Por Franco Ascui
El guitarrista nacional Ángel Parra conversó con Expectador sobre «Desde el Alma», doceavo disco de estudio del Ángel Parra Trío, lanzado el pasado 20 de septiembre. Además, el compositor se refirió a su relación con las RRSS, sus influencias y el significado del disco nuevo en su vida.
Con una «fuerte invocación a sus ancestros», Ángel Parra se prepara para presentar «Desde el Alma» el próximo 4 de octubre, fecha en la que se celebra el Día de la Música Chilena en el natalicio de Violeta Parra. Además, el lanzamiento oficial del disco está programado para el 5 de diciembre en Bar de René, lugar donde fueron grabados los últimos tres temas del disco.
Vamos a empezar hablando sobre cómo estuvo el proceso de grabación, ¿Cómo te sentiste con los músicos Mauricio Ruz, Andy Baeza y Eduardo Crespo?
Mira, yo iba viajando a Ecuador en un aeropuerto y mi jefe técnico y el que me da todas las guitarras me mostró una grabación del Bar de René del año 2022. Me dijo “mira esta cuestión” y yo lo había escuchado alguna vez pero no tenía la noción de que el trío sonaba tan bonito. Me quedé impresionado y motivado inmediatamente y quedé con la idea de decir “ya se acabó, voy a poner fecha, voy a llamar al estudio”. Del aeropuerto llamé y conseguí dos fechas, el 16 y 17 de julio en el estudio Palo Quemado para grabar este repertorio que ya veníamos tocando un buen rato.
Uno se queda pegado con el trabajo, la cuestión de Los Tres, son muchas cosas al mismo tiempo, entonces dije que tengo justo el tiempo, lo voy a hacer y lo voy a hacer en dos días.
Entonces la entrada al estudio fue con uno o dos ensayos, pero estábamos tocando harto, hemos tocado harto los últimos dos años con esta formación. El estudio Palo Quemado tiene al ingeniero Nicolás Ríos, que ha grabado muchos discos de jazz y que es un estudio con unos micrófonos increíbles. Fue bien relajado, el ambiente en el estudio fue bueno, pero también con una cierta resolución de tiempo. Yo mismo autofinancié el disco y no teníamos tanto tiempo para grabar los temas. Había que ir avanzando rápido y la verdad es que son músicos de alta categoría. Fluyó bastante bien y el gran aporte fue el Nico como productor e ingeniero. Se transformó en una experiencia placentera y no en presión desagradable.
¿De dónde salió esta idea de compartir todo tu conocimiento que tienes en tu cabeza gratis en internet? ¿Cómo te has sentido con la recepción del público en Instagram?
Todo partió desde una hija, para variar, la familia. Cuando yo me operé el hombro, por ahí en el 2016-17, cuando me estaba recuperando y andaba todavía con el brazo así, me dijo «tienes que hacerte una cuenta de Instagram«. Lo había visto un par de veces pero no tenía una noción muy clara de lo que era, la tecnología va tan rápido que a los dos meses empecé a entender de qué se trataba y la cuestión, y empecé a mostrar mi guitarra.
En realidad, si hay algo con lo que uno puede aportar en Instagram es con lo que uno ha vivido, experimentado, junto a los grandes maestros que uno ha tenido como Valentín Trujillo, como mi papá, y con una larga lista de profesores que yo me he acercado a ellos y que he tenido la suerte de tocar con algunos. Se abría la posibilidad de empezar a clasificar cada uno de los elementos de la formación que yo he tenido, que ha sido bastante ecléctica y medio autodidacta también. Me ha servido como para también motivarme a estudiar más. Pero eso partió ya después de que me operé el hombro, después falleció mi papá y todo eso y como que yo empecé a retomar la guitarra con mucha más intensidad que antes.
Te podría decir que todo ese período entre la época que salí de Los Tres para adelante, seguí tocando, saqué el disco en vivo ‘Dulce Compañía’ (2016) y anduve tocando con Manuel García una época. Pero mi verdadera metodología con la guitarra empezó a retomarse con seriedad desde el 2017. Ahí empecé a estudiar con algunos profes gringos, que me comuniqué justamente por Instagram con ellos. Empecé a intercambiar material, y a sentirme cada vez más a gusto con una especie de nueva técnica también que estuve encontrando con la guitarra. Una manera nueva de tomar la uñeta, usar los dedos y la música country. Ahí empezó a aparecer esta nueva como pretensión sin fin que es la guitarra y que es maravilloso pero que también es súper complicada.
Ahora que ya llevo años en Instagram y que tengo tantos seguidores, también paso muchas semanas sin ni siquiera verlo. Me mantengo alejado también para estar tranquilo. No lo veo como algo fundamental. Cuando tengo que hablar de algo que es importante, como enseñar algo o como agradecer a cierta persona que me hizo un micrófono o una guitarra, lo uso. Pero creo que lo más lindo es que la gente te devuelve ese cariño y ese agradecimiento.
También hay cosas feas en Instagram, en redes sociales, también hay cosas macabras, hay noticias falsas, pero yo me quedo con lo positivo y eso lo he podido ver en varias personas, en varios amigos que lo han tomado desde ese punto de vista así que eso tiene que ver con mis últimos cinco años. Por eso este disco está naciendo como una nueva etapa, de una especie de mini renacimiento.
Me llama mucho la atención la canción Don Chuma por la agresividad de los riffs y que dura menos que la mayoría de los temas del disco nuevo. ¿Qué me puedes decir de esa canción?
Efectivamente, hay un tono en la guitarra que yo he buscado durante toda mi vida y que me ha costado bastante conseguirlo. Es el sonido que más se acerca al blues y que más tiene como lo orgánico del tono de la guitarra. Es una cuestión que tiene años de buscar con pedales, con amplificadores, con guitarras, con cápsulas y, bueno, ese tono ya como que lo tengo bien dominado. Con ese sonido me gusta tocar jazz pero con el concepto de que Jimi Hendrix esté tocando la guitarra. Creo que ese es como mi mezcla perfecta y también me influye mucho en mi carrera y en mi manera de ver la música. Los años primerizos de Mike Stern también, en los que tocaba con Miles Davis.
Es bueno que un disco jazz tenga canciones de otra gente, como siempre lo hicimos con Ángel Parra Trío.
En esta ocasión, componer un tema con esa mentalidad de que el riff es lo que manda y en que los músicos realmente tienen que poner mucha energía en sí mismos. Pese a que es un lenguaje en que el solo es en una sola nota del bajo, y yo le digo, “oye, pero acá hay libertad total, acá no hay acordes, tenemos que encontrarnos en algún lado” y eso es difícil. Por ejemplo, el primer tema, que se llama “Gael”, es un tema con una estructura armónica que tiene muchos acordes y requiere de mucha teoría.
En “Don Chuma” es todo lo contrario. Es armonía estática o modal, en que es un acorde pegado, entonces yo necesito que los músicos me sigan por donde yo me muevo. Que no se pongan intelectual, que siga la inteligencia como sentimental, se podría decir. De que haya algo basado en el rock y que tenga también un lado místico y espontáneo. Miles Davis hacía muchos discos que los grababa e improvisaba durante horas. Me imagino que eran sesiones eternas de días y noches. Después los editaba, los cortaba, y yo hace rato que tengo muchas ganas de hacer un disco así, no fue este caso, pero justamente cada vez que tocamos ese tema a la gente le llama la atención. Es porque el riff es lo que más importa en la música, o sea, es como la entrada de un buen bolero.
Siempre el riff es el que hace que el espectador pare la oreja.
Eso es lo que hay en «Don Chuma» y en este tema yo dejé solamente solo de guitarra, el otro tema tiene solo de piano, hay unos solos de bajo también. Tratando de dosificar así y también dándose cuenta que los discos de jazz tienen que ser temas largos. No pueden ser de tres minutos. Solamente el último tema es cortito porque es como un homenaje a un amigo y el tema está grabado en vivo.
Podemos seguir justamente con el último tema ahora que me tiraste la pelota, me encantaría saber sobre tu amigo, lo que implica para ti “Diego”, el último tema del disco. ¿Cuál es el insight que tienes tú?, si me lo puedes compartir.
Sí, es que es una canción en realidad que le dediqué a un amigo que tenía una enfermedad que fue creciendo con los años de inmovilidad, de pérdida de los músculos y terminó con una traqueotomía a los 40 años sobreviviendo. Esto le partió como a los 11 años al Diego que es como medio pariente mío también. Entonces, él tenía una página web que se llamaba Fuego y Cenizas, una página de rock y de música, estudió periodismo, es como un ejemplo a seguir, es como una especie de gurú para todas las personas.
Era una persona que nunca se quejó de nada y que tenía todo en contra él. Se movía en una silla de ruedas y al final ya no podía mover la silla de ruedas, bueno, es una historia dramática. Por eso le dedicamos el tema. Es un tema que son tres acordes nada más y eso también me gusta. Cuando uno logra con poco con nada hacer algo que tenga sentimiento.
Gracias por compartir la historia que lástima por tu amigo. Vi en tu perfil de Instagram que tenías una guitarra que parecía casi como un sitar eléctrico. Escuchando el disco me di cuenta que en «The Long and Winding Road» tiene algo de la fusión india de los Beatles.
Claro. Hace rato, cuando empecé con este ímpetu de tocar algunos temas, incorporar al grupo música original, apareció “Don Chuma”. Apareció el tema “Desde el Alma” también, y aparecen canciones que yo escuchaba cuando niño, cuando chico. En mi casa sonaban mucho los Beatles y esa canción, “The Long and Winding Road”, siempre me ha quedado muy marcada. Esa la produjo Phil Spector y le hizo esa intro que es tan pegajosa porque él era un maestro de la producción y de hacer cosas muy pegadizas. El otro día hablamos con Álvaro (Henríquez) de esa cuestión. No hay ninguna canción de los Beatles que no se pueda tocar en mil versiones.
Es como la música de Violeta Parra. Realmente se pueden hacer de la manera que tú quieras. Entonces, un día la propuse en el ensayo y fue muy fácil tocarla, y la empezamos a incorporar. Para mis músicos no es tan común tocar música de lo que yo toco, para nada. Si bien Andy Baeza también pasó por una época en que tocó con Nicole y grabó con Gustavo Cerati, tuvo la suerte de grabar un disco… yo he tenido mucho más cercanía con el rock and roll, por eso la cercanía con esos dos temas. El tema de la cítara se trata de una guitarra que la encontré, me ayudé ahí, con un agradecimiento también al Álvaro, que me avisó que estaban vendiendo esta Coral Citar, que es la que usa Pat Messini y la ha usado Brian Jones, la han usado miles de artistas.
Es una guitarra muy misteriosa. Tiene un artefacto mecánico que es una especie de paleta que roza las cuerdas y que es muy imprecisa. Pero a la vez es un invento como de una especie de tiro sin tornillos que es este gallo que es el… ¿Cómo se llama el inventor de esto? Bueno, él diseñó esta cuestión que es de madera hueca por dentro y tiene un grupo de 15 cuerdas que suenan por simpatía y tienen una cápsula. Entonces tú cuando tocas esas cuerdas igual dan un ambiente. Las cápsulas son esas lipsticks que son bastante especiales y bueno, cuando la probé me quedé al tiro enamorado de la guitarra. Una guitarra que uno dice no sé cuándo chucha la voy a usar, pero esta la tengo que tener.
Cuesta mucho afinarla de repente, pero no tanto. Tiene un par de tornillos que hay que mover y si tú te pasas como que todo se va a la cresta, es muy delicada pero es maravillosa. Y la otra canción, “And I Love Her”, es esta armonía tan simple, que tienen todas las canciones de los Beatles.
Este era como el comienzo para el posible disco de Angel Parra Trío, solo de canciones de los Beatles, y felizmente haría un disco así.
O sea, de hecho tengo ganas de hacer un disco de guitarra solo, que incluiría más música de los Beatles. Siempre va a haber una melodía de los Beatles para tocar y esa en particular siempre me ha gustado mucho. Tuvimos la suerte que en el estudio había un piano Fender Rhodes original en perfecto estado, porque el ingeniero es una especie de melómano. Era un piano increíble que suena muy bien en el disco y fue un instrumento clave a través de todo el disco. (…) Las melodías de los Beatles son fundamentales para mí.
Increíble. ¿Será que el nombre del creador de la coral citar es Jerry Jones?
Exacto, Jerry Jones, exactamente. Es un gallo que la última vez que se dejó entrevistar fue como en el año noventa y cuatro y dijo no doy más entrevistas.
Un enigma el tipo.
Al gallo le copiaron la la marca Danelectro. La copió y empezó a sacarla, todavía podí comprar la guitarra y ahí éste como que los demandó y les ganó la demanda. Yo creo que les ganó tanta plata que se retiró y se fue a vivir como a las montañas como un ermitaño. Ese es el Jerry Jones.
Ahora que justo tocamos el tema de los Beatles, una pregunta cortita, solamente de curiosidad porque te tengo acá. Bien es sabido que todos los músicos de los Beatles eran geniales, pero en las cuerdas específicamente, ¿Con cuál te quedas? ¿Con cuál sientes que tienes como más feeling?
Mira, es difícil esa pregunta porque en realidad siempre me identificaba con George Harrison y el otro día me di cuenta que la canción más tocada de los Beatles es una de George Harrison, obviamente, y es “Here Comes the Sun”. Harrison me mata como compositor. Como guitarrista, ni hablar. Su manera de tocar el slide siempre fue para mí un ícono.
Por otro lado, creo que John Lennon tocaba la guitarra de manera muy especial. Esa guitarra que él le mandó a sacar la pintura (…) sale en el ‘Let it be’ (1970) y en ‘Get Back’, cuando tocan arriba el techo. La manera, el touch que tenía Lennon era increíble y ni hablar del genio tipo Johann Sebastian Bach que es Paul McCartney, que son personajes totalmente diferentes y cada uno con su personalidad y todo.
Ringo Starr también para mí es un ídolo de la batería y cada persona con la que me he encontrado que no le gusta Ringo Starr ha sido un momento de burlarme un poco de la opinión. Es un súper músico y un súper baterista. No podría decirte con cuál me quedo porque las composiciones son demasiado buenas, son demasiado buenas todas. Los músicos son buenos, es como una mezcla perfecta. Te podría decir que con los Beach Boys, Bryan Wilson es mi hombre porque los otros son cantantes, pero acá tení cuatro compositores prácticamente.
Importante mencionar que el lanzamiento del disco va a ser en el Bar de René en diciembre, pero también vas a tocar para esta fecha tan importante que es el Día de la Música Chilena, el natalicio de Violeta Parra, el 4 de octubre. Tú habías mencionado que este disco tiene una fuerte invocación de tus ancestros. Justamente le estás haciendo honor a Violeta Parra en el Día de la Música Chilena. Cuéntame cuál es el sentir detrás de eso.
Sí, efectivamente coincide esta semana de promoción con el Día de la Música, el día del natalicio de mi abuela. Y el disco, bueno, tiene “Casamiento de Negros”, una versión muy bonita porque la gente canta a grito pelado las últimas dos estrofas.
Tratando también de evocarla a ella, hicimos una versión de “Morir Llorando” que es un bolero muy bonito y siempre su música me está nutriendo.
Por eso ella sale en la carátula con mi papá, como con ese intercambio cariñoso de conocimiento que es lo que yo mismo he recibido de Don Valentín Trujillo, del tío Lalo, de mi papá, etc. Entonces, es una semana bien emotiva y este concierto que vamos a hacer con Los Tres en Arica también va a tener esa misma impronta . Durante toda esta semana yo voy a estar promocionando el disco ‘Desde el Alma’ con ese espíritu. Con el espíritu del Día de la Música. Es el día en que los músicos también agradecen lo que hicieron los otros, lo que hicieron los demás.
El premio maravilloso que se ganó Valentín Trujillo y tantas personas que han dejado tantas huellas como la misma compositora que tenía 14 años cuando compuso “Desde el Alma”, Rosita Melo. Como compositora uruguaya marcó también una época en que no había internet, no había nada y en los años 1800, 1900 por ahí, aparece esta canción que suena en el mundo entero, es un hit, pero un hit descomunal, como “Gracias a la Vida”. Creo que esa es la emoción de la semana de los músicos. Todos tenemos que agradecer que hay tanto material para el cual referirse.
Si bien es difícil ganarse la vida con la música, hay luminarias que nos permiten también entender para dónde dirigirnos, porque si nos encerramos en nosotros mismos y solamente pensamos en que somos los mejores, o que ya tenemos todo bajo control, difícilmente podemos entender que la vida también está llena de sufrimiento, de fracasos, de pérdidas.
Creo que por eso es bueno entender la música de la Violeta, entender la música del pasado de estas personas que dejaron tanta huella en sus composiciones, en los boleros, en la música que viene de Colombia, de Argentina. Ese es el espíritu de esta semana de la música y es muy bonito que haya coincidido el lanzamiento del disco. Así que muy agradecidos también de la gente, de los periodistas que se interesan por un trabajo que tiene que ver con música instrumental. Es una semana muy emotiva y muy bonita para estar haciendo esto.
