Fontaines D.C. – A Hero’s Death
Fontaines D.C nos presenta su segundo álbum de estudio luego del gran éxito que tuvieron con Dogrel en 2019, el cual los llevo a dejar una pisada el año anterior colocándolos como uno de los grupos más interesantes de la escena.
El cambio mas significativo probablemente dentro de estas nuevas 11 canciones es la implementación de numerosos filtros por parte de la banda, sin duda alguna son estos agregados los que diferencian en gran parte a ambos álbumes, aunque bueno, no podemos atribuirle todo el mérito a simples filtros, ¿no?. Si bien estos elementos agregan una diferencia de sonido, es probablemente un desarrollo musical mas amplio lo que capta la atención de este disco, jugando con ritmos, instrumentos y una voz característica de Grian, resulta ser en las ultimas canciones del disco donde toda la melancolía por parte de este llega a invadir nuestros oídos, no sin antes, comenzar este viaje de 46 minutos con la tremenda energía que caracteriza a un clásico post-punk.
Colombina Parra – La Noche Me Miró · EP
Colombina Parra se lanza a la piscina experimental con todo. Este EP consta de 4 canciones y una duración de 29 minutos, ¿4 canciones y 29 minutos? Es exactamente esto lo que permite que cada canción se un viaje de sonidos, rabilidad de ritmo hace que esto, sumado a que la voz fue grabada en una sola toma, le dan una orgánica totalmente pura, respiraciones y sentimientos dedicados que se aprecian en diferentes puntos de este llamativo “EP”.
Dos Monos – Dos Siki · EP
Mezcla hip hop, boom bap, toques de jazz y elementos de la música india. ¿Qué resultado obtienes? Este magistral EP de 15 minutos. Dos monos, el trio japones que se dio a conocer el año pasado con Dos City, viene a romper este 2020 con una ejecución perfecta de 4 canciones, las cuales cada una tienen elementos especiales que las hacen únicas, sin duda alguna, me saco el sombrero ante la producción de esta obra. Un EP totalmente recomendado que tienen que sentir tarde o temprano.
Josefina Espejo – Lilit Pt. 1 · EP
Josefina Espejo nos trae 11 minutos de sonoridad pura al estilo indie folk, 3 canciones donde nos exponemos a una maravillosa voz, la cual varia en ritmos, entonaciones y arreglos, además de una batería que agrega calma o emoción según donde nos encontremos, una guitarra acústica para acompañar la voz y algunos arreglos en guitarra eléctrica que le suman intensidad a la melodía del momento. 11 bellos minutos cargados de sentimiento que valen la pena escuchar.
Hakushi Hasegawa – Bones of Dreams Attacked!
Siendo en su mayoría covers, Hakushi Hasegawa nos trae 28 minutos de ritmos melódicos puros y duros, acompañados de su suave voz y alguno que otro sintetizador, podría resultar en algunas ocasiones muy drástico el cambio entre la versión original del tema y esta, sin duda alguna, su tema propio “Sea Change” donde podemos escuchar en primera fila las altas habilidades de composición a las que Hasegawa puede llegar, Hakushi da rienda suelta a su voz melódica acompañada de un suave piano, la cual entrega calma y tranquilidad, dándonos 7 canciones para disfrutar en tranquilidad acompañados de algún tecito o cafecito.
Voy y Vuelvo – El Lucero · EP
“El Lucero” pasa a ser el segundo adelanto de su primer álbum “Los peligros del mundo”, un LP que estará disponible completamente el próximo semestre.
Voy y Vuelvo nos trae devuelta su indie-pop/rock en promoción a su primer gran álbum, se nota la ambición y ansiedad de este proyecto. En este EP de 3 canciones y alrededor de 11 minutos se nos entregan indicios del contenido total de este próximo LP presentando la inclusión de ritmos latinos, mezclados con toques de post-punk y algunos tintes de shoegaze, que nos prometen un debut que dará bastante que hablar sobre “Voy y Vuelvo”.
Juice WRLD – Legends Never Die
Existen ocasiones donde los discos póstumos no muchas veces superan las expectativas, bueno, este no es para nada el caso. Legends Never Die cobra mucho más peso al ser una obra póstuma, ya que dentro de 55 minutos se nos presenta una versatilidad y variedad de ritmos en cuanto a la creación de un Trap, variedad en los beats y frescura de estos mismos caracterizan los 21 temas que lo componen, este trap resulta llamativo e incluso un simple rap con bases pop rock como en “Wishing Well”o “Man of the Year”.Teniendo en cuenta las múltiples colaboraciones que presenta el álbum no resulta cansador al momento de escucharlo canción tras canción, se hace mucho mas disfrutable la experiencia de esta forma. Lamentablemente es de suma tristeza la perdida de JUICE WRLD, pues habiendo escuchado este álbum, quien sabe que nos podría haber traído en un futuro.
Haken- Virus
Un álbum completísimo al momento de pensar en metal progresivo, Virus sigue resaltando esa definición de las guitarras (sin desmerecer los instrumentos y elementos restantes) que nos ha presentado Haken tiempo atrás y su inicio con “Prosthetic” nos viene a establecer desde ya lo que se viene, un sonido energizante pero claro y conciso, que sabe exactamente lo que quiere producir en el oyente, lo que apuesta a transmitir en sí. El álbum también presenta puntos más calmados, pero no menos disfrutables, “Canary Yellow” es un claro ejemplo de esto, una canción totalmente Épica al momento de oírla pero que sigue conservando estas bases en cuanto a un sonido claro pero potente. Un álbum completísimo que deja con gusto a más al momento de completarlo.
Ellie Goulding- Brightest Blue
A mi juicio probablemente uno de los mejores álbumes pop del año. Cuenta con colaboraciones como Diplo, Swae lee, blackbear y Juice WRLD. El álbum consta de 19 canciones, que se dividen en 2 partes, lo que se traduce en 1 hora de la característica voz de Ellie jugando en diferentes tonos y con diferentes ritmos, en cuanto a la letra, podría pensarse una maduración al momento de escribir este LP, ya que trata temas de amor, fragilidad y hace una introspectiva dentro de la misma Goulding. Aunque esto no significa que no contenga energía, es en esta segunda parte del álbum donde se presentan las colaboraciones y también una experimentación de géneros en conjunto a otras artistas, podríamos establecer una primera parte mucha mas completa e interesante, y una segunda mucho más enérgica y bailable. De cualquier forma un álbum que al momento de combinar todos estos elementos tiende a ser un excelente álbum.
BTS – MAP OF THE SOUL : ~ THE JOURNEY ~
Cuarto álbum de la boyband que logra conseguir el título de “Álbum mas vendido en Japón del 2020”, con 13 canciones y alrededor de 46 minutos, BTS vuelve a encantar a su fanaticada como si fuera la primera vez, caracterizados por esa energía en cada una de sus canciones y sus fuertes matices en cuanto a voz se habla, el subidón de adrenalina que pueden causar al momento de entrar en un coro es algo característico que han mantenido a lo largo de su tiempo como grupo. Pero bien, no todo es energía y fuerza, también se dan los momentos donde se relucen definidas voces, provocando sentimientos de plenitud, tal como en el caso de “Your eyes tell”, no cabe duda de la calidad que han mantenido a lo largo de sus carreras y que día a día siguen atrayendo y manteniendo oyentes.
Protomartyr – Ultimate Success Today
Para Ultimate Success Today todo pareciera ocupar un lugar importante en la gran historia que aquí se narra, desde una visión post-traumática sobre los eventos del presente, concebida curiosamente un tiempo antes que todo comenzara a colapsar. La turbulencia con la que Protomartyr describe cada suceso expuesto en este devenir social sistemático, resulta sobrecogedora, profética e incluso abismante en su capacidad ingeniosa de desarrollar estas composiciones en un presente de realismo mágico apocalíptico. Así como la incertidumbre, van tres canciones y prácticamente no sabes hacia donde va todo, las intensidades no se detiene, más si adquieren una movilidad claustrofóbica completamente intrigante.
Podríamos considerar esta hazaña de cómo dar vuelta un género como el post-punk, atribuirle nuevos principios que buscan inspiración en la vereda dramática del presente, remarcando la narración como un concepto ad-hoc a la hora de relatar la desgracia como un turbulento resolutivo de los males actuales. La banda abarca demasiado en sus ambiciones experimentales, suscitando toda una crónica musical de sombras a percibir, generando un nexo con el contexto tan fuerte que es imposible no sorprenderte cuando aparecen cortes como «June 21» o «Processed By the Boys». Así como las sesiones de viento que fluyen en las atmósferas devastadas de este disco, colapsan en un rimbombante juego de posibilidades que innovan en su tensión constante.
YUKIKA – Soul Lady
El mercado coreano constantemente a puesto sus ojos en el japonés y viceversa, naciendo una nutrición de aspectos artísticos que para bien o para mal, han dado nuevos impulsos a las respectivas escenas. Algo así sucede son este maravilloso Soul Lady, el cual viene a significar algo así como el Future Nostalgia de YUKIKA puesto que sus influencias ochenteras se hacen presentes sin dejar de sonar actuales, cultivando toda la herencia del city pop en un álbum luminoso y fascinante.
La cantante japonesa Yukika Teramoto curiosamente recurre al coreano a la hora de las letras, dejando un espacio delimitado por su esencia artística que apunta en ambas direcciones, recogiendo un montón de elementos que conforman este verdadero conjunto de romanticismo sintético y añoranzas personales. Así canciones destinadas a ser gigantes como la que da nombre al álbum conviven a la perfección con otras más melodiosas como «I FEEL LOVE», a la vez que esa beta más actual del pop en «pit-a-tet» -o la versión remixeada al estilo ochentero de su anterior single NEON- resultan un deleite coherente a cada momento, resumiendo el espíritu libre con el que se mueve la artista en esta verdadera obra maestra.
Nicolas Jaar – Telas
El año más hambriento creativamente hablando para Nicolas Jaar. Sus aspiraciones electrónicas encontraron lo caótico y pesado en el segundo álbum de Against All Logic, el existencialismo minimalista en ‘Cenizas’ y aun así, a pesar de tamaños monumentos complejos en sus realismos personales, aparece ‘Telas’ abriéndose camino como el más balanceado de todos. Puede que en su bio este disco resulte un sucesor del soundtrack de Pomegranates (2015), aunque esta versión renovada va mucho más allá, totalmente liberado de cualquier atadura, explora como nunca todo un apartado de percusiones alucinantes.
El Ambient juega un rol estelar en este verdadero viaje por las pulsaciones intermitentes que atraviesan ese umbral entre el silencio y el ruido, clamando a ratos por una calidez sonora condensada con sumo cuidado por cada uno de los extensos cortes que forman este álbum. Pero también los cambios rítmicos varían hacia un clímax ceremonial donde yacen verdaderas revoluciones tribales al momento de expresar la asfixiante certeza que ronda las percusiones, golpeando en un mudo sintético extraño, confuso y totalmente experimental. Todo esto da forma a una obra compleja en su inmensa motivación.
Boris – NO
Con este nuevo trabajo de Boris las cosas se tornan mucho más densas, pesadas, asfixiantes y distorsionadas, entregándose de lleno a una experimentación de carácter profundo, al filo del sludge, el doom, el punk y metal alternativo en sus áreas del inframundo. NO trae consigo toda una mecánica de pausas y velocidades, arrastrando el gran flujo de ideas que se dan cabida con tremenda propiedad en las vertientes pantanosas expuestas por los japoneses, reclamando la furia en un intenso arrastre de influencias que ponen nuevamente al tanto de la variedad de sonidos que manejan tan bien en el día a día, y a lo largo de su historia. Un trabajo extremo que resume toda esa vertiente más radical del grupo.
Julianna Barwick – Healing Is a Miracle
El Healing Is a Miracle resulta ser el trabajo más accesible a la hora de abordar lo que hace la gran Julianna Barwick, contemplando los espacios con un sentido de pertenencia universal y espiritual capaz de transmitir una doble lectura más allá de lo netamente musical. Las energías dispuestas en esta verdadera amalgama de evocaciones sanadoras, comunican ese halo especial de cálidas reminiscencias que nos adentran a un emotivo balance entre esos despliegues vocales fugaces y los ambientes hipnóticos percibidos en esta obra. Y es que la extrema amabilidad de sus canciones apuesta por fluir en gracia y majestuosidad, con una transversalidad que apunta a un sentido épico sin límites ni fronteras, encarando la mortalidad con un sentido inmortal, perdurable, eterno.
Pop Smoke – Shoot for the Stars, Aim for the Moon
Tristemente Pop Smoke pasaría a ser otro rapero que perdería la vida en pleno auge de su éxito, y aunque Shoot fo the Stars, Aim for the Moon finalmente vería la luz, no sería coincidentemente un proyecto póstumo que le haga real justicia a los alcances que pudo haber tenido. El problema no es el difunto artista, es más los momentos más notables van de la mano con sus momentos frente al mic, si no que los muchos añadidos que en muchos casos estancan o no cuajan del todo. Extremadamente largo (con una versión deluxe mucho más extensa), repleto de feats que independiente de sus nombres, no dan mucho espacio a Smoke al momento de brillar; aun así este disco funciona como un memorial de gente queriendo ser parte de este homenaje curado con cariño por 50 Cent.
JARV IS… – Beyond The Pale
Jarvis Cocker fácilmente es una de las figuras más brillantes y enigmáticas heredadas de los ya lejanos años noventa, y muchas veces resulta difícil seguirle el rastro. Ha tenido pocos proyectos post-Pulp y ninguno de estos anteriores resalta la figura mecianica con la que mejor se enarbola la capacidad artística de abarcarlo todo; con una soltura magnética que engloba todo un ejercicio grupal en torno a Cocker, Beyond The Pale toca una fibra sensible para el «podría haber sido» de su banda madre, desafiando el pasado y plantándose relevante, climático, dramático y políticamente desafiante. JARV IS… toma la interpretación como el motor colectivo con el cual interactúa este grupo coral, donde las intensidades se hacen tan necesarias como las reflexiones que aquí resaltan, a medio camino entre los directos y el aspecto inquieto de capturas poéticas e improvisaciones progresivas de cariño y dolor.
Satoko Shibata – Slow In
Entre la ternura y sencillez de sus canciones, se alzan los detalles y sutilezas con los que Satoko Shibata va adornando cada una de las apuestas melodiosas y melancólicas que recogen esta interpretación pura y gentil de la artista. Slow In está compuesto de cuatro canciones que transitan rápidamente por cortes pop cercanos, con matices folk y un fuerte apego de apariencias apacibles pero que no duda ningún momento en dejar fluir las intensidades, esas que van moldeando los alegres motivos sonoros plasmados en esta obra hecha con tanto cariño, sonando distinta y emocionante.
Alanis Morissette – Such Pretty Forks in the Head
Alanis Morissette es una artista que injustamente ha tenido que lidiar con la constante presión de percibir en su carrera un disco tan gigante en sus alcances comerciales y culturales. Pero no, no hablaremos mucho de el en pos de darle cabida a su último álbum Such Pretty Forks in the Head, que si bien se percibe como un regreso, no resulta del todo sorprendente como uno esperase, y no se trata precisamente de una obra construida con el fin de dar un golpe al timón, al contrario la canadiense se adhiere a su versión más propia y solo deja fluir un montón de canciones expresadas desde los traumas y victorias a lo largo de su vida. En un comienzo se muestra inspirada y renovada, aunque poco a poco va abarcando todo tipo de caras que van dejando muchos espacios que potenciar a futuro, resultando un disco redondo al fin y al cabo.
Blu & Exile – Miles
Puede que Blu & Exile hayan lanzado un disco de culto como lo sería ‘Below the Heavens’ (2007) sin embargo su carrera no ha suscitado tanta atención como se esperaba y eso no sabemos mucho si lo viene a cambiar Miles. Lo que sí este nuevo trabajo muestra las ambiciones necesarias a la hora de confrontar la creatividad desde un protagonismo fluido que toma distancia del rap actual, montando una atemporal persistencia enfrascada en toda una apreciación a Miles Davis (aunque también dedicada a Miles Elijah Barnes), transitando por un atractivo y fabuloso collage de atmósferas fumadas y ambientes delirantes. Una visión alternativa marcada por la conexión que se da con las raíces de la música afroescendiente, indagando plegarias, homenajes y reminiscencias con alcances al blues, y obviamente a los referentes contemporaneos del hip-hop.
Pedro Gustavo – Mixtape Flor · EP
Este excelente Mixtape Flor no solo resulta una invitación a conocer a Pedro Gustavo en su faceta más íntima, asociada al trance constante que recurre a su faceta musical más abierta, alternando el constante sentir de angustia y encierro con el deseo máximo de liberar cadenas y volar lo más alto posible. No existe horizonte en este imaginario de canciones cortas, las cuales abundan en una moderna propuesta de sofisticaciones y emociones redundantes que expresan la frustración en un grado intrínseco bastante original, sellando el soñador elemento que termina por ser el motor con el cual el autor visualiza los paisajes más naturales y sanadores que puedan existir.
Concon – Concon · EP
Las tonalidades perceptibles en este firmamento de postulados sintéticos, no hacen más que recorrer cada espacio por el cual Victor Schlesinger va engrosando su obsesiva dedicación de ambientes intangibles y vocalizaciones de otro mundo. Concon aparece como un Ep fluido, mágico, despierto en sus corrientes alternas que acogen todo tipo de secuencias que transitan desde la electrónica más ambiental, pasando por rítmicas synth-pop o la fluidez de un trance dinámico, elocuente y profundo. Este trabajo explora con un sentido vaporoso lo pasivo/agresivo de su propuesta.
Vicente Mora Palma – AMATEUR
El tratado artesanal con el que Vicente Mora Palma va dando vida a su cátedra sobre fusión y autogestión, hace eco en un contexto de pandemia precisamente por su carácter rudimentario capaz de abarcar mucho en solo un puñado de canciones. Amateur se muestra directo, indagando en un mundo de posibilidades que asaltan el lado más sintético del proyecto, al mismo que tiempo que configura toda una hazaña lo-fi que rescata muchos elementos sonoros, y les da un trabajado aspecto capaz de maravillar desde su nicho.
Rosario Mena – Porvenir
Hay casi un contexto de renacer dando vuelta al rededor de ese estallido social que abriría las puertas a soñar y esperanzarse, más allá de los obstáculos e injusticias imperantes en su agridulce sabor. Rosario Mena tomó bastante inspiración de este proceso histórico y decidió plasmar un sentir general en siete tremendas canciones, las cuales cuajan los detalles folk que acontecen en medio de atmósferas libres, evocadoras y dispuestas a plena luz del sol, planteando un Porvenir de emociones poéticas de gran coraje y valentía, donde se cuelan los males imperantes del sistema y porqué no, la tan anhelada unión de los pueblos. Sus líricas son arte puro, de esa que maravilla pero a la vez cuestiona, nos habla de sufrimientos y sangre derramada.
Nicolás Illesca – Colección
Esta Colección de efemérides del pasado convive a la perfección entre las angustias, miedos o frustraciones, y su particular belleza despojada de cualquier añadido presentando de manera sencilla, directa y hasta acogedora las inevitables reminiscencias de un autor que decide darle una bocanada de aire fresco a su vida. Nicolás Illesca traspasa cada emoción en sus canciones, reflexionando sobre la vida, la muerte, el amor, entre otras cosas que en su momento calarían fuerte en la mente del músico, y que desde la perspectiva configuran un engranaje de movimientos para adentrarse en su estado de suspensión de tintes indie y folk.
Kolumbia – Dime Quién Soy
Vaya que hacen falta propuestas como la de Kolumbia, que si bien se muestran directos y eufóricos en cada uno de los temas que componen este tremendo debut, no hacen más que transmitir un ideal de grandeza que en sus propias palabras, buscan hacerse con un lugar dentro la canción popular, sin obviar los elementos modernos que puedan sumar en el camino. Dime Quién Soy busca principalmente armar una propuesta refrescante, la cual aborda las sonoridades desde un alborotado aspecto de resonancia entre el pop y el rock, animándose a crear coros gancheros sin sonar mecánicos, expresando solo sus emociones en un perfecto y balanceado trabajo de ideas rompedoras y nuevos clásicos del cancionero colectivo como «Siento el temblor», «Angel de Cristal» o «Genio».
Críptico NP – Prólogo de un Caucásico Cualquiera
Prólogo de un Caucásico Cualquiera no solo es calle, vida, amor y dolor, sino que además es poética pura, de un olfato agudo a la hora de retratar las realidades imperantes en los pueblos latinos y gran parte del mundo. Porque la crudeza no solo sirve como un elemento feroz de incertidumbre y estragos, ya que en sus complejidades resuena ese halo esperanzador capaz de transgredir la monotonía de las cosas, y darles un giro de cara al mañana. Así se siente Críptico NP en su debut, bastante abatido, cansado, enrabiado pero también reflexivo, reivindicando los sueños y anhelos de toda una población que puede encontrar en sus rimas, un poco de compañía sobre todo en estos momentos difíciles. Toda una revuelta del mejor rap consciente para hacernos ver un poquito más grandes frente a los tantos vicios y corrupciones que golpean nuestras caras.
Creeper – Sex, Death & the Infinite Void
El contraste entre las líricas medias macabras que pueden salir a la luz en este segundo larga duración expuesto por Creeper, contrasta de manera increíble con el sentido más pop, juguetón y soleado envuelto en la emotividad de cada canción que da vida a Sex, Death & the Infinite Void. Toda una dinámica ambiciosa compuesta de puras emociones arraigadas al ideal mismo de romper un poco las tradiciones o la monotonía, tomando lo que ya hemos escuchado una y otra vez, dándoles nuevos aires de grandeza y poniéndolos en un contexto donde pocas bandas logran sonar de esa manera. Créanme que si este álbum hubiera aparecido en el año 2004 ufff, pero no importa, los tiempos siguen tan extraños como siempre y una obra como esta viene a ser un regalo que agradecemos bastante.
Crack Cloud – Pain Olympics
El olvido muchas veces puede ser una piedra más común de lo que imaginamos frente a una realidad acelerada y competitiva que no guarda rencores a la hora de poner un pie sobre los sueños personales y colectivos, y Crack Cloud lo sabe a la perfección, brindando una verdadera renovación del concepto punk, en pos de un trato mucho más elaborado, artístico y punzante. Resulta curioso que el resultado de Pain Olympics se deba principalmente a un aspecto colectivo, puesto que su profundidad de detalles sonoros de una belleza impactante, termina por generar una sola voz compenetrada que nace desde la compasión, frente a las presiones del mundo moderno, buscando un lugar ideal donde aquellas almas cansadas del mundo actual pueden sentirse un poco más acompañadas entre sí.
Flo Milli – Ho, why is you here ? · Mixtape
Flo Milli fluye con una gracia única por todo tipo de escenarios en el rap, mutando su voz de canción en canción, promoviendo un flow cautivante, elevado y sobre todo imbatible. Ho, why is you here? posee una personalidad atrapante, chocante, agresiva y directa, pero también esboza espacios autónomos por los cuales va desarrollándose mucho más allá del panorama habitual del género, entregando un carisma lírico e interpretativo reforzado por las excelentes producciones que colman hasta el cansancio de tremendos momentos un álbum especial. De seguro grandes cosas le esperan a la rapera de Atlanta, hay potencial de sobre en uno de los mixtapes más brillantes de la temporada.
Joey Bada$$ – The Light Pack · EP
Joey Bada$$ es el típico caso de un rapero increíble tragado muchas veces por la invisibilidad de su incendiaria propuesta. Grandes trabajos han encontrado fortuna artística en sus turbulentos paisajes carentes de cualquier ápice comercial, aunque sin obviar el buen gancho a la hora de recrear sus paisajes más personales, y The Light Pack puede significar otro gran impulso a una carrera consciente, constante y poderosa. Las rimas fluyen con una naturalidad descriptiva, narrada desde el dolor y la esperanza con la cual el músico alcanza todo un espectáculo accesible para así conocer un poco más de su propuesta.
EXO-SC – 1 Billion Views
El colorido aparataje que impulsa esta segunda subunidad del grupo EXO arremete desde su inicio sofisticado, detallista y profundamente sublime , alzándose rápidamente como una obra accesible, capaz de hacerte olvidar un poco el mal rato, llenando de pura energía lxs cuerpxs. 1 Billion Views vino acompañado en su tema principal de una bonita colaboración con la cantante MOON, pero mucho más allá de lo bueno de esta unión, el álbum de EX-SC es excelente en muchos otros aspectos partiendo por la versatilidad vocal de Chanyeol y Sehun que deslumbra a cada momento, pero además posee un variado abanico de influencias pop pasadas por una juguera de buenas vibras y entretención.
The Beths – Jump Rope Gazers
Partamos con que este segundo trabajo del grupo The Beths cambia por completo la simetría por la cual transitaban en su álbum debut, dejando de lado ciertos bosquejos plasmados desde la sutileza artística de su sonido, doblando en muchos casos las intensidades, manteniendo eso sí los gajes melódicos al filo entre la distorsión y la emoción. No resulta tan brillante pero sí se pasa volando, hayando todo tipo de momentos altos (y unos más bajos) por donde transita la euforia misma de un conjunto atrapado en una realidad de la cual buscan salir por completo. Es amigable, accesible, aunque a ratos un poco plano.
Apollo Brown & Che’ Noir – As God Intended
Apollo Brown y Che’ Noir unen fuerzas en un trabajo colaborativo que resalta un sinfín de ingredientes vaporosos, de una imprevista sincronía y que conjuga esa capacidad nata de ambxs raperxs a la hora de contar historias cercanas a la realidad violenta de los barrios, donde más allá del constante juego entre la vida y la muerte, se haya un ramo de ideales y sueños por los cuales luchar. As God Intended no busca sino conectar con aquellas personas que descubren en sus profundidades rítmicas y líricas, toda una sabiduría reflexiva sobre temáticas como la espiritualidad, por donde transitan esas perfectas emociones cuajadas y curadas con un sentido único de universalidad.
The Chicks – Gaslighter
Muchas cosas han cambiado desde que las ex Dixie Chicks gobernaban el mundo con su propuesta alternativa del country, y su valentía lejos de los tiempos oscuros donde se les vió boicoteadas por los comentarios hacia Bush (en un público principalmente conservador), puede hallar un mejor lugar con el cual coexistir. Lo bueno es que The Chicks termina su mutación definitiva y se lanzan críticas pero cautivantes desde el comienzo de Gaslighter, aflorando un sentido tácito de melodías únicas, con un sonido que si bien le mantienen cerca de su propuesta habitual termina por acercarlas todavía más a la independencia que mejor les queda, contando para la posterioridad con toda una camada de nuevos clásicos dispuestos en este buen regreso.
The Psychedelic Furs – Made of Rain
El Made of Rain de The Psychedelic Furs se aventura en su pasado sin quitar un pie de encima de lo que son como músicos y personas en la actualidad. No recrea pero tampoco se arriesga demasiado, y es que pasarían 29 años para que pudiéramos tener un nuevo trabajo de la banda, tal vez animado por el re-descubrimiento que significaría «Love My Way» para las generaciones nuevas, entregándoles ganas y un enfoque perspicaz a la esencia misma montada por la banda en una pomposa nueva obra que explora las atmósferas y sonidos, como siempre lo han hecho. Un regreso a ratos confuso pero repleto de fortalezas y tremendas nuevas canciones.
Taylor Swift – folklore
Taylor Swift pilló desprevenido al mundo con el anuncio súbito de «folklore», denotando además cierto cambio en un álbum que, ni siquiera ella pensó que se iba a dar. Bueno, el contexto de la pandemia así como desafíos ha planteado condiciones que brindan nuevas oportunidades –o más bien, opciones. Opción que la artista tomó para dar la que sea tal vez, su mejor obra a la fecha.
A diferencia del bello y dulce «Lover» (2019), Taylor se enmarca en una muestra muchísimo más reposada de su pop, tomando su espíritu como cantautora –y con ello el folk– como los elementos principales de un álbum que por sobre todo suda emoción en cada momento. Es ahí donde se percibe algo distinto. Es como si Swift dejó de pensar en la industria –que tantas injusticias le ha valido–, e hizo el álbum que simplemente sentía.
Sí, «folklore» más allá de la clara indicación de su nombre, nos enseña a una Taylor Swift reencontrándose consigo misma, aportando canciones de delicadas texturas y melodías cristalinas en donde se interpone al son de la guitarra como del piano. Un álbum inspirado de puras canciones que esbozan un alma desnuda y que sirve como argumento para toda persona que persiste en prejuicios –aunque claro, nunca tuvo nada que probarle a nadie–. Simplemente una obra maestra. Una gema única del pop.
Lianne La Havas – Lianne La Havas
Este disco homónimo de cierta manera es una forma en la que Lianne La Havas sencillamente hace gala de todo lo que significa su persona como artista, cubriendo cada casilla. Sí, y es que, enmarcada en un soul de ensueño, la cantautora se da puros lujos, entablando un álbum sencillamente muy bien hecho. Cada detalle y arreglo se enmarañan de formas fascinantes con su manejo de la guitarra así de como su voz sin igual que esboza personalidad en cada fraseo que se manda, lo que ensalza exquisitamente todo el aparataje místico que se manda. Puro amor y corazón. Hasta un cover de Radiohead anda por ahí. Discazo.
A.A.WILLIAMS – Forever Blue
«Forever Blue» es el esperado debut de A.A.WILLIAMS, artista que nos deslumbró el año pasado con dos EP’s: el primero homónimo y el segundo en colaboración con la legendaria banda nipona de post rock, MONO. ¿Qué es lo que nos tiene por ofrecer? Pues una muestra mucho más compleja y matizada del ya asombroso primer epé, articulando toda la herencia del post-rock y el post-metal e integrándolo a una noción exquisita de cantautora que mantiene un diálogo constante con el doom y el noise. El producto final simplemente es emotivo a más no poder, aunque por sobre todas las cosas, muy pero muy triste. Pero ahí reside su belleza, en el retrato vivo que hace de emociones tan intensas y complejas. Bravo.
IRENE & SEULGI – Monster · EP
Surgido como una subunidad de Red Velvet, llega este dúo entre IRENE y SEULGI que optan por bien, tomar lo hecho en el aspecto más maduro de su agrupación madre, y extremar dicho carácter y actitud pero texturas y un tono aún más espeso. Más oscuro, si es que quieren ponerlo así, y déjenme decirles que les funciona de maravilla. Después de todo, lo más importante es –más allá de la triquiñuela comercial que significa su formación– que ambas artistas como dúo funcionan a la perfección, creando banger tras banger que honestamente, esperamos que contagie a lo que hacen con Red Velvet (o bien, que esto quizás sea una especie de spoiler de lo que se viene). Pero dicho sea de paso, IRENE & SEULGI ya es una entidad que funciona por sí misma.
Logic – No Pressure
«No Pressure» viene a darle el subidón de ánimos que hacía tanta falta en la carrera de Logic, rapero que honestamente no estuvo muy en forma en sus últimos lanzamientos. Pero ya dejemos eso de lado y centrémonos en los que nos convoca: lo buenísimo que es este disco. En breve, es un álbum de un rap absolutamente inspirado a la hora de crear hits, optando por la lucidez y mantener un concepto relativamente minimalista en materia de producción, lo que da el relajo suficiente para que Logic le de el prisma popero que viene a reactivar su carrera. Bien hecho.
un día – Violencia
«Violencia» es la excusa perfecta para el regreso de un día, de la mano de lo que mejor saben hacer: un post-rock de ensueño con un marcado carácter alternativo que ciertamente contrasta y se separa un poco del clásico tono ominoso que ostenta el género. Es justamente ahí donde un día posa sus esfuerzos, en la creación de una música que conecte con el alma y mantener bien cuidada la noción de individualidad, algo a lo que acceden con éxito entre los cuidadosos esbozos y suspiros que desprenden cada uno de sus instrumentos. Incluso más allá del hecho de que nutre la escena del post rock nacional aún más –siendo un nombre clave y propositivo–, va más en la vulnerabilidad que desprende cada emoción contenida en cada nota tocada. Bellísimo.
Jesus Tepes – ternero · EP
Con una marcada noción del minimalismo, Jesús Tepes se arma con su guitarra y ciertos trucos y detalles de producción lo-fi para entablar un diálogo suspirado de corte sumamente emotivo, en donde la melancolía se torna preciosa, y los acordes resuenan en nuestros corazones como directrices que buscan liberar nuestras angustias y aceptar nuestras alegrías pero por sobre todo nuestras tristezas. Sí, «ternero» es un epé delicado que contiene una noción exquisita de lo que pueden hacer las guitarras como traductoras de este lenguaje, donde se evoca y trastoca todo a su paso. Donde es imposible no sentir nada, y honestamente, gracias por eso.
Sloppy Joe – Waiting For The Night Begins
Una escena nutrida es la del dream pop nipón, cuna de nombres como For Tracy Hyde, nos brinda en esta ocasión a Sloppy Joe con un tremendo álbum bajo el brazo: «Waiting For The Night Begins». Esta obra toma todo el carácter alternativo de la herencia de nombres como The Cure y The Smiths, pero con un prisma dream pop siempre álgido –a lo Alvvays– que llena de una energía juvenil todo por doquier. Un álbum para almas jóvenes si quieren decirlo así, pero toda la riqueza y el encanto viene en la musicalidad que es como melodías hipnóticas que endulzan nuestro sentir y tiempo. Realmente un disco precioso.
Lupe Fiasco & Kaelin Ellis – HOUSE · EP
«HOUSE» en breve es una necesaria regresión a una forma de rap más bien minimalista que comulga de cerca con el toque gangsta, pero que aquí existe una matización que obra más en el aspecto íntimo y elegante, en especial en todo lo relativo a la producción, en donde el beat y los samples de un claro toque chill ponen bajo la mirada atenta de todxs el nombre de Kaelin Ellis como productor, siendo el junte perfecto para un Lupe Fiasco en su zona.
Seises – Noches Blancas · EP
Ayudados en toda la magia del blues, Seises nos dan una lectura de un rock amable y generoso, dispuesto a darse conocer de mano de una fuerte narrativa relatora de historias que preceden estas «Noches Blancas», donde de cierta manera se opta por la creación de atmósferas que nos envuelven, lo que es curioso considerando la cotidianidad de sus letras. No es algo tan lejano realmente, pero es el planteamiento poético –o místico por así decirlo– tanto en escritura como en música que enaltece esta obra. Vaya que da gusto escuchar estas tres canciones una y otra vez.
DAOKO – anima
La célebre DAOKO llega con quizás, una de sus obras más frenéticas en el marco del pop fluorescente que la caracteriza. Acá, en «anima» se mantiene muchísimo más experimental, con una producción demente que deja al descubierto todo tipo de encantos que contrastan con su muestra más melodiosa. Un álbum muchísimo más oscuro y quizás el mejor de su carrera –aunque quizás el contexto no le permita mayor reconocimiento–, pero es que con todas las apuestas con las que se lanzó es menester apreciar los experimentos en términos de electrónica, rap y bueno, vanguardia pura. Pero ojo, siempre apuntando al hit. Ahí está la magia.
Visceral – Enterrar lo que soy
«Enterrar lo que soy» viene a renovar la noción que hay del indie, pero no tan así de pretensiones ligadas a una musicalidad que busque explícitamente romper barreras –aunque sí lo hacen–, y es que va más en los planteamientos conceptuales –en forma de matices– que van exprimiendo las posibilidades tanto de la guitarra como de los arreglos que aparezcan de los sintetizadores. Además, el correlato que persiste entre esta constante dicotomía entre lo sintético y lo orgánico genera una retroalimentación constante en lo que es un álbum que crece más y más a medida que avanzan los segundos y las canciones. Da exactamente lo mismo la etiqueta. Discazo.
Dosmil1Huoi – teoría de los espacios comunes · EP
La «teoría de los espacios comunes» viene a innovar en materia de electrónica, optando por un prisma experimental que de cierta prioridad al detalle en solitud, como expresión de un salvaje pero sutil imaginario que retrata con una intensidad inusitada cada emoción. Las atmósferas y asimétricos beats se transforman en la tónica que empapa un EP lleno de ideas fructíferas que muestran por sobre todo una maestría a la hora del sampleo. Muy pero es que muy bueno –y hermoso, no olvidemos lo hermoso–.
Oliver Tree – Ugly Is Beautiful
Quizás Oliver Tree optó por el relajo más que seguir extendiendo esa propuesta histriónica que bordeaba –deliberadamente– la calidad de meme. «Ugly Is Beautiful» es más bien una mirada a generar canciones en el marco de un rock popero que reviste todas las formas que sean conocidas –pop punk, indie rock, etc.–, sitio en el cual el buen Oliver se percibe cómodo. Quizás se extrañe esa originalidad irreverente, pero esto en definitiva genera fanbase y al mismo tiempo el espíritu permanece. No está nada de mal una búsqueda de identidad.
Jessy Lanza – All The Time
«All The Time» es una amalgama simétrica entre las bondades de un montón de géneros y sonidos que convergen y ven en Jessy Lanza el ente perfecto para desenvolverse y encontrar el eslabón perdido a la hora de involucrarse en un festín sonoro. Electrónica, pop y r&b comulgan en una obra que por sobre todo, se destaca en el como hila fino entre los puntos en comunes de dichos preceptos musicales, y los enlaza en cuanto a lo estructural y rítmico en lo electro, un tono r&b y un alma popera que llega a puntos altísimos y siembra ideas que pueden generar movimientos completos a futuro.
Gabriel Rammsy – Imaginación activa
En breve, «Imaginación activa» es un álgido y colorido álbum de pop latino. Algo a lo que ciertamente Gabriel Rammsy cumple en el sentido más libre de la palabra, pues a través de una lupa siempre volátil da espacio a diversas formas en donde se pueden influencias variopintas de afrobeat, trap, jazz y tantos sonidos más. Además, existe una dinámica única donde su rol de compositor luce incluso más credenciales, demostrando no sólo maestría a la hora de desprender su propia personalidad a lo largo de un álbum fascinante, sino que tiene un carácter como productor de suma lucidez a la hora de tener una cantidad generosa de invitadxs que funcionan a la perfeccionan –como si fuesen para ellxs, pero en verdad el espíritu de Gabriel siempre prevalece–. Fruto de la experiencia, sí, pero vaya que consigue dividendos. Discazo, sin lugar a dudas.
Los Días Silvestres – Los Días Silvestres · EP
Bajo un constante contraste entre lo orgánico y lo sintético, Los Días Silvestres enhebran una preciosa forma de indie pop en donde permanece en el aire sus deseos y propósitos, de mano de una propuesta que se escucha ligera pero es justamente ahí donde yace su magia. Es decir, detengámonos a apreciar la musicalidad, donde la sección rítmica siempre dinámica da el paso para que las guitarras arpegiadas y los sintetizadores encuentren un tono enérgico de precisiones, delicado y con mucha personalidad. En breve, un puñado de canciones danzarinas que relucen por la galería de melodías en sus composiciones. Bravo.
El Auténtico Dios – Campeón del Mundo
«Campéon del Mundo» es una muestra certera de un rock apoyado fuertemente en sus raíces blueseras, lo que deviene en distintas formas de ejecutarlo, cortesía de El Auténtico Dios, agrupación que busca en la narrativa de sus versos, la inspiración y el vehículo para que sus acordes y riffs encuentren el nicho especial para generar verdaderos himnos de reflexiones, desamor y las vicisitudes de la vida. El futuro es realmente prometedor.
Kamaal Williams – Wu Hen
Centrándonos en el carácter espacial y volátil que ostentan las producciones y composiciones de un Kamaal Williams infinitamente inspirado, veremos como se construye y materializa esta noción del nu jazz, con un fuerte componente de la electrónica –comulgando de cerca con lo obrado por nombres como Flying Lotus y Kaytranada. Pero así las cosas, lejos de pretensiones, este «Wu Hen» se alza como una muestra frenética de lo que se puede hacer al extrapolar y yuxtaponer las distintas ventajas y bondades que tienen tanto el jazz y la electronica –que de por cierto tienen más en común de lo que se pudiese creer, como en la fundamental figura de la improvisación que ambos sonidos predican–.
Father John Misty – Anthem +3 · EP
Finalmente un poco lejos de las ironías e intensidades de sus últimas dos producciones, Father John Misty se toma un respiro, en el marco de la pandemia que azota el mundo, para obrar por la arista más amable de su propuesta, articulando un folk realmente calmante y tranquilo, en lo que deviene en un flujo de melodías sanadoras perfectas para estos momentos. Sin mayores pretensiones, por una vez en su vida. Sólo puro sentimiento.
Terrace Martin, Robert Glasper, 9th Wonder, Kamasi Washington – Dinner Party · EP
En lo que es una muestra de neo-soul inundada en un sinfín de colores venideros del increíble imaginario que surge de esta comunión entre Terrace Martin, Robert Glasper y 9th Wonder, quienes, ayudados por un siempre imponente Kamasi Washington, hacen fluir el sentimiento en torno al lenguaje que existe en la interpretación y ejecución de cada pieza de una canción, tarea que tamaños artistas consiguen con una fluidez inusitada.
The Aces – Under My Influence
«Under My Influence» es un energético ejemplo de la tenue pero importante evolución que presentaron las The Aces en este momento de su carrera. Dándole más importancia al aspecto electrónico, al funk y a la musicalidad en las guitarras, The Aces nos brinda un álbum lleno de influencias clásicas que se sitúa en la actualidad con una actitud desbordante y hits inagotables dispuestos a maravillar a quien se pose ante estas canciones.
Animal Collective – Bridge To Quiet · EP
Los siempre experimentales Animal Collective buscan retratar este paso al silencio a través de un sinfín de prismas y muros de sonido que ven en una extraña forma de indie psicodélico expresionista el catalizador para cumplir con dicha taera. Así, en 34 minutos –sí, es un EP– se embarcan en un verdadero viaje –cuándo no– por la búsqueda a dicha respuesta, en secuencias que relucen por su infinitud y sus experimentos en materia de producción algo más apoyada en la electronica. Buen EP.
Imperial Triumphant – Alphaville
¿Qué es esto? «Alphaville» juega desde el shock, pero no de manera barata, sino en el profundo impacto que sucede de como maniobraron el black metal de tal manera para, literalmente convertirlo en otra entidad en donde se aceptan conceptos más universales para poder contemplar y aceptar su profunda complejidad como lo son «metal extremo» y «avant-garde». Es que qué clase de locura es esta. Una verdadera oda ácida a lo que es el género más extremo del mundo, maniobrado en filosos riffs bien estridentes que particularmente nos recuerden a esa osadía que en su momento mostró The Dillinger Escape Plan, aunque claro, se diferencian titánicamente. Pero el punto no va por ahí, el punto va por como se reimaginaron todo un género para mantener la esencia, pero aún así transformar la forma del todo. Definitivamente cosas buenas están sucediendo en los páramos más under del metal extremo. Discazo a todas luces. Demencia total.
