. Sin embargo, la maravilla ocurre cuando el artista hace que colisionen este mundo experimental con el popero, con hartas acepciones y trucos de producción venideros de la electrónica, varios guiños al industrial hip hop, salidas rockeras, También harto trucazo del electropop y en general un mundo edulcorado como abrasivo de cada idea vertida en este trabajo. Uno rebosante de creatividad, y sumamente inspirador.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- DINDI JANE – Debut & despedida
folk pop · alt-pop
En un híbrido perfecto no solo de géneros musicales de distintos paradigmas. Sino también de energías y búsquedas autóctonas de cada movimiento, DINDI JANE logra condensar sus múltiples energías tan bellas en una obra cálida, juguetona y meditativa. No desde lo pasivo, sino desde la capacidad activa de mirarse hacia adentro y exteriorizar la belleza de las resoluciones a las que el hablante lírico logra llegar.
Lo nuevo de DINDI JANE habla en nombre de una persecución por un esquema de figuras literarias inédito para el devenir del pop contemporáneo. Una búsqueda por las rimas propias de una escuela de la poesía extinta en la música pop. Muy por el contrario a la escena del folk pop contemporáneo en Chile, pero nunca integrado con la lucidez dialéctica de DINDI JANE.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Mapocho Orquesta – Ilusiones ópticas
neo-soul · jazz funk
Una cosa es hacer un disco formalmente elevado en un paradigma popular. Otra es elevar aquellas metas que ya son elevadas, pero con la dificultad académica que supone un paradigma de por sí elevado. Y otra cosa aún más compleja es dar con todo lo anterior y, por si fuera poco, darse una vuelta adicional para volver a teñir el proyecto de un cariz cálido y cercano. Bueno, es lo que hizo Mapocho Orquesta. No es la primera vez que lo hacen y ojalá no sea la última. Unos Carlos Droguett de la música contemporánea. Técnica y estilo.
Ilusiones Ópticas presenta aspectos que en general no se ven en la música chilena popular. Partiendo por la duración. Una hora cuarenta. Después las búsquedas. Esas salidas para explorar el jazz no son meramente estilísticas. Hay una genuina búsqueda por los rincones más profundos hasta dónde puede llegar no solo el jazz como expresión determinada por sus propios códigos estilísticos, sino también la música como lenguaje. Recuerda a Fulano. En un año que a propósito de otro disco de rock se habló tanto de Fulano. Nunca tan representativo como este. Prueba de ello es, paradójicamente, las bandas que tomaron la batuta con las bases y convicciones de Fulano. Lo hizo Mediabanda, quizá de manera más literal. Lo hizo Mapocho Orquesta, ciertamente de manera más espiritual. – Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Joaquín Fuentes – Quinta temporada
jazz fusion
‘Quinta Temporada‘ representa un punto de inflexión en la obra de Joaquín Fuentes. En este disco, el pianista y compositor desarrolla un proceso introspectivo que se traduce en un lenguaje musical intenso, libre y profundamente personal. El resultado es un trabajo que privilegia la emoción, la energía y la construcción sonora por sobre cualquier fórmula preestablecida.
Grabado en formato trío, el álbum se sostiene en una interacción sólida entre piano, bajo y batería, donde cada instrumento cumple un rol esencial dentro del discurso colectivo. Las composiciones transitan entre pasajes de gran delicadeza y momentos de alta tensión, construyendo un relato dinámico y cambiante entre los recursos. El uso del espacio, el silencio y las variaciones rítmicas aportan profundidad y carácter a la propuesta del álbum.
Lejos de un jazz académico o convencional, ‘Quinta Temporada‘ se afirma como un ejercicio de libertad creativa. Es un disco que invita a una escucha atenta y comprometida, recompensando al oyente con una identidad propia y una fuerte carga expresiva. Joaquín Fuentes consolida aquí una voz madura dentro de la escena jazz contemporánea.– María Paz Carrasco
Escúchalo aquí
- Jambo Huracanboy – Las cartas de Jambito
southern hip hop · trap · pop rap
Desde Lebu al mundo. Quién pensaría que dentro de los 25.000 habitantes de una comuna del Biobío surgiría una de las mentes más ingeniosas del nuevo rap chileno. Jambo cuida cada palabra y la forma en que la dispara: construye imágenes rápidas, claras, llenas de referencias que cualquier chileno reconoce. “Solo contra el mundo como el Profe Artes” o “En medio de una fiesta como Dënver” muestran cómo convierte cultura y memoria en barras que se te quedan dando vueltas.
Y tal como su portada —con estética de cómic, colores vibrantes y una energía casi explosiva— el disco también narra desde la exageración y el juego visual. Todo parece moverse, como si cada canción fuera una viñeta distinta que continúa la historia.
Pero ‘Las Cartas de Jambito‘ no vive solo del ingenio. El álbum te empapa de emociones: diversión, romance, rabia, duda y existencialismo conviven sin pelearse. Jambo construye un personaje y, al mismo tiempo, se mira a sí mismo, dejando su faceta más completa hasta ahora.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Chamuco – Pactos Vol. 2
drumless · boom bap · grimey sound
Los discos de productores, dentro del rap, suelen funcionar como puentes: unen escenas que muchas veces están fragmentadas. Pasó con Frainstrumentos, Utopiko & Metáfora, Cidtronyck, Maldito Fen, Dj Dacel o Dj Pérez. En esa misma línea, ‘Pactos Vol. 2′ de Chamuco aparece como la fotografía más precisa de la nueva escena gestada en esta década, vinculada al drumless y al grimey.
Aquí se cruzan mundos muy distintos: Ceaese con el peso de su historia; Douglass, Discan y NCS Aravena llevando el sello Cash Rules; Goldyne abriendo el r&b; $lum, Zitolova y Marcokein desde lo más callejero; Tane recordando la primera ola del trap. También Vegga, Nalen y Teiro con flows raros y personales; Corredores desde la 4ta Región y Arabian Kids FC como columna vertebral del sonido grimey y el drumless.
Así, ‘Pactos Vol. 2‘ arma un mapa real de lo que hoy está creciendo —una escena que muchas veces queda fuera del foco— y consolida a Chamuco como uno de los productores más interesantes de esta generación.– Nicolás Silva
Escúchalo aquí
- Rosario Alfonso – Cómo enamorarse con el corazón partío
folk pop
La cantautora chilena lanzó su álbum más ambicioso este 2025, uno que le hace muchos favores a Chile en materia de folk pop, en tanto Rosario Alfonso –junto a su fiel cuatro venezolano–, si que configura un universo sonoro sumamente variado, en el que la tradición, la nueva canción chilena, el bolero y otros se mantienen sumamente presentes en este disco, ‘Cómo enamorarse con el corazón partío’. Se tratan de composiciones llenas de dulzura y gentileza, sin bajar el pelo a la intensidad emocional que caracteriza a la artista, batiéndose entre el amor, la coquetería, la confusión, y un dolor con ciertos resabios de resiliencia.
Hay una soltura en la capacidad compositiva de la cantautora, desplazándose fácilmente por distintas formas de llevar a cabo sus canciones, con lisa y llanamente nada más que buen gusto. Hay arreglos por doquier cortesía de amistades y colaboradores, y una riqueza tal que también da espacio a una noción narrativa mas bien cinemática, con espacio a la memoria y el subconsciente que habitan en estos skits-canciones cortas que se manda la artista.
Uno de esos trabajos que se posicionan como referencias absolutas en el género.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Kexelür – Epigrama de un pasado perdido
avant-garde metal · dissonant black metal
Black metal como tiene que ser. Abrasivo. Retorcido. Oscuro. Una cuota de la propuesta de Kexelür apunta precisamente a eso. A ser black metal y nada más. Existe una genuina búsqueda por las estructuras más impredecibles y desafiantes para el escucha. Lo cual no necesariamente tiene que ver con la condición de disonante black metal entre sus atributos principales. Sino más bien con la ambición de hacer caber múltiples escuelas de black metal en un mismo diálogo. Y a eso sumarle las salidas disonantes.
Hay algo en la estética de Kexelür que puede sugerir música más retorcida de lo que realmente es, pero el ejercicio de búsquedas en el impacto es real. Y este se define por la estructuración de las canciones. El mismo que permite entrever que el impresionismo de la banda no es formal, sino de fondo. Aunque esto no exime a la paleta sonora del disco de ser todo un atractivo en sí mismo. Empantanada como el black metal más viscoso, tan solo es la fachada de uno de los discos de metal más ágiles -en relación a su sonido- que ha dejado el metal nacional la última década.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
- Gatajazz – Oleaje
baroque pop · sophisti-pop
El querer mantenerse en una sola línea suele ser complicado en algunas situaciones; esto se explica por los distintos factores en que se nos presentan las cosas a lo largo del tiempo. ‘Oleaje’ se construye desde ese vaivén interno, reflejado en cómo nos percibimos cuando entramos en la autocrítica y la observación constante de uno mismo.
El disco, a través del baroque pop y elementos del jazz, refleja de manera muy honesta esa desesperación interna y, a su vez, interpreta con la misma claridad los momentos de calma que aparecen entre el ruido. Gata Jazz traduce estos estados de cambio emocional en un lenguaje sonoro libre, donde las composiciones avanzan sin una estructura cerrada.
A pesar de su corta duración, “Oleaje” destaca por sí solo, con un recorrido coherente y una identidad clara, reafirmando la música como compañía en procesos internos que no necesitan apresurarse.– Anaís Cárdenas
- Nicolicio – El embalse
indie rock · progressive rock
‘El Embalse‘ es un disco que se construye desde la tensión emocional y la transforma en una experiencia cohesionada y profunda. A lo largo de sus nueve canciones, Nicolicio desarrolla un relato continuo donde la introspección, la ansiedad y la melancolía funcionan como motores creativos más que como obstáculos. El álbum se mueve con soltura entre momentos de indie rock directo y otros más densos, guiados por arreglos orquestales que amplifican el dramatismo sin perder la cercanía.
Cada canción dialoga con la siguiente, reforzando la idea de un viaje con inicio, desarrollo y cierre, pensado para escucharse de forma completa. La voz, frágil pero decidida, actúa como hilo conductor de una historia honesta que no busca respuestas inmediatas, sino exponer vivencias internas. ‘El embalse‘ no es un disco de consuelo fácil, sino una obra que convierte la fragilidad emocional en un lenguaje propio y que conecta con una sensibilidad generacional marcada por el cansancio, la reflexión y la necesidad de liberar lo contenido.– María Paz Carrasco
Escúchalo aquí
- Chini.png – ★ Vía lo Orozco ★
psychedelic folk · shoegaze
Un diario de vida sonoro, en ‘Vía lo Orozco’, María José “Chini” Ayarza se vuelve hacia el pasado por medio de un viaje a la memoria y la niñez, atravesando el paisaje físico y emocional que une la carretera con el recuerdo. Esta travesía propone un tránsito entre la infancia y la adultez, con paradas troncales en samples de la nostalgia y texturas atmosféricas del psychedelic folk.
Desde las reflexiones pandémicas y suplicantes en “Manflorita”, pasando por el juego ingenuo de “Tímida” y las armonías corales en “Oro”, hasta las murallas instrumentales de “Lava” y “Ciencia”, la propuesta de Vía Lo Orozco es tanto versátil como íntima en retratar la experiencia de crecer, madurar y existir en aquel pequeño universo transitorio entre Quilpué y Lo Orozco.
Con una producción menos ecléctica y densa que El Día Libre de Pollux, este álbum aborda el folk rock al más puro estilo Chini.png: líricas inquietas, paisajes de ensueño, una propuesta estética consolidada, y guitarras acústicas y eléctricas superpuestas. Todo acompañado por memorias familiares, experiencias formativas, descubrimiento y una lucidez sobre nuestra modernidad que recuerda la capacidad de la artista de abordar lo real por medio del ejercicio musical más lúdico y sincero.– Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- KUINA – BUENOS VALORES MALOS MODALES
alt-pop · pop rap
Con ‘BUENOS VALORES MALOS MODALES’, KUINA termina por consolidar una escuela en Chile en la que el pop alternativo abraza el maximalismo. Hablamos de un disco sumamente introspectivo que viene a dejar –un poco– de lado el característico humor satírico de la lautarina, y hace un vistazo profundo en su persona, exorcizando sus demonios, sacándose el corazón con memorias crudas situadas en espacios muy específicos de tiempo, con un estilo lírico que no busca la ambigüedad ni la metáfora, sino la transparencia absoluta.
Dicho eso, el resto de maravillas llegan de la mano de la producción e instrumentación, con Ovyze jugando un rol central allí como productor del disco, en el que, como ya se dijo, se apunta a un maximalismo en el pop alternativo. Pero ojo, uno que responde a las sensibilidades propias de cada canción, así como de la narrativa y arco argumental que sigue el disco. De ahí que podemos tener un pop rap bombástico en «TONINI» y «LIMPIATE ADIKTA», un pop alternativo con varios trucos de producción desde el lado eufórico –«INFIEL»– o desde el lado más emocional y personal –«kompitiendo konmigo»–. Incluso el hip house puede tomar lugar en varias ocasiones, como con la canción llena de éxtasis «domingo 7». Si hasta hay espacio para un crudo drumless en «KONEJO TALK».
Hay mucho pasando. KUINA siempre ha sido amiga de la diversidad musical, muy ad-hoc con su generación, y es con dicha naturalidad que un trabajo como este funciona. Uno que no le tiene miedo a los excesos, destacando inevitablemente en el ecosistema de pulcritud que, históricamente, demanda el pop como paradigma. Notable.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Todos Mis Amigos Están Tristes – Carne
noise pop · midwest emo
Cuando no, el sur de Chile sigue marcando el pulso de la música independiente. Esta vez son los temuquenses Todos Mis Amigos Están Tristes, que debutan con ‘Carne’ y lo hacen a lo grande. Es un disco visceral, nostálgico y directo, que mira a los noventa sin quedarse pegado ahí y que se siente sorprendentemente actual. Por cómo equilibra emoción, ruido y canciones bien construidas, fácilmente se instala como uno de los mejores discos del año dentro de este sonido.
Y aunque tanto el midwest emo como el noise pop nacen en los noventa, ‘Carne’ no suena como un disco “de rock alternativo” en sentido estricto. Su centro está en el noise pop: guitarras ruidosas, sí, pero siempre al servicio de melodías claras y coros que se quedan dando vueltas. De vez en cuando aparecen riffs más cercanos al alt-rock – con ecos de ‘Siamese Dream’ de Smashing Pumpkins, Failure o incluso el pulso shoegaze de Swervedriver-, pero funcionan como acentos más que como regla. Lo que termina de actualizar el conjunto es el lenguaje emocional del emo, mucho más contemporáneo en la forma de decir y sentir. Así, el álbum dialoga con los noventa sin quedarse anclado ahí y consigue sonar completamente presente.
Lo que termina de pegar en ‘Carne’ es lo emocional. La voz llega raspada, como si estuviera a punto de quebrarse, y transmite muy bien ese sentimiento joven, intenso, medio caótico. Pero el disco no se va al desorden total. Incluso cuando sube el ruido, siempre hay una melodía clara sosteniendo todo. Es catártico, sí, pero sigue siendo súper “oreja”, y eso lo hace todavía más cercano, como un disco que se abre en lo íntimo sin perder el gancho, y que confirma que Todos Mis Amigos Están Tristes encontraron un lenguaje propio desde su primer lanzamiento. – Hernan Carrasco
Escúchalo aquí
- Hesse Kassel – La Brea
post-rock · jazz rock
Hesse Kassel se instala en la palestra musical de la escena chilena como uno de los debuts más importantes y esperados del año. En ‘La Brea’, el concepto es claro, y es que la agrupación toma todo el espacio de creación para formar un disco denso de 80 minutos que recorre el post-rock más ávido y lo fusiona con las florituras del jazz-rock. En un compendio en donde las canciones van construyendo crescendos inolvidables, giros inesperados, cambios de ritmo constantes y un sentido abrasivo propio del noise rock que complejiza aún más su espacio sonoro.
Se podría hacer el caso de que Hesse Kassel busca referencias de la experimentación de Swans, en sintonía con los pasajes más luminosos de GYBE!, pero con la ironía atravesada de Black Country, New Road. En cada caso, no es una mezcla que reniegue de lo “chileno”, ya que la voz de Renatto Olivares en canciones como “Postparto”, “Moussa” o “Vida en Terranova” interfiere con esa poesía más puramente chilena, incisiva y un tanto cínica que rememora lejanamente a esos pasajes hablados de Electrodomésticos.
El concepto del álbum orbita en torno a las asperezas de la vida social, tales como autorreferencias, fragmentos inconexos y metáforas que retratan una sociedad cada vez más aislada. Ese lirismo quebrado, que parece desarmarse y recomponerse, revela gran parte de la gracia del proyecto. Hesse Kassel no busca un sonido pensado para agradar a las masas; sin embargo, logra conectar con intensidad. Algo de eso se percibe en cada tocata, donde los crescendos y la catarsis encuentran eco en un público que ya los siente como propios.– Hernan Carrasco
Escúchalo aquí
- Camila Meza – Portal
jazz pop
El sexto álbum de Camila Meza explora una vastedad de paisajes brillantes, desde el jazz aterrizado hasta ritmos profundos, que por medio de la expresión emocional construyen un baile transformativo y gentil. Portal es, valga la redundancia, un portal y pasaje a un mundo de luces ambiciosas, que se posan con suavidad sobre las vivencias de la artista –su experiencia, el recuerdo, el amor.
La vitalidad rítmica no se queda atrás cuando se trata de establecer una dinámica expansiva y luminosa en su poesía. El andar errante de las instrumentaciones dialoga con la voz cálida de Meza, reflejando una producción que resalta melodías en piano y arpa, junto con una percusión apaciguada que termina de agrandar el espacio sonoro de ‘Portal’.– Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- Cóclea / Canut de Bon – No esperan por nadie
headcore · screamo
Los split están más vivos que nunca y una muestra de aquello es ‘No esperan por nadie’, un registro concebido a principios de 2025 por Cóclea y Canut de Bon. Si bien sólo uno de estos proyectos continúa, la sola existencia de este disco da para celebrar, en parte por lo logrado pero también por reflejar la creativa actividad subterránea que existe desde muchos años ya.
Una primera parte marcada por una crudeza y distorsión propia de la intersección entre noise y post-hardcore, revienta el volumen y dinamita las estructuras, cosechando un caótico catastro de canciones que evidencian la importancia de Cóclea. Tal punto alto queda al descubierto en piezas como “Pol Pot”, “Zugzwang” o “Serafín y Nífares”.
Para la cara B aparece Canut de Bon, encarnando el costado más desgarrador del screamo, a partir de dinámicas rabiosas que van de la mano con una constante pasión. He aquí 4 temas que no se quedan atrás, como es el caso de “De Apolo para Joaquín” o “Tango”. Complemento perfecto para una obra que desde su aparición género bastante ruido en la escena.– Felipe León
Escúchalo aquí
- Mawiza – ÜL
groove metal
Mawiza lo hizo otra vez. Y esta vez llevaron su compromiso con la cultura mapuche más allá de lo que hicieron en 2019 con ‘Kollong’, escribiendo ‘ÜL’ por completo en mapuzungun. Aunque no es lo único en dónde se puede ver la presencia de la música mapuche. Sí, en papel este nuevo lanzamiento del grupo se trata de una obra de groove metal, pues el ritmo es la fuerza motriz de este trabajo. No obstante, sería total y completamente insuficiente tildarlo –al menos únicamente– de esa forma.
Cuando decimos que Mawiza llevó la influencia de los ritmos mapuches a otro nivel, hablamos de una interiorización sumamente detallista y concienzuda, al punto de que esas rítmicas y cambios de tempo suenan con una naturalidad tal que baña todo a su paso, batería, guitarras y bajo incluidos. Entonces, esto tan situado en las propias bases de las definiciones taxonómicas que, y lo decimos con certeza, que Mawiza está jugando bajo sus propias reglas. Algo que importa no sólo acá en Chile, sino en el mundo. No hay muchos trabajos como ‘ÜL’ en el competitivo y masivo mundo del metal, quizás de lleno no los hay.
Dicho eso, esta configuración rítmica, radicada en el porcentaje mayoritario del disco en los ritmos del folclore mapuche, tiene sus salidas que beben de elementos de otros sectores del metal, los que son conjugados de formas sumamente inteligentes, potenciando las aristas melódicas de este discazo, como es en el caso del metal alternativo a la hora de las voces limpias, o del death metal melódico, en varias salidas directas al hueso.
Un discazo por donde se le mire, y de absoluta relevancia cultural en todos los frentes.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
- Mon Laferte – FEMME FATALE
vocal jazz
Inundando en el sufrimiento latinoamericano de los boleros más desgarradores, y con un jazz elegante que danza junto a las composiciones de Bob Fosse, ‘FEMME FATALE’ presenta a Mon Laferte en formato aterciopelado, en formato de confesión como quien se lamenta de desamor dentro de un bar nocturno. Entre la saturación emocional, aparecen experimentaciones sonoras: voces texturizadas, reversiones de clásicos franceses y beats de trap bruñidos, todo de la mano del gran vozarrón expresivo que caracteriza a la cantante.
‘FEMME FATALE’ es kitsch satinado. Corazones rotos, arrepentimiento, identidad y liberación son los ejes que construyen una subversión de lo que significa ser una femme fatale, aquí Monserrat encarna una versión más vulnerable, pero aún empoderada, distanciada de los parametros masculinos que han definido al arquetipo. Honrando los modos de la música cebolla, la artista entrega en este álbum uno de los momentos mejor armonizados y construidos de su carrera. – Antonia Hernández
Escúchalo aquí
- Alfilera – Detrás de las palabras
psychedelic folk
Después de años aportando con sus habilidades de intérprete para otros artistas del circuito, Alfilera se planta bajo el spotlight con su debut solista, un álbum que es prueba de todo su aprendizaje y del camino que ha recorrido en los últimos años.
“Detrás de las palabras” explora un universo que se musicaliza a través de la ya clásica fusión del folk con la electrónica, uno en el que las percusiones sintéticas de “Savia” se contraponen a las capas de cuerdas y samples de la naturaleza de “Nube”, mientras que canciones como “Cuídate” y “Anagrama” exploran los matices más atmosféricos y ambientales de la placa.
Once íntimas canciones, entre las que quisiera destacar “Lluvia de Escombros” como uno de los puntos más altos del álbum, en las que queda claro el acierto de Alfilera al probar suerte con sus propias composiciones. “Detrás de las palabras” es frágil, melodioso, ambiental y, por sobre todas las cosas, muy bueno.– Alexander Castillo
Escúchalo aquí
- Javiera Electra – Helíade
chamber folk · art rock
Exorcismo. El disco de Javiera Electra es un exorcismo. El ejercicio de dar con una resolución humilde al ataque de los demonios más impenetrables es un acto de exorcismo por naturaleza. Liberar toda una tradición de folk es un acto de exorcismo por naturaleza. Reventar desde los códigos del rock es un acto de exorcismo por naturaleza. El acto de ver volar es…
Javiera Electra, como institución, es una explosión química. Aquel disco que presentó una de las más avanzadas producciones de Chile es, además, uno de los que espiritualmente esconde esa misma presentación. El diálogo de la música de Javiera Electra no es de superficie a superficie, sino de fondo a fondo. Una combustión entre tradiciones. Un intercambio de núcleos. Una liberación que corrompe un cuerpo. Un exorcismo.– Nicolás Merino
Escúchalo aquí
1. Candelabro – Deseo, Carne y Voluntad
post-rock · jazz rock
‘Deseo, Carne y Voluntad’ viene a poner mucho en discusión, en distintos frentes, tanto en lo lírico como en lo musical. En la imaginería que recorre los distintos símbolos patrios y religiosos que rodean el disco, algo llevado desde la duda, la duda de aquel que quiere una respuesta, de aquel que tiene la voluntad y el anhelo de perseguir dicha duda, en una movida de resiliencia por parte de un sentir generacional que –arbitrariamente– fue despojada o distanciada de aquello que estos conceptos: la patria, la relación con Dios y la religión.
Como mínimo el mundo que recibe a estos jóvenes es uno mucho más complicado que el de nuestros padres. Este septeto se sitúa en este contexto, en uno en el que estos símbolos y conceptos fueron apropiados discursivamente por sectores conservadores en las últimas décadas, llenándose de un montón de contradicciones que, inevitablemente, propinan dolor en la esfera personal. Aún con ese camino espinoso, Candelabro se lanza a este espacio en búsqueda de respuestas, relacionándose directamente con estos símbolos fracturados como la bandera de Chile –en «Las Copas», referenciando el poemario de Elvira Hernández, ‘La Bandera de Chile’ de 1981–, o como bien queda retratado en una de las mejores letras del 2025: «Dios está perdido en una calle de Estación Central».
Narrativamente, y en palabras simples, Candelabro pone en discusión la religión –y la patria–, como conceptos no rígidos que están llenos de asperezas al día de hoy. Hay crisis, hay dolor generacional, el asunto no es tan intransigente como nos lo han pintado. No es blanco y negro. Si fuera así, fácilmente podríamos despojarnos de estos. Mas no es el caso. Al anteponer dicha duda, estos entran en un caótico movimiento. Uno que se retrata con la inmensa y monumental diversidad musical de este disco.
Post-rock conjugado de mil y una formas, con la herencia de grandes como Congreso, Fulano y Los Jaivas, o referencias a Víctor Jara, siendo parte de la nomenclatura que Candelabro levanta en este trabajo, en el que la composición es iluminada, la conceptualización acertada, y la performance llena de vida. Un álbum tan gigante que se presenta como un mundo en sí mismo, que esconde todo tipo de detalles y arreglos que cobran nuevos significados y apreciaciones en cada escucha.
Un álbum totalmente increíble. El mejor de Chile de 2025.– Juan Pablo Ossandón
Escúchalo aquí
