MUNDO DEL MAÑANA – LOS REFUGIOS QUE NOS VAN QUEDANDO VOL.1 EP
El sonido Pop intrigante y sintético, viene a maravillarnos desde una capsula espacial fuertemente arrastrada por el sentido común de la canción, y sin embargo nos sorprende en cada momento por una emoción ensamblada prácticamente por el deseo mismo de crear. Mundo del Mañana estrenó un Ep simple pero consecuente con su visión que funciona desde la calidez misma de las melodías, hasta la apasionada gama de líricas practicantes de un credo tan arraigado a su propia obra. Suenan a algo requetecontra conocido, a la vez nada se les parece; son Los refugios que nos van quedando un espacio de encuentro que nos invita a creer.
DENZEL CURRY – TA13OO
Los tres actos con los que Denzel Curry despacha ingenio, creatividad y una visión más profunda y trabajada de su música, aportan de muy buena manera en el resultado final de un álbum que viene a contarnos demasiadas cosas con un clima, entre turbulento, orgulloso y representativo. La gracia de Ta13oo, es que se desprende de cualquier chapa y congenia como un acto importante del Hip Hop actual, manifestando unas líricas absolutamente poderosas, personales, a ratos oscuras, pero iluminadas de pasión y entrega.
MAREZ – VESANIA
Marez viste una faceta oradora colmada de ideas e historias, desviste sus más sinceras expresiones artísticas bajo un Folk armonioso, cercano y evocador, transforma emociones fuertes en dulces suspiros guitarreros y enciende revueltas protagonizadas por los ritmos más contagiosos nacidos de la tierra y las verdades que el mundo sigue callando. Vesania es el despertar con sabor dulce, aroma intenso y adicción leve que estábamos esperando. Un grito a la vida, a la sociedad, a nosotros mismos como seres humanos; un canto que necesitamos dure y perdure por siempre, que se escuche en cada rincón y esboce cada parte de nuestro sentir más primordial.
GIA MARGARET – THERE’S ALWAYS GLIMMER
Estamos ante uno de los mejores discos personales que han aparecido este 2018. Repleto de emociones, momentos incalculablemente sentidos y una fina selección de historias que contar, Gia Margaret agradece a la música por ser un medio de expresión tan valioso, y a la vez tan conmovedor para ella misma. There’s Always Glimmer se enfrasca en una lucha por sobrevivir a todo tipo de experiencias traumáticas, con una belleza única, capaz de transformar sus secretos más aterradores y jmejores guardados, en hermosas canciones.
LOURDES LISS – MEDUSA · EP
El rol de la mujer como artista adquiere notoriedad en actos como Lourdes Liss. Los tiempos cambiaron, las musas desaparecieron y la inspiración de las artistas varia dependiendo del sentir y las ideas, y no haya nada más magistral que escuchar una obra tan poderosa como la que nos presenta bajo el nombre de Medusa. Un protagonista asombroso de los nuevos sonidos que emergen desde la creatividad y la búsqueda constante de nuevas formas de crear, abarcando la catarsis máxima que nos podía llegar a ofrecer, en tiempos en que el clímax merece ser escuchado. A opinión personal, uno de mis discos favoritos del año, que le hace la pelea fuerte a su anterior trabajo, pero que aún así, se distancia por la fuerte incursión en el panorama más experimental, sintético y esencial de lo que significa un álbum como monolito; nada se le parece, es único y majestuoso.
PHANTASTIC FERNITURE – PHANTASTIC FERNITURE
Los caminos del Indie se vieron muy beneficiados por la nueva (no tan nueva ya) camada de Garage Rock más independiente que la independencia misma, dejando de lado los vicios sicodélicos, adquiriendo una personalidad guitarrera balanceada con un sentir Pop que parece arremeter desde lo alternativo, las fusiones y la importancia del formato canción. Phantastic Ferniture representa a la perfección este cometido, en un disco que el trío podría definir como la piedra angular de su sonido, de sus vivencias y más importante aún, de su vida como banda. Si llegaran a separarse antes de lanzar otra cosa, podríamos hablar fácilmente de un nombre de culto nacido para la posteridad.
JOR – ALGORITMO CREADOR
La gracia de un trabajo como Algoritmo Creador radica en la importancia que representa como motor artístico para su propio autor, lo que se traspasa a las canciones, y por ende nos termina llegando a nosotros como una muestra real, empírica y redundante de esas cuestiones trascendentales que afloran en la vida. Jor entra en gracia con un segundo disco mucho más maduro, con un concepto mucho más marcado y con un eterno florecer de canciones que ejercer fuerza sobre nuestras cabezas, dejando un espacio de tiempo marcado por todo tipo de vivencias, creencias y sonidos que nos deja marcando ocupado, nos hace pensar, cuestionar, sentir y vivir.
ESYA – ABSURDITY OF BEING · EP
Esya (Ayse Hassan) es un proyecto ligado a la música más electrónica, con toques Dance y un fuerte sentido subterráneo impulsado por la siempre inquieta bajista de Savages- Kite Base (otro de sus proyectos) le ayudó a guiar su camino hacia lo sintético, como Esya anula cualquier posibilidad de auto repetirse y termina calcando un yo más personal, fuera de cualquier límite y carente de género, sello, chapa… una originalidad que con solo 4 canciones, nos advierte del enorme potencial que posee en solitario. Absurdity of Being es por sobre todas las cosas, un proyecto experimentalmente Pop.
IGGY POP & UNDERWORLD – TEATIME DUB ENCOUNTERS · EP
Cuando las colaboraciones parecían ser un nuevo camino a seguir para Iggy Pop, uniendo a dos actos generacionales y nostálgicos que solo una cinta como Trainspotting pudo unir y fundir en su adn, nos encontramos con un experimento un tanto vago, vacío, que no demuestra ni lo mejor de Underworld, ni lo del mismísimo Iggy, mucho menos funciona como algo novedoso. Digamos que todo quedó en una anécdota que para nuestro pesar, no funcionó.
ARRANQUEMOS DEL INVIERNO – SOL DE LOS ANDES · EP
Arranquemos del invierno es una propuesta más que consolidada, ajena al trabajo de su creador Pablo Álvarez en lo que fue Niño Cohete, y que ensambla una herencia más íntima, rural, Folk y con un enmarcado lírico potente. Sol de los Andes atraviesa un mundo post apocalíptico, repleto de los mejores ingredientes que el músico ha entregado a lo largo de su carrera, en donde afloran el sentido plural de lo natural, y la fusión de uno mismo con su inmensidad, como un solo individuo inmerso de los milenios de los Andes. Este Ep más allá de cualquier historia, es una oportunidad tremenda de ser inmerso en el universo musical del compositor.
SECTOR CORDILLERA – SECTOR CORDILLERA · EP
Sector Cordillera colecciona diversos elementos sintéticos, barajados por una rítmica atípica pero coherente con un tratado de innovación camaleónico, digno de un tortuoso pero iluminado trabajo. Este Ep busca paradigmas, inquieta desde sus aristas más anómalas, a ratos rudimentario, en el que convive el movimiento con los experimentos, como un disco eterno, con loops y beats complejos y atrapantes. Un excelente trabajo que se desentiende de cualquier tendencia y que nos mira desde ese universo paralelo, como un lugar desconocido pero maravilloso de presenciar.
RL GRIME – NOVA
Nova representa un gran riesgo, un precipicio sin fondo, que no hizo más que estrellarse contra el suelo. Una cosa es adentrarse en terrenos inexplorados, iniciar una búsqueda, querer desmarcarse y evolucionar; otra muy distinta es entregar un disco tan poco inspirado, que se pierde dentro de sus propias aspiraciones.
ONEOHTRIX POINT NEVER – THE STATION · EP
The Station es uno de los grandes cortes que nos dejó el excelente Age of, y Daniel Lopation aka Oneohtrix, no halló nada mejor que lanzarlo como single, y a la vez, incluir alguna que otra joya guardada en el baúl de lo que quedó de Age Of y canciones más viejas. Así nace The Station Ep como bien dice su nombre, una estación extendida del sonido de Age of que funciona como otro caramelo para nosotros, hambrientos que nos volvimos dependientes de su trabajo.
JAMES – LIVING IN EXTRAORDINARY TIMES
James es de esas bandas cercanas al indie que capturaron cierta magia y emoción en sus composiciones más celebradas, sin embargo hoy parecen un poco perdidos, sin saber a donde ir. Living in Extraordinary Times es una respuesta más que amarga a la falta de visión de los Británicos, que sin embargo supera con creces su anterior entrega. Acá podemos notar cierta reminiscencia de calidad compositiva como en Picture of This Place o Hank, pero nos quedamos cortos, puesto que las cosas suenan un tanto insípidas, sin mucho que ofrecer y es una lástima porque cuando se lo proponen, James puede comerse al mundo.
CALADIABLO – CALADIABLO
Caladiablo se desviste de cualquier predisposición y nos invita aun viaje plagado de buenas canciones, y un espíritu que parece justo y necesario en nuestros tiempos. La música habla por sí sola, como un huracán de emociones, ritmos e intensidades donde resaltan los momentos a través de sentidas declaraciones de independencia, revolución y amor. Este trío compuesto por Pierattini y Ormazábal de Weichafe, junto a Walter Contreras, se posiciona como un combo dispuesto a acariciarte y sacarte los dientes, desde la raíz misma de la pasión por la guitarra, los estribillos, las líricas honestas y por supuesto, una dosis exacta de Rock.
TRAVIS SCOTT – ASTROWORLD
La celebridad de Travis Scott precede su obra artística, desde una vitrina más que perceptible, a tal punto que cada lanzamiento, se está transformando en algo más grande que su antecesor. Astroworld es sin duda su álbum más experimental, arriesgado, vanguardista y porqué no, gigante. Un reposado y experimentado Scott, recurre a un sin fin de colaboradores que moldean cada parte de su música, siendo algunos más notorios que otros, pero que sucumben bajo la carga psicodélica que el Rapero le quiso dar a su sonido entre Trap y Space Rap, si es que eso existe. Lo que sí, le faltó veneno, fuego, intensidad, a ratos es demasiado denso y pegado, pero oigan, es un paso gigantesco, viéndolo desde el lado positivo, además de que trae temazos como Stargazing o Sicko Mode.
THE PROCLAIMERS – ANGRY CYCLIST
Dentro del dispar presente de muchas bandas con más de treinta años de trayectoria, se encuentran actos que siguen cobijando parte importante de su legado, en base a ciertos riesgos y ese algo más que les hizo (y hace) únicos. The Proclaimers es un nombre que cumple a cabalidad con este cometido, en gran medida a lo variado y enérgico de su propuesta, que en Angry Cyclist sigue gastando los petardos más irónicos y clásicos de una agrupación que está un poquito subvalorada y ridiculizada. Ya es hora de cambiar esa percepción.
THE BETHS – FUTURE ME HATES ME
The Beths acuden a todo un legado del más maravilloso toque de elementos ligados al Jazz, al estudio de la música y los ritmos, y los vierten en una potente mezcla de corazón y sabiduría. Todo desde un carismático e incorruptible Indie Rock capaz de dejar en ridículo a las obras más sonadas y menos inspiradas de la actualidad. Future Me Hates Me es una oda a la radicalidad, desde sus sonidos maestros hasta la fuerte carga emotiva impartida por Elizabeth Stokes, y que a ratos nos recuerda al debut de Big Thief, principalmente por lo importante de una obra de tales características, que nos hace un llamado, desde sus puntos más altos, a mirar con mejores ojos este tipo de discos que salen poco pero que lo llenan todo.
HALESTORM – VICIOUS
La banda de Lzzy Hale abrió sus memorias, sentimientos y dolores como nunca antes, de la forma que mejor saben hacer: a costa de un hard rock bien pesado y explosivo. Vaya que es difícil encontrar una banda de riffs en estos tiempos, pero ésta sabe proveer y disponer de flamantes riffs cuando se les da la gana, y aquí en «Vicious» vemos la inquieta búsqueda y oficio de un sonido más pesado que ve ciertas variantes que esperamos se inserten y maduren en el ADN de Halestorm.
Esta apuesta, o más bien esta postura honesta respecto a los diversos problemas casi arquetípicos han indicado el camino para entregar una variante más emotiva a este rock/metal incombustible. No es que todo se haya tornado así, después de todo, uno sabe a lo que va con esta banda y nunca decepcionan, pero el añadir nuevas pinceladas definitivamente comienzan a aparecer nuevas posibilidades, sobre todo esos ínfimos juegos de producción que apuestan por un sonido algo más electrónico y comprimido tanto en la voz (como en «Skulls»), o en las cuerdas (como en «White Dress»).
EL TEN ELEVEN – BANKER’S HILL
El Ten Eleven siguen en «Banker’s Hill» su forma particular de hacer post-rock: una visión mucho más electrónica que aprovecha las distintas particularidades de sus equipos, como el bajo sin trastes. A lo largo del álbum se destaca la riqueza en la que las cuerdas se mueven, se autodesignan roles, conversan entre sí mientras la batería toma un rol menos protagónico para que la misión de intercalar sonidos ambientales con cosas mucho más directas al grano se torne en un trabajo con la cantidad de información exacta. No es de extrañar que de algo medio sigurrosiano se torne en algo muy Daft Punk, que es el gran atractivo de este disco: el carácter temerario y audaz.
GHOST LIKE GIRLFRIEND – WITNESS · EP
Un indie bien bailable que exprime hasta la más mínima ventaja de la obsesión nipona por la producción, creando y reinventando distintos sonidos que se plasman por sobre todo en las guitarras. Ghost like girlfriend nos presenta en «WITNESS» un mini festín de sonidos, para recorrer calles, bailar en el club, o para cantar en arenas.
Lo más interesante tal vez sea la contraposición de conceptos que logran en cuanto al sonido que evocan. Digo, cuando se trata de algo mucho más masivo, en lo musical son minimalistas como ninguno; cuando se trata de algo más reposado y under, hay todo un catálogo de sonoridades que apreciar. Todo eso nos hace preguntarnos con algo de impaciencia: ¿cuándo se viene el larga duración? es hora ya.
LUCERO – AMONG THE GHOSTS
Aunque mucho menos incisivo, Lucero le pilla un nuevo modelo al asunto, más cercano a como se hacían las cosas antes, más cercano a Bruce Springsteen, pero uno bien melancólico y es que en «Among The Ghosts» su propuesta rupturista del country se supera a sí misma, en una búsqueda con nuevos métodos por la honestidad. Si hasta quisieron grabar todos juntos en el estudio al mismo tiempo, para mostrar el alma y los vínculos de la banda. «Among The Ghosts» presenta el arduo y agotador recorrido de cinco amigos, con madurez y calma.
FOXING – NEARER MY GOD
Pioneros en lo suyo, se arriesgaron y les resultó. El emo tan vilipendiado y relegado a música de época ve en «Nearer My God» una perspectiva un millón de veces más interesante de lo que el standard dicta. Una aproximación que viaja en una paleta de colores nutrida en soul, funk, elementos electrónicos, post rock, indie, entre tantas cosas más. Caritas felices extra por lograr un equilibrio y mantener las proporciones sin guardarse nada a su vez, con una cantidad tremenda de puras canciones de calidad que cambiarán sus concepciones de lo que el emo puede hacer, y por muy triste que sea, querrán bailarlo, querrán saltarlo, querrán cantarlo y definitivamente querrán gritarlo. Absolutamente inesperado, eternamente agradecido.
YURAGI – STILL DREAMING, STILL DEAFENING · EP
Lo de yuragi simplemente toca cada una de nuestras sensibilidades entre suspiros y vociferaciones desde lo más cercano, desde lo indescriptible, desde aquel lugar donde todos nos encontramos y queremos llegar incansablemente; todo eso y más es recogido por estos shoegazers nipones para materializarlo en una de las piezas más bellas que me ha tocado escuchar este año.
Todas esas texturas que ya brindaban en «nightlife», ven en «Still Dreaming, Still Deafening» la epítome de lo que la música…su música puede alcanzar. De algo que desenreda cada fibra emotiva, y que con la difuminación del noise shoegazero, agarra cada una de esas ellas para juntarlas en un halo sensorial de realización, con una voz que entrega un calor juvenil y delicado, calando bien profundo.
OTEP – KULT 45
Explosivo, crudo y contingente: esas son palabras exactas para describir el desplante lírico de la banda de Otep Shamaya, con una honestidad que viene desde las vísceras mismas, apuntando a cada rincón de lo que está dañando Estados Unidos, y el mundo en general. Un discurso consecuente que agradecemos; si incluso produjeron el álbum por sí mismos, para proteger el aspecto prístino que querían demostrar. No obstante, debe ser uno de los álbumes más poco apasionantes de este año en lo que al aspecto musical refiere, no sólo por su predictibilidad sino por lo excesivamente plano que se torna, cómo si se tratase de una fusión amorfa del peor Korn y del peor Limp Bizkit. Hasta duele esta impresión, porque lamentablemente todo ese discurso desaparece con una música tan pobre. Esperamos que puedan reubicarse en el camino correcto.
KARD – KARD 3RD MINI ALBUM ‘RIDE ON THE WIND’ · EP
En este mini album KARD sigue sus andanzas dentro del mundo pop más moderno, con una fijación especial en la producción, es decir, nada muy avasallador y que se autoanuncie con megáfono, sino que juegan más a lo que hacen contemporáneos como Dua Lipa, Tove Lo o Halsey. Aquí en «Ride On The Wind» hay una dedicación en el indagar en ciertos aspectos del pop actual, como la vertiente EDM –bien chill en todo caso– e incluso el uso del dembow y el español, apuntando a su público hispanoparlante.
El trabajo en general es bastante entretenido y vibrante, pero ve su único pecado en la irregularidad del equilibrio de los sonidos, elemento esencial para que sus canciones generen un mayor impacto.
MILES KANE – COUP DE GRACE
Miles se la está jugando y está apuntando a esa área popera que se ha ocultado en su ADN por tantos años, redefiniendo su rol como artista y colaborando con renombres como Jamie T y Lana del Rey. Tal vez se nota demasiado su entusiasmo, que se siente algo apresurado esta ejecución, pero a larga genera una antesala auspiciosa para el futuro de Kane, es sólo que en el espectro general falta algo de impacto (tal vez por la irregularidad), pero ojo, no se engañen, es de esos álbumes que crecen en uno con el tiempo: la balanza está inclinada en buenas y vibrantes canciones. A Noel Gallagher le salió mejor el asunto, pero no te preocupes Miles, que estás a un sólo paso de lo que buscas.
SEVENTEEN YEARS OLD AND BERLIN WALL – OBJECT · EP
Esta nueva ola japonés de shoegaze está en todo, y acá estos cabros encuentran un concepto muy bien logrado entre un indie popular y reposado y el calor del shoegaze. De retratarlo en palabras, diría que es una belleza aterrizada, una música soñadora que, aunque tímida, se expresa de una manera muy natural y honesta. No dejan ir sus pensamientos a la suerte del viento, sino que comparten sus esperanzas y anhelos con pasos de baile, un par de copas y sonrisas retratadas en sus rostros.
Al igual que yuragi, vencen la barrera cultural y crean una música universal que se siente de la misma manera en cualquier lado de la realidad, así que pónganles ojo, están advertidos.
DEE SNIDER – FOR THE LOVE OF METAL
Jamey Jasta (Hatebreed), siempre desafiaba a hacer un disco a destacados nombres del mundo del metal y el rock pesado, y en su encuentro con Dee Snider –el vocalista de Twisted Sister– fue el único que aceptó. Una propuesta llena de incertidumbre, sobre todo por el hecho de que la banda de Snider está apernada a su época, y claro, Jasta tomó el desafió y cumplió con más que creces.
La voz de Dee no se había visto así de cómoda y contundente por lo menos en 25 años, y es que no sólo resultó ser un álbum que supera a su propia imagen, sino que lo consolida como un verdadero ícono más allá de «I Wanna Rock» y «We’re Not Gonna Take It», uno de temer, uno que admirar. Por supuesto, el vocalista de Hatebreed demostró sus dotes y credenciales como un productor con la genialidad suficiente de convertirse en una de las sorpresas del año.
Llega a ser ridículo el equilibrio entre el concepto clásico del metal y el moderno, bien dosificado, bien heavy y harto groove. Está a la altura de obras maestras como el «Firepower» de Judas Priest o el «Dystopia» de Megadeth. Bien por Snider.
THE BLACK DELTA MOVEMENT – PRESERVATION
ADN británico puro, como una forma de preservación en la que el rock garage se integra silenciosamente en un mundo donde el rock perdió las riendas de la industria. The Black Delta Movement nos presentan un garage con un vibra punk que se remece en vertientes psicodélicas sin llegar al plagio conceptual, manteniendo una dicotomía interesante entre un rock bien ruidoso y distorsionado, con otro más pausado que cumple con los mismos propósitos, pero se integra con mayor ahínco en un plano sensible más que visceral, manteniendo un manejo de los matices inteligente con irregularidades a propósito. Demoró bastante en salir el LP debut, pero vale la pena considerablemente.
KIROPTERA – REFRACCIÓN
Discúlpennos por no haber pillado este disco en su momento cabros, pero se las mandaron y revisaremos esto igual, porque lo merece.
Los santiaguinos derraman distintas vertientes de lo que el post-rock, como lo conocemos, puede hacer. Si algo destaca a «Refracción» son las distintas manifestaciones de la música en sí, con luces en clave de locura, densidad y amabilidad que refraccionan a través del cristal de la lupa de Kiroptera, para llegar de una manera infinitamente cautivante a ese lado abandonado de cada quién.
Tal vez la palabra más correcta para definir esta música sea invasión, en el sentido más propicio posible a esta propuesta que bebe de la nueva y vieja escuela de la música progresiva, con un prisma adictivo gracias a la visión del post-rock, decantando en un juego de texturas y por sobre todo, impactos.
JASON MRAZ – KNOW
A pesar de los patrones y fórmulas que yacen en las melodías, Jason Mraz logra encantar al oído con su guitarra, pero nuestro problema recae en la obviedad de la estructura, del copy/paste de un sonido que a estas alturas suena fuera de época, con ese pop guitarrero que nos mostraron en su momento el peor James Blunt y Train, ni ganas dan de hablar del eterno cliché lírico. En conclusión, popular pero definitivamente fugaz, al punto de que serían necesarias las circunstancias más rebuscadas para hacer de estas canciones memorables a cada persona.
VAN CANTO – TRUST IN RUST
Más allá de lo interesante que pueda parecer el formato de Van Canto, al contar con tan sólo una batería y una galería de voces que emulan a los distintos instrumentos del metal, siguen quedando en eso, en una anécdota interesante. El problema a analizar, es que aquí, en su sexto álbum de estudio, siguen copiando lo que hace el metal, siendo que las mismas herramientas con las que cuentan podrían hacer de su música algo mucho más versátil, como lo hace Apocalyptica por ejemplo. Esperamos que se den cuenta pronto, y le tomen el peso real al que no tienen las limitaciones del género.
CAPITAL CITIES – SOLARIZE
Un regreso que demoró tanto que finalmente pasó desapercibido. Lo de Capital Cities es un álbum irregular, con buenas canciones pero también con otras que sin ser malas, son realmente olvidables. Pero en algo podemos concordar, y es que el dúo quiso romper el paradigma meloso de «In A Tidal Wave Of Mistery» para algo más reposado, pero lleno de distintas vibras urbanas que ven sus mejores expresiones cuando hay un enfoque en el disco y el funk. No es que el uso de lo electrónico esté mal, de hecho es el esqueleto de lo que Capital Cities significa, pero lo que hace a esta banda interesante es el sabor que brindan los otros sonidos, con el uso de bronces tan olvidado en el pop moderno.
No hay necesidad de mezclarse en lo que es el pop actual para mantenerse vigentes, tan sólo exploten sus rasgos distintivos y así terminarán siendo una banda de peso que deje el estigma de «Safe and Sound» y «Kangaroo Court».
RED VELVET – SUMMER MAGIC – SUMMER MINI ALBUM · EP
Si el propósito es hacer un álbum veraniego, realmente cumplen, y es que ciertamente no tenemos mayores problemas con la melosidad casi fluorescente que puedan tener algunas melodías como «Power Up», por ejemplo; el problema es lo irrisorio que pueda ser la baja calidad de las letras. Algo que surge de tanto en tanto en el panorama musical, y que aquí molesta en demasía, ya que Red Velvet brilla mucho más cuando no anda en esas andanzas, brindando letras formidables.
Sí es un álbum entretenido, pero esperamos que la pega de los productores dejen de lado la misoginia con las letras, pues no se les ve a los grupos como iKON o BTS con letras así, al menos no en estas proporciones.
MUCC – JIGEN BAKUDAN · SINGLE
En la carrera de estos veteranos del rock nipón y el visual kei, este sencillo cumple una función especial más allá de la promoción, demostrando la inquieta versatilidad para saltar en distintos sonidos, tonalidades y visiones tanto de canción en canción, como dentro de la estructura de una misma. Un rock de masas como en «Sei to Shi to kimi» –con una ejecución soberbia en el coro, minimalista líricamente, pero tremendamente compleja en lo que a producción refiere–, la excéntrica «TIMER», y la atemporalidad pura del visual kei en «magenta» y «Requiem». MUCC da para rato, y en este puñado de canciones ya consiguen un vendaval de emociones.
GOLDEN DRAG – PINK SKY
Una banda que aún se mantiene en bruto, pero consiguen atrapar la atención de quienes posan sus oídos sobre sus ideas que rallan en la autoironía del punk más tranquilo, con harto noise, voces deliberadamente planas con un discurso melancólico como sarcástico. En «Pink Sky» no superan el personaje, pero vamos, que es solo el debut. Igual es evidente que si se hubiesen tomado un poco más de tiempo en esculpir esas ideas habría sido muy distinta la historia.
PRIMAL FEAR – APOCALYPSE
Aunque sea un viaje a la segura, lo de Primal Fear sólo aumenta sus arcas con repertorios repletos de heavy/power metal de calidad y dedicación asegurada. No es que necesiten innovar si es que tienen la habilidad suficiente de crear piezas que se sostengan en sí mismas, sin canciones de relleno. Es decir, siempre habrán bandas que sostengan el estandarte clásico de su propio género, y Primal Fear es una de ellas, quienes nos permiten sentir en «Apocalypse» todo el gen de la escuela alemana de Accept, Scorpions y el Helloween más primitivo, y por si fuera poco destacarlo, qué onda la voz de Ralf Scheepers, a sus 53 años se mantiene más que firme.
IGGY AZALEA – SURVIVE THE SUMMER · EP
A pesar de la postura mucho más oscura y piola en la que Iggy se ha inmiscuido, su nuevo EP es cualquier cosa menos cautivador. En ese aspecto hubiese sido preferible que apuntara al aspecto más popero de su música, más meloso pero esta nueva faceta no exprime realmente las ventajas de este tipo de música más denso, fallando en su acercamiento al trap. A pesar de que «Tokyo Snow Trip» mostró unas luces bien interesantes, la carencia de impacto de la totalidad del extended play recaen bien feo. ¿Cómo decirlo? Si se tratase de freestyle, algunos tracks serían realmente brillantes, pero como canciones no funcionan realmente. No sólo de letras se trata, pero estás apuntado a un lado interesante Iggy, no puedo negar eso, tan sólo hay que tomarse todo el tiempo que sea necesario.
MICHAEL ROMEO – WAR OF THE WORLDS, PT. 1
La mente maestra de Symphony X quiso retratar en riffs y solos que rebosan en infinitud todo lo que tiene que decir, esta vez sin las limitaciones de las etiquetas de su banda madre, permitiéndose un relajo –que se nota– y dejar de lado las pretensiones del prog por algo más directo al grano, mucho más cercano al power y el speed.
Evidentemente, retrata y repasa sus habilidades como compositor neoclásico y shredder, sin llegar al sin sentido, creando un álbum muy disfrutable, para el headbanging, cantar y sumergirse en el mundo cyber punk que retrata.
NEVER AGAIN – MIKANSEI NO ASHIATO
Punk de calle, de pueblo, del que se descubre a pulso. Los nipones la hacen con una música que se rebela ante sí misma, más allá de los acelerados tempos en los que se puedan desenvolver, tonificando la esencia en base a un ingrediente dosificado milimétricamente de pretensión, rasgando los fundamentos lo suficiente para mantener la unidad hermanable del género, sin caer en experimentos fallidos. La sucia producción termina siendo un argumento más para avalar lo que Never Again hace aquí, algo sencillo y explosivo, pero que no sólo atrapa con el discurso, sino que tienen sus pequeños trucos para ponerle color. Algunas bandas deberían tomar nota de ello.
TALONS – WE ALL KNOW
Un álbum instrumental que consigue retratar y representar el análisis de Talons –en algo más de 45 minutos– de todos esos preceptos, imágenes y situaciones que nos inquietan y vemos desde nuestros lugares con lejanía y curiosidad, ya sea en libros, en el cine o en los arquetipos contemporáneos a esta época. Armados con el noise, le sacan el jugo al concepto del menos es más tomando prestados elementos del post rock, de la música industrial, del post punk y con arreglos sutiles de cuerdas y elementos electrónicos, todo envuelto en un paquete de oscuridad, que no busca en absoluto encantar, es más, es como si deliberadamente buscaran importunar como si se tratara de alguna película de Lars Von Trier la cosa. No es para todos, pero en definitiva tómense el tiempo de escucharlo.
PRIME BOYS – KOBA WORLD
Un debut promisorio de un supergrupo de rap de Toronto, conformado por Jay Whiss, Jimmy Prime y Donnie, un inicio inspirado como un testimonio de lealtad a su amigo fallecido Kosi Modekwe –Koba Prime–. Lo realmente contundente y sin peros alguno es el desplante lírico, repleto de dolor pero empujando con fuerza, en respeto de su hermano caído en un tiroteo. Por otro lado, en lo musical si hay mucho material, un rap de ciudad, uno de fiestas grandilocuentes, que puede tornarse repetitivo en ocasiones pero que con el ingrediente de agresión necesario puede tornarse en algo con mayor impacto. No confundamos la elegancia con sumisión, pues el «rap caviar» (como diría Spotify) necesita de distintas emociones que se entrelacen en un punto claro, para generar empatía, para querer e intentar entender las palabras que salen de ellos mismos.
TAYLOR JANZEN – INTERPERSONAL · EP
Una guitarra, uno que otro arreglo ambiental y una voz. Eso es todo lo que necesita Taylor para exteriorizar una compleja encrucijada emocional que desenlaza en estas melodías para hablarnos. No es cómo una confesión ni una charla de amigos, más bien se puede traducir en canciones de una persona tímida, sin un mayor fin que sacarlo del sistema, algo así como una carta en una botella en el mar. Sí, eso es lo más exacto.
INDIO SOLARI Y LOS FUNDAMENTALISTAS DEL AIRE ACONDICIONADO – EL RUISEÑOR, EL AMOR Y LA MUERTE
Grande como ninguno, el Indio es un hombre de oficio que dejó relucir su creatividad con una sencillez innata para mostrarnos una enseñanza de vida, con sabor a realidad, aceptación y por sobre todo, humanidad. Con ese rock tatuado, vemos una variedad de elecciones que representan la identidad de cada canción, como los vientos, las percusiones, los arreglos electrónicos, el coreo en bruto y masivo, entre otras cosas más que integran una obra moderna donde lo mejor, por si fuera poco y sin rallar en la obviedad, es la voz del Indio Solari. La voz de un hombre que suena –con una hipotética despedida entre líneas– agradecida, transmitiendo y heredando de manera generosa sus propias experiencias, con un tratamiento romántico de la cotidianidad.
DAVE GROHL – PLAY · SINGLE
El frontman de los Foo Fighters dejó salir todo ese imaginario rockero que ha moldeado toda su vida en una canción de casi 23 minutos que deja relucir todas sus sensibilidades y ambiciones. No sólo se trata de los riffs del Wasting Light o de las novedades del Concrete & Gold, no sólo se trata de su amor y devoción por Rush, se trata de un Dave Grohl que abandona por un momento en su vida el complacer a su reputación, imagen y fanaticada y deja entrever todo lo que pasa por su cabeza, en idioma progresivo y garage, elementos que en general surgen a destajo cuando indaga en rincones más melódicos, con una bocanada de sorpresas.
Aunque esta pieza instrumental en lo que signifique su carrera tal vez no pase de ser una anécdota, o tan sólo un mero desafío, no podemos negar que Grohl tiene mucho que ofrecer, por mucho tiempo más, y ojalá ver esta faceta de él en cualquiera de sus proyectos, en los Foo Fighters, o porqué no, una carrera solista.
IGLOOGHOST – CLEAR TAMEI · EP
El productor inglés desafía el canon, borrando las fronteras de la música de nicho al comando de lo que la electrónica puede brindar. Sin dejar de ser contingente, logra hacer del experimento algo único que entabla y define al personaje de Seamus Malliagh, moviéndose entre aquellos elementos del dubstep que encantaron y permanecieron a lo largo de los años, con unos beats reminiscentes de lo tribal y afro. El juego a la locura y lo imprevisible dirigen este álbum en una paleta de colores que mezcla colores primarios, secundarios y terciarios en cuánta posibilidad se le ocurra, superando la imaginación del oyente.
ODETTA HARTMAN – OLD ROCKHOUNDS NEVER DIE
Quien diría que la yuxtaposición entre el folk americano y los beats electrónicos verían en Odetta un horizonte nuevo para dos mundos tan lejanos en lo temporal y generacional. Aquí existe una conversación relativa entre lo experimental y lo popular, con una aproximación interesante bajo el alero de las historias de barrio relatadas por los herederos de ese mundo tan nostálgico, y a su vez, siendo rupturista con la tradición en variadas maneras.
ACME – ZESSHOU OUKA
ACME muestra aquí lo que es el futuro lógico del visual kei, uno que abandona un poco el romanticismo del concepto noventero y abraza las nuevas posibilidades de estos tiempos, con un puñado de elementos electrónicos que inyectan de energía, y triunfan en el planteamiento de su propia identidad, una con el mismo impacto que sus predecesores pero en vez de caer en la nostalgia, sólo reboza respeto.
Quizás el único cuidado que deban tener para el futuro, es en la sobrecarga de información en términos de producción en algunos cortes de la placa, pero nada del otro mundo en verdad.
CAMPDOGZZ – IN ROUNDS
Hipnótico, pero evidente; etéreo, pero terrenal. Campdogzz atrapa nuestros sentidos de varias maneras con un indie que ve en los matices y en la finalidad de sus canciones su código propio para integrarse en nuestras psiqués, de una manera mucho más sensible y madura que en sus primeras andanzas en «Riders In The Hill Of Dying Heaven» allá por el 2016, y si de algo estamos claros, es que consiguen dosificar toda esa identidad desértica del sur de los Estados Unidos, de una manera amigable que busca la diversificación de sonidos, en donde el calor evapora nuestras dudas y nos hace sudar de ansias por más.
MANTICORA – TO KILL TO LIVE TO KILL
Una de las pocas bandas que han hecho del power metal algo más interesante más allá del estereotipo, no temen en desarmar y quitar piezas para pillar nuevas chances de un género prácticamente inamovible.
En «To Kill To Live To Kill», nos presentan un trabajo conceptual realmente oscuro que se enmarca en un aura de desesperación, muy por el contrario del ambiente esperanzador del power metal clásico. La añadidura de lo que el speed puede regalar –más allá del concepto literal– permite un contraste de antología al enmarañarse ante riffs repletos de groove e incluso disonancias que sólo vemos en el metal extremo como el death o el black. La narrativa lograda con esos elementos hizo de la teatralidad de este álbum algo punzante, directo al hueso, con una genialidad que nos hace cuestionar lo criminalmente infravalorada de esta banda.
ANLY – LOOP
Un álbum rico en multiplicidad de ritmos y posibilidades, cortesía de la visión del pop moderno, permitiendo relucir las habilidades de la cantante en cuanto a saltos entre lo citadino, acercamientos al rap y un pop más melodioso y fogatero. En el espectro general, Anly se mantiene firme en su puesto, y estos pasos seguros en terrenos menos familiares le entregan nuevas credenciales a su adaptabilidad, aunque claro, su voz resplandece con libertad y comodidad con las canciones más emotivas.
NICKI MINAJ – QUEEN
Debo decirlo, me sentía dudoso de lo que este álbum pudiese ser, y definitivamente me veo sorprendido de que se haya mantenido en pie, con muchísimos errores en el camino, pero lo suficiente para mantenerla en su estatus. Ahora, en cuanto a las novedades si relucieron bastante los acercamientos a los ritmos latinos –cómo fehaciente demostración de que el pop latinoamericano se apodera del mercado agresivamente–, como uno que otro acierto con el trap. No obstante, uno de los problemas principales que mermaron este trabajo fue la duración: 1 hora con 9 minutos en 20 tracks que agotan a la larga, perdiéndose el impacto que algunas canciones tuvieron. Es decir, hubo un montón de buenos ideas, pero el manejo de los clímax fue irregular.
REDEMPTION – LONG NIGHT’S JOURNEY INTO DAY
Redemption presenta en este álbum el punto de convergencia de la vieja escuela del metal progresivo de bandas como Dream Theater, entregando toda su herencia a la nueva escuela, declarando con un haz de grandilocuencia lo que jamás se debe olvidar en la música, sin importar cuán habilidoso sean los instrumentistas: la pasión. «Long Night’s Journey Into Day» es un álbum que renueva ese sonido, como un manifiesto a respetar que se despliega en más de una hora y nos dice como se hace un buen álbum, hecho y derecho.
LIZ COOPER & THE STAMPEDE – WINDOW FLOWERS
En vez de un indie folk que apunte a gentíos infinitos como los Lumineers, o uno más de bar, Liz y la estampida le cantan a su propia gente con un deseo incauto de llegar a la retina de oyentes que vean y sientan las palabras de ella, que con un desplante vocal y estilo propio, espera iluminar un poco las pisadas de sus seguidores. La música de guitarras seguirá conmoviendo.
MASAYOSHI FUJITA – BOOK OF LIFE
Una rosa fosilizada, un retrato abstracto de lo que la vida significa: un recuerdo condicionado por el momento, por las experiencias, por el ánimo, y es que Fujita es un verdadero filósofo de la música que, acompañado por su infaltable vibráfono, consigue extraer en torno a notas y métricas un concepto que se personaliza en la primera escucha, y en ese trance remece concepciones de los propósitos de este bello arte, como de la vida misma. En lo musical, minimalismo puro con ínfimos arreglos; en lo personal, infinitud.
TANNERS – TANNERS · EP
Un puñado de canciones que rozan el dream pop con la suavidad retratada en cuatro canciones que repletan pasillos y habitaciones de fiestas desconocidas. Con una visión clarísima, existe un uso concienzudo de cada elemento material de una banda, en las que las líneas de bajo y los sintetizadores dominan y se alzan como el ingrediente básico y más importante, para que así, las melodías vocales ensalcen con un sabor profundo e inmenso, en un suspiro de jovialidad.
ANAVITÓRIA – O TEMPO É AGORA
Este dúo brasileño mantiene el potente momentum que –en base a gentileza– las ha catapultado al estrado de los grandes desde su primerísimo álbum. Historias conocidas que se traducen en lenguaje indie pausado, con melodías vocales que encandilan con un encanto sutil y que ven su fuerte en la tranquilidad con la que se sumerge. Qué ganas de verlas explotar el aspecto instrumental, que en algunos cortes se sienten facturados particularmente para acompañar la voz. Pero claro, el futuro es mucho más promisorio cuando hace las cosas bien, y Anavitória tiene todo para triunfar.
ULTRA-VIOLENCE – OPERATION MISDIRECTION
Rabioso, oscuro, veloz, una verdadera bomba de tiempo. Lo de Ultra-Violence es algo sin rodeos, respetando los principios fundamentales que definieron al thrash metal como lo conocemos: un armatoste enmarañado entre riffs, baterías sangrientas y una explosión infinita y cíclica de energía.
«Operation Misdirection» es un álbum que desafía nuestra condición física, con soberbia pero fe en nuestro espíritu que en ocasiones se tira unas pequeñas luces de ambición sonora (como en «My Fragmented Self»), algo atípico en esta ola moderna de thrashers que, con una producción de lujo, abrazan orgullosamente el concepto. ¿Quién sabe?, quizás se mandan la gran Skeletonwitch y terminan haciendo algo genuinamente novedoso.
HYDE – AFTER LIGHT · SINGLE
La eterna voz del vocalista de L’Arc~en~Ciel y VAMPS ha marcado un regreso inquieto y promisorio a su carrera solista. Habiendo lanzado hace un tiempo el sencillo «WHO’S GONNA SAVE US?», esta vez despacha dos canciones con un sabor rockero-electrónico, ese de antaño, de delineador y labial pero que Hyde se ha encargado de reinsertar con un formato mucho más amigable, entendible y pegajoso.
No es de extrañarse que lo hecho en «AFTER LIGHT» persiga la misma línea que dejó en lo último de VAMPS, aprovechando la producción en cuanto ámbito sea posible, demostrando que su voz –a sus 49 años– no se ha desgastado en absoluto, todo lo contrario, pareciera que sigue mejorando más y más. Es cosa de escuchar «KISS OF DEATH» –producida originalmente por él para Mika Nakashima–, y ver como adapta su voz con facilidad al rango de la cantante, manteniendo la esencia de la canción. Queremos que saque un disco, y los más pronto posible.
STRAY KIDS – I AM WHO
Como respuesta a «I Am NOT», este nuevo álbum de Stray Kids se alza en una mezcla increíblemente equilibrada entre el rap y la música electrónica, con una visión que consigue homogeneizar todo ello en 21 minutos de pura urbe, de puro swag y de puro talento. No sólo ve sus méritos en el equilibrio logrado, sino que en un álbum bastante corto logran nuevas posibilidades para el género, como el aplicar sonidos que escapan un poco del movimiento para generar algo con más identidad, y con una asignación versátil de roles a lo largo del álbum del uso de voces, donde la voz principal no es la única que destaca.
HYBRID – LIGHT OF THE FEARLESS
De las bandas más interesantes que se manejan en la música electrónica, su propuesta breakbeat persigue un desarrollo curioso en «Light Of The Fearless», donde los dardos apuntan a un mensaje esperanzador que sin llegar a lo cliché, llena de coraje a la luz de una música cinemática que ve en su catálogo de opciones un viaje enriquecedor con una influencia predominante del rock, conjugándose con lo electrónico de formas que pocas veces vemos. Tracks de tamaña factura como el grand finale «I Won’t Back Down», «Hold Your Breath», «Shaking» y «Long Time Coming» son tan sólo la punta del iceberg del –ahora– dúo británico que en su intelectualidad e inconformismo, deconstruyen la manera de hacer música por una con sus propias fórmulas.
TROPHY EYES – THE AMERICAN DREAM
Trophy Eyes es de aquellas bandas que se arriesgan en llevar al prisma más masivo su música, un rock con versiones punk de sí mismo en conjunto con la herencia del emo más desgarrador, demuestran con inteligencia la conjugación de todos esos elementos sin caer en lo complaciente, ni mucho en lo fácil. Un álbum inundado en melodías pegajosas que lucen de sobremanera en las canciones más versátiles, con una fórmula clara, pero que en la fusión de uno que otro scream y elementos del rock de estadio crean productos bastante soberbios, integrándose con celeridad en el panorama que bandas como Nothing More, Foo Fighters o Green Day se manejan. Una visión y postura que le hace muy bien al pop punk, sacándolo del marco del universitario gringo de los 2000.
MATY NOYES – LOVE SONGS FROM A LOLITA · EP
Con la película clara, Maty Noyes se infiltra agresivamente en el mundo del pop a costa de vibras bien caribeñas, veraniegas, o bien de Miami, California, algunos de esos lados donde la fiesta no para. Si bien Maty declara que su música es un «pop perfecto», está algo lejos de serlo al menos en la música, pero si su aseveración refiere a la fórmula, pues si, podríamos decir que es infalible. Con un derroche sonoro que ve en la sensualidad de las texturas vocales sus mayores ventajas, no rompe ninguna fórmulas pero si asegura un buen festejo.
CROSSFAITH – EX_MACHINA
Crossfaith es una de esas bandas que crean su propio mundo sonoro, para cultivarlo y expandirlo del modo que quieran. Con la chispa de la popularidad, no se intimidan para nada en fusionar el dance y la electrónica con el metal y el hardcore, logrando un producto aún más agradable que el de bandas como Fear, and Loathing in Las Vegas, y definitivamente mucho más honesto que la última etapa de Sonic Syndicate.
Tal vez en lo concreto no sea tan impresionante su apuesta, pero aquí en «EX_MACHINA» se encargan de demostrar como la palabra visión se torna en un ingrediente tan fundamental al involucrarse en territorios polémicos, y es que el equilibrio no está tan sólo en la manufacturación de sus canciones sino también en el orden de estas. Quizás a ratos se cargan mucho al lado más comercial del EDM, pero eso puede ser la antesala –con el respectivo feedback– para nuevas aristas en lo que a lo electrónico refiere.
LORD OF THE LOST – THORNSTAR
Bañados en inconformidad y una ansia frenética de explorar e invertir en nuevos páramos musicales, Lord Of The Lost entrega en Thornstar un disco doble difícil de describir en pocas palabras, pero si es cierto algo, y es que existe un aura oscura en los alrededores de este trabajo. Con un núcleo definido entre lo gótico e industrial, inyectan su propia visión de lo que ofrece el metal moderno, con coros y melodías atrapantes y riffs estridentes dignos del metal más pesado.
El concepto del álbum doble siempre es por lo menos, difícil de manejar, pero Lord of The Lost tiene éxito en el equilibrio de los matices, donde el entramado permite que la narrativa de la próxima pieza tenga su propio destello e impacto, nutriéndose entre lo lúgubre, sensual y explosivo.
NICO TOUCHES THE WALLS – TWISTER · EP
Aquí tenemos un puñado de canciones –con sus versiones acústicas– que apuntan a un lado más explosivo e histriónico de NICO Touches the Walls, por decirlo así, diversificando así el espectro general del sonido ya clásico en el que suelen manejarse. De cierta manera, aunque se note que «TWISTER» aproveche la postura anecdótica que suelen tener los EP’s, tropezaron dejando caer un exceso de excentricidades, como por ejemplo el hecho de que Tatsuya abusó de las notas altas llegando a la caricaturización en ocasiones, desaprovechando su rango vocal. Claro que hay un par de canciones que salvaron el asunto como «SHOW» y «VIBRIO VULNIFICUS» que condensa de manera casi correcta las excentricidades que dejaron salir, no así con «FRITTER» que se siente como un sin asunto.
MAC MILLER – SWIMMING
El disco confesional post ruptura de la semana viene por parte del rapero estadounidense. Con destacados nombres apañando en las distintas canciones (J. Cole, DJ Dahi, Steve Lacy de The Internet, Thundercat, Flying Lotus por nombrar algunos) el trabajo se erige como pulcrísima producción. Muy calmado todo y muy cómodo se siente el autor en estos ambiente cantando más que nunca, claro, no es Frank Ocean, pero se atreve, cual enamorado con el corazón roto que no tiene nada que perder. Pero ya sumido en terrenos emocionales se extraña un momento explosivo, poderoso y memorable.
TIRZAH – DEVOTION
Que gusto apreciar como la autora sigue sonando tan marciana y atractiva como lo fue hace 4 años (No romance EP). Dulcemente vacilante, adornada de sintetizadores apagados y tambores raquíticos que se mezclan con su voz sigilosamente alta, ronca y tenaz el disco se constituye como un universo particular que se presenta honestamente a nosotros con sus virtudes e imperfecciones. Del entendimiento de estos dos elementos emana toda la belleza de la obra.
TONY MOLINA – KILL THE LIGHTS
El formato de las micro canciones podría dar que hablar este año. En mayo Tierra Whack sacó “Whack World”, un disco de 15 temas rap, de un minuto cada uno, que ha sacado bastantes aplausos. En esta ocasión tenemos un experto en breves estocadas folk, que con sus 10 temas y 14 minutos de duración nos presenta una ráfaga de pasión, melancolía y locura. Las canciones están y de que llegan, llegan, pero tanta entrega al expresar hace que finalmente nos quedemos pensando en todo lo que quedó por demostrar.
JAVULIGAN – HUNAMOS
Hace un rato ya que los cabros de Lunar Tapes tienen algo que aportar en la junta de las creaciones más bacanes del panorama nacional. El 2016 Flakodiablo le puso notablemente con “Visiones” y el año pasado “Kaygglub TV” fue parte de los discos favoritos de Expectador. En esta ocasión Javuligan nos presenta este entretenido mixtape venido de un frondoso edén policromático funk-rap. El autor sin embargo se eleva por sobre la selva y lleva su propuesta a niveles cósmicos donde su sonido es capaz de conectar con el latido universal, base de todo viaje inspirador.
Escritos por:
Felipe: Desde Mundo Del Mañana hasta The Beths.
Jota: Desde Halestorm hasta NICO Touches the Walls.
Ernesto: Desde Mac Miller hasta Javuligan.
