Escritas por:
Jota: Desde Denzel Curry & Kenny Beats hasta Raveena.
Felipe: Desde Grimes hasta La Roux.
Hernán: Desde Tame Impala hasta Khruangbin & Leon Bridges
Denzel Curry & Kenny Beats – UNLOCKED · EP
Este team-up entre la fiereza de Denzel Curry y la creatividad de Kenny Beats produjo un puñado de canciones que vienen a destrozar speakers. Sí, «UNLOCKED» suena contundente, disonante y estruendoso, evocando una oscuridad viciosa que verso tras verso, beat tras beat, cambia de forma con ángulos amenazantes, una y otra vez.
Además existe cierta comunión entre un rap más clásico junto al actual trap, que de cierta manera emerge como una explosión de sonidos que, aún cuando se presenten como un ariete de batalla, más directo e incisivo que cualquier cosa, conserva un montón de secretos que se esparcen entre lo tangible y lo que no. Sin duda, es una colección de canciones agresivas que no dejarán a nadie indiferente.
Soccer Mommy – color theory
Este «color theory» nos muestra la versión más compleja de Soccer Mommy. Más detallista, más madura, –aún– más preocupada por una correlación conceptual entre lo que escribe, evoca e interpreta. Queda a plena escucha una producción mucho más pulcra –a diferencia del toque visceral del tremendo «Clean» (2018) y producciones anteriores–, lo que significa un tratamiento mucho más delicado, propiciando nuevas texturas para los sentimientos integrados entre esos acordes y arreglos que llegan a puntos altísimos.
Quizás sea la devoción de Sophie Allison por su –difunta– madre, que aparece en cada rincón, arista y ángulo de este álbum. Toda ese melancolía, todo ese amor, toda esa honestidad sobre su percepción sobre su propia persona, su depresión, y un cariño infinito por aquella persona que siempre estará en el corazón, porque nunca se deja de sentir.
Sí, Soccer Mommy se supera una vez más –y no pareciera que vaya a parar el momentum en algún futuro cercano–, pues este «color theory» desprende una dedicación humana entrañable, en cada detalle que nos da una nueva lectura del sentido imaginario de Allison. Una belleza de álbum.
Caribou – Suddenly
El buen Caribou siempre ha sido un aventurero. Con la electrónica como su herramienta y transporte principal ha elucubrado miradas variadas del género, ya sea del house, folk, ambient, IDM, etc. Nada es obstáculo para impedir su ávida creatividad, y eso al mismo tiempo, no se detendrá por un buen tiempo, pues este «Suddenly» es el argumento más contundente que justifica la inagotable sed de Dan Snaith.
Nada quedó fuera de la lupa en este álbum. Siendo esencialmente un álbum bailable, la espectacular voz de Caribou toma las riendas a través de infinitos beats que se van entrelazando de maneras compleja, capa por capa, detalle a detalle, ¿y lo mejor? Es que el baile jamás para.
Todo el legado de Caribou se hace presente aquí, con una apuesta que se decanta entre el deep house y sobre todo, la indietronica –sonido que cada vez trasciende más en estos tiempos– y que toma el papel estelar gracias a la decisión de cantar de manera más protagónica. Que más les podemos decir, este innovador realmente hace gala de su constancia y resiliencia al respecto.
Allie X – Cape God
«Cape God» viene a entregar la consistencia y consolidación que Allie X merecía. Pues este álbum viene a perfeccionar cada detalle de su pop oscuro, dándole una forma mucho más definida, atrevida y con mayor personalidad. Puede que el análisis de la identidad que recae en estas canciones tenga algo que ver, pero aquí el aspecto vicioso permanece en cada faceta demostrada, como el electropop, el funk y el synthpop.
Todos los elementos generan una nomenclatura compleja y bastante comprimida, certera en su visión, con una participación balanceada entre lo orgánico y lo sintético, así como con apariciones estelares de nuevas figuras del pop como lo son Mitski y Troye Sivan.
Así Allie X nos entrega su mejor disco a la fecha, y su carta de presentación más contundente. Déjense seducir por estos pasajes de melancolía, sus beats y grooves simplemente son irresistibles.
Sightless Pit – Grave of a Dog
Sightless Pit es ese proyecto que nadie se esperaba, y que nadie sabía que necesitábamos tanto. Directo desde la escena más vanguardista, desafiante y experimental de la música pesada, nace un nuevo supergrupo conformado por nada más ni menos que Kristin Hayter –la mismísima LINGUA IGNOTA–, Dylan Walker –de Full Of Hell–, y Lee Buford –de The Body–.
¿Qué tienen en común? Pues el noise, y el uso –en mayor o menor medida– de una peculiar visión del industrial: el death industrial. Con dicha base es que nace este «Grave of a Dog», con una visión compartida entre las mejores virtudes de cada quien, reluciendo el manejo visceral en electrónica y programaciones de Buford; la voz, herencia clásica y experimental visión de Hayter; y la sanguinaria voz y noise de Walker.
Ojala Sightless Pit sea un proyecto que eche raíces, pues lo logrado aquí, incluso con las tremendas alturas alcanzadas, presenta un potencial infinito.
manual de combate – Mapas Auténticos del Mundo Imaginario. Mapas Imaginarios del Mundo Real
Con manifestaciones imperecederas de free jazz, manual de combate nos brinda un álbum que desafía toda noción, tanto estructurales como estéticas. Todo esquema se corroe, para dar paso a una bestia indomable de la mano de un punk y hardcore que hacen gala de su característica más esencial: la libertad.
Con dicha narrativa, y tomándose a pecho las directrices del DIY, en manuel de combate persiguen sus deseos y anhelos incinerando todo a su paso, destrozando a través de una musicalidad que evoca incomodidad, exacerbando el noise al máximo para dejar cicatrices de sus propósitos. Que no quede ninguna duda, el género jamás había sonado así de creativo.
Moses Sumney – græ: Part 1
Esta primera parte del esperadísimo «græ», nos muestra a un Moses Sumney redefiniendo al 100% los límites del art pop y la música indie en general. Desapegado de cualquier noción clásica –e incluso contemporánea del género–, Sumney da un paso adelante hacia la belleza de lo cotidiano, entregando su peculiar mirada de estos fenómenos indiferentes para el resto de los mortales.
Con una voz e interpretación sumamente versatil, Moses Sumney da cátedra en cuanto a experimentación, equilibrando lo orgánico y lo sintético, e instaurando una nueva noción de elegancia en lo que es un álbum sumamente complejo y que de seguro llegará a alturas inesperadas una vez sea lanzado por completo.
BTS – MAP OF THE SOUL : 7
Después de un cambio de planes, BTS finalmente nos trae este «MAP OF THE SOUL : 7», un álbum que viene hacer una demostración íntegra de las capacidades y afinidades de la boy band, incluyendo –en su función de repackage– gran parte de las piezas de «MAP OF THE SOUL : PERSONA», junto a una gran cantidad de canciones inéditas.
Si bien existe cierto desorden en el tono del álbum –a propósito de la multiplicidad de sonidos entre canciones que no siempre resulta–, si es real que la capacidad productora de éxitos sigue tan potente como siempre, mostrando un potencial y una inclinación aún más marcada al mercado occidental.
Quizás la característica más importante es la diversificación del tono, oscureciendo y añadiendo cierta complejidad al tono ligero de «PERSONA», lo que a fin de cuentas, siempre ha sido el gran fuerte de BTS, al permitir lucir con mayor libertad las virtudes de los diferentes miembros.
Parálisis Del Sueño – Brígido
«Brígido» trae nuevos colores y texturas a una sopesada y trabaja visión de un rock que por sobre todas las cosas, es expresivo. Aquí no importa mucho realmente la etiqueta, lo relevante y que termina por trascender es el cómo Paralísis Del Sueño consigue plasmar su versión más humana a través de la música de guitarras, dando especial énfasis a los arreglos y detalles, lo que toma aún más peso dada la interpretación flexible y laxa, como si no costara nada depositar todas esas emociones en dichos versos y notas.
Así, «Brígido» nos brinda una colección de canciones con melodías por doquier, de las que quedan para siempre y ocupan un lugar preciado en nuestras memorias. Un disco complejo pero de fácil escucha, cosa que no es fácil conseguir.
SCANDAL – Kiss from the darkness
Puesto en breve, «Kiss from the darkness» es una colección de canciones enérgicas que bien canalizan todo el legado de SCANDAL, una banda que a estas alturas goza de un importante estatus en la tierra del Sol Naciente. De hecho, justamente recae en la variedad de tonificaciones y colores la fortaleza de su pop polimorfo, adecuándose a cuantas posibilidades puedan dar las guitarras. Definitivamente un disco que la fanaticada apreciará.
Sepultura – Quadra
Cuando me enteré que el nuevo disco de Sepultura tenía una aproximación prog, definitivamente me sentí carcomido por la curiosidad. ¿Qué podría significar eso? Me pregunté.
La verdad es que «Quadra» en efecto tiene un tono progresivo notorio, y significa un montón de bondades y ventajas para unos Sepultura que si bien algo de sed creativa recuperaron en «Machine Messiah» (2017), aún faltaba el impacto y la trascendencia.
El problema es que, «Quadra» aún mantiene gran parte de los clichés de Sepultura, tanto de la versión clásica como la post-Max Cavalera. Incluso algunos cortes son referencias absurdamente directas a canciones del pasado. Es por ello que el corte progresivo simplemente se echa el álbum al hombro. Pero ojalá se mantenga ahí y de frutos, porque tampoco negaré que hubieron segmentos que me volaron la cabeza a ratos.
EVERGLOW – reminiscence · EP
Las EVERGLOW siguen en la carrera por la consolidación –de cara a un eventual LP–, cosechando de a poco su popularidad con EP’s que demuestran una actitud avasalladora y hits adictivos. Este «reminiscence» no es la excepción a ello, entregando un puñado de canciones con una producción portentosa, articulando cadencias interesantes y poperas al mismo tiempo.
Nada nuevo, sí. Pero la función que estos bangers tienen la cumplen a cabalidad y más. Seguimos atentos a su carrera con sed de un larga duración.
Giver – Sculpture of Violence
Bajo el alero de la tremenda Holy Roar Records, Giver nos brinda «Sculpture of Violence», una verdadera crítica punzante a través del tono incendiario de sus letras, que ya tienen la corpulencia suficiente para dejarnos boquiabiertos, pero no vimos venir la tremenda fusión que se mandan.
Dejándolo en simple, «Sculpture of Violence» toma la versatilidad y maleabilidad de dos de los géneros más creativos de los últimos tiempos: la plena y estruendosa libertad del hardcore, junto a las estéticas expresionistas del black metal.
Así, con una estructura directa y cambiante –la parte hardcore–, aparecen las tonalidades y melodías del black para entregarnos una propuesta sumamente contundente, estruendosa, oscura, pero por sobre todo, sensible.
Hitsuji Bungaku – Zawameki · EP
Este trío nipón nos entrega una versión fresca sin tantas pretensiones del indie de guitarras, manteniendo las proporciones, entregando un enfoque entre los matices pero por sobre todo en el poder expresivo de sus composiciones, dejando en claro el espíritu que Hitsuji Bungaku ostenta.
Así, la peculiar sensibilidad japonesa se entrelaza con el minimalismo del indie, entregando canciones conmovedoras donde las texturas provenientes de un ocasional shoegazing sencillo elevan el carácter de este EP.
Pertinente Punk Rock – La Quina Iba Vacía
«La Quina Iba Vacía» tiene ese toque cotidiano que desprende personalidad por doquier, esparcido entre piezas de un punk rock enérgico, fulminante y sumamente melódico. Pero quizás la fortaleza más entrañable de Pertinente Punk Rock, que se hace aún más patente en este álbum, es en capacidad de unificar y generar comunión alrededor de canciones sin mayor pretensiones que divertir, y porqué no, generar cierto cuestionamiento a través de sátiras. El buen rato está más que garantizado.
Beach Bunny – Honeymoon
Inseguridad, desamor, críticas viscerales a los standards de belleza, entre otros tópicos forman parte del contenido de «Honeymoon», un disco que desde la sencillez de las melodías, procura no sólo despertar nuestros espíritus juveniles, sino reclamar a voz firme ante las directrices anticuadas de una sociedad que sigue dificultando el día a día de las generaciones más jóvenes –y las mayores, evidentemente–.
De ahí viene el electrificante power pop, sin mayores pretensiones, más que un sinfín de melodías y coros memorables que vienen a inyectarnos de energía, de anhelos, de confusiones, de lo que sea, pero que buscan que dejemos salir todas esas emociones. Por eso es que vale la pena escucharlo, pues existe dicha humanidad.
Tycho – Simulcast
«Simulcast» es una demostración fidedigna del pleno entendimiento que tiene Tycho del pop y su rol en la electronica, aún cuando sea totalmente sin letras. Así, se hace patente el rol de este álbum, que recae más que nada en música ambiental con un feeling muy agradable y ligero, denotando un minimalismo que si bien, no es para cualquier momento del día, cuando aparece, cumple todos sus propósitos.
No es lo mejor que ha sacado Tycho, ni tampoco es ni de cerca algo malo y olvidable. Es tan sólo una colección de canciones que se disponen a relajar la mente, y dar algo de calma, que tan necesario es en estos tiempos de ansiedad. Qué gran coincidencia.
Pobre Topo – Lira · EP
«Lira» nos brinda un puñado breve de canciones con sentimientos a flor de piel, donde destaca su estética y ejecución etérea dando cierto peso a sus guitarras así como a la voz –en especial esta última dado el tono profundo que ostenta–. Así, Pobre Topo nos entrega su carta de presentación en donde el indie presenta cierto minimalismo, dejando la dirección del EP a los sentimientos evocados, que bajo su faceta dreamy, nos abriga desde el primer segundo.
Cindy Lee – What’s Tonight To Eternity
Antes de cualquier cosa, es clave decir que no existe ningún género o etiqueta suficiente como para describir en pocas palabras lo que es «What’s Tonight To Eternity», y es que Cindy Lee nos entrega su obra más peculiar y única –hasta el momento– en lo que es un devenir de ideas trazadas desde distintas áreas de lo experimental, donde la estética lo-fi unifica la demencia de distintas aristas como el folk, art pop, space rock, baroque pop, y un sinfín de sonoridades que se entrelazan de maneras deliberadamente irregulares y desproporcionales para brindar una experiencia de esas que no hay.
Arteaga – Season of the Witch, Vol. IV · EP
Con una narrativa única, Arteaga nos presenta una versión ácida y adictiva de lo que el stoner puede lograr en estos tiempos. Así, este «Season Of The Witch» es nada más ni menos que una maquinaria de riffs bañada en toda estética oscura y ocultista de relatos de horror idiosincráticos, entregando un toque único.
Claro, la cosa toma mayor peso cuando aparece toda la personalidad del hard rock, terminando de entregar una colección de canciones redondas y efectivas.
Sakurako Ohara – Passion
Puede que Sakurako Ohara nos haya entregado su álbum con más personalidad, y una actitud más directa. «Passion» ostenta la paleta de colores variada ya clásica de la artista, pero ahora existe una aproximación mucho más concentrada en el groove y en la potencia del feeling entregado, con un ritmo mucho más enérgico y un tono más contundente que de antaño, sin dejar de lado la esencia. Una buena añadidura a su discografía sin duda.
Raveena – Moonstone · EP
«Moonstone» viene a expandir y trabajar desde el punto de partida que fue «Lucid» (2019). Aquí, Raveena profundiza no sólo en las texturas de su R&B mágico y elegante, sino que también toma otros recursos para dar forma a su visión, encontrando una peculiar forma cercana al dream pop para llegar a ello. Que eche raíces no más, porque el potencial es infinito. Muy buen EP.
Grimes – Miss_Anthrop0cene
Bienvenidos a la distopía musical preparada por Grimes. Un viaje repleto de complejos laberintos abiertos a explorar un devastado terreno, en donde habitan todo tipo de preocupaciones expresadas como un llamado urgente a revertir nuestra propia extinción.
La incomodidad melancólica de Miss Anthropocene se expresa de buena manera en cortes como So Heavy I Feel Through the Earth o la épica New Gods, las cuales vislumbran una muestra escalofriante de un apocalíptico futuro no tan lejano, sin embargo la oscuridad latente en esta obra mimetiza la ambición de sonidos expuestos con una gracia difícil de asemejar a la primera.
Grimes nos ha acostumbrado a ir siempre un poco más allá en su música, y aunque lo apacible de su beta más Pop se hace presente en cortes como Delete Forever o la genial You’ll Miss me When I’m Not Around, la mayor parte del contenido de este quinto trabajo profundiza en un atmosférico pasar de miedos modernos maquillados como una apuesta ajena a nuevas tendencias, más no a buscar el sonido del mañana. Es quizás como compendio de ideas donde la falta de un single potente (al contrario de su anterior Art Angels), termina por enfocar en su totalidad el arte de una obra relevante en el qué y el cómo.
Against All Logic – 2017 – 2019
Nicolas Jaar constantemente se ve envuelto en un espiral de ideas cercanas a lo poco convencional, en donde los cortes políticos se han hecho de cierto alter ego bajo el nombre de Against All Logic, lugar por el cual transcurren las más inconexas muestras de prolijidad y caós.
Si bien la contracultura expuesta en su anterior y cercano EP se esfuma en este ejercicio de romper las reglas bajo una secuencia de quebradizas huellas del Dance, lo que nos convoca expresa una muestra fehaciente de la fiebre provocada por la simulación House que este compilado de cortes ha logrado equilibrar con un pie en descubrir el pasado, y el otro en terremotear los ritmos del futuro.
Los 12 tracks que componen este viaje 2017 – 2019, se enfoca totalmente en las rítmicas y percusiones, dentro de un catastro abierto de mid-tempo y sofisticación ligada al ruido, conectando esa faceta política con un sinfín de ingredientes que entregan continuidad e identidad a lo que Jaar dispone en esta otra cara del arte.
LOOΠΔ – [#] · EP
Este nuevo paso para LOOΠΔ luego de un año fuera de las pistas, arremete más allá de una evolución lógica en el sonido del grupo, ensañándose de elementos dispuestos a despertar el lado más salvaje de esa maquinaria ensamblada con tanto ingenio por ellas.
Prácticamente en cortes como «So What» se alzan como una fuerza imparable, en medio de una producción tan inquieta como fulminante, acudiendo en todo momento por ese camino poco genérico que logran desarrollar en este nuevo [#], abultada de un despertar incendiario y desafiante en todos sus cánones. Solo 5 canciones que recogen casi como un recordatorio de la nula limitación yacente en su propuesta.
Bad Bunny – YHLQMDLG
A estas alturas Bad Bunny es fácilmente la mayor estrella Latina del momento y eso se debe en gran medida a la actitud poco temerosa con la que ha afrontado su segundo álbum YHLQMDLG. De la misma manera que con X100PRE, el cantante se quita cualquier etiqueta dejando prácticamente como una conversación poco acertada el tratar de encasillarlo, si con el solo inicio con «Si veo a tu mamá» -sampleando el clásico del Bossanova The Girl from Ipanema- nos deja al tanto de las posibilidades musicales a las cuales puede llegar. Pero más allá de cualquier análisis, este nuevo acto está casi pensado como una fiesta interminable, repleta de excesos, una duración engañosa e invitados como Daddy Yankee, Jowell & Randy, la nueva sangre de Duki o Pablo Chill-E, entre otros.
Desde el aspecto más emocional característico del conejo malo auspiciado por canciones como «Pero ya no» o el remate robótico en «Solía», pasando por hits instantáneos de la (mal) denominada fiebre urbana en «La difícil», «La Santa» o «A tu merced», llegando al Trap más puro y duro de «Está cabrón ser yo» y «P FKN R».
Sin embargo el aspecto más original y revolucionario viene en formatos poco convencionales, en donde la evolución del sonido propuesto con tanta pegada por Benito, adquiere una épica y resonancia tan relevante como reveladora. Si ese llamado de respeto hacía la mujer (ya antes visto en su música) en la frenética «Yo perreo sola», el quiebre futurista de «Hablamos mañana» o la construcción progresiva de ese Reggaeton clásico de «Safaera» rompen esquemas, es netamente por la impronta de personalidad que Bad Bunny ha dejado más que claro en YHLQMDLG, uno de los hitos más bullados del último tiempo.
Hayley Williams – Petals For Armor I
Perfectamente Hayley Williams pudo haberse lanzado como solista hace mucho tiempo, sin embargo aguardaba un momento especial y sin dudas, lo que plantea Petals For Armor I es razón suficiente para hacerlo. Se nota a leguas que esta primera probada de su primer larga duración como una experiencia de llevar al límite tus inquietudes, y tal parece que variadas cosas son las que escucharemos de este trabajo, que en solo 5 canciones propone todo un nuevo comienzo para Hayley.
Princess Nokia – Everything Sucks
Everything Sucks, parte de esa apuesta doble con sabor agridulce que Princess Nokia presentaría en febrero, vislumbra esa rabia, frustración e intensos coletazos de la cara más sucia, dura y explosiva de la artista, hallando en cierta exageración del modelo el ingrediente principal con el cual encender la pólvora. Quizás en cierto sentido la cantidad de canciones de ambos proyectos agobien, pero es innegable el buen nivel que alcanzan cortes como «Crazy House» o «Fee Fi Fou».
envy – The Fallen Crimson
The Fallen Crimson posee motivos suficientes para replantear un poco el camino de envy, siendo un ejercicio de reformulación de su sonido para así hallar la emoción necesaria con la cual exprimir las fortalezas de su legado. Con momentos cercanos a la exploración progresiva, este álbum se siente maduro en su furia, contemplativo en recursos y dinámico en toda su explosiva apuesta, al filo de la crudeza y lo melódico de su propia existencia.
Maletas – Hogar · EP
Hogar relincha una calidez hogareña, que a ratos se vuelve extraña, confusa, condicionada a lo atrapante -pero gratificante- que puede volverse el tiempo bajo ciertas condiciones. Maletas nos brinda una personal muestra de canciones sobre el día a día desde la rutina y los espacios de comunión propios hallados en nuestra morada.
PALO – Esto es Como Raro, No Amor?
La aventura a la cual nos introduce PALO con esta odisea sobre la desilusión amorosa y la fragilidad del yo más profundo, nos va relatando el final de una relación a través de un compendio íntimo pero abrazador de canciones con vocación Folk. El aspecto lo-fi de Esto es como raro, no amor? le entrega una calidez especial a este fatídico incidente, que tan mal nos puede dejar como razones por las que continuar.
Princess Nokia – Everything Is Beautiful
La otra muestra de dualidad ligada al concepto más R&B de Princess Nokia, encuentra una evolución más real, careciendo de lo forzado que podía sonar su hermana malvada, en donde la artista encuentra mayor paz a la hora de concretar ideas. Como un torbellino de vibras y energías, Everything Is Beautiful se nos hace muy corto, congeniando su gracia con esas ganas de más que podamos sentir después de escuchar cortes como «Sunday Beast» o «Happy Place».
Kvelertak – Splid
Lo de Kvelertak en Splid ha sido una especie de fusión inconclusa de muchas conclusiones presentes. Un torbellino de cosas que pasan entre lo melódico y extremo, a ratos demasiado conforme consigo mismo, en otros la buena herencia de sus mejores tiempo. Y no es que este álbum sea malo -a pesar de la partida de su vocalista en 2018-, más bien carece de frescura, sintiéndose a ratos mecánico y monótono, y eso que todo el rollo de los cambios de ritmos e intensidades sigue ahí.
Young Cister – PERREAMOS? · EP
Young Cister acoge las muestras necesarias de inspiración en el Reggaeton para lanzar PERREAMOS?, un EP de tres canciones que funciona como trilogía para que el rapero y productor vista de elegancia e intensidad ese llameante ‘hit de verano’ que corre por las venas de cada corte. Ambientes salpicados por su personalidad nata, un dembow punzante y la gracia de su faceta más innovadora.
Navy Blue – Àdá Irin
Navy Blue ha decidido trazar su propio camino y en un ejercicio honesto de amor por el sample, la inagotable beta creativa del joven rapero supera limites y se alza como uno de los álbumes más interesantes del género.
La consistencia del recorrido propuesto en Àdá Irin apuesta por dejar fluir vibras y ambientes bajo una inyectada capa de humo donde pasan sus raices mismas, al son de la historia, el presente y la vitalidad de la comunión personal. Todo se ejecuta como un colectivo de memorias y pensamientos, siendo una narrativa que versea cuando se hace necesario, y en otras ocasiones solo contempla la inmensidad del firmamento.
Green Day – Father of All…
El nuevo álbum de Green Day puede significar una mala broma, una caricatura de sí mismos, un triste sin sentido de circunstancias que pueden haber influido en Father of All. Es cierto que este trabajo se siente como si la banda hubiera tenido que cumplir contrato, o más bien un regreso amateur a unas raíces que francamente nunca existieron. No se qué es.
Agnes Obel – Myopia
La fragilidad con la que está compuesto este grito/susurro silencioso de Agnes Obel titulado Myopia, se siente como un encuentro personal consigo misma, de hecho nos transmite cierta sensación de soledad en donde no hicieron falta más actores que la artista misma. La grabación de esta obra está marcado por el carácter reservado de Agnes, siendo ella la gran arquitecta en todos los aspectos, desde sonido a interpretación, y no existe mejor forma de llegar a nosotros que con la fortaleza de sus propias luchas contra sus demonios hechos canciones. Un ejercicio de aprendizaje constante que relata una experiencia sobre cogedora.
Caña Blues – Blues Pesado Valdiviano · EP
El Blues Pesado Valdiviano que nos ofrece Caña Blues se siente como una invitación a la mejor versión del Blues Rock, sin perder en ningún momento las ganas de querer llevar al limite la distorsión o potencia de su cometido. Duro de roer, fácil de apreciar puesto que el EP desde su gran impresión de sonido, suena tan familiar y a la vez ajeno a la monotonía, brillando por su dinámica elaborada a puros temazos.
DREAMCATCHER – Dystopia: The Tree of Language
La cinematográfica apuesta de Dystopia: The Tree of language nos lleva a imaginar todo un universo de narrativas bajo la excelente musicalización propuesta por Dreamcatcher. Adoptando el Pop desde la potente construcción de ambientes, con quiebres marcados a una progresión que fácilmente puede recurrir al Riff como a lo melódico de su propuesta, con notables momentos en donde las intensidades refuerzan tanto el disco como la coherencia con la que es tratado, siendo este Dystopia parte esencial de esa comunión entre los sonidos extremos y la química innovadora de DREAMCATCHER.
Machine Girl – U-Void Synthetizer
La máxima expresión de lo macro dentro de la música curada casi como un arma de destrucción masiva por el dúo Machine Girl, es también una fuente inagotable de crudos sonidos que se mezclan entre sí como una Rave eterna y extrema de reminiscencias al Hardcore, Grindcore, Breakbeat o Drum and Bass. U-Void Synthetizer captura ese aura especial de un número importante de cosas pasando en un mismo momento, recurriendo al ruido metálico de la música industrial tanto como al espacio de experimentación deliberada de sonidos rompedores.
skillkills – Chunk
La encrucijada de sonidos con el que skillkills construye este collage de beats y rap no solo demuestra el tremendo nivel con el que Chunk fue concebido, si no que también un panorama que aborda la nomenclatura de la producción desde una perspectiva clásica pero futurista. La banda Nipona habita el espíritu colectivo de comunicación en donde fluyen las ideas tanto como lo arriesgado de sus composiciones, elaborando con ciertas sales esenciales, todo un universo de cósmicas proporciones en donde el uso del sample se vuelve totalmente loco, revelador y rupturista.
La Roux – Supervision
El contexto muchas veces puede jugarte una mala pasada y quizás el caso de ignorancia hacia Supervision de La Roux sea tan exagerado, que parece fuera de época. En tiempos donde el Pop avanza a pasos agigantados, trabajos más nostálgicos como este álbum pueden caer fuera de competencia, sin embargo la gran fortaleza de este trabajo es el alma que la artista puso en la construcción de todas sus canciones, siendo una autodidacta que explora a la perfección el sonido más que el motivo de ser contado. En ese sentido Supervision es un homenaje a lo orgánico desde la mirada personal, caprichosa e inspirada de La Roux.
Tame Impala – The Slow Rush
Nos ponemos en el contexto de tener una de esas bandas insignes de la década de los 2010’s , masiva y predilecta por los acérrimos fans del rock psicodélico. Sí, Tame Impala nos volvió a sorprender en esta década en pañales con su cuarto álbum de estudio The Slow Rush, en un intento del cerebro tras Tame Impala, Kevin Parker, en recrear su disco de ensueño.
Tal como lo dice su nombre, The Slow Rush pretende entrometernos en un mundo de la “Prisa Lenta”, donde el sonido es más recatado, más sumiso y por no decirlo “Mainstream”, entrando casi en un synth-pop psicodélico que contrasta con sus anteriores trabajos, como el rock psicodélico puro del Lonerism (2012) o el fresco y propositivo Currents (2015).
The Slow Rush parece ser un disco más maduro y fiel a los principios de Kevin Parker, con más soltura en cierto sentido de manufacturar una pieza bien refinada y disfrutable más que fresca y propositiva; empezando de manera magnifica con las primeros cinco tracks -destacando la distorsionada One More Year, Bordeline, Posthumous Forgiveness y Breathe Deeper– y desacelerando un poco en la segunda parte del álbum.
Sabemos que el impacto de Tame Impala es sumamente fuerte en esta generación musical, The Slow Rush es un paso adelante en la carrera de Tame Impala en cuanto a libertad creativa y madurez se refiere -sabemos lo polémico que puede sonar esto-, pero que todavía no pierde esa magia desarrollada en sus grandiosos dos discos anteriores -no pierde la esencia-. Buen disco.
Christine and The Queens – La vita nuova · EP
El Proyecto de Héloïse Letissier conocido como Christine and The Queens vuelve a sorprendernos con un formato corto (EP), dos años después de su aclamado segundo álbum de estudio, Chris (2018). La vita nuova contempla canciones en el idioma nativo de la artista, donde la barrera idiomática poco importa, además de incluir versiones en inglés y una colaboración en italiano de la vita nuova con Caroline Polachek.
El synth-pop como artefacto principal, en una mescolanza con suavidad artística, teatral y limpia, donde la voz se hace participe también con una soltura tremenda, dando hincapié al recurso narrativo propio del idioma francés. La vita nuova es de fácil escucha, pero con tremenda calidad musical y de producción y, por sobre todo, una elegancia sutil.
King Krule – Man Alive!
Archy Ivan Marshall A.K.A. King Krule lanza lo que sería su cuarto disco de estudio -tercero como King Krule– Man Alive!, que nos narra una poesía existencialista en su sonido. Desde la Joy Divisionesca entrada con Cellular, hasta los pasajes más inquietantes de Avant-garde jazz con harta pizca de art-rock al más puro estilo del Blackstar en Slinky o Perfecto Miserable, tejiendo una amalgama de influencias, Man Alive! nos provee de la mejor versión de Marshall, construyendo un espectral y vanguardista extenso que mantiene sumergido al oyente en un paisaje dramático y oscuro.
Si, no es una escucha fácil a la primera debido a su carácter denso y literario, la voz de Marshall manifiesta distintos niveles de desesperación, desde la calma misma, drogada y apacible hasta el desgarrador aullido, pasando por momentos de locura con el magnífico saxofonista argentino Ignacio Salvadores -que además aporta de susurros en español- y con la aplicación de distintas texturas y atmósferas raras, disonantes.
Man Alive! parece ser el gran despliegue de la carrera de King Krule, desde el destello de creatividad de lo que fue The Ooz (2017) y el precoz 6 Feet Beneath The Moon (2013), parece ser que con este LP, Archy Ivan Marshall dio el salto a lo excelso y promisorio, portándose como un artista de vanguardia y preciso en entender lo que será el sonido del art-rock de esta generación.
ELRIS – JACKPOT · EP
El girl group surcoreano ELRIS regresa tras un largo 2019 sin novedades y con dos integrantes nuevas. JACKPOT demuestra todo lo mejor del pop azucarado de la industria, dejando la sobresaturación de lado de bangers y pistas con coros repetitivos para darle cabida a piezas más fieles a los orígenes del género, con canciones más que interesantes y pegajosas en donde se fusionan los estilos, aplicando ciertos pasajes de EDM también y dance-pop como en Like I Do o estilo más enigmático como en No Big Deal. JACKPOT también es un gran sencillo de estructura bizarra y bien adictiva, junto con This is me que son el plato fuerte del EP. Un buen y entretenido disco de k-pop para los amantes del género.
Ozzy Osbourne – Ordinary Man
Tras una década entera sin noticias en el ámbito musical solista de Ozzy Osbourne, el exlíder de Black Sabbath lanza lo que sería el sucesor de su disco Scream (2010): Ordinary Man. Anecdóticamente, este extenso fue elaborado en un corto periodo de tiempo y cuenta con la participación en los instrumentales de parte de Guns N’ Roses (Duff McKagan en el bajo y Slash en la guitarra en ciertos temas) y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) en la batería y con features de la talla de Elton John, Post Malone y Travis Scott. Ordinary Man parece ser un poco más del mismo excéntrico -y ya en el ocaso de su carrera- Ozzy, demostrando que aún se sostiene en su clásico estilo hard rock, componiendo tonadas de buen calibre musical, bien hechas y correctas.
Con momentos de alta carga emocional como el homónimo con Elton John, hasta ciertos pasajes que recuerdan a los mejores momentos de su carrera solista, además de ponerle cierta textura de sonido moderno con It’s a Raid (ft. Post Malone). Si bien se mantiene un Ozzy sobre producido –y además de unos fallos en la producción, donde verdaderamente no suena tan llenador e incluso hasta sucio en el mal sentido-, es un álbum bastante correcto y que seguro es de escucha instantánea del fanático acérrimo de Ozzy. Esperemos que su salud continúe con noticias alentadoras y que con este LP pueda darle esa merecida despedida de tanto legado.
Los Ciudadanos – Rock N’ Roll y Baile · EP
La banda nacional Los Ciudadanos, formada en 2016, presentan su EP debut llamado Rock N’ Roll y Baile y, como su dice su título, el concepto es únicamente una mezcla de hard rock bien potente, influenciado por artistas como AC/DC, Led Zeppelin o incluso Hielo Negro en la escena nacional, sonando bien potente y punzante, con una interpretación vocal carismática y guitarras bien afiladas. Con este sonido clásico y crudo en Rock N’ Roll y Baile se enfrentan a refrescar un poco el hard rock nacional que andaba perdido y sumergido por ahí. Los Ciudadanos prometen hacer rocanrolear y bailar a cualquiera con este enérgico debut.
MIKE & Jadasea – OLD EARTH · EP
OLD EARTH es el denominado nuevo EP del rapero MIKE, junto con la colaboración de Jadasea. En este estilo del Slum rap, abstracto y experimental, donde las bases son extrañas y disonantes y con una producción lo-fi que pega con la concepción del título, MIKE mantiene esa fórmula de romper el canon establecido del rap clásico, manifestando una inyección hacia lo artístico y lo minimalista.
La producción es bien oscura y maquinaria, los cortes seguidos y transitorios dan un sentido de discontinuidad y atemporalidad en todo aspecto. OLD EARTH es un proyecto único, minimalista, DIY y todos los adjetivos que le quieran llamar, donde deja actuar el brillo de la rareza y la psicodelia oscura y detonar ese sentido artístico del rap dejando fuera los estereotipos incluso desde el aspecto de la producción, donde deja de lado lo cuidadoso y lo limpio, pero sólo como concepto. OLD EARTH es una escucha obligatoria para el fanático del art-rap, consolidándose como un proyecto de culto.
MONSTA X – ALL ABOUT LUV
En un álbum únicamente en inglés, los surcoreanos de MONSTA X se incumben en un viaje a la industria americana con ALL ABOUT LUV. En este álbum, encontramos colaboraciones con French Montana, Pitbull y un remix con will.i.am. Aquí se manifiesta en una serie de canciones más apegadas a ser radio-friendly, pegajosas y románticas, destacando su sentido más popero y electrónico que sus bangers rimbombantes en coreano, dejando en claro la diferencia de estilos entre las dos industrias. ALL ABOUT LUV es un disco de escucha más fácil y apacible, con harto sentimentalismo y estructuras compositivas más simples.
Tennis – Swimmer
El quinto título del dúo musical Tennis, Swimmer nos relaja y mantiene en una escucha fácil de un indie-pop sumergido en el romanticismo. Swimmer nos aporta un dulce y melancólico sonido de antaño, recordándonos un poco a la atmosfera que propuso Jessica Pratt en su álbum del año pasado Quiet Signs, donde prima el minimalismo, en un viaje a los setenta, participe de un sonido del pop de cámara que ha resurgido en estos últimos años.
Swimmer parece ser un indefenso álbum cargado de romanticismo y líricas apacibles, bien centrado en lo que quiere decir, de escucha relajada y simple, pero que no tiene reparos en cargar a la emoción del oyente. Grandioso disco para escucha de San Valentín.
Rebe – Recuerdos un poco antes y después de conocer a 1 xico (el mio) · EP
La artista madrileña Rebe conquista con su regreso en EP tras su álbum del año pasado Recuerdos de cuando me aplastó una roca y me morí, el cual reversionaba clásicos del pop latino. En este extenso, Rebe manifiesta una obra del DIY, donde mantiene esa esencia única y cargada a la ambientación y atmósfera, llena de texturas oníricas y arreglos electrónicos por doquier.
Con líricas cargadas más a un romanticismo bien juvenil, conectándose con la espectral voz reverberante de Rebe, llamando a ese chico de ensueños que es casi la tónica del disco. La grandiosa creatividad de reinventar sonidos, melodías y tonos que parecen ser sacados de algún extracto del Kid A, transformándolas en un aura más sentimental y melancólica es destacable en todo momento, dando pasajes de suma expresividad y suavidad, algo así como un Pop de Dormitorio al estilo de Clairo, pero con estructuras bien electrónicas y soñadas. Muy recomendado.
Intronaut – Fluid Existential Inversions
La destacada banda californiana Intronaut nos presenta lo que es su sexto álbum de estudio: Fluid Existential Inversions, donde destacan increíblemente el estilo marcado de su metal progresivo, junto con cortes y polirritmos jazzeros de la mano de una interpretación increíble de Alex Rudinger en la batería.
Intronaut, en este extenso, rememora bien las influencias de Tool e incluso la característica sludge de Baroness o Mastodon, en un álbum donde brilla con brutalidad la voz Sacha Dunable, creando una atmósfera rica y agresiva a la vez. Fluid Existential Inversions tiene harto que aportar a nivel de instrumentación, las melodías y armonías únicas y distorsionadas son un stand-out tremendo en todo el disco, ni de hablar de los cortes de batería que le agregan a la mezcla final un sentido musical que se expresa por sobre todo. Una experiencia única para los amantes del metal progresivo.
CHANMINA – note-book -u-. · EP
La rapera japocoreana estrena dos EP en 2020, en este extracto vemos el note-book-u, un EP que manifiesta una entrada melancólica, casi baladesca y cargada al piano como In The Flames para contrastar con los tracks más a su estilo como KING o Picky, incluso experimentando en un synth-pop en Baby.
El uso de transiciones en japonés e inglés le dan ese toque de frescura necesaria, dando unos cuantos golpes con las bases trap y su particular estilo de canto, dando esa fuerza característica de hip-hop bastante adecuada al concepto del álbum. Note-book-u puede ser una buena alternativa de disfrutar un corto y rimbombante sonido de mano de CHANMINA.
Loyca – Romanos · Single
Loyca nos muestra su sencillo Romanos, el cual es una canción que comienza enérgicamente junto con las estridentes guitarras, pasando en la punzante voz de Jorge Bolton y sometiendo a secciones arpegiadas y con harto groove de por medio, para luego liberar esa tensión de matices y melodías en un coro pegajoso y disfrutable. Su B-side, Abisal, es una canción más “tranquila” y orgánica, donde se nota esa característica de “en vivo” de la producción. Destacando la guitarra acústica, las percusiones y coros armónicos, juntándose en un track sumamente profundo y ceremonioso.
Yaporigami – Decoded Sphere
Yu Miyashita nos revela Decoded Sphere, sucesor de su álbum del año pasado We Dance Alone. Decoded Sphere experimenta los rimbombantes y experimentales -valga la redundancia- sonidos del breakcore. Donde manifiesta un sonido inquietante en toda su obra, de alto calibre temporal y con menudos cortes repentinos. La sucesiva e intranquila presión sónica que hace Decoded Sphere en cada instante del disco, atribuye a un grandioso uso de la producción del nipón y constante creatividad.
Ihsahn – Telemark · EP
El frontman de la banda Emperor revela su EP Telemark, tras su aclamado disco Ámr (2018). En Telemark, Ihsahn rememora sus pasajes de su tierra natal, aportando una ofrenda, casi como un homenaje, tanto en la musicalidad como en las letras en noruego en Stridig, Nord y Telemark.
Bastando únicamente en la brutalidad -referenciando a las influencias del black metal noruego- con composiciones punzantes, guitarras aterradoras y agresivas e incorporando ciertos elementos de bronces. La intacta voz gutural, es sobresaliente en este EP, dando cavidad única a la interpretación.
También incluye dos covers, Rock And Roll Is Dead de Lenny Kravitz y Wrathchild de Iron Maiden para completar el pasaje.
Niño Baldío – TIEMPOSMODERNO
Bajo el sello “Pop Sucio Records”, Niño Baldío estrena su segundo álbum tras Primavera Acuarela (2018) -y su colaboración con Koala Precipio en Lejos de Casa (2018)-. En TIEMPOSMODERNO, Niño Baldío aprovecha esa sonoridad reverberante del Indie, con atmósferas dreamy y sonidos oníricos, donde las melodías apacibles de la guitarra se combinan con el cálido tono de los sintetizadores, juntándose con la “solitariedad” de la voz principal, demostrando también esa influencia de grupos y solistas como Mac DeMarco o The War on Drugs. TIEMPOSMODERNO sumerge en un viaje sentimental y melancólico, a veces romántico otras veces sumamente sad. Esperemos ver más material a futuro de Niño Baldío.
Gorillaz – Song Machine Ep. 2 · EP
Gorillaz sigue lanzando esta serie de episodios y pequeños tracks en su ya trilogía de Song Machine. En el segundo episodio, podemos notar tres fragmentos en donde se distinguen interludios hablados y su canción principal, Désolé. Con la participación de la cantante maliense Fatoumata Diawara que aporta con líneas melismáticas de folk Wassoulu.
La canción repite la consigna de “Désolé” en una mezcla entre inglés-francés, rica en instrumentación gracias a la incorporación de una banda de vientos y un groove soulero único, montando un lienzo nostálgico y sentimental, influenciado por el compilatorio del D-sides y el The Now Now. La producción de este track es increíble, limpia, fresca y orgánica que mantiene en un placer auditivo en todo momento. Grandioso regreso para los británicos.
HMLTD – West of Eden
El esperado álbum debut de la banda londinense HMLTD: West of Eden. Formada en 2015, estos británicos ya habían causado eco con su EP Hate Music Last Time Delete (2018), con West of Eden dejan en claro una cosa: realmente ahora no existen géneros precisos, o ya se inventaron todos.
En este LP se puede ver un cierto elemento Post-punk, combinando esa interpretación bowiesca de Henry Spychalski, dejando entrever un pesado y punzante sonido EDM, con tintes de glam-rock y un poco de The Prodigy. Bastantes influencias sonoras para redondear un álbum sumamente refrescante en cuanto a la renovación de ese sonido post-punk ya tan utilizado, manejando ciertos puntos más modernos y futurísticos, incluyendo ciertos beats de trap –To the Door– y representando esa guitarra característica con esta suerte de acción y atmosfera cinematográfica cargada a un Spagetthi Western.
En West of Eden ninguna canción flaquea, la atmósfera enérgica dentro del extenso es sumamente caótica y entretenida, dejándonos con ese buen sabor de tener un álbum preciso y moderno, estilizado a la pinta de HMLTD. Los británicos alzan la voz, causando estragos ya en las listas finales.
Khruangbin & Leon Bridges – Texas Sun · EP
El estilo psicodélico y estéticamente groovy de Khruangbin se combina con el soul y la voz aterciopelada de Leon Bridges, en un disco que capta a perfección la esencia tejana.
Con arreglos sumamente psicodélicos, de medio tiempo, basados en el concepto del sol tejano, ahí caliente y adormecedor, transportan a esa esencia del western rock de los 70’s. Con melodías y arpegios apegados al funk, esencial uso del wah-wah y la cadencia única de bandas del oeste, el entrelazado con la melismática y sincera voz de Leon Bridges hacen un disco sumamente viajero y moody por así decirlo.
Texas Sun encanta con sus tracks relajadas, dejando al espectador en un tranquilo viaje por las carreteras del western.
