INDIEPENDENCIA – INDIEPENDENCIA EP
La agrupación Peruana deja fluir su sentido común y se hace un espacio dentro de lo más atractivo de la escena latinoamericana independiente. Su nuevo Ep captura un Pop sensorial repleto de energías ambulantes, que se cruzan con un sentido armonioso del tacto musical, capaz de atraparnos con cada canción que aparece, desde la tremenda resonancia radial de Estas, pasando por un electro juguetón en Cuando salga el sol, resumiendo con los dos temas finales un trabajo redondo, que sorprende por su vitalidad y sobre todo, por lo variado que puede ser, sin restarle ese toque personal que hace de Indiependencia una apuesta a considerar.
NENEH CHERRY – BROKEN POLITICS
Neneh Cherry atiende con urgencia su sonido más denso y encriptado en Broken Politics, una declaración de amor y revolución que viene a mostrar a la artista en plena forma. Sus dotes para generar canciones grandilocuentes, entre la armonía Pop y la seducción Trip-Hop, se ve reforzada por un fuerte discurso social y político al margen de cualquier tonalidad, hablando de manera personal acerca de las diversas cuestiones fundamentales que aquejan al humano promedio, el que sufre y se desangra. En este disco las ideas fluyen solas, siendo la tremenda colaboración de Kieran Hebden aka Four Tet, el ingrediente indicado, picante y reflexivo para que la cantante haga lo que mejor sabe hacer.
QUAVO – QUAVO HUNCHO
El debut del Rapero Quavo, más allá de las ebulliciones procreadas junto a Travis Scott, carece de toda fortaleza, siendo una emulación bastante sosa de lo que contemporaneos a él hacen actualmente. Sí, suena divertido, un poco agotador, y los invitados bueno, hacen lo suyo pero queda tan al debe que pareciera ser más que nada un dolor de cabeza para cualquiera que intente adentrarse en ese torbellino de Trap, Rap y excesos.
FARAO – PURE-O
Farao regresa a esa encrucijada cósmica, oscura, siniestra y deslumbrante con un trabajo igual de iluminado que su debut de hace 3 años atrás. Las fichas están puestas sobre la mesa desde que suena Marry Me, siendo un auspicioso punto de partida para emprender un viaje sin retorno a tierras inexploradas por el humano común. Curioso es el caso de una artista tan inmersa en la creación, adoptando muecas orquestales y ritmos desenfrenados bajo la atenta lupa de un Pop con fuertes matices y momentos muy bonitos, otros depre y así.
JAVIER NOPATINA – CANCIONES SIMPLES
Discos Nobita nos trae otro imprescindible del Indie más artesanal, facturado con la gracia divina del corazón y el amor por la música, los momentos, las letras evocadoras y las canciones simples. Javier Nopatina, la voz de Animales Extintos nos da un viaje por todo tipo de ternuras, violencias, sacudidas y armonías lúcidas que se salen de control con cada estocada que nos provoca con su crudeza acústica. Muy bien elaborado desde las bases mismas de la composición y que merita una posición destacada dentro de los buenos álbumes que han aparecido este 2018 por estos lados.
BRUTO – B
El espíritu acelerado, enrabiado y denostado por la crudeza más salvaje del espíritu del Rock y sus vertientes más contestatarias, va en alza en este nuevo disco de Bruto, el cual resalta por sobre todas las cosas como un puñetazo directo a nuestra mandíbula, dejándonos un tanto atontados pero bien parados con tanta energía. B es un llamado de atención, entre el pesimismo y ese sentimiento de frustración que se logra condensar de manera sólida con la potencia de las canciones que acá nos convocan. Suena fuerte, peligroso y más importante aún, lo hace con una necesidad única de transmitir pasión.
DE MÓNACO – VIRAHA · EP
La frescura con la que el dúo nacional De Mónaco impregna cada parte de su nuevo EP Viraha, es bastante llamativa, a la vez un salto todavía mayor en cuanto a propuesta artística. Entre el House, y ciertos matices Tropical sintetizados que heredan de su anterior placa, este trabajo de 4 canciones accede a nuestra memoria como un latido punzante de ritmos hipnóticos y cierto ardor clavado en lo que mejor saben hacer: cambios. Un auspicioso paso para algo todavía mayor.
PETER BJORN AND JOHN – DARKER DAYS
Ven a darte una vuelta por los días oscuros que Peter, Bjorn and John nos pone en bandeja, como un preciso cóctel de los malos universales imperantes en la actualidad. En cuanto a música, la madurez persiste en cada momento, quedando atrás ese Indie más chicloso, dando paso a verdaderos momentos de alta tensión que vienen a reimaginar el esqueleto musical del grupo Sueco. No se si podamos hablar de un giro tan radical y mágico como el de MGMT pero de manera similar, nos convence. Basta escuchar joyas como One For The Team para limar asperezas.
RUBIO – PEZ
La constante con la que Fran Straube vino a contemplar el lado más oscuro, tribal, hipnótico, sentido y primigenio del Pop y la electrónica con una serie de 5 tremendos Ep’s, ve su opus magnum en un disco sellado por la integridad artística de una de las artistas más interesantes y radicales de los últimos años. Rubio toma prestado cada parte de su concepción, rayando entre la emocionalidad de sus joyas dispuestas en los diversos Ep que vienen a converger acá, desatando a modo resumen, y a la vez consagración, su yo más real, desde las profundidades del ser hasta el abismo mismo de la materialización sentimental.
Pez funciona como un todo, engrapado bajo la diversidad de un montón de sonidos que convergen entre lo experimental y el Pop más radial, aunque claro las circunstancias se alejan de sobremanera de cualquier fórmula. Acá las cosas advierten una intensidad que pretendemos se potencia a niveles exorbitantes de música y expresión. Las credenciales están más que dispuestas.
L1BERA – CERO
Cero marca un punto de inflexión dentro del panorama más personal de L1bera. Si bien es un trabajo que posee los méritos suficientes para sostenerse solo, como una potente mescolanza de emociones e intensidades, cuenta con la particularidad del ingreso de dos nuevos miembros y la prueba de la vigencia. Y a pesar de que el Nu Metal parezca un género en salida, la banda logra darle un vuelco trayendo elementos tan interesantes dentro del Dubstep o el Progresivo, sin olvidar la constancia guitarrera que ha marcado la vida misma de ésta. Un golazo de media cancha que pone en concordancia el pasado y el presente de muy buena forma.
ADRIANNE LENKER – ABYSSKISS
Solitario sería una buena palabra para describir el álbum de la cantante de Big Thief Adrianne Lenker. Abysskiss sociabiliza con fantasmas y desvelos, hace tratados sobre el amor y la muerte, captura desesperación y sinceridad a niveles un tanto agotadores para cualquier persona que espere un Indie Folk más amigable. Es complejo en muchos sentidos, pero si se logra llevar bien, rápidamente pasará a ser un fiel compañero del reflejo más abundante en desgracias y triunfos de cualquier ser humano.
MARIE DAVIDSON – WORKING CLASS WOMAN
El cuarto trabajo de la productora Francesa se hace un lugar dentro de la electrónica más magnética y ensamblada. Working Class Woman trabaja sobre las bases de un genuino sentido de vivencia atrapado entre traumas y fantasmas, todo esto mezclado con el sonido irónico y ácido de los club nocturnos. La paranoia y claustrofobia se viste de negro, sacude su esqueleto a través de ritmos hipnóticos, siendo una jugada maestra por parte de Marie Davidson.
ALEX ANWANDTER – LATINOAMERICANA
Latinoamericana viene a politizar aún más la propuesta de Alex, a pesar de que en definitiva, el gran mérito de este trabajo radica en la música en sí. Bastante más intenso, rabioso, menos Dance y más experimental, este álbum explora desde los tópicos sintéticos más cercanos a lo primigenio de finales de los 70, y a la vez guarda espacio para profundizar en la crítica y el bajo mundo, desde el odio del ser humano ordinario. Un punto a favor es la dinámica, que no agota en ningún momento, siendo un trabajo parejo, sin bajos, entretenido, necesario y hasta caótico. Es cosa de escuchar cortes como Odio a todo el mundo y No te puedes escapar, entre la música Industrial y la música Disco más sucia, oscura, desalineada, sudorosa y explosiva.
CAMILO ANTILEO – NEWENCHE · EP
El músico Camilo Antileo viene a desprenderse de cualquier mufa, agudizando su propuesta en algo todavía más sincero, y a la vez estudioso de su entorno. Las credenciales con las que cuenta parecen agudizarse todavía más en el sentido, melancólico e íntimo Newenche (Gente poderosa), desafiando y actualizando temas tan vigentes, sin desprender en ningún momento la esencia misma de lo que se quiere transmitir. Son solo 4 canciones que viene a mostrar el trabajo más maduro del compositor. Un acercamiento de algo tan cercano que nos parece a ratos muy lejano.
NEW CARACAS – NOS
Para muchos New Caracas representaba cierta esperanza y a la vez, una espada de doble filo que podría ponernos al tanto de las complejidades de Latinoamérica, montando de norte a sur un compendio de música de raíz bajo la mirada más alternativa y moderna de la música independiente. NOS cumple y más, reboza de ideas, entona nuevos himnos para los que aún luchan y refleja una realidad profundamente rota, desde las vivencias más personales, esas que resumen culturas y que el día de mañana se harán con la poesía popular y la revuelta musical más colorida.
EYMACARENA – ME VOY A IMAGINAR QUE LO ESTOY PASANDO BIEN
Guitarra en mano, letras directas, polarizadas en medio de la acción y la reacción de sí misma y para con su entorno, EyMacarena puede contar con que su nuevo álbum pasó de ser una mera anécdota sonora, y es sin dudas una nueva carta de presentación de su yo actual. Me voy a imaginar que lo estoy pasando bien juega un poco con ese Rock independiente más sesentero, pues las coincidencias en estructuras convergen de buena manera con ese sonido a la Velvet Underground, aunque no se confundan, el sello EyMacarena se escapa por todos lados, lo que le da cierto impulso de originalidad que no paramos de aplaudir.
RICHARD ASHCROFT – NATURAL REBEL
Natural Rebel es a ratos encantador, perfecto para el oyente pasajero de Ashcroft, aunque demasiado sobre actuado. El compositor hace hincapié en su faceta como eterno reverendo del Pop/Rock Británico con legado y causa, pero pareciera que nos encontráramos ante un piloto automático sin demasiado corazón.
BOY PABLO – SOY PABLO · EP
Música del dormitorio personal de un adolescente con demasiadas preguntas y ganas de preguntar, ideal para interiorizar desde la privacidad del ser más personal de nosotros mismos. Este Ep de Boy Pablo crece, encara y seduce desde una sacudida a los estandartes musicales del Indie más juguetón. Soy Pablo captura magia, intensidad y mucha pero mucha personalidad, dejando de lado esa encarnación de Mac DeMarco en pos de un sonido más auténtico, y en lo personal, mucho mejor. Dejen fluir la amalgama de influencias que este trabajo nos presenta con gracia y sinceridad.
ROBYN – HONEY
Uno de los regreso más bullados es también un acierto a gran escala. Robyn se reinventa para las futuras generaciones, encanta a sus más antiguos seguidores y transforma la pista de baile en un buen lugar para expresar tantas cosas y olvidarse de algunas otras. Honey es una excusa para bailar, volverse loco, quemar frustraciones y sudar arrebatos, una sincera y auspiciosa democratización del Pop más sofisticado, el cual sirve tanto para nosotros como para ella misma, pues a medida que nos vamos adentrando más en su estética dinamitante, nos va invadiendo ese lado oculto del Dance personal que hay en su interior. Si el Pop debe evolucionar, podría fácilmente escuchar cada canción de Honey, desde la ya clásica Missing U, pasando por la susurrante Never Again, llegando al climax en temas como Honey o la tremenda Human Being. Acá hay mucha sustancia para expandir hasta más no poder las posibilidades. Simpleza y grandeza. Bienvenidos al Siglo XXI.
JULIA HOLTER – AVIARY
Julia Holter nos entrega un espacio en el cual abundan todo tipo de pesadillescos episodios propios de cualquier relación en profundidad. Una descontrucción del aspecto más humano del humano, redundante en errores, repleto de memorias, con un pasado, presente y futuro que Holter retrata de manera novelesca en Aviary, el que sin dudas es su álbum más complejo y a la vez, oscuro. 90 minutos en los cuales la cantautora se mueve de un lado a otro, con las emociones al límite.
THOM YORKE – SUSPIRIA (MUSIC FOR THE LUCA GUADAGNINO FILM)
No había mejor lugar para explorar ideas, temáticas, armonías, ritmos, secuencias y lógicas e ilógicas que una banda sonora. Para Thom Yorke el hacer una obra como esta, que sirviera como musicalización del remake de Suspiria, requería de una ambición tal que se transformara en una via de escape sin salida para el autor y el auditor. Y es así como en muchos cortes de diversas duraciones, Yorke compone un torbellino de anomalías en las que se encuentra mucho piano, atmósferas, tablas, sintetizadores y quien sabe cuanto más, todo abordando un sentir visual imaginario que perfectamente se ve ensamblado con el mejor montaje que el músico podría pretender. Todo muy caótico, todo muy Thom Yorke. A diferencia de la grandilocuencia orquestada de Greenwood, en Suspiria se busca el engranaje mismo del sonido en movimiento, más minimalista y cercano a la respiración de los espacios.
PARCELS – PARCELS
Ritmos Funky que capturan una esencia que cada día toma más protagonismo en gran medida al Daft Punk del RAM y a Nile Rodgers de Chic. La canción de los robots junto a Parcels nos dejó con la boca abierta y todo parecía apuntar a un lugar que finalmente no llegó del todo. Parcels se las ingenió para mostranos un sonido familiar, y a la vez salirse con la suya con un producto más personal, cosa que no es fácil. Un trabajo que perfectamente podría ir incluido en esta década, como en la pasada, incluso en los 70. Ojo con los siguientes pasos de estos chicos que prometen más maravillas como Lightenup.
BOYGENIUS – BOYGENIUS · EP
La unión hace la fuerza. Para boygenius esta afirmación resalta aspectos todavía más llamativos si nos damos cuenta que el talento y la visión artística de nombres como Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker toma una posición bastante ostentosa dentro de lo mejorcito que ha salido este año. Un Ep como este nos da a entender que este perfectamente puede pasar a ser el proyecto principal de las partes involucradas, pues representa una declaración de principios tan grande como el amor mismo por la música.
MR. TWIN SISTER – SALT
En medio de las displicencias generadas por la industria de la música a actos que toman el concepto nocturno más allá de las tendencias y modas, Mr. Twin Sister consigue cosechar frutos tan intrigantes como sobresalientes. Luego de un trabajo como el homónimo de hace 4 años, la banda siguió explorando los destellos de la electrónica, los sintetizadores y el clubbing, dotándolo de un free jazz y un post-Pop nostálgico demasiado bien ejecutado como para dar espacio a las dudas. Se captura cierto movimiento en cada huella de Salt, entregando momentos hipnóticos, rápidos, lentos, configurados con la gracia de ser el elemento principal del after después del after, antes de la resaca, cuando nos inunda la nostalgia y los pensamientos.
CAT POWER – WANDERER
Atrás quedaron todos esos magníficos experimentos sonoros a los cuales Chan Marshall nos acostumbró desde The Greatest hasta Sun, dejando de lado esa faceta más Pop, Dance y R&B del Indie porque Wanderer reconecta de manera lucida, madura y serena con el lado más sensible de su propuesta. El álbum es un compilado de confesiones, recuerdos y reflexiones que componen ese carácter sentido del disco, a medio camino entre el piano, las guitarras y la simpleza minimalista que acoge a una Cat Power mucho más personal, protagonista absoluta de este recorrido que para algunos, viene a ser el «You Are Free» de esta década.
KURT VILE – BOTTLE IT IN
A un ritmo propio, Kurt Vile se inmiscuye en su yo más personal, y nos entrega un disco que se deshace entre la emotividad de las canciones, y los ritmos impredecibles, tan bien configurados dentro de lo musical y lo artístico. Es un paso en la ruta, donde desata pasiones, locuras y aprende, sobre todo aprende el oficio como nunca antes. La inspiración viene desde las giras, la carretera, y como en muchos casos, le ha dado una identidad única al más puro estilo de nombres como Neil young. Kurt Vile poco a poco se va convirtiendo en un referente dentro de la trova más Indie, con muchos toques folk sin descuidar el factor sorpresa. Hysteria es un temazo.
BEHEMOTH – I LOVED YOU AT YOUR DARKEST
Nergal y compañía la hicieron otra vez: sellaron fervientemente su carácter de banda elite en el metal. La inquietud de los polacos los han llevado por toda una gama de sonidos que llegaron a su epítome con «The Satanist» (2014), la obra maestra de Behemoth por excelencia, donde la rigurosidad y el sentido artístico predominaron en absoluto.
Aquí, en «I Loved You At Your Darkest», es palpable el carácter dinámico e hiperkinético en términos creativos, no sólo rindiendo honores a la etapa más clásica de la banda con los riffs acelerados y blast beats, sino que mostraron una nueva versión de sí mismos, tan acelerada pero aún más escabrosa («If Crucifixition Was Not Enough» y «Wolves Ov Siberia«). Claro, «The Satanist» marcó un antes y un después en Behemoth, y podemos presenciar eso en tracks como la avant garde «God = Dog» o «Sabbath Matter«.
Este enfoque en el concepto le viene como anillo al dedo a Behemoth, al haber un trabajo mucho más preciso y personalizado en los instrumentos, brillando el trabajo en guitarras mucho más, con un cuidado exquisito de las notas y melodías, como solos de factura más apasionada. Fácil, el álbum ve su punto más alto en la novedad absoluta: «una balada al estilo Behemoth», nada más ni menos que «Bartzabel«, donde Nergal declaró que fue influenciado fuertemente por la música de Danzig, algo que en definitiva podemos extraer una vez hecho el análisis correspondiente, materializándose en algo que jamás hemos visto en su discografía.
No hay mucho más que decir. Behemoth mantiene el momentum glorioso, convirtiéndose en la banda de metal extremo más importante de los últimos años, a punta de una producción a punto, una visión creativa inquieta e inconformista que sólo genera más y más interés.
TWENTY ONE PILOTS – TRENCH
Los twenty one pilots se tomaron las cosas con calma, mucha concentración e inspiración. Hicieron de su música tan adorada para el mainstream, algo a qué ponerle atención, no sólo a los singles y hits radiales, sino que al álbum entero, de corrido, para entender la historia detrás con melodías que profesan nuevos horizontes definitivamente más oscuros. Personalmente, después de la explosión de su fama con un álbum tan desordenado como «Blurryface», esperaba otra colección miscelánea de temas con éxito asegurado, pero no es lo que sucede aquí ciertamente.
En su quinto disco de estudio, cambiaron el switch, porque después de todo, estaban a tiempo. Tienen la fama, ahora es hora de crecer como artistas. Lo diré de una manera más sencilla, este disco es como aquel primo chico que veías sólo en el verano, y que molestabas por todo, pero después de un par de años se pega el estirón, le cambia la voz, tiene criterio y gustos propios, permitiendo llevar una conversación algo más adulta.
Se lo tomaron en serio, y siguen manteniendo esa fama tan ostentosa (Imagine Dragons, Coldplay, y demás bandas, por favor, aprendan) con hits que suman y suman reproducciones en YouTube. Muy, pero muy bien por ellos, además ahora los fanáticos tendrán un argumento de peso con el que defenderlos.
CÖ SHU NIE – AURORA · EP
De las novedades actuales que ofrece Japón, vemos un puñado de temas con mucho que decir, y en un par de tracks, se vuelve en algo abrumador que no se puede apreciar muy bien, incluso con una producción tan poluta. Aún no tienen un larga duración, así que tampoco es algo necesariamente alarmante, y si bien el primer track peca con lo dicho anteriormente, los otros denotan mucho más lucidez. Claro, existe un potencial tremendo que canciones como la versión en piano de «Asphyxia» o el jazz medio electrónico y punk de «Asura» (mi favorita personal del EP) demuestran. Un futuro que con el debido cuidado, puede ser tremendo.
GRETA VAN FLEET – ANTHEM OF THE PEACEFUL ARMY
Digámoslo de inmediato: Greta Van Fleet no es la banda que salvará al rock, de ninguna manera, ni mucho menos intentan cambiar el status quo del género con su propuesta setentera. El asunto con los de Michigan es en verdad, mucho más simple, rockear un rato.
En este LP debut, sin lugar a dudas hay mucho de la etapa clásica del rock, por eso el golpe nostálgico tan tremendo, porque no se siente nada de la época actual en la que vivimos, a diferencia de otras bandas como los Rival Sons. Por otro lado, a diferencia de sus primeros EP’s, esta vez musicalmente no son necesariamente un clon de Led Zeppelin (aunque el parecido de la voz de Josh Kiszka con Robert Plant los perseguirá siempre), al poder ver más variedad de sonidos muy a lo Cream, con un hilo conductor claro, honesto y muy, muy carismático.
Ciertamente hay pasajes que pueden representar novedad, y es ahí donde pongo mis esperanzas –en términos creativos– porque si es verdad que Greta Van Fleet es una banda con un sonido setentero bien producido, pero jamás fueron la banda que la prensa caprichosamente declaró que serían, ni ellos mismo han intentado serlo. Después de todo, son bastante jóvenes, y el talento está.
EMPRESS OF – US
Lorely Rodríguez establece un diálogo con una fluidez tan natural como los beats y melodías que aparecen a lo largo de este trabajo. Aquí hay un sentido de espontaneidad tal que se torna casi imperceptible el cambio sigiloso en el idioma, tornando la intensidad de sus canciones en vibras que se ubican entre sabores latinos y el synthpop, en su trabajo más cuidado y dedicado a la fecha.
IKON – NEW KIDS: THE FINAL · EP
Lo nuevo de iKON viene de la mano de un puñado de canciones con un carácter mucho más tranquilo, reposado, y liviano musicalmente. Existe cierto carácter de hito en su carrera musical, lo que toma sentido después de un año tan movido para los surcoreanos, y eso repercutió hondo en cada uno de los integrantes, relatando sus tristezas y arrepentimientos. Un esfuerzo que brilla en la comunión fundada en su ligereza.
THE STRUTS – YOUNG & DANGEROUS
Después de 4 años, los Struts al fin sacaron su segundo álbum, en un momento más que favorable (cómo si lo supieran con anticipación), en un año donde el revival setentero se encuentra en su máxima expresión básicamente, a propósito de la biopic de Queen y Greta Van Fleet, por ejemplo.
Aquí, el asunto fue aún más explosivo que en su disco anterior, inclinándose –aún más– por el glam pirotécnico y despampanante, con una infusión del rock popero de los ’00 en adelante. El resultado es uno de los mejores híbridos que hemos podido escuchar estos últimos años, uno inmensamente potente y festivo, inmerso en la avasalladora y carismática actitud y presencia de Luke Spiller, que –en conjunto– les ha valido el reconocimiento de Mötley Crue, Foo Fighters, y el mismísimo Alice Cooper. No es necesariamente algo nuevo, pero no hay nada como esto en estos tiempos, no de la manera en que lo hacen, ni mucho menos tan bien hecho.
MØ – FOREVER NEVERLAND
La danesa nos entrega un álbum que refleja su visión independiente y propia que tiene del pop, y es algo que agradecemos, aunque claro, ha estado encima de la palestra con un impacto al mainstream de manera bien directa desde sus andanzas con Major Lazer en el pasado, y es ahí el punto de partida que quiero usar para la distinción.
Lo mejor del disco –y por suerte, lo mayoritario– es esas canciones que siguen buscándole distintos trucos al asunto, entre reveses a los beats, melodías fuera del cánon occidental, y uno que otra innovación en términos de producción. Lo malo, por otro lado, es el desorden que provocaron los tracks a la segura y las incursiones en baladas donde MØ simplemente no se escucha cómoda.
El asunto es tener cuidado con comprometer su visión artística, y darle especial énfasis al control creativo, sobre todo si habrán varios productores.
YONIGE – HOUSE · EP
Este nuevo mini-album aporta un indie garage bien sencillo que no busca salir de la zona de confort, pero en sí demuestra un lado del que no solemos poner nuestra atención encima, y esa es de un lado popero de las guitarras que ciertamente se encuentra abandonado, a lo menos en occidente. Existe un conocimiento amplio de las melodías vocales, brillando como el gran centro de esta historia, con una disposición generosa a ser encontrada.
Existe algo entrañable dentro de este disco, su cercanía resuena en nuestros oídos de manera directa y sin pretensiones, tan sólo absoluta honestidad. Qué ganas de ver lo que pueden hacer con algo más de ambición.
TOM MORELLO – THE ATLAS UNDERGROUND
Lo nuevo de Tom Morello es ciertamente confuso, y cómo no si su nombre nos recuerda a Rage Against The Machine y Audioslave, y en su nuevo atisbo solista no encontramos nada de eso. Pero ojo, el guitarrista hace bastante tiempo ya que viene indagando en la música electrónica, siendo un elemento fundamental en su constitución como maestro de las seis cuerdas.
Digámoslo para que no se sorprendan: hay EDM, hip hop, dubstep e indie pop, y todo eso se ve conectado por el característico sonido prácticamente patentado por Morello. Aquí hay claridad de lo que quiere, y es su propia visión del pop, y ciertamente existe una abundante riqueza de sonidos, géneros, arreglos, andanzas…una verdadera quimera.
En lo personal, me gusta esta faceta del guitarrista, desmitificándose a sí mismo y permitiéndose salir del sonido que lo mantuvo a raya desde RATM, pasando por Audioslave y llegando a los Prophets of Rage.
HIGH ON FIRE – ELECTRIC MESSIAH
Veinte años en el ruedo y High On Fire sigue sacando material tan bueno, como aquí con «Electric Messiah», en el que varios concuerdan que es su mejor álbum hasta la fecha, grupo en el cual me incluyo. ¿Por qué? La explicación es algo sencilla, y es que cada pasaje de su historia, cada experimentación, cada andanza en este sonido tan desértico es demostración de que su creatividad se pule más y más.
Su desértico, sucio y distorsionado sonido esta vez se dejó decantar en plena furia, conducida por el relato narrativo de mitos y leyendas, y sus tópicos. Hay cierta preocupación artística, y al mismo tiempo, sigue siendo algo directo y disfrutable. A Matt Pike si que le creemos, pues vaya año que ha tenido, y no sólo con High On Fire, si no con su regreso con Sleep hace meses.
MY FIRST STORY – S · S · S
De fórmula, pero funciona. MY FIRST STORY sabe lo que hace, y sabe a que apunta, y eso es dominar la industria a través de un rock emotivo como efusivo, con un ingrediente propio evidente pero a su mismo tiempo, una notoria inclinación a incidir en el mercado occidental, al menos paulatinamente.
Es cierto que se pegaron un cambio a lo Bring Me The Horizon, dejando el lado rabioso del metalcore apuntando por un rock/metal de estadio, con hartos elementos electrónicos –que siempre han tenido en todo caso–. Si esa jugada es para asegurar el puesto en los charts, no hay mayores problemas; tan sólo no caigan en la complacencia a futuro, después de todo, sí que saben hacer álbumes entretenidos y ojalá no pierdan esa chispa sólo por lo comercial.
DAY6 – UNLOCK
Ciertamente el rol de Day6 en la actualidad de la industria surcoreana de la música es una bocanada de aire fresco, al hacerse de un puesto seguro en el mainstream a base de lo que la guitarra, bajo y batería hacen. En esta ocasión, los surcoreanos arremeten en el mercado japonés con un rock que conoce de energía y muchas vibras, algo bien jovial y sobre todo, con un dominio de masas. Esto último es justamente su virtud, como al mismo tiempo, el potencial punto de crítica: me hubiese gustado que se hubieran arriesgado más, pero dadas las circunstancias comerciales del asunto es comprensible. Bajo ese precepto, es un éxito, a ver que nos deparan en el futuro.
HAKEN – VECTOR
Los londinenses siguen sumando credenciales del porqué son de los grandes de la nueva ola del metal progresivo –junto a otros como Leprous o Tesseract–, y es que saben como plantear el asunto desde distintas aristas, y aquí en «Vector», quisieron dar viva voz de porqué la palabra metal es tan significativa para ellos, al menos en lo musical.
Ciertamente Haken jamás había sonado tan pesado, y eso es lo que abre aún más posibilidades para un género tan abundante y meticuloso como lo es el prog, pero si es cierto de que hay momentos en el álbum donde esta inclinación por la distorsión afectó su creatividad, sonando algo genérico en dichas ocasiones. Pero no se equivoquen, «Vector» es un álbum grandioso, y siguen siendo de los mejores en su área; tan sólo no es lo mejor de los ingleses, para que vean de lo que estamos hablando.
STEVE PERRY – TRACES
Analizar el trabajo de el ex vocalista de Journey es algo complicado, puesta su ausencia por 24 años desde su última andanza en el estudio como solista, y unos cuantos menos desde su último disco en su banda madre. Seamos directos, «Traces» es un acto de nostalgia, pero siendo concisos, es algo que agradecer, ya que a lo menos es palpable la necesidad de Perry por entregar su propia historia con un mensaje de amor constante, que se plasma también en su interpretación. Por lo demás, su conocimiento de estadios y arenas persiste férreamente.
UNLEASHED – THE HUNT FOR WHITE CHRIST
Lo que tanto gusta de Unleashed es justamente la garantía de que recibiremos un buen death metal, aún cuando esta propuesta se mantiene inamovible por algo más de 20 años, pero ese es el asunto, hay un carácter «de culto» que rodea su nombre en un sonido único y sólido, con una distorsión que da espacios a melodías gélidas y nórdicas, sin caer en el súbgenero del melodic death. El efecto es como el que provoca Cannibal Corpse: siempre han hecho lo mismo, pero a su vez, siempre lo han hecho bien, y «The Hunt For White Christ» no es la excepción.
PHOSPHORESCENT – C’EST LA VIE
Un álbum con aires de realización desde un prisma bastante humilde en el que Matthew Houck se muestra cómodo, y porqué no, feliz. Existe cierta estabilidad en la variedad de ideas sonoras que infunde en «C’est la vie», fiel retrato del momento en el que vive –siendo un hombre de familia constituido–, contando así su historia de manera cinematográfica, como si de una biopic se tratase. Ciertamente de lo mejor que el indie folk ha ofrecido este año.
STRAY KIDS – I AM YOU · EP
Más débil que sus lanzamientos anteriores, sí, pero los Stray Kids saben como mantener la atención y repletar el arca de canciones. El concepto conclusivo de este mini álbum juega directo al corazón, con mucha más melosidad de por medio, perdiendo algo de impacto, más no la emotividad.
Definitivamente la mejor faceta de los surcoreanos es cuando lo dejan salir todo, apuntando a un pop explosivo de herencia rock (ese riff en «My Side» me pilló desprevenido). Ojalá apunten por álbumes más ordenados y cohesionados en el futuro, después de todo, recién empezaron este año.
THE CASUALTIES – WRITTEN IN BLOOD
La novedad que ofrece «Written In Blood» de parte de este nombre pesado del punk de calle, es un cambio en el line up no menor: el reemplazo de Jorge Herrera por David Rodríguez. Al ya incendiario, veloz y furioso punk que los Casualties ofrecen, la nueva voz le suma un ingrediente distinto, dada las características más accesibles de la voz del nuevo vocalista, pero ojo, la diferencia es mínima, y al mismo tiempo, refrescante. La pureza de su propuesta sigue dando en el clavo, de manera filosa y deslenguada. Buen álbum.
BOA – WOMAN
BoA es la reina del k-pop y «Woman» refleja el porqué de manera bastante directa y literal. Es el álbum más ordenado y coherente de todo el 2018 dentro del pop coreano, y es que no sólo es por la experiencia (18 años de carrera no son menos), sino que su ambición corresponde su grandeza, y eso lo notamos en su música. Un pop bien funky, con vertientes R&B y soul, donde su personalidad dirige el destino del álbum, y es que ese es la gran virtud, que en todo momento escuchamos a BoA, y no lo que la industria demanda. Qué gran disco.
ATREYU – IN OUR WAKE
El nuevo álbum de los reyes del metalcore no es algo innovador por así decirlo, pero tampoco es decepcionante, aún por la inclinación al rock de estadio, y eso toma lugar gracias a las posibilidades que se entregaron en ciertas canciones. Hay ciertas ideas instrumentales que sería interesante que desarrollaran en el futuro (como los arreglos de «Super Hero», los riffs rockeros de «No Control», la producción distintiva de «Safety Pin» en segmentos, entre otras). Tal vez el único asunto que arreglar es la predictibilidad de la estructura, pero el tiempo ya dirá. Lo que sí, los solos de guitarra son de muy buena factura.
04 LIMITED SAZABYS – SOIL
El pop punk de los nipones es realmente un referente sólido de lo que las guitarras deben hacer: la constante búsqueda. La no complacencia en el trabajo de las seis cuerdas es realmente una bendición para el género, al no quedarse –únicamente– en las quintas, sino que metiendo cuanta cosa suene bien, con arreglos dinámicos y una noción clara de riffs.
El paso siguiente para los 04 Limited Sazabys es darle ese histrionismo a la base rítmica (bastante sólida por cierto), para sacar más provecho de sus cualidades, sobre todo al bajo. Así, serían la banda definitiva de pop punk fácil. Si tan sólo Green Day y The Offspring tomaran nota.
BLOODBATH – THE ARROW OF SATAN IS DRAWN
Un número que honra al death metal old school, Bloodbath es sinónimo de buen material. Tal vez en «The Arrow Of Satan Is Drawn» pequen de autocomplacientes, pero es innegable la necesidad de alma en un género tan sobrepoblado como este. El único tema es que no se queden en la profunda admiración por el sonido, intentando replicar una visión prístina de este; déjenle ese trabajo a los progenitores del género.
DISTURBED – EVOLUTION
Disturbed siempre fue una banda que, aún con varios detractores, siempre fue una banda interesante, sobre todo por su nü metal abundante en groove y distorsión bien compacta, sin contar el hecho de que tienen un frontman tan carismático como David Draiman. Ahora, ¿qué es lo que pasó? Lo diré así no más: estamos ante el peor disco de Disturbed.
La ironía con el nombre es algo triste, y es que siento una verdadera involución aquí. Predecible a más no poder, con una estructura que no ofrece nada pero nada nuevo. El trabajo en guitarras es pobre, la base rítmica es básica, y no es ni de cerca la mejor performance vocal de Draiman. Un mal disco, lamentablemente.
KHALID – SUNCITY · EP
«Suncity» es una buena extensión de lo logrado en «American Teen», el grandioso debut de Khalid. Aquí hay un puñado de canciones que siguen el momentum, y aunque la variedad sonora es algo plana, el formato es cómodo para darse estos lujos, por así decirlo. En definitiva disfrutable, pero hay que tener cuidado.
BASEMENT – BESIDE MYSELF
Basement jamás ha sido una banda creativa a decir verdad: el aura emo y la musicalidad pop punk que interpretan no son nada del otro mundo, pero el mérito de «Beside Myself» fue corregir el bajón del disco anterior. Así, podremos seguir escuchando ocasionalmente sus coros pegajosos, aunque ojalá en algún momento se vuelvan una banda interesante.
SOULFLY – RITUAL
Max Cavalera encontró la inspiración que necesitaba. Algo de resquemor le tenía a este nuevo disco, dada la naturaleza «correcta» de los últimos discos, pero Cavalera, aunque tenga bajones creativos, siempre está intentando buscar nuevas vías a su música, y aquí hay una abundancia que agradecemos infinitamente: no sólo por los elementos que lo hicieron conocido, sino por sus andanzas en territorios «más desconocidos» del metal extremo.
El track que no viene al caso es «Feedback!», totalmente fuera de tono, aunque el tema en sí es bueno, tal vez hubiese funcionado mejor como bonus track. Fuera de eso, gran disco. Cavalera sigue vigente, y Soulfly también.
JESSIE REYEZ – BEING HUMAN IN PUBLIC · EP
Sí, Jessie Reyez es cosa seria. Su R&B de corte latino –gracias a su ascendencia colombiana– y bien melancólico están tornándose en el foco de atención para muchos, dado el potencial de la canadiense. Aquí en «Being Human In Public» vemos como se maneja de manera fluida entre todos esos sonidos urbanos como el ya mencionado R&B, trap, hip hop y pop latino, ni hablar del gran fuerte: su voz y su tremendo rango y su adaptabilidad en términos de interpretación. Buen EP.
BEYOND CREATION – ALGORYTHM
Sin mayores rodeos, los canadienses deben tener cuidado con el estándar del sonido que han creado. Sobresalen en la escena, sí, pero aquí en «Algorythm» fallan en mantener la atención sobre la parte pesada de su sonido, siendo el gran fuerte las transiciones, intros y variaciones, manifestaciones directas de su lado progresivo. No es un disco malo, pero pueden hacerlo mucho, pero mucho mejor.
COHEED AND CAMBRIA – THE UNHEAVENLY CREATURES
La banda de Claudio Sánchez vuelve sus andanzas al concepto sci fi narrativo de las «Amory Wars». Para ser certeros, para que un álbum tan largo como este, se las arregle para funcionar es debido a la postura épica del asunto, toda una space opera, con el gancho suficiente para cantar a viva voz cada uno de sus coros. Si bien en lo personal explotaría un poco más el lado progresivo, el trabajo es demasiado bueno, y lo mejor, único en lo suyo en este año. Gran retorno.
MR. CHILDREN – JUURYOKU TO KOKYUU
Los nipones simplemente han sabido mantenerse en la cima de su propia industria, y en este nuevo álbum vemos el relajo que provoca ese precepto, tomándose las cosas con mucha más calma, preocupándose especialmente de las canciones más que de maravillar con nuevas fórmulas y vías en lo instrumental. Por otro lado, siempre es bienvenido la vieja usanza de la música, con un concepto más clásico que siempre es bienvenido.
TITUS ANDRONICUS – HOME ALONE ON HALLOWEEN · EP
Tres canciones que viajan desde el folk, psychedelic (hay una influencia notoria de Pink Floyd), y garage muestran una faceta algo oscura y novedosa en cuanto a su carrera, dejando de lado la faceta punk definitivamente, ahondando en un imaginario que espera por pulirse, pero es promisorio.
JUNNA – 17 SAI GA UTSUKUSHII NANTE, DARE GA ITTA
JUNNA arremete con un disco repleto de hits de los más variados estilos, entre un rock efervescente, baladas, música electrónica, entre otros. Para ser honestos, cuándo más cómoda se ve, es cuando se sumerge en ese estilo de guitarra española, algo más clásico pero que toma un ángulo especial bajo la dirección de su voz, con elementos autóctonos de otros lados del mundo que hilan en distintas manifestaciones.
Si bien el gran defecto de este álbum es seguir los fetiches de la industria, JUNNA si aparece como algo novedoso entre todo el espectro, con una voz profunda y sólida que estremece de las maneras más olvidadas.
ACE FREHLEY – SPACEMAN
A pesar de lo increíblemente influyente que es Ace Frehley en el rock, su faceta solista se mantiene en un acto de nostalgia que apunta únicamente a los viudos de su era en Kiss. Rock de factura clásica bien hecho, de eso no hay ninguna duda, así que si alguien viene en busca de esa área, no se verá decepcionado, pero es innegable que es un sonido totalmente fuera de era, sin nada que nos conecte en sí, salvo el recuerdo.
CLOUD NOTHINGS – LAST BUILDING BURNING
Lo nuevo de Cloud Nothings le saca el provecho máximo a su punk efervescente, cortesía del trabajo de Randall Dunn como productor (quien suele trabajar en el ámbito del metal). Aquí se saca provecho del aspecto más noise, captando la impoluta esencia de su sonido, maximizándola en el estudio, añadiendo un valor de identidad no menor.
Por lo demás, no es que se aboquen únicamente por un punk rabioso, sino que si que saben darle una postura más agradable y melódica al asunto, aunque claro, siempre lo han hecho. Recomendadísimo.
HATE ETERNAL – UPON DESOLATE SANDS
Lo de Hate Eternal tiene su gusto especial, al contar con uno de los sonidos más demoledores del death metal. Es como si Morbid Angel decidiera ser lo más pesado posible sin llegar al sin sentido, demostrando el aspecto técnico que se luce y aprecia con claridad gracias a la producción, lo que es un trabajo titánico, considerando la omnipotencia del sonido, sin dejar espacio alguno en blanco. Una buena repasada de como se hacen las cosas bien, sobre todo por el avasallador uso del impacto.
ALUNAGEORGE – CHAMPAGNE EYES · EP
Producción en punto, precisión de los sintetizadores y arreglos de guitarra, grooves de bajo realmente irresistibles, y un uso prodigioso de los matices, aprovechando el uso de volumes. ¿Que más podemos decir? AlunaGeorge sólo crece y crece con su R&B elegante como aterrizado al mismo tiempo, entrañable y al mismo tiempo deseable.
LUCKY TAPES – DRESSING
El funk tienen manifestaciones soberbias en este LP, con un aire mucho más elegante pero sin intención alguna de dejar el groove que mueve cuantos pies se aparezcan encima. Un esqueleto disco que se matiza con sensualidad en sus alcances más pausados pero repletos de alma. Absolutamente de vibras feel good.
Tal vez, y siendo bien quisquillosos con el asunto, le daría algo más de dinamismo a la voz principal, para aprovechar los colores que su misma música evoca, por otro lado, la armonización en los coros es envidiable.
AMARANTHE – HELIX
Amaranthe está cumpliendo un rol esencial en la innovación del power metal, y del metal melódico en general, y lo podemos ver aquí en «Helix». Existe un uso consciente de elementos del metal en géneral, coros bien gancheros del heavy metal, los growls del melodic death, la estructura del power metal moderno, bien electrónico.
Es como si los suecos hayan tomando nota de lo que bandas como Halestorm han hecho, y lo han añadido a su ADN, pues en «Helix» hay harto del concepto moderno del heavy. Una carrera promisoria sin lugar a dudas. Me sumo como fan.
YOU ME AT SIX – VI
Con una reformulación radical, You Me At Six sigue manteniendo su habilidad para cautivar a través de coros melodiosos pero esta vez, con una nueva versión de sí mismos: una intrínsecamente indie, con harto elemento electrónico, y harto groove. Si bien están mucho más cercanos a ser una banda que cumple con los estándares del pop rock, perdiendo el elemento novedoso, si existe un planteamiento coherente en esta nueva propuesta, a ver como hecha raíces el asunto.
THIS WILL DESTROY YOU – NEW OTHERS PART TWO
Existe un relato sonoro que lleva al oyente desde melodías más contemplativas y melancólicas a pasajes más bondadosos, cumpliendo una estructura de viaje, realmente necesaria en el post rock. Personalmente, me hubiese gustado que la producción fuera algo más detallista, pues entre tanto noise en segmentos no menores, se pierden ciertos sonidos u otros no cuajan de la manera más adecuada.
SIRENIA – ARCANE ASTRAL AEONS
Sirenia sabe de oficio en cuanto a ese metal bien operático, bien escabroso, grandilocuente e inmenso. Hay un manejo aterrizado y fascinante entre las canciones directas al grano, y las que desafían el estándar, manteniendo la atención fresca en todo momento, no sólo entretenido sino que al mismo atento de que es lo que puede suceder. Sirenia está en plena forma y no dan atisbos de que vayan a bajar en algún momento, y eso es en gran parte a que le sacan jugo a cada elemento que forma parte de ese armatoste, el symphonic, el power, los elementos neoclásicos como la visión moderna de heavy metal, e incluso elementos electrónicos y hasta algo de black metal se percibe. Realmente abundante, y dosificado de la manera correcta, nada de ensaladas, sino que un gran complejo bien directo y entretenido.
MONSTA X – TAKE.1 ARE YOU THERE?
Monsta X es una de las tantas bandas reconocidas dentro de una industria tan masificada como la del k-pop, por lo que la lucha por la vigencia es brutal, teniendo lanzamientos constantes dentro de un mismo año, apuntando a distintos mercados y demases. El meollo aquí, es que los surcoreanos dan luces de búsqueda de nuevos rumbos, pero no se arriesgan lo suficiente como para que haga una diferencia real, signo de lo amarrado que están a los patrones de la industria. Es un buen álbum en general, pero hay que superar los límites de la industria, y eso no sólo se logra únicamente sumando fans.
TOTALFAT – CONSCIOUS+PRACTICE
Con TOTALFAT las cosas son claras: guitarras bien dinámicas e histriónicas, baterías que desafían velocidades humanas, líneas de bajo que superan el cánon, y unas voces en constante armonía que llevan por una fiesta feroz, pero amigable, y sobre todo inagotable. Su rol en el pop punk se mantiene tan soberbio como siempre.
Quizás los temas más lentos persiguen una estructura más reconocible, pero en ese aspecto ya caemos en lo quisquilloso, porque no hay mayores debilidades. Ese trabajo en la guitarra es simplemente asombroso.
CRYPTOPSY – THE BOOK OF SUFFERING – TOME II · EP
El technical death metal es el nicho de estos sujetos, y vaya que se manejan bien dentro de él. Buena jugada la de la trilogía de EP’s –siendo este el segundo, evidentemente– para buscar mayor libertad en términos sonoros, y menores presiones, notándose en la libertad con la que se expresan en estos cuatro tracks.
Aunque hay un elemento de shock tremendo, lo que gusta de Cryptopsy es que a pesar de la infinita brutalidad de sus lanzamientos, sí existe cierta que privilegia el disfrute, al utilizar el elemento técnico en abundancia, pero no con la intención burda de demostrar habilidades únicamente. Buen EP.
Escrito por:
Felipe: Desde Indiependencia hasta Kurt Vile.
Jota: Desde Behemoth hasta Cryptopsy.
