ISLA HIND – 13 MINUTOS EN EL LIMBO · EP
Entre las olas, el calor y los amores de verano, se alza un Ep debut bastante cálido, simple pero con harto que contar. Isla Hind, proyecto que de manera activa venía preparando su primer lanzamiento, se adentra en la formula del equilibrio entre lo Indie y esa reminiscencia sesentera bastante natural. 13 Minutos en el Limbo es una contagiosa muestra anímica armonizada con gestos musicales bien jugados, en donde no entra la excesiva búsqueda de un sonido, al contrario, acá todo transcurre como si los chicos se hubieran dejado llevar, y así funciona con mejor precisión y alcance. Un bonito paseo por una banda que en sus comienzos, ya parece tenerla más que clara.
THE SPECIALS – ENCORE
Pero qué regreso se ha mandado The Specials, la clásica banda Británica de Ska (2 Tone) que hace algunos años estuvo en Lollapalooza y que tal parece, ha recuperado la magia de sus años dorados. Afuera los problemas, adentro la música y la energía, esa que los caracteriza por su perfecta ejecución entre el Dub y el Reggae más callejero, rico en tonalidades, rítmicas y esos giros imprescindibles que han hecho de ellos, una entidad. Encore es la obra que trae de regreso la mejor cara del grupo, con una reafirmación del interés por crear que sobresale por cada ángulo del disco, siendo esa lírica movida e intrigante, capaz de convivir de buena forma con la modernización de la música que le han impregnado. Vieja buena música, repleta de nuevas joyas como la que abre el LP o la ya de por sí magistral Vote For Me, un neo clásico con sabor y frescura, cortesía de una alianza que ha dado más que buenos frutos con este Encore.
BROODS – DON’T FEED THE POP MONSTERS
La promesa de ver a Broods de manera consolidada, protagónica y enganchada a su mejor faceta parece haber quedado lejos. Don’t Feed the Pop Monsters es su mejor disco claramente, pero les juega en contra la desafortunada pero cierta idea de que ya se les pasó el tren. No hay que matarlos, como acabo de decir, este tercer disco se consolida como un acto Indie Pop bastante movido, casi radial, de encajes hasta experimental y sincronías más bien atípicas, pero carece de cierto discurso más inmediato, más juvenil, más importante.
INVERNADERO – ENTROPÍA
A lo que primero nos enfrentamos al escuchar el segundo disco de Invernadero, es a la sobra de ideas que andan flotando por ahí en todo momento. Nada es premeditado, más bien todo recorre desde la armonía misma que han logrado como banda, la ya de por sí interesante producción de Jack Endino, el carácter ostentoso de eternos Jam con tintes sicodelicos, trabajado y pomposamente brillante. El sonido se aleja de cualquier maqueta y formula, recorriendo una exploración que ve bien amortiguada su viaje en lo rítmico, siendo un placer auditivo a cada momento, el dejarse llevar por algo tan orgánico desde la matriz misma de la palabra y el concepto. El clímax fulminante de la banda, renovador de la herencia de The Ganjas, impulsador de la guitarra como arma de emociones y pasiones constantes.
BOY HARSHER – CAREFUL
El elemento sorpresa del desafiante viaje que nos provoca el Careful de Boy Harsher, radica en lo flotante e intermitente del Darkwave con sabor a electrónica más primitiva y oscura, sumado al uso excesivo de influencias ochenteras con lo agridulce de su atmósfera. No suena ni viejo ni nuevo, más bien en un punto intermedio termina por radicalizar, democratizar, acercándonos al umbral que se va tejiendo con un aspecto más Goth que de costumbre, sin ofuscarnos en ningún momento, abriéndose paso por nuestros oídos, sentando la gracia de lo retro con sabor a sangre y glitch.
IAN BROWN – RIPPLES
Ian Brown suena a una copia de si mismo. Una poco inspirada, cliché y con un agrio sabor que nos deja. El inicio promete ya con cierta vibra clásica (el hombre todavía la mantiene), pero no termina de despegar. Lo demás es un mal relleno que seguramente, jamás volverá a cantar. Vamos que Ian Brown se alimenta de las críticas y lo devuelve generalmente con un bombazo. La fe sigue intacta.
SPIELBERGS – THIS IS NOT THE END
Ese Punk alternativo con aires a Dinosaur Jr. o Husker Du, bien le viene a Spielbergs, un grupo que a todas luces, ha sabido dar una lectura original y nostálgica al sonido más alternativo del Emo noventero, dejando un debut magnifico. This Is Not The End tiene desde Noise hasta grandes himnos de suburbio, inspirados por la gracia divina y las enormes ganas de superarse en cada canción. Hace mucho no escuchaba un álbum que entrara tan rápido y que con tan solo unas cuantas canciones, parecieran saberse el juego de memoria. Spielbergs es un nombre al cual hay que ponerle harta oreja porque ese primer hito da para celebrar.
NINA NESBITT – THE SUN WILL COME UP, THE SEASONS WILL CHANGE
El segundo trabajo de Nina Nesbitt se inmiscuye en la alegoría de un Pop bien firmado por las ganas de arrebatar cualquier esbozo de ingenuidad, abrazando el canto por sobre todas las cosas, y de paso jugando con crear ritmos listos para comerse al mundo. Un buen disco de Pop debe ser para todos, desde aquellos que reniegan de él y que terminan por concebir un placer culpable. Este trabajo puede ser perfectamente ese disco que te haga cambiar de parecer; para los amantes del mainstream, escuchen y juzguen por sí mismos la buena vibra y el potencial que se espera por acá. Esperemos no se tarde tanto en lanzar su sucesor como pasó hace varios años con el debut.
GIRLPOOL – WHAT CHAOS IS IMAGINARY
Con una infusión caótica de nuevas texturas, el dúo conformado por Harmony Tividad y Cleo Tucker han dado ciertos vuelcos argumentativos en su música, esculpiendo en este –su tercer álbum– diversos detalles que dinamizan las distintas vertientes que dirigen, aprovechando cada sección del espectro que tenían en mente. Este no es el típico disco de indie rock, esto es algo que con un eje claro extiende sus brazos por lo folk, lo shoegaze, lo ambient, e incluso lo electrónico. La riqueza es su gran fortaleza, y se manifiesta dosificada, sensible y firme.
TARGET – DEEP WATER FLAMES
¡»Deep Water Flames» al fin está aquí! y es que la ansiedad y expectación que teníamos de este álbum se encontraba por las nubes –considerando los tremendos sencillos que sacaron anteriormente– y déjenme decirles que la promesa fue cumplida.
Como los anteriores atisbos vaticinaban, Target se acaba de convertir en una de las bandas que dirigen y comandan el metal extremo chileno (junto con otros grandes como All Tomorrows y Recrucide), y eso sólo responde a una directriz en específico: tomarse la pasión con absoluta seriedad, y eso al mismo tiempo, somos capaces de verlo en dos aristas fundamentales.
Primero que nada, y lo destacamos de nuevo: ¡qué onda la producción! tan clara, portentosa, con la precisión suficiente para no sólo ser capaz de apreciar el paso de la batería, la distorsión de la guitarra o la profundidad abismal del bajo, sino que también es posible percibir cada textura aparentemente oculta en la marcha del álbum. La visión de Luis Soto en el sonido es digna de aplausos, así como el productor Erick Martínez suma un nuevo hito a su currículum (entre otras cosas como Cabrio y Testigo) enalteciendo el metal nacional. Así y todo, el reconocido Jens Bogren se encargó de la masterización, sellando la calidad mundial a fuego.
En lo segundo, ¡qué maravilla de musicalidad! Este viaje al mismísimo abismo se concreta con una oscuridad asfixiante y punzadas ácidas que poco a poco apagan la vitalidad del ser con un death metal técnico que goza de una altura de miras que se permite expandir los horizontes del mismo. Aquí no hablamos de una demostración de habilidades, ellos saben que son talentosos y prefieren demostrarlo con buenas canciones, y es ahí donde juega un papel fundamental la visión, que en su base progresiva de precisiones, crea piezas grandilocuentes que se entrelazan entre sí.
Aún queda harto año, pero no es descabellado pensar que el cuarteto chileno ostenta el mejor álbum de metal de este año, y así mismo, uno de los mejores en su estirpe de toda la década. El futuro es prometedor.
BEIRUT – GALLIPOLI
Zac Condon es un hombre de oficio, que conoce de sus fortalezas y las aplica sin dudarlo. En esta ocasión, «Gallipoli» se constata como un álbum que ciertamente responde directamente al sonido clásico de Beirut, pero con ciertos trucos de grabación, consigue obtener los diversos sonidos ocultos en la instrumentación dotándole de una mayor humanidad, logrando un rico contraste con los aires de madurez del álbum. Dicho de otra manera, es el mismo Beirut de siempre, el que amamos y el que una y otra vez nos conmueve, pero en esta ocasión, en vez de un recorrido a corazón abierto, hay una exploración en la profundidad de la naturaleza humana, lo que le entrega ese leve toque cinematográfico.
ITHACA – THE LANGUAGE OF INJURY
Otra más de la proficiente Holy Roar Records, Ithaca con este debut se propuso innovar el metalcore por su carencia absoluta de ambición, y bueno, digámoslo de inmediato para que la tengan clarísima: Ithaca no es nada parecido a lo que conocemos por metalcore, o también, si así lo prefieren, Ithaca consiguió lo que el metalcore jamás pudo.
¿A qué se debe eso? Bueno, los liderados por Djamila Azzouz están realmente ni ahí con los clichés más burdos y saturados del género, y optaron por tomar el concepto inicial y deconstruirlo de la manera más caótica y fascinante. Con la maleabilidad demostrada del hardcore como base (escúchese Code Orange y Rolo Tomassi como referencias), aplican cuanto color del grandísimo baúl de subgéneros del metal quisieron: math, death, doom, e incluso post metal.
El hecho anterior consigue que cada sección instrumental sea tremendamente adictiva e impredecible, pero quiero darme un momento para destacar la labor de las guitarras. No sólo consiguen la brutalidad y acidez que su faceta hardcore demanda (con una infinidad de detalles), sino que aplican las enseñanzas que bandas como Deafheaven han instaurado en la década, permitiendo entregarles un sustento infinito con el contraste que provoca la ejecución de bellas melodías no sólo a modo de arpeggios sino que en los riffs mismos, lo que termina por dar una música honesta en un gran álbum.
KOUTEI CAMERA GIRL DREI – DAWN BY FLOW
Las japonesas al fin nos brindan su primer elepé, y terminamos por confirmar que no existen cadenas algunas que les amarren en sus deseos particulares creativos. Se posan a sí mismas como un punto de convergencia entre el rap más urgente y un pop citadino de fraseo honesto y vulnerable, que explora el inmenso campo de grises que les brinda el trance, como columna principal de su música.
Aunque con leves imperfecciones en cuánto a la producción de algunos beats, lo que está conjurando Koutei Camera Girl Drei es algo que en su matiz underground, debe echar raíces. El potencial es realmente inmenso.
CLAIRMONT THE SECOND – DO YOU DRIVE?
El rapero canadiense en su quinto álbum se presenta como una alternativa ante la arrolladora masa del rap más actual, y a sus 20 años (trabajólico el hombre, por cierto) se siente asiduo y fiel ante sus raíces y sus propias técnicas. Cómodo en su prisma neo soul, ofrece beats y samples que gozan de una identidad de un jazz decantado, presentando el panorama perfecto para los cuestionamientos de Clairmont.
GOT7 – I WON’T LET YOU GO · EP
La boy band persiste en elaborar un pop extraído directamente del EDM, y le confiere una propiedad más bien reposada con influencias leves –y una muy evidente– del pop latino en el mercado internacional. Aunque el concepto lírico del álbum pudiese significar una mayor melosidad, tienen éxito en mantener los márgenes prudentes y explotar poco a poco su faceta más agresiva (que tan patente queda en el temazo que es «Cold«).
WITHIN TEMPTATION – RESIST
Within Temptation es uno de los actos más legendarios de su generación, y lo demuestran con entereza en «Resist», su nuevo álbum que explota el aspecto más grandilocuente y de estadio de los neerlandeses. Se codean con los grandes, porque son parte de esa selecta cofradía y eso es algo que Sharon den Adel y sus compañeros profesan cómodamente levantando la moral de miles de fanáticos con cánticos de resistencia con un heavy metal más bien directo, con el encanto sinfónico de siempre, más una añadidura de sonidos comprimidos contemporáneos.
THYLA – WHAT’S ON YOUR MIND · EP
Thyla debuta con un EP que ensancha las alas creativas del post punk, dejando de lado el aspecto más urgente y fulminante, permitiéndole a su lógica enfundarse en distintos detalles melódicos característicos del prisma indie/dreamy que ostenta. Así, sus miradas se localizan en música reflexiva y encantadora que hace un uso prodigioso del noise, llegando casi a lo shoegaze. A ver como maduran, porque la atención está.
LAURE BRIARD – UN PEU PLUS D’AMOUR S’IL VOUS PLAÎT
La francesa impresiona con su camaleónica cualidad al encumbrarse sin temor en cuantas dimensiones del indie quisiera, pero siempre con la resolución de mantenerse fiel a la idiosincrasia atingente. Su aspecto más garage es sin duda maravillosa, accesible y con algunos trucos de guitarra irresistibles, pero la parte más fascinante de este álbum es el lado experimental de Laure, que se atreve no sólo con elementos folk marcadísimos –y aún así se las arregla para hacerlos propios–, sino también el lado más vanguardista que se quiebra en ritmos más cercanos al free jazz y lo afro –hablando desde lo indie, claro– que cambian la nomenclatura de cómo los demás instrumentos se expresan. Todo un descubrimiento, una verdadera maravilla y absolutamente recomendado.
ASTRONOID – ASTRONOID
Astronoid se embarcó en una tarea titánica, y es hacer del post metal algo popular, y eso es algo que bajo cualquier precepto es merecedor de análisis. Veamos ciertos puntos: el hilo conductor es claramente el shoegaze que toma un papel protagónico con la voz de Brett Boland que encandila con una vulnerabilidad raramente vislumbrada en los páramos del género más extremo del mundo. Por otro lado, la instrumentación aboga por la claridad y sutileza, sin romper ningún esquema –aparentemente– en lo estrictamente musical, pero en términos de visión, no hay mucho que suene así realmente.
El punto bajo, e inmediata tarea obligatoria para la banda, es el manejo de matices, y así evitar que el encanto de lo étereo y ambient se torne en algo monótono, pero son jóvenes así que no hay mucho de que preocuprarse. Además, jamás la tristeza se ha sentido en algo tan bello.
LE BUTCHERETTES – BI/MENTAL
La banda mexicana acaba de crear algo único: «bi/MENTAL» es la demostración científica del potencial infinito que tiene el punk cuando se desliga de los clichés viriles y fulminantes del mismo, logrando un sonido fascinante que abraza las influencias pop de Teri Gender-Bender y consigue una música colorida de contenido de alto impacto, que se mantiene constantemente inconforme, para nuestra alegría.
METALLICA – HELPING HANDS…LIVE & ACOUSTIC AT THE MASONIC
Al parecer la madurez le viene bien a Metallica. Este álbum por su formato es lo más cercano que tenemos de un unplugged, y James Hetfield se guiaron por sus influencias country para darle forma a sus temas más pesados como «Disposable Heroes» y «The Four Horsemen» por ejemplo, y al mismo tiempo dotarle de un nuevo aura a sus clásicas baladas. Ante falta de material inédito, este álbum en vivo ofrece versiones interesantes y disfrutables.
CHERRY GLAZERR – STUFFED & READY
Clementine Creevy se dispuso a darle espacio a su sentir aprovechando la dicotomía sencilla pero inmensa de la música: la instrumentación y el contenido lírico. Mientras la búsqueda de respuestas a base de duros cuestionamientos que vemos en las diversas frases esbozadas, el trío americano suena más potente que nunca, con una crudeza visceral de ejecución inteligente, considerando el gran nivel de detalles que existen. Existe aquella irreverencia que nos recuerda mucho a la actitud de los Pixies en su época dorada, pero en esta ocasión, el testigo lo toma Cherry Glazerr.
THE TELESCOPES – EXPLODING HEAD SYNDROME
Advertencia: The Telescopes jamás se ha destacado por ser una banda accesible, y ciertamente «Exploding Head Syndrome» propone un desafío. Ahora, las cosas en este LP se tornan más bien en un entendimiento –abstracto ciertamente– del sentimiento de asfixia que generan ciertas ansiedades y problemáticas humanas: un peso inmenso en nuestras espaldas que en los 38 minutos de este disco jamás suelta, pues dicho noise comprende de manera excelsa dichos pensamientos claustrofóbicos, y para salir de este catalizador desafiante, es obligatorio recorrer el álbum de corrido. No estará en sus playlists, pero sí brinda algo único.
WHITE LIES – FIVE
«Five» es un álbum extraño y de encanto agridulce. Como fan de los White Lies, veo que el trío inglés está manufacturando nuevas vías en dónde sobreponer sus cuestionamientos primordiales, consiguiendo sonidos más cercanos al synth pop y al neo psychedelic sin dejar de lado su núcleo fundamental, pero esta búsqueda pierde algo de sustento con las decisiones musicales aseguradas. Ojo, el álbum es bueno en verdad, es sólo que hay algunas cosas que no sienten muy natural.
NAOTO – POLYVALENT
Claro en sus propósitos, el violinista nipón ofrece un álbum ecléctico en donde sus cuerdas recorren múltiples sonidos y géneros: ritmos latinos, prog, power ballads, rock, folk, clásica, entre otros más. La variedad es su fuerte y NAOTO demuestra su versatilidad y entendimiento de la música, en la que no sólo consigue ajustarse a los propósitos de cada variante, sino que su marca registrada se mantiene firme y cohesiva.
ALMØST HUMAN – XS2XTC
Un elepé que demoró demasiado en llegar, pero que ofrece cierta sobriedad en una propuesta que bebe del groove metal, entendiéndose fácilmente con el nü metal de buena factura. Se encuentra a sí mismo algo lejos de los patrones conocidos del nü, o mejor dicho, se mantiene lejano a las malas decisiones de éste, y consigue desmitificar en ciertas canciones el género. Aún así, si queda la sensación de que algunas canciones no fueron trabajadas lo suficiente, considerando el tiempo de espera desde el primer EP –seis años definitivamente no es poco– pero bueno, esperamos que no tenga que pasar tanto para el próximo lanzamiento y haya mayor rigurosidad.
CLC – NO.1 · EP
CLC acaba de ganar su first win la semana pasada con el single No luego de cuatro años sin haber ganado nada -aun así, con varios temas que eran lo suficientemente buenos como para ganar uno-. No es una sola de las cinco canciones que se obtienen de este EP de sólo 16 minutos de duración. Explorar en temas de empoderamiento femenino y tratar los estereotipos quizás sea algo menos visto en una sociedad tan conservadora como la coreana y, justamente esto, es lo que habla la canción No -Escrita y producida por Soyeon de (G)-IDLE, por si acaso-. Del resto del mini álbum, SHOW se inclina a una canción tipo Dance y basado en ritmos EDM, con un coro infeccioso. Breakdown explora los sentimientos más íntimos, con una base de bajo predominante y un registro más aislado en lo vocal -El Flow de Yeeun en el rap es bien trabajado-. Like it entra con una intro agresiva en el beat -al igual que No– y finalmente I Need U, quizás sea la canción más bailable del disco. Bastante es lo que se puede sacar de este mini álbum concreto, la calidad de los temas de CLC casi siempre se ha subestimado, lo tranquilo es que quizás con el trofeo que ganaron sean más consideradas en el futuro.
SOEN – LOTUS
Soen es de esas bandas que no decepcionan en cuanto a su solidez en los distintos álbumes que han sacado a lo largo de los años. Siempre enroscándose en el rock/metal progresivo con líricas únicamente profundas y melodías y ritmos matemáticos. Aún así con la solidez y conciso de sus discos, siempre tuvieron ese problema de compararlos -Incluso ser prácticamente el clon- de la banda más conocida de la escena prog: Tool, obviamente. Pasado este acto, sacan su último álbum Lotus y, mágicamente, la comparación parece desvanecerse al digerir canción tras canción. La nueva identidad que busca encontrar la banda es un poco más notoria, se aleja muy despacio del sonido más matemático y convoca lo que es un prog basándose en una zona más mainstream -Por así decirlo-, pero conservando su característica sonora -Únicamente en la voz- y riffs asesinos, ahora con ritmos con tempos más allegros/rápidos. La tremenda calidad y técnica musical es evidente y lo han conllevado prolijamente a lo largo de la década, el tema es que ahora se trabaja desde la perspectiva sonora ya hablada. Lo cierto es que este registro contempla también la manera de mantenernos inducidos dentro de la atmosfera de Soen.
DEER TICK – MAYONNAISE
La banda de Providence, Rhode Island mantiene el concepto folk y más country en su álbum Mayonnaise. Las raíces del rock más americano en su estilo gravitan de manera prominente a lo largo de las trece canciones. Empezando con Bluesboy de manera arriesgada, pero agresiva, pasando a un folk tranquilo en Limp Right Back son algunas piezas de lo que busca encontrar y relatar el grupo. La compilación de canciones puede pecar de excesividad e incluso de volcarse algo un tanto repetitivo, sin embargo, es tratado de que se puede disfrutar plenamente del registro de manera pasiva y sin entrar en tanto detalle.
EMILY KING – SCENERY
Cuando uno escucha un álbum por primera vez hay algo que nos atrae de inmediato y algunas otras veces nos mantiene digiriéndolo poco a poco, quizás sometiéndonos a reproducirlo otra vez. En Scenery puede que nos pase lo primero, ya que la voz de Emily King es única y característica: Una suave voz melódica que atrae a la primera escucha en Remind Me. Lo interesante de este álbum es que mantiene un sonido prolijo y con una producción lo bastante buena inclinándose prácticamente al sonido R&B, Soul y también ochentero. Los arreglos son retro –Can’t Hold me Now es un ejemplo de ese sonido retro- y frescos a la vez que van hilando sagradamente en tracks bailables/disfrutables. También hay cierto espacio para apreciar únicamente la voz de manera vibrante en Running, por ejemplo -Que mantiene ese aire tipo Whitney Houston en la atmosfera-. La tarea de este álbum es acariciarnos con el sonido melancólico de tiempos pasados, disfrutar de esos hitazos de los 80’s 90’s reviviéndolos de manera cálida en un registro fresco y encantador.
LEXIE LIU – 2030
La artista revelación china trae su primer álbum de estudio 2030 a la pista con una convicción prometedora. Habiendo firmado por 88rising, la cual forman algunos artistas asiáticos y también el popular y extrovertido Joji, Lexie nos construye una obra de R&B o Neo-Soul con bases sacadas del synth-pop y la electrónica, pasando por piezas y beats del Hip-Hop y Trap, una mezcla atrevida de estilos que definen a 2030 como un viaje creativo de la autora, evocando esas atmosferas oscuras y seductoras que van enamorando de a poco -la cadencia suave de la voz de Liu es sumamente encantadora en la canción Hat Trick– en que se basa la calidad sonora del disco. La producción aquí es impecable y la musicalidad en los arreglos que apuesta es lo bastante interesante para mantenernos cautivados -Las líricas son fundamentalmente en chino e inglés, pero también en coreano lo que sorprendentemente fluye de manera concisa-. No cabe duda de que Liu puede ser la gran artista china del R&B a futuro y esperamos que siga con ese camino.
GUIDED BY VOICES – ZEPPELIN OVER CHINA
Hablar de una banda antigua de más de 30 años de carrera y quizás menos conocida en la escena mainstream -Perteneciente únicamente a otra liga en el Rock Alternativo americano-, que ha pasado por tantos cambios de integrantes a lo largo de los años pero que siempre se basa en una sola persona: Robert Pollard es lo bastante complicado ya, y peor aún conllevando que llegan a sacar casi uno o dos discos de larga duración cada año. Ahora, mantenerse tan duradero en la escena es por algo y es que, aunque es más de lo mismo en cuanto a sonido y estructura, la solidez en Zeppelin Over China es justamente lo que los mantiene vivo en la escena. La gran calidad de las texturas y arreglos que consigue en este disco es únicamente por la experiencia y calidad de los músicos que trabajaron en este registro. Quizás el cambio puede ser en un lado inclinado hacia lo progresivo, también predomina el lado narrativo desde la voz característica de Pollard, pero aún así, sin salir de la zona de confort, la idea es concreta y también disfrutable -Básicamente las canciones son cortas, rápidas-. Finalmente, si es subestimado o no, el tiempo lo dirá.
MASAKI BATOH – NOWHERE
El músico de la escena under japonesa, Masaki Batoh es un experimentado en el psychedelic folk. Formador de la banda Ghost (1984), Masaki contempla en Nowhere lo minimalista pero impresivo, acordes y progresiones exquisitas de la guitarra acústica, evocando un blues del lejano oriente en Devil Got Me, arpegios y arreglos latinos clásicos en Gaucho No Sora y explorando en el sonido del banyo en Dum Spiro Spero, son algunos de los ejemplos que se pueden apreciar en esta obra compleja de folk. La atmósfera cálida del LP es clara, transparente, no tiene grandes muros sonoros aparte de Boi-Taull quizás – La cual puede ser la pieza más pretenciosa-. La habilidad del compositor es clave en el desarrollo y evolución del disco concretamente.
SET IT OFF – MIDNIGHT
Lo que podría marcar un antes y un después en el sonido de la banda es lo que se manifiesta en el último lanzamiento de los floridianos Set It Off. Atrás quedó el sonido teenager únicamente agresivo y derivado del Punk para centrarse en una producción particularmente envasada hacia el Pop, concentrándose en beats de hip-hop, arreglos de guitarra más minimalistas basando en arpegios y una ligera distorsión, sonidos de sintetizadores brillantes y una voz que se desenvuelve en hit tras hit cantando esos coros pegajosos y de tipo más upbeat, que a algunos les podrá generar controversia y que a otros les dará completamente en el gusto. Aun así, ahondando en los 15 tracks, es claro que el sonido que contempla es quizás superior a sus antiguos trabajos, el trabajo de la producción acá es fundamental y preciso, la voz carismática de Cody Carson también produce una variedad dentro de este álbum, y es que las líricas y recursos que utiliza captan la atención del oyente de inmediato -Básicamente comenzar con Killer In The Mirror fue una buena apuesta-, cosa que se debe destacar. Midnight quizás sea el punto de quiebre en el aspecto sonoro de Set It Off, lo que podría conllevar a una renovación a futuro más que interesante.
ARLEQUIN – RAZZLEDAZZLE · EP
La banda japonesa Visual Kei ARLEQUIN atrajo muchas veces la atención del publico japonés debido a su estilo distintivo y, con su nuevo EP de 19 minutos, contribuye a realzar esa imagen característica que los lanzó a la fama. En el registro, la banda explora el lado más psicótico del J-Rock con un sinfín de riffs portentosos y arpegios visibles y con delay – Como en la canción Always-, salidos de lo más épico del Heavy Metal occidental, añadiéndole esos estribillos sumamente pegajosos y carismáticos de la mano de la voz pastosa del cantante Aki. Melodías completamente atrevidas y de tempo rápida se pueden encontrar en este disco que manifiestan un corto y disfrutable disco sólido de J-Rock.
MAURICE LOUCA – ELEPHANTINE
El compositor egipcio Maurice Louca entra nuevamente en la palestra del escenario del Space Jazz experimental del país africano. La textura del álbum conlleva a pasajes inhóspitos del medio oriente, buscando la libertad de improvisación, experimentando con arpegios de inmediato en The Leper, enfrascándose con sonidos del saxofón únicamente exóticos del género en Laika. La sonoridad y musicalidad onírica, paradisiaca incluso de este registro se mantiene constante a lo largo de la obra. La composición y experimentación es notable, los giros de tuerca rítmicos son prevalecientes, también añade una sutil voz femenina en The Palm of the Ghost y finalmente encajando una inquietante Al Khawaga para terminar el álbum de manera gloriosa.
CALVA LOUISE – RHINOCEROS
El rebelde álbum debut del trío londinense Calva Louise revive el sonido más incandescente del garage-punk, combinándolo con estribillos sumamente pegajosos y bubblegum de la mano de la front-woman Jess Allanic. El estridente sonido fuzzy de guitarras se hace presente en todo el disco, intercalándose con los ritmos rápidos y agresivos de batería que mantienen vibrante la atmósfera y con una energía abrumadora -incluso en temas como No Hay, que está cantado en español, y Down the Stream los cuales quizás sean más recatados, siguen la dinámica del disco-. El LP es una referencia a la obra homónima del dramaturgo rumano Eugene Ionesco que, a su manera, explora temas como la peligrosidad de la uniformidad social, el conformismo y el individualismo de manera irónica y directa. La rebeldía se huele totalmente en este álbum, y es que los 10 tracks se desenvuelven en sólo 29 minutos de manera rápida y concisa lo cual nos da la opción de volver a repetirnos el plato de escucharlo una y otra vez.
Escritas por:
Felipe: Desde Isla Hind hasta Nina Nesbitt.
Jota: Desde Girlpool hasta Almøst Human.
Hernán: Desde CLC hasta Calva Louise.
